Plasma de Miércoles E37: Galaxy Quest (1999)

martes, septiembre 29, 2009 | Comments

Plasma ha estado muy serio por un buen tiempo, de modo que vamos a hacer un pequeño cambio. Bueno, un buen cambio.

Los geeks de cualquier especie somos un blanco fácil de burlas.Más que nada porque somos incomprendidos. (Perdón, son incomprendidos.) Tienen una clase de amor que pocos entienden, lo que los ha hecho perder un poco sus habilidades sociales. Los trekkies --fanáticos de la serie Star Trek-- son el más clásico de los grupos de geeks que la gente no entiende, e incluso los mismos actores de la serie lo vivieron. Era muy fácil hacer burlas o sátiras al respecto, pero sólo Galaxy Quest logró hacerlo correctamente --y terminó haciéndolos triunfar al final. (Fanboys sería un homenaje aún mayor diez años después.)

Galaxy Quest es uno de los programas de ciencia ficción más exitosos, transmitido entre 1979 y 1982, con un elenco que se han convertido en héroes, que han hecho 18 convenciones anuales seguidas. Hasta que PING, el show fue cancelado y ahora no están muy claros de qué hacer con su vida, excepto Jason Nesmith (Tim Allen), quien como el capitán y protagonista era el que recibe más atención y es el único que aún disfruta la atención. No así Alexander Dane (Alan "Snape" Rickman), un actor shakesperiano que necesita volver a la actuación "seria", ni Gwen DeMarco (Sigourney Weaver), quien ya siente que está ahí sólo por su pinta, que ya están ladillados de no poder sacudirse sus papeles. Los actores secundarios, Fred Kwan (Tony "Monk" Shaloub) y Tommy Webber (Daryl Mitchell) se quejan de que no reciben atención, y Guy Fleegman (Sam Rockwell) se queja de que siempre era el idiota que se muere antes de los comerciales.

Repentinamente, Nesmith recibe una visita curiosa de un grupo de gente que parece el colmo de los geeks, liderados por un tal Mathasar (Enrico Colantoni), hasta que descubre que estos no son geeks: son una verdadera raza alienígena que ha estudiado todos los programas de Galaxy Quest y cree que son documentos históricos. Han sido atacados por una raza maligna liderados por el general Sarris (Robin Sachs) y necesitan su ayuda para detenerlos. La tripulación del Protector tiene que improvisar como nunca para poder sobrevivir a este desastre.

Dean Parisot ha logrado dirigir una película que se ha vuelta casi tan de culto como la serie ficticia, y tiene incluso la aprobación de miembros de Viaje a las Estrellas como Patrick Stewart o George Takei. Principalmente porque no cae en clichés o burlas fáciles sino en sátira inteligente, unidos a un genial elenco y efectos especiales (y maquillaje) bastante buenos. La historia va más allá de lo ingenioso, y no sólo logra burlarse de lo absurdo que tuvo esa serie sino que añade muchos de sus elementos exitosamente. El guión es de David Howard (hasta ahora su único guión) y Robert Gordon (quien luego escribió los de Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events y Men in Black II); ambos están preparando ahora una historia de Bizarro Superman.

El elenco es de primera, y de hecho esta fue la última película que Tim Allen hizo que valiera la pena (más allá de su trabajo como Buzz Lightyear en Toy Story). Su labor como engreída prima donna ansioso por recuperar su sitio en la atención colectiva es perfecto para él. Weaver es increíblemente divertida, un rol en el que no la vemos muy frecuentemente, y es asombroso verla como una "rubia tonta". Rickman a estas alturas podría hacer una película que consistiría en él leyendo las Páginas Amarillas y yo lo disfrutaría; su cara de arrogante obstinado contrasta mucho con la superficialidad de su entorno. Y Rockwell demuestra por qué está empezando a ser un actor que el cine independiente busca (pendientes de verlo en Choke y Moon), pues el pana logra sacar lo máximo de un papel que podría ser absolutamente unidimensional.

Una vez leí un comentario sobre Shaun of The Dead, una parodia de las películas de zombie con Simon Pegg y Nick Frost, que la describió como una excelente sátira del género y a la vez una buena añadidura a él. Galaxy Quest es lo mismo para el de ciencia ficción: logra tomar todos los elementos que todos admiramos y logran que funcionen a la vez que se mofan de ellos. Nada sencillo y una muy buena ejecución.



NOTAS CURIOSAS

  • El villano de esta película es nombrado por el crítico de cine Andrew Sarris, quien una vez destruyó la película The Natural (1984) del productor Mark Johnson.
  • El monstruo de roca es uno de muchos homenajes a Star Trek. Este en particular es un saludo a William Shatner, quien quería tener un monstruo de roca en la quinta película de la serie, que él dirigió (considerada la peor, por cierto), pero tuvo que eliminarlos por motivos presupuestarios.
  • El melódico pero monótono tono de voz de Mathesar fue una idea del propio Enrico Colantoni, según el escritor David Howard. A todo el mundo le encantó tanto que decidieron dejarlo.
  • La escena donde Tim Allen está en un baño y escucha a unos fanáticos decir que ahora el elenco son una cuerda de "nadies" y los demás actores no lo soportan está basado en algo que realmente le pasó a William Shatner cuando fue a una convención de Star Trek.
  • El debut en el cine de Justin Long y Rainn Wilson.

Cortando rabo, oreja y lo que le pongan: teaser de Nightmare on Elm Street

lunes, septiembre 28, 2009 | Comments

nightmareonelmstreetposter Hay algunas películas que dan para eñe mil secuelas. Otras son víctimas de la odiosa ola de remakes que atesta a Hollywood mientras tratan de asegurar una inversión. Pesadilla en la Calle del Infierno, la serie de terror que tenía como protagonista a Robert Englund como Freddy Krueger, cae dentro de las dos categorías, teniendo seis secuelas a la original de 1984 (protagonizada por un muy joven Johnny Depp) y un crossover con la otra serie de terror con un famoso protagonista, Jason Voorhees de Martes 13. El año pasado, Jason volvió con Martes 13, al igual que Leatherface (Texas Chainsaw Massacre) y Michael Myers (Halloween), asì que sólo faltaba que Freddy volviera a aterrorizar a la gente. El teaser de la nueva versión apareció en línea hoy, y aquí se los presento.

Mientras la serie original tenía mucho humor negro, esta nueva versión parece que se va directo al terror. Y ayuda que el protagonista sea un pana que está acostumbrado a meter miedo, como lo hizo excelentemente en Watchmen. Sí, Rorscharch, mejor conocido como Jackie Earl Haley, es ahora Freddie Krueger, un jardinero acusado de matar y violar a un grupo de niños que es perseguido por un grupo de padres e incendiado en una vieja fábrica. 18 años después, Krueger ha regresado y está cazando a los hijos de esos padres en sus pesadillas.

¿Fue Krueger injustamente matado y ahora está buscando venganza? ¿O la muerte no es suficiente para tanta maldad? Qué importa, la película se ve intensa. Se estrena en abri de 2010. Disfruten el trailer.

Nightmare on Elm Street teaser

Ojalá todos matáramos por un libro: trailer completo de The Book of Eli

domingo, septiembre 27, 2009 | Comments

En los libros está nuestra salvación, creo haber escuchado una vez. (O quiero pensar que no lo estoy inventando.) En The Book of Eli, la nueva película de los hermanos Hughes (From Hell), eso puede ser tomado literalmente. Aquí les traigo el trailer completo que nos da más información que el teaser que fue mostrado en Comic-Con en julio.

La película es protagonizada por Denzel Washington como Eli, un solitario guerrero que está atravesando un país después de un apocalipsis con un libro sagrado que podría tener la clave para salvar la humanidad. Se topa con Carnegie (un Gary Oldman que suda maldad), el líder de un destartalado pueblo que no se detendrá ante nada para tener el libro él mismo, y con Solara (Mila Kunis), una mesonera con un secreto. También están Ray "Punisher" Stevenson, Jennifer Beals, Michael "Dumbledore" Gambon, Malcom MacDowell y Tom Waits.

No sé a ustedes, pero yo no he visto una distopía de acción decente desde Mad Max. Y The Road es más drama que acción. Así que creo que esta lo hará muy bien. Washington y Oldman se ven brillantes en sus roles, y me gusta ver que Mila Kunis quiere sacudirse su imagen de niña "buena" de That 70's Show. The Book of Eli se estrena en enero de 2010.

Ocio: comparación de monstruos del cine

sábado, septiembre 26, 2009 | Comments


Simplemente, porque podemos. Geek Tyrant se lanzó un gráfico donde se comparan los principales monstruos del cine, desde el 1,20 m. de Chucky hasta los 60 metros del gigante de Cloverfield. Algo fino la verdad. ¿Y sabían que el Rancor (La Guerra de las Galaxias: El Regreso del Jedi) medía 9 metros de alto? De izquierda a derecha:

  • Chucky
  • La Malvada Bruja del Este (El Mago de Oz)
  • Tiranosaurio (Jurassic Park y muchas otras)
  • King Kong
  • Rancor (El Retorno del Jedi)
  • Megatron (Transformers)
  • La Mujer de 15 Metros (The 50-Foot Tall Woman)
  • El Señor Stay Puft (Ghostbusters)
  • El Trípode (La Guerra de Los Mundos)
  • Godzilla
  • Clover (Cloverfield)
Pueden hacer clic en la imagen para el gráfico a tamaño completo. Ah, y es un diseño de una franela que pueden comprar aquí si tienen el cupo para ello.

La Cruda Verdad: Cualquiera pudo contar esta historia

viernes, septiembre 25, 2009 | Comments

¿Es demasiado pedir una comedia romántica que en efecto nos dé una sorpresa? ¿Es que los días de When Harry Met Sally o Sleepless in Seattle de verdad murieron? ¿O es La Propuesta lo mejor que debemos aspirar en el género? Considerando los resultados de la gran mayoría de las películas del género que han salido, como Quiero Robarme a la Novia, Los Fantasmas de mi Ex y ahora La Cruda Verdad, no tengo muchas esperanzas.

Esta es la más reciente cinta de Rob Luketic, quien luego del éxito de Legalmente Rubia resucitó a Jane Fonda para nada en Monster-in-Law y luego promete seguir destruyendo su legado
al rehacer Barbarella. Créanme cuando les digo, cualquiera puedo haber hecho esta película con otro elenco y el resultado sería exactamente igual, pues creo que hasta yo pude haberla dirigido y no vería ninguna diferencia. Eso sí, hay que reconocer que hay momentos bastante divertidos e incluso hasta tiernos. Pero de resto es una historia tan plagada de clichés que da pena.

Abby (Katherine Heigl, de Grey's Anatomy) es una productora ejecutiva en el noticiero matutino de un canal de Sacramento, California, que tiene muchos problemas para encontrar novio. Y no es porque sea fea o mala gente --es una maniática controladora que decide que todos los hombres deben pasar por una lista de atributos que tiene preparada. Su mundo recibe un sacudón cuando su jefe contrata a Mike (Gerard Butler), un misógino anfitrión de un canal de acceso público que se dedica a decir las cosas como son: los hombres son simples, quieren sexo y cualquier mujer que se lo provea y ya. ¿Necesitan saber algo más?

Ah bueno sí. Resulta que Abby descubre que tiene un nuevo vecino llamado Colin (Eric Winters, miserable esposo de Roselyn Sánchez), un médico sensible y buenmozo por el que ella por supuesto se babea. Así que Mike decide ayudarla a que queden juntos a cambio de que lo deje trabajar. Y horror de horrores, Abby acepta. Ignorando que, como la fórmula de toda comedia romántica determina, los dos protagonistas terminarán juntos sin importar la incomodidad de su primer encuentro.

Heigl parece que ha sido condenada a esta clase de papeles (además que me cabe la pregunta: ¿por qué en toda película, si una mujer es exitosa en su trabajo, es frustrada en su vida personal y/o es una perra sin emociones?), y aunque puede ser simpática cuando se lo propone y auténticamente graciosa en ocasiones (como la escena del restaurant con un par especial de pantaletas), quedo convencido que está desperdiciando su carrera. Butler, por su parte, me continúa impresionando con su rango: este pana es el mismo que veremos aterrorizando una ciudad en Law Abiding Citizen, o peleando por su vida en Gamer. Es todo encanto sin duda, pero cuando hace sus comedias románticas lo sensible no le queda. Y la química entre los dos, algo vital en esta clase de películas, parece estar ahí pero creo que es sólo una ilusión.

De vez en cuando, en estas películas, el elenco de apoyo es alguna salvación, pero son demasiado inconsecuentes para más que una mención aparte. Pero todos los cinco minutos en que Cheryl Hines y John Michael Higgins aparecen como esposos coanimadores del programa me hacían ansiar por una película con ellos solos. Nick Searcy hace el papel de jefe que J.K. Simmons podría hacer en sus sueños y agradezco que no haya estado aquí; y la tierna asistente y amiga de Abby interpretada por Bree Turner sólo sirve para que Heigl no tenga que pegar sus ridículos brinquitos de emocionada sola. ¿Y Winters? Sus mejores escenas son dos con Heigl que lo único que tenía que hacer era parecer sorprendido.

Aunque no es particularmente aburrida, La Cruda Verdad está demasiado plagada de clichés como para dejar de ser predecible, y sus intentos de ser más tipo Apatow que Luketic no siempre son acertados. Créanme cuando les digo, esta es exclusivamente para parejas que no tienen nada mejor que hacer y no hay ninguna decente que alquilar. Hay peores cosas en la vida --la preferí a Los Fantasmas de mi Ex-- pero tampoco debemos aprender a conformarnos.

Plasma de Miércoles E36: Reservoir Dogs (1992)

miércoles, septiembre 23, 2009 | Comments

Estoy dispuesto a pelear con quien sea que me lleve la contraria en esta siguiente afirmación: Quentin Tarantino es el mejor fanático del cine haciendo cine en este momento. Sin ninguna duda. Cada película que hace, además de brillantemente construida (algo que está demostrando de nuevo con Inglourious Basterds), es un homenaje a todo el cine. Incluso a cómo reaccionamos al cine. Así de genial es. ¿Que de vez en cuando convierte sus películas en pastichos de otras? Puede ser. ¿O cómo describirían Pulp Fiction? (Vale que usen la palabra "genial" varias veces). ¿Que abusa los diálogos? De vez en cuando; para mí lo hizo en Kill Bill Vol. 2 (la que menos me gustó de las dos.) Pero les reto a que vean la progresión que eset hombre ha tenido desde su debut de 1992 Reservoir Dogs y digan que eso no es lo que todo übergeek de cine --esos que han estado viendo cada película que sale, que leen cada detallito de información sobre actores, que leen cada teoría cinematográfica disponible-- haría si le dan equipo para filmar.

Ganadora de los premios máximos de la crítica tanto en Sundance como en el Festival de Toronto de 1992, la segunda película de Tarantino comienza solidifcarlo en su fama de uno de los principales escritores de diálogo en el negocio, junto con Kevin Smith y Aaron Sorkin (The West Wing), en mi opinión. También lo presenta como todo un cuentacuentos, pues la estructura narrativa rota de esta película sería el origen de la maestría que se mostró en Pulp Fiction.

Así como este año vimos una comedia --The Hangover-- que no nos muestra una fiesta, sino sus consecuencias, aquí se nos habla de un robo de joyas fallido y sus consecuencias, sin mostrarnos el hecho en sí. Seis ladrones, todos conocidos por colores y no por nombres (Tim Roth, Michael Madsen, Harvey Keitel, Steve Buscemi, el propio Tarantino y Edward Bunker) son contratados por un mafioso (Lawrence Tierney) y su hijo (Chris Penn) para asaltar una joyería. El robo sale terriblemente mal, y los ladrones sobrevivientes comienzan a sospechar que uno de ellos es un policía. La paranoia comienza, y la sangre podría correr. Todo en medio dde una tensión que una ocasional risa dobla pero no rompe.

Tarantino ha sido a veces acusado de glorificar la violencia, y es precisamente por una escena en la que el señor Blonde (Madsen) tortura vilmente a un policía capturado. Pero el momento más álgido no se muestra, a pesar de que sin duda es una escena sangrienta, y Tarantino parece estar más pendiente de insinuarla y hablar a nuestra gradual insensibilidad de ver escenas así, que de mostrar algo tan gráfico como Hostal o cualquiera que las doscientas de Saw. Y hay algo desvergonzadamente cómico de ver una escena tan brutal con "Stuck In The Middle With You" de Stealer's Wheel de pista.

La otra escena que hace esta película parte del canon es la escena inicial en el cafetín donde se discute sobre si es válido o no dejar propinas. Y esta es la otra magia de Tarantino: su habilidad de hacer diálogo realista, divertido y natural. Asienta el tono de la película por completo a la vez que delinea a varios de los personajes principales de una vez, estableciendo su manera de pensar y su personalidad.

Claro, buen diálogo puede ser arruinado por malas actuaciones, y aquí no hay ni una. Steve Buscemi es un tipo que puede ser detestablemente molesto, y aquí es todo nervio y exceso de cafeína. Madsen es uno de esos actores de carácter que pareciera que siempre tuviera el mismo personaje, pero aquí esa calmada actitud es lo que lo hace tan inquietante, en especial cuando vemos que a pesar de toda su piscopatía es un buen amigo. Keitel es un actor al que yo extraño; puede ser todo rudo en un momento y todo humano al siguiente con una facilidad que no se ve mucho hoy en día que ha sido reducido a papeles secundarios en algunas series de televisión (la versión americana de Life on Mars es un triste ejemplo). Roth, por último, un tipo que puede hacer de malo con una pequeña mirada (y a diferencia de Keitel ha encontrado un segundo aire en televisión con Lie To Me), se adapta al estilo de hablar de Tarantino como si así hubiera nacido, pero también en más de una escena te puede romper el corazón.

Esta fue la película que realmente introdujo a Tarantino al mundo, y muchos están diciendo que Bastardos sin Gloria es el cúlmine de su carrera. Es una excelente justificación empezar a ver esta para ver exactamente cuánto el gran geek de cine de los directores ha progresado en 17 cortos años.



NOTAS CURIOSAS

  • Tarantino quería a James Woods para uno de los papeles y le hizo cinco ofertas distintas. Los agentes de Woods lo rechazaron continuamente pues las cinco eran inferiores a lo que el actor recibía por película. Años después, cuando Woods y Tarantino finalmente se conocieron, Woods se molestó tanto al saber lo de las ofertas que cambió de agente. Tarantino nunca le dijo cuál era el papel que quería para él porque el actor que terminó tomándolo "fue magnífico". Está aceptado que el rol era el del señor Naranja (el de Tim Roth).
  • Steve Buscemi (señor Rosado) originalmente audicionó para el papel del señor Blanco (el de Harvey Keitel); Michael Madsen (señor Rubio) originalmente audicionó para el señor Rosado.
  • El almacén donde la mayoría de la película se lleva a cabo estaba lleno de ataúdes. El señor Rubio no estaba sentado en una caja sino en una vieja pompa fúnebre.
  • Aunque es quizá una de las escenas más famosas de su carrera, Michael Madsen tuvo muchísimas dificultades en terminar la escena de tortura. En un momento, el policía (Kirk Batz) suplica por su vida diciendo que tenía un hijito pequeño en casa, y a Madsen le pegó tanto (se había acabado de convertir en padre) la idea de dejar un niño sin padre que no pudo terminar la escena.
  • El presupuesto era tan bajo que los actores usaron su propio vestuario (excepto los trajes negros, que fueron donados) y el Cadillac del señor Rubio es propiedad de Michael Madsen.
  • George Clooney leyó para el papel del señor Rubio pero fue rechazado; Christopher Walken recibió la oferta para ese papel pero la rechazó él.
  • Samuel L. Jackson leyó para el señor Naranja pero no lo recibió. Pero Tarantino quedó tan impresionado que le dio el papel de Julius en Pulp Fiction, su siguiente película.
  • El verdadero nombre del señor Rubio es Victor Vega; el personaje de John Travolta en Pulp Fiction es Vincent Vega. Tarantino reveló una vez que los dos eran hermanos, y tenía planes de hacer una película con los dos donde mostraran sus aventuras juntos. Pero eventualmente Michael Madsen y Travolta se volvieron demasiado viejos para los papeles, y Tarantino descartó la idea.
  • La película fue estrenada en Estados Unidos sin mucha promoción, por lo que no fue un éxito en taquilla. En Inglaterra, sin embargo, fue tal éxito que Tarantino no podía caminar tranquilo por las calles de Londres.

Todo está en línea

martes, septiembre 22, 2009 | Comments

Lentamente, esa maquinita en donde ustedes están leyendo esto se está convirtiendo en la nueva “caja idiota”. Seguro, como ya dije antes, jamás reemplazará la experiencia de ir al cine ni mucho menos, pero ciertamente es el sitio que me ha ayudado a ubicar toda la información que les he brindado y compartido con ustedes con cada recomendación que les hago es porque la he encontrado en esa vasta planicie llamada Internet.

Les he recomendado una que otra página antes, pero voy a tratar de hacerlo una cosa más usual de aquí en más, mientras voy descubriendo nuevas páginas.

La buena gente de Cines Unidos tiene una excelente página web que incluye una sección que es destino fijo cada semana: Próximos Estrenos. Ahora, si son cinéfilos serios, eso no basta, por supuesto. (Además que no los mataría si tuvieran un feed de RSS…) Para eso tenemos el feed de películas a estrenarse de Rotten Tomatoes, la segunda página más solicitada de películas de Internet. Así podrán unirse a mí para quejarse de lo mucho que se tardan las miserables en llegar…

Si además eres un usuario de Firefox (y deberías, la verdad), hay algunas extensiones que sirven muy bien al cinéfilo promedio.

  • IMDB Preview: La Internet Movie Database es la Meca, la gran biblioteca del cine en Internet. Hay información aquí que creo que la misma gente que hizo la película no sabe que existe. Con esta extensión, puedes resaltar el texto que tenga el título de una película, abrir el menú contextual (mouse derecho) y abrirá una página de IMDB nueva. (Experimental, compatible con versiones 1.5+ y 3.0+)
  • Filtro de búsqueda Rotten Tomatoes: Es un filtro. De búsqueda. De Rotten Tomatoes. Duh. (Experimental también.)
  • OpenSubtitles: Mi posición por la piratería es clara. Pero bueno, si tienen un video en inglés, instalen este filtro de búsqueda del mayor sitio de subtítulos que hay.
  • Glue: Cuando estén en Wikipedia, Amazon o IMDB, Glue aparece para mostrar recomendaciones de películas, libros o música basado en lo que te haya gustado antes a ti o tus panas.

Bien, salió la película. Tiempo de la mejor parte de ir al cine: los trailers. Hay miles de sitios que los incluyen, pero los dos más populares son la página de Apple y la de Yahoo! Movies (que además permite interactuar con otros usuarios). Una favorita personal mía es Trailer Addict, que además da la facilidad de insertar los trailers en tu propio sitio (algo que YouTube no siempre permite, aunque tienen muchísimas colecciones de trailers), aunque admito que a veces cómo obtuvieron el tráiler puede ser un poco desconfiable. Sin embargo, todos los videos son HD, así que…

Eso es todo por ahora, pero hay demasiado en Internet, así que pendientes que cuando “haiga”, se traerá. J

Plasma de Miércoles E35: El Maquinista (2004)

miércoles, septiembre 16, 2009 | Comments

Hay algunos actores que pareciera que estuvieran sólo por el dinero. Hay otros que se toman en serio su rol. Y cuando digo "en serio", quiero decir en serio. Robert de Niro se hizo famoso por engordar casi 30 kilos para la película Raging Bull; el propio de Niro ayudó a Matt Damon engordar unos 14 kilos para su rol en la venidera The Informant!, y perdió unos increíbles 23 kilos para su rol en Courage Under Fire; y todos recordamos cómo Tom Hanks perdió 25 kilos para su papel de náufrago en, bueno, El Náufrago.

Pero ninguno, y de verdad digo NINGUNO, llega a los límites a los que llegó Christian Bale --ahora famoso por su rol de Bruno Díaz en las dos películas de Batman de Christopher Nolan-- para su papel de Trevor Reznik en el thriller psicológico The Machinist. El guión, escrito por Scott Kossar (quien escribió el del remake de The Texas Chainsaw Massacre de 2003), pedía "un esqueleto ambulante", y eso fue lo que se consiguió: Bale perdió un tercio de su peso, o casi 30 kilos, para quedar en unos enclenques 54 kilos. Uno lo ve y uno queda preocupado por su salud, al punto que casi queda uno distraído de su interpretación. De hecho, su pérdida de peso récord es más conocida que la película en sí. Lo que es una pena, porque es bastante buena por derecho propio.

Trevor es un maquinista (oh) que no ha dormido en un año por razones que ni él mismo entiende. Trabaja en una fábrica donde sus compañeros están viendo que está deteriorándose frente a sus ojos, un tipo con el que todo el mundo simpatizaba. Encuentra su satisfacción con Stevie (Jennifer Jasson Leigh), una prostituta con un corazón de oro (cómo nos encanta esa figura, ¿no?) que podría convencerse de dejar su vida por él. Encuentra comprensión y un oído en María (Aitana Sánchez-Gijón), una mesonera en el aeropuerto donde Trevor va en las noches buscando café y torta. O comprensión y un oído.

De repente, Trevor se consigue con un nuevo empleado llamado Ivan (John Sharian), que vive sonriendo, pero pareciera que nadie más lo ve. Y gracias a él, Trevor está involucrado en un horrible accidente en el trabajo que termina logrando que lo despidan. Hay unos extraños Post-It apareciendo en su nevera. Está viviendo una pesadilla --y ni siquiera está dormido.a

El director Brad Anderson tiene un increíble e inusual toque para el suspenso y el terror, y con esta película lo demuestra por completo. (Vean los episodios que dirigió de Fringe, como "The Transformation", uno de mis favoritos.) The Machinist es digna de un Hitchcock de este siglo, pues se vuelve sofocante y angustiante a medida que Trevor cuestiona su sanidad. Parte es también gracias a la excelente fotografía de Xavi Jiménez, que hace no sólo que Barcelona parezca Los Ángeles sino que hace que toda la película parezca no sólo oscura, sino sucia. Es una combinación tan inquietante como la apariencia de Bale.

Pero más allá de ella, la actuación de Bale es plañidera como un bolero cangado por un borracho. Trevor tiene mayor educación que sus compañeros, y evidentemente tiene un sentido del humor y sentimientos, que manifiesta con Stevie y María, y no entiende por qué pareciera que todo el mundo está empeñado en volverlo loco. Hay una auténtica perturbación en los ojos, y de verdad lamento que ya pareciera que está decayendo su estrella, pues a pesar de sus pequeños desplantes, este pana tiene talento por todos lados.

El Maquinista es una película que de verdad merece ir más allá de los sacrificios de su protagonista. Más bien es impulsada por ella. Pero también tiene un buen guión con un increíble giro al final y una sólida dirección. Dénle una oportunidad.



NOTAS CURIOSAS

  • Los productores afirmaron que Christian Bale quería rebajar hasta los 45 kilos pero se lo impidieron por su salud. Cinco meses después, además, Bale aumentó de los 54 kilos de esta película a 100 de puro músculo para Batman Inicia (luego rebajó a 81 kilos).
  • La hora 01:30 es importante a lo largo de la película. Trevor se da cuenta que hay algo extraño sucede a esa hora, y el gran giro se revela a la hora y treinta minutos de la película.
  • El guionista Scott Kossar es fanático de Nine Inch Nails, y su guión original tenía letras de una de sus canciones en la primera página. De hecho, el nombre "Trevor Reznik"es un homenaje a Trent Reznor, líder de la banda.
  • Anderson no le pidió a Bale que perdiera tanto peso, y admitió que quedó en shock al verlo. También estaba encantado de ver su dedicación.
  • Anderson se lastimó un tobillo y luego la espalda durante la filmación, y tuve que dirigir la mayor parte de la película desde una camilla.
  • Casi todos los estudios estadounidenses rechazaron el guión por considerarlo "demasiado extraño", que fue una de las razones por las que filmaron en Barcelona, España, por el estudio Filmax.
  • En una escena en que Trevor está dejando a María y a su hijo en casa, se pueden ver dos personas sentadas por la ventana del conductor. Anderson ha dicho que eran dos tipos metiéndose droga.
  • Hay dos actores que han interpretado a Batman en esta película: Christian Bale, por supuesto, en Batman Inicia (2005) y The Dark Knight (2008), y Michael Ironside, quien prestó su voz a Batman en la serie animada durante un capítulo llamado "Legends of the Dark Knight".
  • "Reznik" significa "carnicero" en checo. ¿Tiene algo que ver con la trama? Véanla y después me dicen. :)

In memoriam: Patrick Swayze

lunes, septiembre 14, 2009 | Comments

No es como si a nadie le agarrara de sorpresa. Desde que anunciara en 2008 que Patrick Swayze sufría de un agresivo tipo de cáncer pancreático --uno de los tipos de cáncer más difíciles de detectar a tiempo-- eran pocos los que contaban con que pudiera mejorarse. Todos excepto el mismo Swayze, por lo visto; el hombre trabajó casi hasta el final. Y sinu embargo, es duro aceptar que alguien que haya sido tal estrella de cine, tal imagen de entereza y salud, haya podido en efecto terminar por perder una batalla así, como sucedió hoy, cuando dejó de existir a los 57 años de edad (los acababa de cumplir el 18 de agosto pasado).

Ninguna mujer que haya sido adolescente en los '90 dejó de suspirar por este nativo de Houston, Texas, hijo de una coreógrafa que fue clásicamente entrenado en ballet desde joven. Luego de bailar en un desfile de Disney y hacer el papel de Johnny Suko en una producción de Vaselina en Broadway, el cine llegó llamando, luego de algunos papeles menores en televisión, con su actuación en el film de Francis Ford Coppola de 1983, The Outsiders, sobre los conflictos entre dos pandillas. Allí compartió con los que seían otras estrellas: Emilio Estévez, Rob Lowe, Matt Dillon, Tom Cruise, C. Thomas Howell y Diane Lane. Volvería a tener un elenco de lujo al año siguiente con Red Dawn, sobre un grupo de adolescentes que defiende su pueblo de una invasión rusa (una película que está rehaciéndose, por cierto). Howell repitió en el elenco, junto con el hermano de Estévez, Charlie Sheen (sí, ese Charlie Sheen), Lea Thompson y Jennifer Grey.

Grey volvería a entrar en la vida de Swayze más adelante, pero antes el actor se consolidó como líder romántico en la miniserie Norte y Sur, sobre dos familias durante la Guerra Civil estadounidense. El honor de su personaje Orry Main, un soldado de Alabama que se hace amigo de otro de Boston (James Read), sin mencionar las intensas escenas de amor con su coestrella Lesley-Ann Down, conquistó los corazones de miles y estableció a Swayze como una sólida presencia en el cine.

Quizá es por ello (y su experiencia en el baile) que el director Emile Ardolino buscó a Swayze para protagonizar en 1987 una pequeña película sobre una joven citadina que encuentra el amor en un resort veraniego en la persona del instructor de baile. Ni los mismos creadores se podían creer que Dirty Dancing se convirtiera en el masivo éxito que fue, pero la magia que proyectaban él y Jennifer Grey hacían que la gente no pudiera dejar de ver la película, además que nadie podía dejar de decir: "Nadie deja a Baby en una esquina". Us. Eso hasta le mereció una nominación al Globo de Oro como mejor actor ese año, y hasta contribuyó con una canción al soundtrack que también fue un éxito. (Y lo más insólito es que los dos protagonistas se odiaban con la misma pasión con la que se me amaban en la pantalla.)

Queriendo buscar un cambio, Swayze agarró un papel muy distinto en la cinta de acción Road House en 1989, donde hacía de un rudo experto en seguridad que empieza llegando a cuidar un bar y termina rebelándose contra el líder criminal del pueblo (Ben Gazzara) mientras dispensaba sabiduría zen: "El dolor no duele". No fue muy exitosa --aunque es una de mis favoritas de los '80-- al contrario de su siguiente película, donde demostró que ni siquiera la muerte podría matar el amor. En Ghost, una mezcla de drama romántico con comedia paranormal (cortesía de la inigualable Whoopi Goldberg), Swayze y su compañera Demi Moore convenció a miles de pareja a probar la arcilla, le dio un Oscar a Goldberg y hasta resucitó un tema de los Righteous Brothers. Después de eso, a Swayze lo bautizaron "el rey de los 'sleepers'", pues ya tenía dos éxitos inesperados.

Swayze nunca se conformó con un solo tipo de papel, y por eso su siguiente decisión fue interpretar a un surfista en el clásico de culto Point Break, junto a Keanu Reeves, y dirigida por Katherine Bigelow. No conforme con eso, un tiempo después decidió eliminar por completo su imagen de macho junto a Wesley Snipes y John Leguizamo y decidieron interpretar a un trío de transfors en Reyes o Reinas (en inglés, To Wong Foo, With Love, Julie Newmar). hTambién aprovechó de participar en Saturday Night Live en un sketch junto a Chris Farley que ya se ha vuelto legendario en los anales de la comedia. Una serie de papeles de acción después, sin embargo, demostraron que la estrella de Swayze ya no estaba brillando igual, pues nunca volvió a tener el éxito de los '90.

Cuando le diagnosticaron el cáncer, Swayze había vuelto a la televisión en la serie de A&E The Beast, donde hacía de un veterano y poco ortodoxo policía que entrena a uno más joven. La crítica alababa su actuación y todos lo admiraban por decidirse a trabajar a pesar de su enfermedad, pero fue cancelada después de sólo una temporada. Y eso fue lo último que se vio de una de las jóvenes promesas de los '90, un actor que buscaba escapar de ser sólo un sex symbol y logró escapar de su demonios de alcohol y drogas exitosamente. Ahora sólo basta que haya logrado la paz eterna que muchos le deseábamos. Que en paz descanse.

Muerte al mal: trailer de Solomon Kane

sábado, septiembre 12, 2009 | Comments

Hay una marejada de nuevas películas que son hechas todos los días que no consiguen una distribución en EE UU, lo que normalmente se traduce en que no llegan a Venezuela. Lo que da profunda rabia, porqoue eso normalmente incluye películas ORIGINALES --al contrario de los eternos remakes/reboots/re-imaginar o secuelas/precuelas/poscuelas o lo que quieras. Uno de esos casos es Solomon Kane.

Basada en obras del creador de Conan el Bárbaro, Robert E. Howard, Solomon Kane es un guerrero puritano del siglo XVII que busca destruir el mal en todas sus expresiones donde lo consiga. Se mostró escenas y el afiche de la película en cuestión en el último Comic-Con con comentarios entusiastas del público que los vio. Ahora IGN tiene el trailer de la película, que les muestro aquí. (Ojo, es restringido de edad por violencia.)



Como comenta Screen Rant, hay una liga de Van Helsing con El Señor de los Anillos y aunque a veces cae del lado de lo demasiado obvio (la forma en que Kane recoje sus espadas, la forma en que se enfrenta al ejército malvado), algunas imágenes se ven arrechísimas. Kane es protagonizada por James Purefoy (de la miniserie Roma) y dirigida y escrita por Michael J. Bassett. Hará su debut en el Festival de Cine de Toronto la semana que viene, y ahí sabremos si consigue un distribuidor.

Retrasos, o el triste estado del mercado cinematográfico venezolano

miércoles, septiembre 09, 2009 | Comments

retraso El 4 de septiembre se supone que iba a ser un día importante para mí. Ese era el día cuando una de las películas que más he estado esperando, District 9, sería estrenada en nuestro país, apenas dos semanas después de su estreno en EE. UU., donde ahora lleva recaudados 100 millones de dólares (de un presupuesto de 30). Luego, esperaba impaciente por octubre, donde la otra película que yo ansiaba ver, Where The Wild Things Are, llegaría, al igual que Drag Me To Hell y una encantadora película independiente que fue mi mayor sorpresa al ver que la estrenarían aquí, Los Hermanos Bloom. En fin, el 4 de septiembre corro al periódico –y no hay District 9 a la vista. ¿Qué pasó?

Entro en la página de Próximos Estrenos de Cines Unidos a ver cuál era el misterio. Y veo con horror –lo siento, no hay otra palabra— que ha habido un intenso “shuffling”. Como pueden ver, District 9 ahora será estrenada el 16 de octubre; DMTH se mantiene el 30 de octubre (obvio, es Halloween; pero tengan en cuenta que esa película es de junio); Los Hermanos Bloom fue pasada al 13 de noviembre; y oh my God, Where The Wild Things Are ahora está pautada para el 22 de enero (coño, antes estaba para el 4… o sea que la retrasaron aún más). Hay algunas que se mantienen (Avatar, otra muy esperada, sigue pautada para el 18 de diciembre, la versión de A Christmas Carol de Robert Zemeckis para el 6 de noviembre), pero hay otras que ni señal, como son Inglourious Basterds de Quentin Tarantino o la nueva versión de Sherlock Holmes de Guy Ritchie.

Ya me he quejado antes de lo duro de ser cinéfilo en el país, pero creo que lo duro que resulta ver películas distintas (o al menos buenas) es un reflejo de lo mal que estamos como sociedad (que no como país).

Obviamente está el hecho que la piratería domina el mercado. 80% del cine que se ve del país es de su amigable buhonero de la esquina. Y la estúpida cuña del “20 super pirata” no está ayudando para nada. Hasta yo me burlo de ella por lo poco que está ahciendo por ayudar. Sin embargo, la última vez que la vi, una tipa al lado mío comentó “¿Tú sabes cuántas películas compras por el precio de una entrada?”

Yo veo películas en mi casa. Pero como también dije antes, ir al cine es mucho más que ver la película. Es verla como se diseñó para ser vista. Es sentir la experiencia de ver una película con un grupo grande, con un público grande, una experiencia que es imposible reproducir en casa. Por supuesto, la mayoría sólo quiere ver la película –o en algunos casos, no dejar que los demás la vean, por lo visto.

Luego está el hecho que nuestro gobierno –ni el anterior y estoy casi seguro que el siguiente— ha hecho nada por ir en contra de la piratería. Sabemos las razones obvias. Y sinceramente, además, creo que es imposible distinguir entre los que las venden por ganarse el pan y los auténticos bucaneros que lo que hacen es trabajar con las mafias que se roban las películas directo de las distribuidoras. La idea no es maltratarlos, por supuesto, pero están en contra de la ley de todas maneras.

La peor razón, como ya me han dicho, es lo difícil que se ha vuelto adquirir dólares para traer las películas. ¿Qué debería prelar, alimentos o el cine? Miserable control de cambios… Y en un mercado donde no garantizas que tu película tenga un lleno absoluto por algunas semanas –¿Qué Pasó Ayer? sigue fuerte luego de tres semanas de estreno, afortunadamente— no puede haber mucho incentivo para traerlas de todos modos (¿recuerdan cuando les comenté que Hostel, de Eli Roth, no fue estrenada en México porque ya se encontraba en las calles?).

Y ahora este retraso tan vulgar significa que cuando en efecto se estrene cualquiera de ellas, igualito se podrá conseguir pirateada donde sea, incluso por Internet, vista en una humilde pantalla de computadora pero vista al fin. Que al final, eso es lo que interesa, ¿no? ¿Para qué tener interacciones con auténticos seres humanos? ¿Que hay idiotas que no te la dejan ver? Siempre los habrán. ¡Seamos todos ermitaños! ¡Dejemos el contacto humano de una vez!

Lo peor de todo esto es que sé que no me queda otra más que esperar. Respetar el cine, algo que amo con pasión y locura, es una cuestión de principios. Lo reitero: dejar de ir al cine está mal. Perder el contacto con la sociedad está mal. La piratería está MAL.

Plasma de Miércoles E34: Almost Famous (2000)

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almostfamous Yo lamento que la última película del director/escritor Cameron Crowe, Elizabethtown, haya sido un fracaso, pues antes de Vanilla Sky (y yo le echo más la culpa a Tom Cruise del fracaso de esa) el hombre venía con una muy buena racha. Desde su segundo esfuerzo, Singles (y el primero, Say Anything, es un firme clásico de culto), sus trabajos adquirían mejor y mejor crítica. Jerry MacGuire incluso dio una frase al argot popular (“Show me the money!”), dos si incluyen “You had me at hello”. Pero la que siguió fue sin duda la película más personal de Crowe, y de lejos su mejor: la casi autobiográfica Casi Famosos.

Antes de ser guionista (uno de sus primeros trabajos fue el clásico juvenil Fast Times at Ridgemont High), Crowe escribió para la revista Rolling Stone, lo que explicaría en parte lo bien que usa la música en sus películas. Con Casi Famosos finalmente hizo la película de rock and roll que quizá estaba gestándose en su cabeza, y es una fiel representación de su primer trabajo como escritor.

El rol de Crowe es interpretado por Patrick Fugit y se llama William Miller, un adolescente a punto de terminar el bachillerato de 15 años que es aficionado a la música, a pesar de que su estricta madre (una genial, genial Frances MacDormand) trata de vetar el rock en su casa. Eso no lo detiene para enviar sus artículos a Lester Bangs (Philip Seymour Hoffman), el editor de una pequeña revista en San Diego. Hoffman es digno de mencionar porque tiene el gran total de diez minutos en la película pero son de las mejores escenas. Sólo McDormand lo puede superar en energía cómica e intensidad.

Lester ve en William a un buen chico con talento para escribir, así que decide darle una tarea: cubre el concierto de Black Sabbath para la revista. William, quien ha sido educado bien en la música por su hermana (la deliciosa Zooey Deschanel), está encantado. Pero el guachimán no lo deja entrar, así que tiene que esperar. Su salvación viene cuando conoce a Penny Lane (Kate Hudson), una de las Band Aides (las otras interpretadas por Anna Paquin y Fairuza Balk), un grupo de chicas que se rehúsan a llamarse “groupies”; ellas son quienes apoyan a la banda. “Sólo sexo oral”, proclaman.

Ahí es cuando llega el acto preliminar, un grupo que está por surgir llamado Stillwater. Es una banda ficticia, pero la interpretación de sus integrantes, encabezados por el cantante Jeff Bebe (Jason Lee, de My Name is Earl) y el guitarrista Russell Hammond (Billy Crudup de… coño, a estas alturas deberían saber), son tan auténticas que nunca lo adivinarían. Haciendo gala de acertados comentarios, y a pesar de que es enseguida tildado como “El Enemigo”, William consigue entrar al concierto con Stillwater –y al mejor momento de su vida.

Por cuestiones del azar, sus artículos son leídos por la gente de la revista Rolling Stone, y quieren que siga a Stillwater mientras salen de gira. Un sueño para un chamo de 15 años que hasta hace un mes quería ser abogado.

Normalmente, cuando una película se centra en la vida del rockero, normalmente es algo sórdido, intenso o deprimente (piensen en Sid & Nancy o en The Doors de aquel que no volverá a ser nombrado), así que es refrescante que Casi Famosos se siente igual de auténtica mientras al mismo tiempo da una sensación de calidez y buena vibra. Es lo que hace que la experiencia de Crowe sea tan increíble, su simpleza y su realismo, y el mensaje positivo que deja sobre la camaradería, la amistad y las relaciones, sin mencionar la honestidad consigo mismo.

Fugit es convincente como el chico inocentón que permanentemente tuviera esa dulce mirada de “no me creo que esto me esté pasando” que muy pocos actores pueden lograr si ser molestos. Y Crudup le hace buen equilibrio como un rockero ligeramente cínico pero de buen corazón, conviertiéndose en el hermano mayor de William. Hasta Lee, un actor que a mí me agrada mucho pero es antes de My Name is Earl siempre hacía lo mismo, interpreta a Jeff con una diversión aguda e inmisericorde.

La auténtica estrella de la película es Kate Hudson, y ustedes llorarán al comparar esta interpretación con las payasadas de Guerra de Novias o la poco convincente película de terror Skeleton Key. Hudson tenía que haber ganado el Oscar que de alguna forma le fue dado a Marcia Hay Harden ese día, y nadie aún entiende por qué. Su Penny Lane es dulce a la vez de confiada, con una pinta de que se las sabe todas más una, por lo cual se convierte en la guía de William en este nuevo mundo que está descubriendo. Es perfecta, sin duda alguna, pues cada emoción en su rostro se ve claramente. Por favor, Kate, vuelve a este estado, te lo suplico.

Roger Ebert dijo en su reseña de Casi Famosos que casi se abrazaba a sí mismo víéndola, describiéndola como “graciosa y conmovedora de tantas maneras distintas”. Es una película sumamente ptimista y esperanzadora, un verdadero testimonio de la fuerza amistosa de la música que debe ser celebrada. Es sobre el crecimiento y la maduración y todos los altibajos que vienen con ella. Sin lugar a dudas, es una de esas películas que uno puede ver cuando esté deprimido y se le olvidarán todos sus problemas.

Casi Famosos

DATOS CURIOSOS

  • Cameron Crowe había escrito la parte del “guitarrista con mística” Russell hammond específicamente para Brad Pitt, y de hecho trabajaron juntos por meses en el rol hasta que Pitt le confesó, “Es que no lo entiendo lo suficiente para hacerlo”. Igualmente, Kate Hudson iba a ser la hermana de William, hasta que la actriz canadiense Sarah Polley se retiró del papel.
  • El legendario Peter Frampton tuvo mucho que ver con esta película. Le enseñó a Billy Crudup a tocar guitarra, escribió las canciones de Stillwater (junto con Crowe y sus esposa Nancy Wilson, del grupo Heart) y aparece como parte del equipo de la banda Humble Pie (de la que formó parte de 1969 a 1971). Frampton le estaba devolviendo el favor a Crowe, quien había escrito los comentarios para el disco Frampton Comes Live! (Para los que no lo sepan, Frampton es quien toca y canta, entre otras, “Baby, I Love Your Way”).
  • El horario de Philip Seymour Hoffman le permitió estar en el set por cuatro días, y tuvo gripe todos esos días. (Por cierto, Lester Bangs era una persona verdadera, al igual que Ben Fong-Torres, el editor asociado de Rolling Stone, y Jann Wenner, su director).
  • Para parecer miembros de una banda de verdad, los miembros de Stillwater (que también incluían a los músicos de verdad John Fedevich y Mark Kozelek) ensayaron durante cuatro horas por noche, cinco noches por semana, durante seis semanas.
  • Como ya dije, esta película es semi-autobiográfica. La primera banda con la que salió de gira fue The Allman Brothers (y el guitarrista Gregg Allman era quien desconfiaba de él); en efecto casi se estrella el avión donde viajaban él y The Who; y el personaje de Russell Hammond está basado en Glen Frey de Las Águilas.
  • Jon Favreau y Jack Black audicionaron ambos para el papel de Lester Bangs.
  • Penny Lane le pregunta a William si quiere ir a Marruecos con ella, a lo que él contesta, “Sí… pregúntame otra vez”. Ese era Patrick Fugit diciéndole a Kate Hudson que le repitiera la pregunta para hacer otra toma, pero al director le gustó como quedó y la dejó en la película.
  • La escena donde Penny Lane baila sola en el auditorio vacío y lleno de basura en Cleveland, Ohio, es la favorita de Cameron Crowe. (La mía es en donde la banda entera y sus acompañantes cantan “Tiny Dancer” de Elton John en el autobús.)
  • Crowe paseó el guión por muchos estudios, incluyendo Dreamworks, donde Steven Spielberg lo leyó y le dijo, “Dirige cada palabra”.

Una imagen vale más que mil estrellas

martes, septiembre 08, 2009 | Comments

Hace un tiempo –OK, MUCHO tiempo—, un pana me sugirió que le diera alguna evaluación a las películas. Esto es algo que tradicionalmente hacen la mayoría de los críticos, en especial gente como Roger Ebert, quien utiliza un sistema de estrellas de 0 a 5 para evaluar sus críticas. Los de Film School Rejects usan una evaluación tipo boleta estadounidense de letras, de la A a la F. Estas son una forma de resumir su evaluación, para luego explayarse en su reseña sobre por qué dio esta evaluación.

He evitado usar estos sistemas pues, aparte de que son extraordinariamente subjetivos, como todos las opiniones, son difíciles de usar con alguna precisión pues varían entre críticos –quizá una evaluación de tres estrellas de Ebert no es la misma que Peter Travers— sin mencionar que no se sabe cuánto puede valer media estrella.

Es por eso que mi sistema de evaluación se basa en las emociones que puedan generar una película, que al final es lo que mejor la describe. Me recuerda a lo que dijo el profesor John Keating en La Sociedad de los Poetas Muertos. Luego de escuchar el prólogo de un libro de texto escrito por un tal J. Evans Pritchard, que sugiere evaluar la poesía con un sistema métrico, Keating (uno de los mejores papeles de Robin Williams) brama: “¡Excremento! ¡Eso es lo que pienso del señor J. Evans Pritchard! ¡No estamos poniendo una tubería! Estamos hablando de poesía. ¿Cómo puedes describir la poesía como un programa de variedades? ‘Me gusta Byron, le doy un 42, ¡pero no puedo bailarlo!’”

Además, me pareció divertido. :)

aburrida Aburrida. Me provocó salirme. Pesada sin remedio. Evítenla. Se aplicaría a Los Fantasmas de Mi Ex.
malaza Mala. Malaza. Malísima. Merece ser pirateada. Me hizo sentir físicamente arrecho. Son horas de mi vida que nunca veré de vuelta. 10.000 AC, sin duda.
equis Meh. Inofensiva. De repente confusa. Tolerable. Nada extraordinario. Podría ser peor. G.I. Joe, quizá. Lo más probable es que la combine con una de las anteriores o posteriores.
excelente-conmovido Quedé encantado. Conmovido incluso. Excelente para la familia o para sentirte bien con la vida. Up, El Luchador o The Shawshank Redemption caen en esta categoría.
genial-comedia Gocé las dos. Risa hasta más no poder. Absolutamente genial en cuanto a comedia. The Hangover, Tropic Thunder, hasta Pineapple Express.
excelente-emocionado Alucinante. Genial. Intensa. Adrenalina a millón. Aterrorizado como nada. Mi cerebro no volverá a ser el mismo. The Dark Knight, y presiento que Drag Me To Hell.

Vamos a ver qué tal me va con este sistema. La prueba de que no es perfecto es el detalle que mientras los inventaba pensaba que necesitaría otras caras para demostrar por completo lo que opino, pero creo que me quedaré con estas a ver qué tal.

Y entramos al desierto post-verano

lunes, septiembre 07, 2009 | Comments

Septiembre es, en muchos casos, un mes bastante “equis” en cuanto a estrenos e refiere (al menos en nuestro pobre y negreado país). Las cotuferas de verano ya se han ido, y las carnadas para los premios llegan en octubre. Pero hay “septiembres” que abusan de lo fastidioso. Este parece ser uno de ellos.

Esta, por supuesto, es una apreciación muy subjetiva pensando en las sinopsis y reseñas anteriores de las películas a estrenarse en nuestro país en las próximas semanas; obviamente no he visto ninguna de estas películas, así que no lo tomen como una opinión autorizada.

VEAN:

Surrogates (Identidad Sustituta). Bruce Willis, Rosamund Pike, Radha Mitchell, Ving Rames. Dir.: Jonathan Mostow. Sabes que estamos en problemas cuando el único estreno realmente merecedor de mi atención viene la primera semana de octubre. Bruce Willis interpreta al agente Greer, un policía en un futuro lejano donde la humanidad interactúa mediante robots con tu propia apariencia llamados “sustitutos”. Al encontrar a muchos sustitutos destruidos, Greer debe salir de su casa por primera vez en años para resolver el caso. Estreno: 2 de octubre

Cashback (Belleza Invaluable). Sean Biggerstaff, Emilia Fox. Dir.: Sean Ellis. Una versión extendida de un corto de 18 minutos nominado a un Oscar sobre un chico con insomnia que empieza a trabajar en un 24-horas para tratar de combatirla, donde su imaginación artística empieza a desbocarse. Quizá sea muy lente para algunos, pero el trailer se ve tan extrañamente atractivo que mi curiosidad está despertada. Estreno: 11 de septiembre

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Cloudy with a Chance of Meatballs (Lluvia de Hamburguesas). El único estreno que vamos a tener simultáneo en esta época, es sobre un científico que inventa una máquina que hace que llueva comida. Excelente, hasta que la comida se vuelve demasiado grande. Esta animación de Columbia Pictures. Está basada en un libro infantil muy popular en Estados Unidos, pero quién sabe si tendrá éxito aquí, más si se estrena cuando los chamos ya están volviendo a clase. Ah, es en 3D. Estreno: 9 de octubre.

Días Naranja. Dir. Alejandra Szeplaki.Honestamente el trailer no me despertó mucho. Pero sólo por el hecho que es una película venezolana (hecha también en Colombia y Argentina) que no trata ni sobre la pobreza, ni sobre asesinatos, ni se mete con nada en la política, y porque hay que ver cómo cuesta sacar una película independiente en este país (Szeplaki estuvo tres años trabajando en ella, según narra en su blog), creo que se merece una oportunidad. Estreno: 9 de octubre

EVITEN

The Boogeyman 2 (Terror en la Oscuridad 2). Daniel Savre, Matt Cohen. Dir.: Jeff Betancourt. La primera me dio sueño. Vaina para mala. Y esta salió directo en DVD en Estados Unidos. ¿Quién demonios va a querer verla? Yo no. Estreno: 2 de octubre.

USTEDES DIRÁN

Cassandra’s Dream (Sueños y Delitos). Colin Farrell, Ewan MacGregor, Tom Wilkinson. Dir.: Woody Allen. Ya con ese elenco y ese director es una razón para verla. Es la historia de dos hermanos que, para aliviar sus problemas económicos, van a un tío para que los ayude, y lo hace –por un precio. Pero esta fue un rotundo fracaso en taquilla. Por algo será. Si no hay más nada, no es la peor de las opciones.

12 Rounds (12 Desafíos). John Cena, Ashley Scott, Aidan Gillen. Dir.: Renny Harlin. Yo era muy fan de John Cena cuando era fanático de la lucha libre, y que hayan vendido esta película como “Del director de Duro de Matar 2” fue una inteligente desesperada maniobra de los estudios. Incluso la trama –un policía que tiene que resolver 12 desafíos para salvar a su novia de un criminal—fue comparada con Duro de Matar 2. Pero hay una razón por la que no funcionó la segunda vez: Cena no es Bruce Willis. Quizá si quieren un ratico de adrenalina… Estreno: 18 de septiembre.

My Bloody Valentine. Jensen Ackles, Jamie King, Kerr Smith. Dir.: Patrick Lussier. Una nueva versión del favorito de culto de horror de 1981, y en tercera dimensión para rematar, sobre un chico que regresa a su pueblo natal en Pensilvania en el décimo aniversario de una serie de horribles asesinatos –para encontrarse acusado de ellos. Mi posición antiterror me impedirá ver otra película de horror este año que no sea Drag Me To Hell, pero quizá el hecho de ver miembros y sangre volando a su cara los convenza, puede que sea un viaje divertido.

The Ugly Truth (La Cruda Verdad). Katherine Heigl, Gerard Butler. Dir.: Robert Luketic. La obligatoria comedia romántica de post-verano que sé que veré como buen novio que soy. Heigl es una productora de un canal de televisión que debe lidiar con un machista presentador de televisión (Butler). Heigl es todo lo encantadora que tú quieras, y Butler puede hacerlo de todo (de pana quiero verlo en Law Abiding Citizen), pero como ya he dicho antes, si has visto una película de estas las has visto prácticamente todas. Estreno: 18 de septiembre.

The Land of the Lost (La Tierra Perdida). Will Ferrell, Danny McBride, Anna Friel. Dir.: Brad Sibeling. Basada en una exitosa serie de 1974, sobre un científico atrapado en un vórtice temporal que lo devuelve al pasado, todo el mundo esperaba una simpática película para la familia. No fue así. Pero en serio, miren las opciones; ¿qué puede haber mejor? Estreno: 2 de octubre

MENCIONES APARTE

Venezzia (25/09)

The Crimson Wing (09/10)

The Uninvited (09/10)

Mientras tanto, en Internet...

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