Ocio genial: Pulp Fiction remix

viernes, octubre 30, 2009 | Comments

En el mundo de películas geniales, Pulp Fiction está ciertamente entre las primeras cinco o diez.De hecho, hasta Inglourios Basterds, yo decía que era la obra maestra de Tarantino. Ahora empata, pero eso no quiere decir que es una de esas películas que hay que ver al menos una vez en la vida. Claro, si no la han visto, eso noq uiere decir que no puedan apreciar lo que hizo Knoertz. Tomó escenas de la película, y las convirtió en un video musical, usando sólo el audio de cada escena. Debe haber sido una labor titánica. Se vuelve un poquito molesto, pero es impresionante aún así. ADVERTENCIA: HAY ALGUNOS SPOILERS EN ALGUNAS ESCENAS. Han sido advertidos. Disfruten.

Jennifer's Body: Avísame para asustarme. O reírme. O reaccionar

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hr_jennifers_body_1 Jennifer’s Body explica el fenómeno mediático que es Megan Fox. Y no me refiero en lo más mínimo a su actuación en la película. No, es algo que ya he mencionado antes: cuando el trailer debutó en línea, tuvo más de 7 millones de descargas. ¿Se tradujo eso en buena taquilla? Ya les digo, por si no saben.

La presencia de Fox ayudaba, pero esta película tenía más atractivos que su despampanante protagonista. Este era el segundo guión de la Oscarizada Diablo Cody, quien se ganó su hombrecito dorado gracias al guión de Juno, además de crear al exitosa United States of Tara. La coproitagonista era Amanda Seyfried, quien después de Mamma Mia! está lentamente convirtiéndose en una fija. Y por último, su directora Karyn Kusama entró al mundo de Holywood presentándonos la excelente Girlfight en 2000, lo que a su vez nos presentó a Michelle Rodríguez. Más que nada por unas sensuales fotos de la Fox en su traje e Eva. Así que, había expectativa. ¿La cumplió?

En una palabra: NO.

aburrida Esta pretende ser una película de terror con algunos elementos de comedia –digo, es Diablo Cody, ¿no?—y la verdad no es muy exitosa en ninguna de las dos áreas. Sí, hay algunos momentos en los que uno se ríe, y ciertos instantes en que uno se asusta, pero son pocos y están distanciados. No se puede decir que es un guión hecho exclusivamente para Fox (Cody lo escribió en 2006), pero esa puede que sea la mala idea del caso: centrarlo en ella.

Fox hace de Jennifer Check, la más atractiva porrista en el colegio de un pequeño pueblo de Minnesota llamado Devil’s Creek. Nada sucede nunca ahí, así que cuando el grupo Low Shoulder va a presentarse en el bar local, Jennifer convence a su mejor amiga Needy (Seyfried) a que los vayan a ver. Hay un incendio en el lugar, y la banda, liderado por el “labiero” Nikolai (Adam Brody) se lleva a Jennifer a un sitio desconocido. Cuando Needy la vuelve a ver, Jennifer está cubierat en sangre y gruñendo como un animal –y varios estudiantes, masculinos, empiezan a desaparecer. Ahora Jennifer está poseído por un demonio hambriento de sangre, que seduce a los chamos para mantenerla bella y activa.

Es un concepto interesante aunque no original, pues la leyenda del súcubo tiene cierto tiempo. Y el modo de hablar tan “original”, que era una de las críticas de Juno más frecuentes, no está casi presente aquí, con todo el sarcasmo e ironías de su predecesora (“¡Claro que es cierto! ¡Está en Wikipedia!”). Pero las gracias no son tan graciosas, y los sustos no son tan grandes. Claro, sabes que alguien va a quedar frito al momento en que Jennifer se retira con uno de ellos, y la tensión hasta el momento final es ligeramente estresante, pero no es un terror psicológico como tal.

Seyfried aún no ha mostrado lo que debió aprender con Meryl Streep en Mamma Mia, pero aquí es convincente como la dulzona y simplona amiga de la super mami del colegio. Varios de los momentos con Seyfried fueron mis favoritos, en especial sus escenas con su novio Chip, interpretado por Johnny Simmons, que hacen pensar en esa ilusión del primer amor, cuando empiezan a despertar a la sexualidad y dejar atrás la inocencia.

Pero al lado de Fox, Seyfried es Meryl Streep. Todo el mundo lo dice, todo el mundo lo SABE desde Transformers: Revenge of the Fallen: Megan Fox está explotada de buena, pero no puede actuar para salvar su vida. Tenía una sola escena en que tenía que mostrar una emoción distinta a la indiferencia o el coqueteo descarado, y nop, no lo logró. Esta niña me recuerda a Cindy Crawford cuando intentó hacernos creer que actuaba en Fair Game; si no eres más que colirio hija, no vas a durar. Al menos Jessica Biehl estuvo bien tapadita en The Illusionist (aunque claro, después se mostró en ropa interior en I Now Pronounce You Chuck & Larry). Si quiero bucearme a la Fox (y sólo hay asomos de desnudez en algunas tomas) para eso tengo Internet; no necesito ir al cine a verla.

De resto, la película también desperdicia a uno de los mejores actores de carácter que hay. El papel de J.K. Simmons como uno de los profesores de la escuela –con una terrible peluca y un inexplicable gancho como mano izquierda— es el más inútil que se me haya podido ocurrir presenciar en una película. Un breve cameo de Lance Hendrikssen que no entendí nunca como para qué tampoco hace gran cosa. Ni siquiera una escena que puede despertar oscuros fetichismos masculinos despierta gran cosota.

Hace mucho tiempo, alguien me dio el tip que, si querías conquistar a una mujer ridículamente bella, debáis ignorarla. Eso la haría sentir lo bastante insegura que empezaría a prestarte más atención, quizá a cuidarse más, tomar mejores decisiones consigo misma. Gente, si no empezamos a ignorar a la señorita Fox, ella seguirá siendo seleccionada por la rebuena que está, y como los que la rodean sí saben actuar, será la próxima Bo Derek. Películas como Jennifer’s Body están destinadas al alquiler ocasional o al masivo pirateo. ¿Saben cuánto fue la taquilla de estreno de esta “aburrición”? Menos de 7 millones de dólares. De un presupuesto de 16 millones. Hasta ahora apenas los ha recuperado. ¿Nos estamos cansando de Megan Fox, la actriz, y sólo queremos a Megan Fox, la mami? God, I hope so.

Calladas promesas: trailers de Invictus y Everybody's Fine

jueves, octubre 29, 2009 | Comments

En medio de la espectacularidad del trailer de Avatar y la aparición de otros trailers que han generado más expectativa como el de Edge of Darkness o El Hombre Lobo, vi en la página de Apple par de trailers que auguran (1) nuevas charlas de Oscar para un veterano, y (2) lo que, para mí al menos, podría ser el retorno de forma de otro.

El primero es el trailer de la nueva película de Clint Eastwood, antes llamada The Human Factor pero ahora llamada Invictus. Esto cuenta la historia verdadera de un tal Nelson Mandela (Morgan Freeman), quien al asumir la presidencia de Sudáfrica, convence al capitán del equipo nacional de rugby François Pienaar (Matt Damon) de ayudar a unir su país, con profundas divisiones por los años de apartheid, tratando de ganar la Copa Mundial.

Me suena muchísimo a Remember The Titans, pero yo celebro que al fin Eastwood tenga una historia que podría no terminar en tragedia. Además, no puedo pensar en mejor papel para Freeman que el de Mandela. Sin mencionar que tanto él como Damon parecen estar en lo mejor de su estilo de actuación. Esperen múltiples nominaciones cuando Oscar llame. Se estrena el 12 de noviembre en Estados Unidos. Por ahora no puedo éticamente ponerles el trailer aquí -- Apple lo tiene como exclusiva-- así que vayan allá y véanlo en toda su gloria de alta definición. En lo que quiten la exclusividad, lo pongo por aquí.

El otro trailer ha sido virtualmente ignorado, y la verdad no me sorprende, pues el historial de Robert de Niro ha estado bien... chimbo, por decirlo de alguna manera. Pero esta me ha llamado la atención bastante. Se llama Everybody's Fine, y es una versión de una película de 1990 de Giuseppe Tornattore llamada Stanno Tutti Bene, con Marcello Mastroianni en el papel que hoy asume de Niro. El otrora Taxi Driver hace de un viudo acostumbrado a pasar Navidad con sus tres hijos (Drew Barrymore, Kate Beckinsale y Sam Rockwell), pero cuando todos le dicen que no van a poder ir este año, él decide lanzarse el viaje para visitarlos a cada uno de ellos --y descubrir que sus vidas están lejos de ser perfectas.

Hay una inherente dulzura en este trailer que no es empalagosa, y pareciera haber una sincera química entre un muy buen elenco (Beckinsale es la más floja y con todo y eso me parece que podría hacerlo bien). Cuando además les digo que el director es Kirk Jones, quien dirigió una pequeña y encantadora película inglesa llamada Waking Ned Devine, la película tiene un atractivo adicional. Esta podría ser la película familiar de Navidad. Estrena el 4 de diciembre allá en el norte, y ese sí se los pongo a continuación.



¿Qué opinan? ¿Verán las dos? ¿O si va a ser una sola, cuál será?

Así sí jugamos: trailer completo de Avatar

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¿Es que acaso hay alguna película en historia reciente que haya creado más expectativa que Avatar? Probablemente no. Y si eso es algo bueno o malo es algo discutible, en especial considerando que cuando estrenaron el primer teaser la reacción no fue la gran cosa. Justio después vino el día de Avatar, donde algunos afortunados como el pana Frank de Spiff-O-Rama pudieron ver 15 minutos enteros de la película y gratis, y la reacción fue un tanto mejor.

Ahora hoy Yahoo debutó el trailer entero de la película, y les digo aquí y ahora --estos son tres minutos y medio de gloria. Se nota que han trabajado más en los efectos, y estoy empezando a ver la promesa de una unión impecable de gráficos computarizados y actores vivos. Y esto lo están viendo en una pequeña pantallita de computadora. Esta película como ninguna otra tiene que ser vista en el cine y en todo su esplendor tridimensional.


Oh my God. El 18 de diciembre tiene que llegar ya.

Por si acaso no se recuerdan, Avatar narra la historia de Jake Sully (Sam Worthngton), un Marine discapacitado que acepta ir a una misión en el planeta Pandora, el único planeta donde se consigue un raro y valiosísimo mineral. Como no hay oxígeno, los humanos deben moverse con avatares, mezclas genéticas entre humanos y los alienígenas nativos, llamados Na'vi. Por supuesto surge un conflicto, no sólo entre humanos y nativos que quieren proteger su mundo, sino en la mente de Jake, que debe decidir de qué lado está. Además de Worthington, actúan Sigourney Weaver, Zoe Saldana, Stephen Lang y Michelle Rodríguez, entre otros. Como ya dije, se estrena el 18 de diciembre a nivel mundial, incluyendo Venezuela.

Plasma de Miércoles E40: Planes, Trains and Automobiles (1987)

miércoles, octubre 28, 2009 | Comments

planes_trains_and_automobiles Cuando John Hughes murió en agosto pasado, los homenajes de rigor afirmaba que su mejor película era The Breakfast Club, algo que yo tengo que compartir sin duda, pues es una película que todo adolescente de los ‘80 recuerda con cariño. Pero también se hablaba de uan película en particular entre sus comedias adultas que se mantenía a pesar del tiempo, y que era considerada su mejor comedia para adultos (Hughes era famoso por sus comedias para jóvenes), que ciertamente es mi favorita: Planes, Trains and Automobiles.

Como en ninguna otra película, el mayor atractivo de esta (llamada en español Mejor Solo que Mal Acompañado) son sus dos protagonistas, dos absolutas leyendas en la comedia. Uno es Steve Martin, quien interpreta a Neal Page, un ejecutivo de cuentas de una agencia de publicidad que está en Nueva York desesperadamente tratando de recorrer los 1.400 kilómetros hasta su casa en Chicago para el Día de Acción de Gracias (consideren que el viaje de Maracaibo a Maturín son 1.239 kilómetros). Pero lo que debería ser un vuelo de rutina se convierte en todo menos, en parte gracias a Del Griffith (John Candy), un vendedor de aros de cortina de baño alegre, hablador, descuidado y, para desgracia mayor de Neal, un tanto propenso a accidentes. En poco tiempo, el vuelo que ambos comparten es desviado a Wichita, Kansas, en todo el centro de la mitad del medio de los Estados Unidos, y lo que iba a ser un vuelo de dos horas se convierte en una odisea de tres días con carros incendiados, duchas incómodas y escrotos aplastados cuando Del decide que va por el mismo camino de Neal.

Por más cliché que suene, es muy difícil parar de reír con esta película. Al estilo de Meet The Parents, esta es la comedia por la que Murphy escribió su miserable ley. Cada paso que Neal y del toman es una promesa de un desastre, y cada uno es hilarante. Desde la sutil desesperación que es ver a Neal esperar que su jefe se decida por unos bocetos para un anuncio, hasta toda la delicia física que resulta de tratar de simplemente alquilar un carro, Hughes demostró como nunca su facilidad para hacernos reír mentras, sorprendentemente, nos muestra una extraordinaria sensibilidad que puede hasta llevarte a las lágrimas.

Steve Martin era excelente en esta clase de roles, como el estirado y nervioso hombre de negocios al que todo lo desespera, lo que hace que sus rostros y estallidos lo hagan aún más gracioso. Está aquí en todo el esplendor de sus habilidades cómicas, con el punto máximo alcanzado cuando usa el adjetivo “fucking” 18 veces en un minuto en un alquiler de carros. Neal no es un mal hombre, ni cerca de serlo; simplemente ha tenido unos muy, muy malos días últimamente.

Del, por su parte, es mucho más natural y relajado, pero es desesperantemente torpe. Todos tenemos un amigo como él: el que está ansioso por ayudar, pero por su desesperante deseo de ayudar termina haciendo un desastre. Fue un rol para el que John Candy nació, con su enorme pinta de oso de peluche y el talento para la comedia que no le llevaba nada al de Martin. Y aún cuando la mayor parte del tiempo son antagonistas, la química entre ambos era para hacer reacciones en cadena, con una facilidad para reaccionar uno del otro que sólo podía lograrse entre amigos, aunque ésta fue su única película juntos. Eso es algo que me llena de tristeza, pues Candy murió en 1994 y Martin… bueno, digamos que no ha estado a la altura de esta desde entonces.

Como tantas otras escritas y/o dirigidas por Hughes, Planes, Trains and Automobiles es una de las razones por las que el hombre va a ser tan extrañado. La mayoría de las comedias hoy en día van por el camino fácil de las comedias románticas o requieren mucho humor grotesco o explícito. Hughes demostró que se pueden hacer comedias, ya sean para dultos o para adolescentes, que eran inteligentes, sensibles, bien escritas y oh sorpresa, cómicas. Que en paz descanse.

Planes, Trains and Automobiles

 

NOTAS CURIOSAS

  • Las escenas nocturnas en la carretera se filmaron en erl sur de California, con nieve falsa par simular una carretera del Medio Oeste. Muchas de esas escenas diurnas fueron filmadas en un tramo que no había sido abierto aún (la U.S. 219) que va entre Bffalo y Springfield, Nueva York.
  • Steve Martin ha dicho que esta es su película propia favorita.
  • John Hughes filmó más de 180.000 metros de película, casi el doble de lo normal. Los rumores de que hay uan versión de tres hoars de la película son ciertos, pero no están en orden. Es una maraña de pietaje que, si Hughes aún viviera, tomaría años ern ordenarse, y de todos modos probablemente esté deteriorada en su mayoría. Está guardada a salvo en una caje fuerte de la Paramount.

¿Donald Bale?

domingo, octubre 25, 2009 | Comments

Llegamos a 400 posts con un homenaje al auténtico demente de la historia del cine, el pato Donald.

¿Se acuerdan cuando se coló el ataque de arrechera que agarró Christian Bale en el set de Terminator: Salvation? Bueno, la gente de Cracked me acaba de recordar (en su artículo "7 Momentos Horripilantes de Películas Infantiles Clásicas") que, intenso y real como pueda ser, no le lleva nada al Pato Donald, como demuestra en esta escena del corto animado de 1947, Mickey y las Habichuelas Mágicas. Donald, desesperado por el hambre, nos da una imagen de la locura que creo que haría a Bale --coño, al propio Guasón-- cagarse en los pantalones.

Vean y tiemblen ante el nuevo trailer de El Hombre Lobo

sábado, octubre 24, 2009 | Comments

Ha sido un largo y duro camino para la nueva versión de El Hombre Lobo de Universal, pero todo parece estar bien encaminado ahora. Ya vimos un primer trailer en agosto que vendió la película como una oscura historia de terror gótico, y por lo menos a mí me entusiasmó. Ahora hay un nuevo trailer en línea y… wow. La música es absolutamente arrecha, y es un trailer mucho menos estándar que el anterior, con su ritmo in crescendo hasta la toma final. Tiene mucho pietaje nuevo, y ha hecho que mi entusiasmo por la película crezca aún más.

The Wolfman

Intenso, ¿no? Pero sigo deseando que no hubiéramos visto esas fotos de Benicio del Toro completamente maquillado, la sorpresa sería mucho mayor. Sin embargo, la fotografía se ve hermosa, y las actuaciones (al menos la de Anthony Hopkins y el propio del Toro) se ven sumamente convincentes. También actúan Emily Blunt y el agente Smith en persona, Hugo Weaving. El director es Joe Johnston (Jumanji, Jurassic Park III, la venidera First Avenger: Captain America) y se estrena a nivel mundial el 9 de febrero.

Estos son los nuevos Magníficos

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La fiebre de remakes continúa como una horda de langostas preparada para devorar todo lo original y creativo que sale por ahí. La última víctima adición a esa fiebre será The A-Team (llamada aquí Los Magníficos), la serie transmitida de 1983 a 1987 sobre un grupo de veteranos de la guerra de Vietnam acusados de un crimen que no cometieron que ahora hacen trabajos encubiertos para la gente. La serie hizo de una estrella al legendario Mr. T, quien venía fresco de actuar en Rocky III, y en general era entretenida, si bien no muy realista.

La nueva versión viene de la mano de "Smokin'" Joe Carnahan (Narc, Smokin' Aces) y ahora no son veteranos de Vietnam (obvio) sino de la guerra de Irak, y están buscando despejar su nombre con el ejército estadounidense por, también, un crimen que no cometieron. /Film acaba de publicar la primera foto oficial de todo el nuevo elenco junto, y aquí se las muestro (hagan clic sobre ella para una foto más grande).


De izquierda a derecha, estos son Bradley Cooper (fresco de su super éxito The Hangover) como el teniente Templeton "Faceman" Peck, el rol que originalmente pertenecía a Dirk Benedict; el luchador de la MMA Quinton "Rampage" Jackson como el sargento Bosco "B.A." Baracus, tratando de encarnar (y fallando) al legendario Mr. T; Sharlto Copley, en su primer papel desde la exitosa District 9, como el capitán "Howling Mad" Murdock, el papel de Dwight Schultz en la serie; y Liam Neeson --sí, el mismo de Episodio I, Taken y tantas otras-- transmitiendo el espíritu de George Peppard como el coronel John "Hannibal" Smith, el líder del grupo.

La verdad me parece que captura el espíritu de la serie original con todo y la clásica van que manejan, y todos me parecen que se ven geniales, en especial Liam Neeson que de verdad parece que se lo está gozando. Pero aunque "Rampage" se ve todo malote y tal, no me convence sustituyendo a Mr. T. Además que el tipo está debutando como actor; creo que era mucho mejor idea que pusieran al rapero Common (estuvo muy bueno en Wanted) que al menos ha actuado antes. Y bueno, está el triste antecedente de series llevadas al cine que no han sido demasiado exitosas... ojalá esta sea la excepción.

Para comparar, aquí tienen una foto del equipo original: de izquierda a derecha, "Faceman", Murdock, Hannibal (sentado) y B.A.



¿Qué opinan del nuevo elenco? ¿Les gustaba la serie original? ¿Y qué película basada en una serie clásica les parece una buena película? En mi caso, sólo puedo pensar en El Fugitivo.

Los Abrazos Rotos: todo Almodóvar, gracias Almodóvar

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los-abrazos-rotos11 Yo tengo una enorme deuda con el cine español, pues mi conocimiento de su producción y sus realizadores y actores es muy limitado, y es uno de tantos objetivos que, como cinéfilo, me he trazado a lo largo de mi vida para actualizarme. Hasta ahora, mi conocimiento no pasa más allá del que se ha convertido en el más universal de sus directores, el que consistentemente ha logrado que cada película que hace sea comentada a nivel mundial, y encima se convierta en un éxito. Y en esta ocasión lo ha logrado aún más, pues aunque la única otra película suya que he visto fue la delicia de 1991 llamada Tacones Lejanos, Pedro Almodóvar ha demostrado de nuevo que es todo un pintor que usa el celuloide como lienzo en Los Abrazos Rotos.

Antes de hablarles de los detalles de la película, necesito hablarles de la bellísima fotografía, pues ha pasado tiempo que he visto una película de arte. Almodóvar trabajó en esta ocasión con Rodrigo Prieto, un mexicano que se ha cansado de trabajar en Hollywood en películas que yo he admirado muchísimo como Brokeback Mountain, Babel y hasta 8-Mile. Los detalles de luz, de composición de excelente-conmovido[6]tomas y los mejores close-ups (la película abre con un close-up extremo del ojo de la actriz Marta Aledo tan perfecto que se puede ver reflejado su entorno). Ahora estaré más pendiente de los créditos de sus futuras películas; al menos sé que se verá gloriosa.

Dicho eso, Almodóvar siempre ha escrito historias centradas en mujeres fuertes o inmensamente atractiva, y esta no es ninguna excepción. La historia se centra en Harry Caine (Lluís Homar), un escritor ciego que hace tiempo se llamaba Mateo Blanco y era director de cine. Aún no sabemos por qué ha asumido el seudónimo con el que firmaba sus guiones como su nueva personalidad, pero nos lo va narrando. Su agente, Judit (Blanca Portillo), le sigue ayudando a conseguir trabajo y vender sus guiones, y tiene al hijo de Judit, Diego (Tamar Novas), como su asistente, secretario y amigo. Un día, recibe la visita de un misterio joven que se hace llamar Ray X (Rubén Ochandiano) que le insiste en que lo ayude a escribir una película sobre el odio de un hijo hacia el padre que nunca loa ceptó por ser homosexual. La historia le parece demasiado personal a Harry, y lo rechaza, pero otro acontecimiento le hará luego cambiar de parecer. Esa noche, un accidente mete a Diego en el hospital, y como Judit no está en la ciudad, Harry le cuida, y como un padre que le cuenta a un niño una historia, ante la insistencia de Diego de que le explique el secreteo de su madre, le narra la historia de la última película de Mateo, y la de su amada Lena (Penélope Cruz).

Lena empezó siendo la asistente de un poderoso empresario llamado Ernesto Martel (José Luis Gómez), pero luego que éste ayuda a su padre, se convierte en su amante. Lena sólo sueña con ser actriz, y acude a una prueba con el director Mateo Blanco, y… bueno, por ahí empiezan los problemas.

La historia es una mezcla de drama, cine negro y comedia, como casi todo lo de Almodóvar, quien dice que se inspiró para escribirla luego de contemplar una fotografía que había tomado en playa Golfo, en la isla de Lanzarote, en las Islas Canarias (el mismo sitio de la foto de la película), que cuando fue revelada le mostró una pareja que él no había visto. "Sentía que esa pareja guardaba un secreto", dijo en una entrevista después. "Toda la isla guardaba un secreto. Tenía que develar ese secreto".

El resultado es una de las más absorbentes historias de amor que he visto desde Romeo y Julieta, creo yo. Cada personaje tiene una fascinante historia que supieron desarrollar a las mil maravillas, y las actuaciones son cada una mejor que la otra. Homar y Gómez son, extrañamente, lo más flojo de la película, Gómez más que Homar, aunque hacen un buen trabajo. Sin embargo, Homar logra mínimas sutilezas en su papel que esconden un eterno dolor que no es sino evidente hasta el mismo final, y cuando muestra un poco más de emoción lo hace muy bien.

También puede ser porque el fuerte de Almodóvar, como dije, son sus personajes femeninos, y creo que nadie los escribe como él. Portillo empieza siendo como la estricta pero adorable asistente, y crees que se convertirá en una especie de Lily Tomlin en The Kid, pero empieza a evolucionar en una complejidad mucho mayor, y Portillo logra esa transformación con la sutileza de un amanecer. También vemos pequeñas actuaciones de Carmen Machi, en un pequeño y divertidísimo papel en una película que se filma dentro de la película inspirado en una amiga de Almodóvar que tuve un romance, sin saberlo, con un miembro de la ETA. No les digo más porque eso es de verlo para creerlo y reírse sin parar.

Y claro, está Penélope... Esta mujer está siendo desperdiciada en Hollywood, Oscar o no. Primero, ha estado volviéndose más y más hermosa con el pasar de los años. Y segundo, el rango de emociones que logra transmitir en su rostro es vasto como una sabana que me recuerdan a las habilidades de Susan Sarandon. Cuando está feliz, está absolutamente radiante; cuando está triste es como si el mundo entero se estuviera viniendo abajo. Aunque no tan descarada y abierta como su rol en Vicky Cristina Barcelona, estos son los roles que Cruz merece tener: delicados pero grandilocuentes, que le muestren al mundo por qué Almodóvar la tiene como su musa.

Sigo diciendo que Inglourious Basterds es la mejor película que he visto este año, pero sería una grosería y un insulto al cine que no diga que Los Abrazos Rotos está a la par en cuanto a la calidad. Como entretenimiento hollywoodense, Basterds es el cúlmine de la producción cinematográfica de ese estilo, pero Abrazos es el auténtico séptimo arte, el que se hace como expresión artística pura que entretiene, no porque sea quizá el objetivo, sino porque es la mera esencia del cine a la vez que te hace reflexionar. Asombrosa.

El regreso de Mel Gibson: trailer para The Edge of Darkness

viernes, octubre 23, 2009 | Comments

edgeofdarknessposter La última vez que vimos a Mel Gibson en una película —y sin tener problemas con la ley— fue en la extraña The Singing Detective de 2003, además de pequeñas apariciones en Paparazzi y la poco longeva comedia de televisión Complete Savages. Claro, los anteriormente mencionados problemas con la ley pueen haber influenciado al actor, quien hasta ese momento tenía una de las más prístinas imágenes de Hollywood. Yo lo atribuyo al alcohol hablando, pero quién sabe qué oculta el corazón de la gente…

Bueno, me estoy desviando. Ahora Gibson está de vuelta en Edge of Darkness, un thriller dirigido por Martin Campbell (Casino Royale, la venidera Green Lantern) basado en una miniserie del mismo nombre de la BBC de 1985, que narra las tribulacioens por las que debe pasar un padre que busca resolver un posible intento de asesinato sobre él –que terminó matando a su hija. También tiene a Ray Winstone en un papel que originalmente sería de Robert de Niro antes que éste se retirara.

Es bueno ver a Gibson de vuelta, recreando menos la locura de su papel en Arma Mortal y más parecido a roles como en Payback y Ransom. La verdad se ve un poco genérica, pero tengo entendido que la miniserie tenía algunos elementos que, si lograron traducirla a una película, debería hacerla interesante. Edge of Darkness se estrena en enero de 2010. Ahora Campbell se podrá concentrar en finalmente empezar a hacer la muy anticipada Green Lantern con Ryan Reynolds.

El año entra en la recta final

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El último trimestre del año está encima de nosotros, lo que significa algunas películas de calidad, junto con algunas para toda la familia y otras que han sido soltadas sobre nosotros luego de cierto tiempo. Noviembre, de hecho, es un jardín fértil en calidad. ¿Qué ver? ¿Qué ignorar? Aquí les echo el cuento.

BUENAS INVERSIONES

Drag Me To Hell (Arrástrame al Infierno). Alison Lohman, Justin Long. Dir.: Sam Raimi. La fecha de mi reencuentro con el horror está acercándose, así como el director de Spider-Man regresa a sus raíces del horror, en el que se inició en 1984 con Evil Dead. La mayoría de las películas de terror este año han sido malditas por la crítica pero un éxito en taquilla (The Final Destination, My Bloody Valentine); con esta sucedió al revés. No quisiera que se repitiera. Así que, así como yo ya pregunté una vez: ¿están listos para ser arrastrados al infierno? Estreno: 6 de noviembre

Drag me to Hell

A Christmas Carol (Los Fantasmas de Scrooge). Jim Carrey, Gary Oldman, Cary Elwes, Colin Firth. Dir.: Robert Zemeckis. Erase una vez que Jim Carrey estaba sentado sólo en el trono de la comedia al tope del mundo. Ahora está aceptando películas mediocres como Sí, Señor, y francamente creo que se merece mejor que eso. Así que vamos a verlo tomar cinco papeles a la vez en la nueva versión del clásico de Charles Dickens, dirigida por el ahora experto en animación de captura de movimientos Robert Zemeckis. El Expreso Polar fue interesante, Beowulf fue entre bien y mal; vamos a ver qué tal esta, que para rematar estará en 3-D. Ciertamente será mejor que la última versión del cuentoEstreno: 6 de noviembre

A Christmas Carol

2012. John Cusack, Amanda Peet, Woody Harrelson, Oliver Platt, Chiwetel Ejiofur. Dir.: Roland Emmerich. A pesar de mi profundo odio por la última película de Emmerich, negarse a ver esta película no es una opción. Es como un Michael Bay en anfetaminas, destruyendo al mundo y haciéndolo ver arrechísimo. Este creo que es el segundo mejor trailer que he visto este año (el primero es el de A Serious Man, de los Coen), pero esta será la última oportunidad que le doy. Estreno: 13 de noviembre

2012

Brothers Bloom (Los Hermanos Bloom). Mark Ruffalo, Adrien Brody, Rachel Weisz, Rinko Kikuchi. Dir.: Rian Johnson. Esta película ha sido una de las pocas este año que sólo ha ido ganando adeptos por donde quiera que se estrene. Su director ha sido perfilado en este blog, y con el éxito que tuvo con Brothers Bloom logró que sus dos primeras películas (su debut fue Brick, de la que ya les hablé una vez) fueran favoritas de la crítica por doquier. Incluso ganando nuevos adeptos. Como yo. Estreno: 13 de noviembre

Brothers Bloom

Planet 51. Dwayne “The Rock” Johnson, Jessica Biehl, Gary Oldman, John Cleese, Justin Long, Sean William Scott. Dir.: Jorge Blanco y Javier Abad. Una de dos animadas de este fin de año y la única animada por computadora. Es la historia de un astronauta (Johnson) todo emocionado porque cree que es el primero en llegar aun planeta, sólo para descubrir que está habitado por pequeños alienígenas verdes que viven en temor que los invadan extraterrestres… como un astronauta. Producida en España, siempre es bueno seguir animaciones que no sean ni Dreamworks ni Disney; fíjense lo que Blue Sky hizo con La Era del Hielo. Estreno: 20 de noviembre.

Planeta 51

GUARDEN LA CARTERA

Jennifer’s Body (Diabólica Tentación). Megan Fox, Amanda Seyfried. Dir.: Karyn Kusama. Megan Fox es ridículamente hermosa. Está increíblemente BUENA. Y Diablo Cody ha demostrado, gracias a su Oscar por Juno y el relativo éxito del programa The United States of Tara, de Fox, ha demostrado ser una buena escritora. Pero esta historia de una porrista poseída por un demonio sediento de sangre joven no podría llamarme menos la atención. Sí, ni siquiera por bucearme a la Fox. Además, los números no mienten. Estreno: 30 de octubre.

Jennifer's Body

(para ver el trailer introduzcan su fecha de nacimiento)

Trade (Tráfico de Almas). Kevin Kline, César Ramos, Paulina Gaitán, Zack Ward. Dir.: Marco Kreuzpaintner. Por algo yo nunca había oído de esta película de 2007. Y es una pena, pues Kline es un actor con el que puedo contar la mayor parte del tiempo, y la película sirve como denuncia del tráfico sexual internacional. Aún así, no creo que la veré, y el hecho de que tenga la puntuación que tiene en Rotten Tomatoes me hace aconsejarles que tampoco lo hagan. Estreno: 6 de noviembre

My Life in Ruins (Mi Vida en Ruinas). Nia Vardalos, Richard Dreyfuss. Dir.: Donald Petrie. Érase una vez una escritora greco-americana que fue apadrinada por Tom Hanks y su esposa Rita Wilson para que hiciera una pequeña comedia sobre su familia. Esa comedia fue My Big Fat Greek Wedding, uno de los mayores y más sorpresivos éxitos de 2003 y que hizo de Nia Vardalos una estrella –como por 10 minutos. Sí, ni siquiera 15. Ella se dedicó luego a escribir esta aventura de una mujer que busca recomponer su vida en las islas griegas donde trabaja como guía turística, pero fue un fracaso tan vergonozoso… Olvídenlo. Estreno: 13 de noviembre.

BUENO, SON SUS REALES

Coco Avant Chanel (Coco Antes de Chanel). Audrey Tatou, Benoît Poelvoorde, Alessandro Nivola. Dir.: Anne Fontaine. Amélie es la mejor película que yo jamás he visto, pero el encanto de Audrey Tatou llegó a mí de todas formas, aún en el convencionalismo de El Código Da Vinci. Esta sin duda es su contención para los Oscars, donde interpreta al ícono de la moda francesa Coco Chanel. Hay algo de las “biopics” que me hace ponerme cuidadoso, pero bueno, si funcionó en La Vie en Rose, quizá podamos disfrutarlo de nuevo. Estreno: 30 de octubre.

Killshot. Mickey Rourke, Diane Lane, Thomas Jane, Joseph Gordon-Levitt, Rosario Dawson. Dir.: John Madden. Todo ese elenco está compuesto de algunos de mis actores favoritos. El guión es una adaptación de uno de los mejores autores de novela policíaca del mundo, Elmore Leonard. Y es una tensa historia de una pareja (Lane y Jane), en el programa de protección de testigos, acosados por un experimentado matón a sueldo (Rourke) y su demasiado entusiasta protegido (Gordon-Levitt). Pero, más allá del hecho que esta película está terminada desde 2006, hay algo que me hace dudar. Puede ser, puede que no. Estreno: 13 de noviembre.

Killshot

Case 39. Renée Zellweger, Jodelle Ferland. Dir.: Christian Alvart. Yo tengo espacio para sólo una película de terror este año, así que si quieren ver esta es su decisión. Es la historia de una trabajadora social (Zellweger) que rescata a una niña (Ferland) de un hogar abusivo y la adopta, y se da cuenta que hay algo que está siguiendo a la chamita y no son sus padres. Estreno: 20 de noviembre.

Julie & Julia. Meryl Streep, Amy Adams, Stanley Tucci, Chris Messina. Dir.: Norah Ephron. Esta sé que la voy a ver, pero una vez que sepan que es dirigida por la reina de las comedias románticas (su gran joya es Sleepless in Seattle, además que escribió Cuando Harry Conoció a Sally) perderé a la mitad de ustedes. Es la historia real de la cocinera Julia Childs (Streep) y su ascenso en el mundo culinario, entrelazado con la historia de Julie Powell (Adams), quien en 2002 decidió cocinar una receta del libro de Childs al día y hacer un blog sobre la experiencia, que a su vez fue también convertido en un libro. Yo vería a Streep leer un periódico en francés, y Adams no se queda atrás, pero a lo mejor sí es demasiado fresa para algunos. Ustedes verán. Estreno: 20 de noviembre

Recuerden que, muy a nuestro pesar, todas las fechas están sujetas a cambio sin previo aviso, como ya comprobamos antes. Cortesía de Cines Unidos.

¿El trailer asegura el éxito?

jueves, octubre 22, 2009 | Comments

Si hemos de creer este gráfico de Silicon Alley Insider, quizá hayas visto el trailer de tu película una, dos mil veces, pero eso no garantiza que va a ser un automático éxito. Es información bien interesante.

movie_trailers_vs_box_office

Fíjense el contraste entre los dos extremos: el trailer de Jennifer’s Body fue descargado más de 7,5 millones de veces, sin duda gracias a Megan Fox. Pero la historia de la hermosa adolescente poseída por un demonio hambriento de chamos (que para rematar fue escrita por Diablo Cody, quien se ganó un Oscar por su guión de Juno) tuvo un patético fin de semana de estreno de unos 7 millones de dólares.

En cambio, Law Abiding Citizen, una película que ya he escuchado es una demencia sin sentido que es una sola gozadera de ver, no ha llegado ni a las 200.000 descargas, pero tuvo un saludable fin de semana de unos 22 millones de dólares.

Bueno ver que Where The Wild Things Are fue un éxito en descargas y en su estreno: unas cinco millones de descargas, unos 35 millones de dólares el fin de semana.

Sólo para que contribuyamos, el trailer de Law Abiding Citizen. Aún sin fecha de estreno en Venezuela.

Law Abiding Citizen

Fuente: Slashfilm

Plasma de Miércoles E39: Young Frankenstein (1974)

miércoles, octubre 21, 2009 | Comments

El otro día, en un stand de DirectTV de un centro comercial de la ciudad, estaban pasando Meet The Spartans, la burla de 300 que fue rutinariamente considerada una de las peores películas del año pasado. La vi por exactamente diez minutos antes de convencerme que era así, aunque admito que me entró curiosidad por verla sólo para determinar exactamente qué tan mala es (bueno, y ustedes saben también para qué). Pero también sirvió para añorar la época en que Hollywood sabía cómo hacer buenas burlas, en vez de tratar de hacer cosas sin sentido sólo porque cree que ganará unos reales rápidos (una tendencia que estoy convencido empezó con Scary Movie).

Mel Brooks --quizá lo recuerden como el desgreñado Tío Phil en Mad About You-- era sin duda el gran especialista en ellas, rutinariamente escribiendo, dirigiendo y a veces protagonizando excelentes comedias que hacían inteligente mofa de clásicos de otros géneros. Todas ellas iban de lo buenas peor olvidables (Dracula: Dead and Loving It) a lo decentes (Robin Hood: Men In Tights) a lo muy buenas (Spaceballs) a lo geniales como Blazing Saddles y la que nos compete hoy, Young Frankenstein.

Obviamente, es una divertida versión de clásicos de terror de los '40, donde genios como Bela Lugosi, Lon Chaney Jr. y Boris Karloff aterrorizaban al público con sus interpretaciones de DRácula, el Hombre Lobo y el monstruo de Frankenstein. Brooks tomó todas las tomas, efectos de sonido, música y demás elementos, amén de filmarla en blanco y negro, para hacer una fiel recreación de la época, unido a uno de los mejores elencos cómicos reunidos en una misma película. Si ustedes creen que Scary Movie es lo mejorcito de la comedia, bueno, primero, que Dios se apiade de su alma, y segundo, esta era la época en que no hacían falta chistes de pene para hacer al público reír. Con todo lo que me encanta Judd Apatow, él jamás podría hacer lo que Brooks hizo en su mejor época.

En nuestra historia, el joven doctor Víctor Frankenstein (Gene Wilder) (y se pronuncia "Fronquestin") es un brillante neurocirujano que está peleando por olvidar la actuación de su muy famoso abuelo. Pero al morir éste, le deja su propiedad en Transilvania, y por supuesto debe acudir a reclamar su herencia. Ahí conoce a Igor (Marty Feldman) (perdón, AI-gor), el deformado nieto del deformado asistente de su abuelo, junto con Inga (Teri Garr), su amada asistente, y la misteriosa Frau Blüchar (Cloris Leachman), la ama de llaves, una mujer tan intimidante que los caballos se agitan con la sola emnción de su nombre. Eventualmente, Víctor consigue el diario de su abuelo, y convencido que puede recrear su experimento, crea su propia criatura (Peter Boyle, Frank en la comedia televisiva Everybody Loves Raymond) en secreto-- con muy malas consecuencias tanto para él como para todo el pueblo, incluyendo a su estricto comisario (Kenneth Mars).

Cada vez que veo esta película en la actualidad me pregunto qué habrá pasado con Wilder, otrora uno de los comediantes más exitosos de la pantalla chica y grande (de hecho coescribió este guión con Brooks). Con su alborotado cabello y su facilidad para cambiar de un pausado tono de voz a un gutural graznido de desespero en instantes, sin mencionar un sentido de oportunismo cómico único. Su roce con la locura, y su sensación de que está rodeado de un mar de idiotismo que está amenazando con contagiarlo, dan para algunas de las caras e interacciones más divertidas que han podido ver en el cine.

Feldman es quien los matará de la risa aquí con sólo aparecer. Este era un cómico inglés que lamentablemente murió en 1982 que tenía unos enormes ojos que miraba cada cual para su propio lado, que lo hacía parecer un camaleón demente. Él y Wilder logran una pareja absolutamente hilarante, y es genial verlos reaccionar uno del otro en distintas situaciones. Mis dos momentos favoritos que tuvieron fue luego que Igor consigue un cerebro para la criatura y trae el de alguien llamado "Abbie Normal"; y el momento en que llega la prometida de Víctor (la genial Madeline Kahn), en donde se ve claramente que Wilder está a un paso de perder la compostura y estallar en carcajadas.

Incluso el propio Boyle, aunque la mayor parte del tiempo se limita a gruñir, logra arrancar algunas carcajadas, en especial en la burla de la clásica escena de Frankenstein cuando la criatura se consigue con una niñita, y la inigualable escena cuando se consigue con un viejo ermitaño ciego, uno de mis cameos favoritos de la historia del cine (no les voy a decir, quién es: vean la escena y a ver si adivinan quién es). Igual Teri Garr, quien hace un divertidísimo acento alemán que va a la perfección con su papel de inocente damisela, y no puedo sino sonreírme con Mars y su bendito brazo de madera y con Leachman, que es una de esas abuelas que uno desea con fuerza de lo perfectamente loca que está.

En fin, esta es una de las grandes comedias de la historia y con todo el merecimiento del mundo. Está inteligentemente escrita y aún mejor actuada. A mí me encantó The Hangover y ciertamente bastante me río con las películas de Apatow, pero en un mundo donde somnolencias como La Cruda Verdad y Quiero Robarme a la Novia son éxitos o basura como Una Loca Película Épica son siquiera hechas, añoro por la época en que Mel Brooks era uno de los grandes de la comedia. Vuelva, señor Brooks; todo está olvidado. ¡Y ese es el problema!



NOTAS CURIOSAS

  • Mucha de la utilería y escenarios son las mismas que Frankenstein (1931).
  • El lobo que se oyo al salir del tren es el propio Mel Brooks.
  • El elenco y en particular el director estaban gozando de tal manera y estaban tan disgustados que la filmación principal estaba por terminar (algo que es evidente), que Brooks continuaba añadiendo escenas para seguir filmando.
  • La versión original era el doble de largo y era considerada por todos como una abismal falla. Fue sólo después de una maratónica sesión de edición que produjo la versión final, que tanto Wilder como Brooks estuvieron de acuerdo en afirmar era mucho superior. En un punto notaron que por cada chiste que funcionaba, habían tres que ponían la torta. Así que sacaron todos los chistes que no servían.
  • Es la película propia de Gene Wilder que él considera su favorita.
  • Gene Wilder ideó la escena en que él y Boyle cantan y bailan "Puttin' On The Ritz", aunque Brooks no estaba tan seguro, hasta que la vio en presencia de un público que moría de la risa. Cuando empezaron a hacer esa escena, nadie sabía qué debería decir la criatura. En lo que arrancó, Boyle improvisó una estrangulada versión del coro, "¡Puin on the RIIIIIIIIZZZ!", y esa fue la que quedó.
  • Wilder y Brooks sólo tuvieron un pleito, pero fue tan grande que Brooks gritó, entró en furia y se largó del plató montado en cólera. Al poco rato, Gene recibió una llamada de Mel diciéndole, "¿Quién era ese lunático gritando y vociferando en el plató hoy? ¡Deberías votar a ese pelele!" Ya se querían otra vez.
  • La banda Aerosmith tomó tiempo de una larga noche de grabar para ver la película en 1974. Steven Tyler escribió su primer éxito "Walk This Way" a la mañana siguiente, inspirado por la primera escena de Marty Feldman, donde dice "camine por aquí". (No tiene la misma gracia en español, mi gente, lo siento.)

Luxo, ¿qué has hecho?

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Pixar es universalmente adorada. Bueno, quizá con excepción de DreamWorks. Y ahora que están preparados para volver a conquistar las masas con Toy Story 3, pareciera que no hay nada que hacer más que inclinarse ante su gloria. Pensar que todo empezó con una humilde lamparita llamada Luxo jugando con una pelota...

¿O sí lo hay?

La gente de College Humor acaba de presentar un video que muestra las verdaderas consecuencias de andar brincado por ahí, lamparita. Véanlo y traten de no reírse demasiado duro.


Y el hijo no se queda atrás: Luxo Jr. ha llegado a la adolescencia. Cirtesía de Mark J. Grundy en YouTube.



Y para que vean el encanto original (bueno, digo yo), aquí tienen el corto animado original de 1986, Luxo, Jr. Fuera de todo juego, es impresionante que hayan logrado darle vida a algo tan inanimado como una lámpara de escritorio.

Sector 9: Una visita desagradablemente necesaria

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Han habido tres películas este año por las que he tenido una gran expectativa, que cada mes que pasaba lo único que quería era verlas y comentarlas. Una de ellas, Where The Wild Things Are, ha sido tristemente demorada hasta el año siguiente, así que se ha convertido desde ya la más esperada de 2010. La otra fue Watchmen y fue todo lo que yo me esperaba, afortunadamente. La tercera fue el debut del apadrinado de Peter Jackson, el debutante Neill Blomkamp, y la versión larga de su cortometraje Alive in Joburg, District 9. ¿Llenaría mis expectativas?

A estas alturas deberían saber quién es Blomkamp: un sudafricano residenciado en Toronto, Canadá, que impresionó tanto al director de la saga de El Señor de los Anillos con el mencionado corto que lo propuso como el director para la película basada en el videojuego Halo. Eso terminó siendo un desastre, como pueden leer aquí, así que Jackson le dijo  que extendiera la historia de Alive… a un largometraje. El resultado fue una producción que costó la séptima parte de lo que hubiera costado Halo y una octava de lo que costó Transformers: Revenge of the Fallen, y lo recuperó en un fin de semana. Es indudablemente, una muy buena película, lo digo de una vez.

Pero no es lo que yo esperaba.

La historia es esta: en 1982 (en plena época de apartheid) una enorme nave apareció sobre la ciudad de Johannesburgo, en Sudáfrica. Tras meses sin que sucediera nada, el gobierno de ese país decide perforar la nave y se consigue con casi un millón de desnutridos alienígenas dentro de ella. Decide ponerlos en un campamento para refugiados, pero después de un tiempo los alienígenas comienzan a traer problemas. Así que veinte años después, el descontento de la población hace que el gobierno ahora decida que los alienígenas (que ahora son despectivamente llamados “langostinos”, dicho con el mismo desprecio con el que usaban kaffer, el calificativo para los negros) deben ser mudados a otro campamento, a varios kilómetros a las afueras de Johannesburgo.

Aquí entra la Multi-National United, o MNU, un conglomerado y fabricante de armas que queda encargada de reunir a los alienígenas y sacarlos del Sector 9. Liderando la operación es Milkus van der Merwe (Sharlto Copley), un nombre que, para que esté en contexto, es el equivalente a un gallego en el humor sudafricano. Es el menor en la jerarquía de las oficinas, un van der Merwe. Y ahora este humilde lacayo es quien dirige la operación, en parte gracias a que su suegro (John Sumner) es también uno de los chivos de MNU. Lo que no sabe Milkus es que lo que más quiere MNU es apoderarse de las armas de los alienígenas, pero éstas sólo funcionan con el ADN alienígena. Difícil de lograr –hasta que en una inspección, Milkus es expuesto a su biotecnología… y descubre que se está transformando.

Como ven, es una historia absolutamente original e interesante, escrita por el propio Blomkamp y Teri Tatchell. Además. Blomkamp tiene un estilo de usar cámaras sostenidas en la mano en vez de trípodes o afines, lo que hace que la película –junto con unos efectos especiales absolutamente fotorealistas— se vea y sienta como un documental, con el añadido de entrevistas a supuestos especialistas y a los que sin duda son verdaderos extras en la calle que hacen que te metas en la historia por completo. Tú te crees que estos alienígenas viven en condiciones infrahumanas, que hay gente en grupos de derechos humanos que se preocupa por ellos, y que de verdad Milkus está viviendo una auténtica pesadilla.

Esto último ayuda por la sorprendente actuación de Copley, un actor sudafricano cuyo única labor previa fue una breve aparición en Alive in Joburg, donde además había fungido de productor ejecutivo. Como empleado público, se ve que sólo es un tipo que trata de complacer, enamorado de su esposa (Vanessa Haywood) y además racista como el resto de la población blanca de esta película. Te está cayendo muy bien hasta que ves que detrás de su amabilidad se esconde el odio hacia los “langostinos”, al punto que quedé asqueado al presenciar cómo abortaba una colonia de ellos y hasta lo disfrutaba. Pero cuando su accidente ocurrió, y se convirtió en el ser humano más buscado del planeta, el dolor, la confusión, la sorpresa y la rabia en su cara hacen que se dé cuenta de la realidad por lo que había pasado, y pasa a héroe dudoso con algunos problemas y ya no tenemos problema en apoyarlo. Esperen muchas cosas buenas para Copley, en la actuación sorpresa del año. (Ahora será Murdock en la nueva versión de Los Magníficos, con Liam Neeson, Bradley Cooper y el luchador Quintin “Rampage” Jackson.)

Es precisamente cuando el personaje de Copley debe convertirse en un super héroe que la película comenzó a perder parte de su ya gran atractivo. No sé si hubieran podido llevarla por otro lado, pero sentía que era demasiado estándar para lo que estaban desarrollando. De hecho, me recordaba muchísimo a un juego de video, donde tenías que completar ciertos niveles antes de conseguir el tubo, y luego luchar contra soldados antes de enfrentarte al jefe (en este caso, el coronel líder de las fuerzas de la MNU, interpretado por David James). No dejaba de ser divertido, pero dada la premisa inicial, me pareció que la película perdió fuerza en vez de mantenerla. No es una crítica a la dirección de Blomkamp ni mucho menos, quien ciertamente le demostró a Microsoft de lo que se había perdido.

El verdadero atractivo de Sector 9, más allá de su logro en efectos e historia por un presupuesto relativamente bajo, es el poderoso mensaje contra el racismo, la discriminación, la intolerancia y la violencia. Cierto, Sudáfrica era el epicentro del racismo contra los negros, que es algo que Blomkamp debe conocer muy bien, pero esto se podía transportar a cualquier ciudad del mundo: el sur de Estados Unidos, el norte de Irlanda, y en algunos tristes casos hasta acá en Venezuela. Ese racismo se ve peor cuando viene de un gobierno, y Sector 9 hace un excelente trabajo en hacer que nos revolvamos incómodos en nuestros asientos al ver esas manifestaciones de odio hacia alguien sólo por ser distinto a nosotros. Sí, los alienígenas son violentos y adictos a comida de gatos, y lidian con nigerianos criminales, pero están lejos de su casa, sin ningún liderazgo y ninguna simpatía. Excepto por su apariencia, esos podrían ser afganos, haitianos o mexicanos. He ahí por qué, aunque no nos agrade la vista, el tema o siquiera el aspecto, todo el mundo debería ver y discutir esta película.

Mientras tanto, en Internet...

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