Pa' La Casa: 19 de julio

Una mente sin control, un torneo clásico a la pantalla y una mediocre comedia de los ochenta… Oh sí, hay gran variedad en lo nuevo para la casa esta semana.

Limitless

Sinopsis: Un autor que ha caído en la vagancia (Bradley Cooper) toma una píldora que le permite despertar el potencial completo de su cerebro y lo transforma en un super genio –que atrae las miradas equivocadas.

Neil Burger es un director bastante capaz, si bien no extraordinario; El Ilusionista funcionó bastante bien tanto como un thriller supernatural como una especie de historia de detective aristocrática. Ahora con Limitless, aunque no tuvo mucha presencia en taquilla, sí logró ser considerado un thriller aceptable si acaso poco coherente. Y de todos modos, cualquier película actual que tenga a Robert de Niro sin hacer el ridículo debe ser aceptada.

Veredicto: Esta se estrena en nuestro país el 19 de agosto; creo que esperaré a verla entonces y luego decidiré si vale la pena verla más de una vez.

Para el coleccionista/purista: Una exploración del personaje de Cooper, un detrás de escenas de cómo se hizo, un final alterno y una versión de la película extendida y sin censura.

Take Me Home Tonight



Sinopsis: En vez de lanzarse a conseguir un trabajo de verdad, Matt Franklin (Topher Grace), recién graduado de MIT, decide aceptar un trabajo en una tienda de películas, hasta que la mujer que él amó durante todo el bachillerato (Anna Faris) entra por la puerta y lo invita a una fiesta –que él espera nunca olvidar.

Que nadie se caiga a coba: a todos nos encantan esas películas de adolescentes donde el chamo hace lo que sea para conquistar a la mujer de sus sueños, como una tristemente olvidada llamada Licencia para Conducir, con,los dos Coreys (Feldman y el recientemente fallidos Haines). Pero considerando las pobres reseñas que Take Me Home Tonight recibió y el hecho que Topher Grace no ha hecho nada destacado desde That 70’s Show no me hacen demasiado optimista respecto a esta.

Veredicto: Esta seguro la pasan en televisión, ¿no?

Para coleccionistas/puristas: Una reunión del elenco, escenas borradas, un compendio de la música de la película, el video musical de “Take Me Home Tonight” por Atomic Tom y los trailers y comerciales de televisión.

Tekken



Sinopsis: En el año 2036, el mundo está dominado por corporaciones, con los Estados Unidos dominado por la Tekken y su temible regente, Heihachi Mishima (Cary Hiroyuki-Tagawa), quien todos los años organiza el brutal torneo de artes marciales El Puño de Hierro. Este año, un joven atleta llamado Jon (Jon Foo) ha entrado para vengar la muerte de su madre y maestra Jun (Tamlyn Tomita) y matar a Heihachi –pero primero deberá vencer a su hijo Kazuya (Ian Anthony Dale).

Rápido, nombren una película basada en un videojuego que haya sido exitosa. Nah, mejor ni se molesten. La que vino más cerca fue El Príncipe de Persia, y aún esa falló. Y piensen en las que han tratado de adaptar juegos de pelea antes: Double Dragon, Mortal Kombat, Street Fighter, Street Fighter: The Legend of Chun-Li… Es cierto, nadie va a buscar esta película por la historia, pero tratar de hacer gente que pelea tener dramas shakespearianos –con todo y lo buen actor que Hitoyuki-Tagawa es—siempre es un error.

Veredicto: Siendo tan fan del juego como soy, estoy seguro que en algún momento la buscaré. Pero algo me dice que la olvidaré luego de verla.

La Bella y la Bestia (Criterion)



Sinopsis: Una hermosa damisela (Josette Day) es obligada a permanecer prisionera de una bestia (Jean Marais), quien está a su vez presa de una maldición que sólo el verdadero amor puede liberar.

Si a estas alturas ustedes no saben la historia de La Bella y la Bestia, creo que es hora de salir de la cueva. Pero esta no es la versión que Disney hizo megapopular y se convirtió en la primera cinta animada nominada a un Oscar como mejor película; esta es la versión de 1946 del genio francés Jean Cocteau. Meticulosamente hecha, ustedes nunca han visto esta historia como la podrán ver ahora.

Veredicto: Saben, es Criterion. No es que me muera por tenerla, pero si eres un coleccionista esta siempre ofrecerá algo para convencerte de tenerla en la casa.

Para el coleccionsita/purista: Como toda edición de Criterion (y esta es la tercera y primera en Blu Ray) incluye un cuaderno con ensayos, incluyendo uno del compositor Philip Glass sobre la versión operática de la banda sonora, dos comentarios de audio de dos historiadores, un documental de una reunión del elenco en 1995, una entrevista con el director de fotografía Henri Alekan, la demostración de la restauración de 1995, fotografías promocionales y el trailer original y el de la restauración.

House of the Rising Sun



Sinopsis: Un ex policía (el luchador Dave Bautista) que trabaja de seguridad en casino/burdel propiedad de la mafia debe averiguar quién se robó una fortuna en su turno. Los sospechosos incluyen una ex novia (Amy Smart), un matón (Dominic Purcell) y un jefe rival (Danny Trejo).

A menos que tu nombre sea Hulk Hogan o Dwayne “La Roca” Johnson, son pocos los luchadores profesionales que pueden hacer la transición a actor completo. Por las reseñas, parece que “El Animal” Bautista no va a formar parte del equipo. El hombre no convence ni el trailer, y eso que era uno de mis favoritos en la WWE.

Veredicto: Creo que hasta The Marine con John Cena prometía más. Dudo mucho que la vea si no es por accidente.

Para coleccionistas/puristas: Hay un comentario con el director y el protagonista, escenas borradas y entrevistas con el elenco.

Menciones honorables



Chocolat: La empalagosa (y no lo digo por mal) historia de una pastelera experta en chocolate (juliette Binoche) y su lucha en contra de un conservador pueblo llega a Blu Ray con toda justicia, pues esa increíble fotografía merece ser vista en alta definición.


Amelié: El mundo conoció a Audrey Tatou en esta encantadora película que también hace su debut en Blu Ray. A ver si ahora sí la veo.

Boyz In Da Hood: El debut como director de John Singleton (que hace su debut en Blu Ray) fue una poderosa historia urbana con aún más poderosas actuaciones de Cuba Gooding, Jr., el hasta entonces rapero Ice Cube, Laurence Fushburne y Morris Chestnut.

Plasma de Miércoles E55: Der Untergang (2004)

En esta nueva era de Internet, la forma en que una película pueda entrar al imaginario colectivo puede ser fascinante. Star Wars entró al status de “icónica” gracias al merchandising; Titanic lo hizo por el romance; pero, ¿cuántas películas son famosas por su uso en parodias?


He quedado anonadado de descubrir que hay incluso críticos de cine que no han visto La Caída, pero por supuesto que conocen la infinita cantidad de videos usados para diversas parodias, transformando una de las escenas más dramáticas en una de comedia sin intención. Desde que fue sacado de XBOX Live, o que se entera de la muerte de Michael Jackson, hasta que pierde el referéndum de la reforma, Adolf Hitler ha pasado unas cuantas arrecheras. Lo bueno es que hace a todo el mundo consciente de que hay una película que tiene al más odiado dictador de todos los tiempos hecho una furia frente a sus generales. Lo malo es que le ha quitado un poquito de mérito a una extraordinaria película alemana.


Sin lugar a dudas, el equivalente humano de Satanás, Adolf Hitler significó la muerte para casi 6 millones de judíos que murieron bajo su régimen de terror entre 1934 y 1945, además de llevar a todo un continente a la guerra contra el mundo. Hablar de Hitler era sin lugar a dudas sinónimo de terror –pero en realidad nadie sabía cómo era el hombre en realidad. 


Aprovechando un documental llamado Blind Spot de 2001, donde habían entrevistas a la última secretaria que el Führer tuvo en vida, además del libro Der Untergang del historiador Joachim Fest, el guionista y productor Bernd Eichinger y el director Oliver Hirschbiegel tuvo la gran osadía de presentar una película que mostraría a Hitler no como el monstruo que sin duda era, sino como un ser humano. Y de ahí salió La Caída –la primera película que tiene al Führer como sujete desde Der Leste Akt (El Acto Final) de 1956.


Esta historia empieza con una joven secretaria, Traudl Junge (Alexandra Maria Lara), que está por tener una entrevista de trabajo con el hombre más poderoso de Alemania. La Segunda Guerra Mundial se ha extendido mucho, y Hitler (Bruno Ganz) está por retirarse a su bunker secreto, por rumores que las Fuerzas Aliadas están acercándose a Berlín. Con él irán su amante, Eva Braun (Juliane Köhler), su ministro de Propaganda Joseph Goebbels (Ulrich Matthes) junto con su esposa Magda (Corinna Harfouch) y sus seis hijos, sus generales y un equipo de secretarias, incluyendo a Traudl. Durante 12 días, la temerosa secretaria ve cómo el hombre que ella ha llegado a admirar comienza a perder el contacto con la realidad, en medio de un enorme temor y gran fanatismo por parte que los rodean, algo parecido a lo que un médico (Christian Berkel) está observando por fuera. Traudl está debatiéndose entre seguir siendo leal a su Führer o salvar su vida.


Hirschbiegel hizo un trabajo extraordinario. Cualquier historia de un tirano es fascinante, como lo es cualquier estudio sobre la maldad, pero ustedes nunca han visto a Hitler así. Esto fue un estudio cuidadoso sobre un ser humano, y lo que se revela es a la vez sorprendente y esperado. Con sus generales y su tren ministerial, Hitler es implacable, seco, exigente y, a veces, el déspota que estamos esperando, pero con sus asistentes administrativos, incluyendo a Traudl, era paciente, paternal e incluso simpático. Tenía un enorme amor por una pastor alemán llamada Blondi, que por supuesto estaba con él en su bunker. Los hijos de Goebbels lo ven casi como un abuelo, y Hitler les muestra más amor que sus propios padres. Asombroso.


Pero nunca en ningún momento Hirschbiegel nos hace olvidar a quién estamos viendo. Hitler es un hombre que exigía devoción absoluta de donde viniera, más que nada porque tenía ideas demasiado grandiosas para ser viables y necesitaba que todo el mundo le dijera lo fabuloso que sería si lo lograra para poder seguir creyéndolo. Es tal que para él sólo puede haber victoria o muerte; algo intermedio era inconcebible. ¿Rendirse? Sólo para cobardes. Justo cuando empiezas a compadecerte por un dedicado líder que ha sido traicionado por gente más débil que él, Hirschbiegel enfoca mejor el lente y ves a un dictador que llevó su país a la ruina antes de aceptar que su visión era imposible de realizar, y las ratas que lo acompañaban picaron adelante y abandonaron el barco en hundimiento. Sólo los más fanáticos como los Goebbels se quedaron; y no quiero arruinar nada, aunque es un hecho histórico, pero en la escena más terrible de la película, Magda Goebbels demuestra qué tanto cree en el nacional-socialismo.


Creo que nadie podrá ser capaz de interpretar a Hitler de la misma manera que Bruno Ganz. Sí, Robert Carlyle lo hizo en una miniserie unos cuatro años después, e hizo un gran trabajo, pero eso era un pequeño reflejo de lo que el veterano actor suizo logró aquí. En la ahora infame escena en que Hitler le grita a sus generales (aquí la tienen traducida auténticamente), yo recuerdo haber estado aterrado cuando la vi por primera vez convencido que Ganz tendría una apoplejía. Nunca he visto una transformación semejante, ni he visto tal furia plasmada en una sola interpretación. Incluso en los momentos más sosegados, Ganz se pierde por completo en su personaje. ¿Este es el mismo del que muchas mujeres de mi salón se enamoraron viendo Pan Y Tulipanes? ¿Cómo es que no ha sido nominado a un Oscar aún?


Una vez que han dejado de burlarse de la infinidad de videos, háganse un favor: vean esta película y vean la Historia viva. Vean al mayor tirano del siglo XX desmoronarse ante la inevitabilidad de la muerte de su sueño. Y recen que de ningún lado se podrá repetir algo siquiera parecido.






NOTAS CURIOSAS

• Créanlo o no, Oliver Hirschbiegel está fascinado con todas las parodias de La Caída. “Cada vez que sale uno alguien me lo manda por correo”, dijo en una entrevista al blog Vulture, de la New York Magazine. “A veces las líneas de diálogo son tan seriamente graciosas que me río fuertemente, ¡y estoy riéndome de una escena que armé yo! No podrías tener mejor alabanza como director”. Sus favoritas son, de hecho, cuando Hitler se entera de la muerte de Michael Jackson, o cuando descubre que no puede conseguir entradas para Billy Elliot.
• Bruno Ganz logró el inusual acento de Hitler practicando con un joven actor del área donde el dictador nació. También estudió pacientes de Parkinson en un hospital suizo para prepararse. De paso, usó la única grabación conocida de Hitler hablando de modo casual (el dictador no permitía fotografías o grabaciones en privado).
• La verdadera Traudl Junge no pudo asistir al estreno de la película en 2002 por problemas de salud. El camarógrafo fue a contarle que la premier había sido un éxito, a lo que Junge respondió: “Mi trabajo de vida está hecho. Ahora puedo soltarme”. Murió pocas horas después a los 82 años luego de una larga batalla en contra del cáncer.
• Muchas de las líneas de Hitler son históricamente precisas, a cuenta de los testimonios de Junge.

SE ABRE LA VOTACIÓN: ¿Qué fue lo mejor/peor de 2009?

♫“Un año que viene y otro que se va…” ♫

No me parece que este año le llegue al anterior, pues no hubo una Dark Knight ni nada parecido, pero 2009 se despide con unas muy interesantes imágenes que dejar en mi cabeza. Y ya estoy preparándome para algunas cosas en 2010, pero primero lo primero. Quiere escucharlos a ustedes muchachones.

Este blog no sería nada sin ustedes, aún si no dejan comentarios. Es una de las cosas por la que estoy sumamente agradecido este año, que mi base de lectores ha crecido, que he conseguido algunas cositas gracias a eso. Así que quisiera escuchar de ustedes. Dejen un comentario, envíen un correo o envíen un tweet al blog o a mí, y cuéntenme: ¿cuál fue la película que más les gustó en este año que pasó? Y más divertido aún… ¿cuál fue la película que más detestaron? Vale que esperen una semana más para que vean Avatar, claro, pero me gustaría empezar a saber. :)

Plasma de Miércoles E43: Pan y Tulipanes (2000)

Un agradecimiento eterno de mi profesión de periodista es la exposición a un poco de todo lo que el mundo nos pueda ofrecer. Mi profesor de Comuniciación y Literatura, un tal Cristóbal Guerra, hablaba de poder detectar los elementos literarios aún en el cine. Y para demostrarlo, nos mostró una pequeña joya del cine italiano moderno llamada Pane e Tulipani, de 2000. Y yo no sólo vi esos elementos, sino que después de La Vita É Bella, es mi película italiana favorita, y una de mis películas favoritas, en general. Qué hermosa historia, y qué belleza de película.

En un viaje de turismo a las ruinas de Pompeya, conocemos a Rosalba (Licia Maglietta), una humilde ama de casa casada con un rico y despótico distribuidor de piezas de plomería (Antonio Catania) y madre de dos ingratos hijos adolescentes. Insólitamente, nadie se da cuenta que está faltando cuando el autobús arranca de vuelta a Pescara sin Rosalba. Mimo, el esposo, cuando se da cuenta, la llama indignado y le dice que nos e mueva, que ya la buscarán, que siempre hace esto, que qué fastidio, bla bla bla. Eso despierta una rebelión en Rosalba, y decide no esperar a que la vengan a buscar. Pidiendo cola, por Dios, llega a la ciudad mágica, Venecia, y decide que va a dar una vuelta antes de volver a casa.

Por supuesto, como es Venecia, conoce a una serie de personajes fascinantes. Conoce a un florista anarquista llamado Fermo (Felice Andreasi), e incluso decide trabajar para él (sí, era mucho más que una escapadita); una amable y holística masajista llamada Grazia (Marina Massironi), quien la acoge; y un estricto y taciturno mesonero islandés llamado Fernando (Bruno Ganz), que a pesar de su pétreo rostro admira el espíritu amable de Rosalba. Por supuesto, Mimo no se va a quedar así como así. Cualquier esposo habría dejado todo e ido a buscar a su mujer, pero Mimo, quien da la casualidad que tiene un romance con su concuñada, demora esa búsqueda todo lo que puede. Y cuando finalmente se decide, lo que hace es enviar a un plomero (Giuseppe Battiston) disfrazado de detective privado a que la busque.

Todo este tiempo, Rosalba se debate entre su responsabilidad familiar y un deseo de ser ella misma –algo con lo que toda mujer seguramente se puede relacionar en algún momento, esa búsqueda de descubrir quién es realmente. Y Maglietta tiene un aire de perfecta inocencia que hace que, aunque al principio estemos convencidos que esta mujer está loca, que cómo se le ocurre, no podamos resistir apoyarla mientras la película continúa. Esta es una mujer que ha vivido en un cascarón toda su vida, y en sus ojos se ve que está experimentando todo por primera vez en su vida. Casi que por lástima, hay que apoyarla.

Lo único que le podríamos criticar a la película es que el resto de los personajes, salvo una excepción, son casi caricaturescos, algo que creo que se le puede culpar al guión de Silvio Soldini y Doriana Leondeff (Soldini también dirigió). Mimo es sencillamente despótico y antipático al extremo, diseñado para aumentar la simpatía que ya tenemos por su mujer. El plomero es torpe y optimista pero buena gente, de modo que creemos imaginarnos por dónde va su personaje. La sola salvedad es Bruno Ganz, un imponente actor austríaco que tuvo el valor de luego interpretar nada menos que a Adolf Hitler en La Caída. Pero aquí es irreconocible; taciturno, servicial y severo, hay sin embargo una paternalidad cuando su corazón empieza a ceder ante las ansias de vida de Rosalba que uno es incapaz de imaginar a este hombre alzando la voz.

Pane e Tulipani muestra un maravilloso punto de vista italiano a una ciudad tan cosmopolita como es Venecia, con unos toques de hilarante humor y sorprendente ternura, algo que como latinos quizá podamos apreciar más que un público estadounidense. Descaradamente femenina pero no feminista, uno debe ver esta pequeña joya como un himno a la libertad, a buscar lo que realmente queremos hacer con nuestra vida. Está en la misma liga que Los Puentes de Madison, pero mucho más alegre, si acaso un poco fantasiosa. Bellísima. Véanla cuando puedan.

Pan y Tulipanes (sin subtítulos)

NOTAS CURIOSAS

• Licia Maglietta es una talentosa acordeonista, y realmente es su música la que suena en diversas partes de la películas.
• Detalle para las fans del difunto Eduardo Palomo: es la telenovela Corazón Salvaje la que ella está viendo cuando está planchando.
• Selección oficial tanto del Festival de Cannes como el de Toronto de ese año.

Los Abrazos Rotos: todo Almodóvar, gracias Almodóvar

Yo tengo una enorme deuda con el cine español, pues mi conocimiento de su producción y sus realizadores y actores es muy limitado, y es uno de tantos objetivos que, como cinéfilo, me he trazado a lo largo de mi vida para actualizarme. Hasta ahora, mi conocimiento no pasa más allá del que se ha convertido en el más universal de sus directores, el que consistentemente ha logrado que cada película que hace sea comentada a nivel mundial, y encima se convierta en un éxito. Y en esta ocasión lo ha logrado aún más, pues aunque la única otra película suya que he visto fue la delicia de 1991 llamada Tacones Lejanos, Pedro Almodóvar ha demostrado de nuevo que es todo un pintor que usa el celuloide como lienzo en Los Abrazos Rotos.

Antes de hablarles de los detalles de la película, necesito hablarles de la bellísima fotografía, pues ha pasado tiempo que he visto una película de arte. Almodóvar trabajó en esta ocasión con Rodrigo Prieto, un mexicano que se ha cansado de trabajar en Hollywood en películas que yo he admirado muchísimo como Brokeback Mountain, Babel y hasta 8-Mile. Los detalles de luz, de composición de tomas y los mejores close-ups (la película abre con un close-up extremo del ojo de la actriz Marta Aledo tan perfecto que se puede ver reflejado su entorno). Ahora estaré más pendiente de los créditos de sus futuras películas; al menos sé que se verá gloriosa.

Dicho eso, Almodóvar siempre ha escrito historias centradas en mujeres fuertes o inmensamente atractiva, y esta no es ninguna excepción. La historia se centra en Harry Caine (Lluís Homar), un escritor ciego que hace tiempo se llamaba Mateo Blanco y era director de cine. Aún no sabemos por qué ha asumido el seudónimo con el que firmaba sus guiones como su nueva personalidad, pero nos lo va narrando. Su agente, Judit (Blanca Portillo), le sigue ayudando a conseguir trabajo y vender sus guiones, y tiene al hijo de Judit, Diego (Tamar Novas), como su asistente, secretario y amigo. Un día, recibe la visita de un misterio joven que se hace llamar Ray X (Rubén Ochandiano) que le insiste en que lo ayude a escribir una película sobre el odio de un hijo hacia el padre que nunca loa ceptó por ser homosexual. La historia le parece demasiado personal a Harry, y lo rechaza, pero otro acontecimiento le hará luego cambiar de parecer. Esa noche, un accidente mete a Diego en el hospital, y como Judit no está en la ciudad, Harry le cuida, y como un padre que le cuenta a un niño una historia, ante la insistencia de Diego de que le explique el secreteo de su madre, le narra la historia de la última película de Mateo, y la de su amada Lena (Penélope Cruz).

Lena empezó siendo la asistente de un poderoso empresario llamado Ernesto Martel (José Luis Gómez), pero luego que éste ayuda a su padre, se convierte en su amante. Lena sólo sueña con ser actriz, y acude a una prueba con el director Mateo Blanco, y… bueno, por ahí empiezan los problemas.

La historia es una mezcla de drama, cine negro y comedia, como casi todo lo de Almodóvar, quien dice que se inspiró para escribirla luego de contemplar una fotografía que había tomado en playa Golfo, en la isla de Lanzarote, en las Islas Canarias (el mismo sitio de la foto de la película), que cuando fue revelada le mostró una pareja que él no había visto. "Sentía que esa pareja guardaba un secreto", dijo en una entrevista después. "Toda la isla guardaba un secreto. Tenía que develar ese secreto".

El resultado es una de las más absorbentes historias de amor que he visto desde Romeo y Julieta, creo yo. Cada personaje tiene una fascinante historia que supieron desarrollar a las mil maravillas, y las actuaciones son cada una mejor que la otra. Homar y Gómez son, extrañamente, lo más flojo de la película, Gómez más que Homar, aunque hacen un buen trabajo. Sin embargo, Homar logra mínimas sutilezas en su papel que esconden un eterno dolor que no es sino evidente hasta el mismo final, y cuando muestra un poco más de emoción lo hace muy bien.

También puede ser porque el fuerte de Almodóvar, como dije, son sus personajes femeninos, y creo que nadie los escribe como él. Portillo empieza siendo como la estricta pero adorable asistente, y crees que se convertirá en una especie de Lily Tomlin en The Kid, pero empieza a evolucionar en una complejidad mucho mayor, y Portillo logra esa transformación con la sutileza de un amanecer. También vemos pequeñas actuaciones de Carmen Machi, en un pequeño y divertidísimo papel en una película que se filma dentro de la película inspirado en una amiga de Almodóvar que tuve un romance, sin saberlo, con un miembro de la ETA. No les digo más porque eso es de verlo para creerlo y reírse sin parar.

Y claro, está Penélope... Esta mujer está siendo desperdiciada en Hollywood, Oscar o no. Primero, ha estado volviéndose más y más hermosa con el pasar de los años. Y segundo, el rango de emociones que logra transmitir en su rostro es vasto como una sabana que me recuerdan a las habilidades de Susan Sarandon. Cuando está feliz, está absolutamente radiante; cuando está triste es como si el mundo entero se estuviera viniendo abajo. Aunque no tan descarada y abierta como su rol en Vicky Cristina Barcelona, estos son los roles que Cruz merece tener: delicados pero grandilocuentes, que le muestren al mundo por qué Almodóvar la tiene como su musa.

Sigo diciendo que Inglourious Basterds es la mejor película que he visto este año, pero sería una grosería y un insulto al cine que no diga que Los Abrazos Rotos está a la par en cuanto a la calidad. Como entretenimiento hollywoodense, Basterds es el cúlmine de la producción cinematográfica de ese estilo, pero Abrazos es el auténtico séptimo arte, el que se hace como expresión artística pura que entretiene, no porque sea quizá el objetivo, sino porque es la mera esencia del cine a la vez que te hace reflexionar. Asombrosa.

Plasma de Miércoles E14: Persépolis (2007)

Los cómics siempre han sido un buen material para el cine pues son personajes reconocibles que ya tienen un público un tanto cautivo. Lo malo es que no todas las películas basadas en un cómic son sobre hombres en mallas con superpoderes. Afortunadamente muchas de las “serias” han logrado buenas adaptaciones como A History of Violence, Camino a la Perdición, From Hell o V de Venganza (aunque podría discutirse si ésta última es una historieta de super héroes o no).


Hay una película de cómics en particular que fue universalmente alabada por la crítica, siendo nominada a la Palma de Oro en Cannes de 2007 (done ganó el Premio del Jurado) y se habría llevado el Oscar a Mejor Película Animada si no hubiera sido por un par de pececitos en Buscando A Nemo. Da la casualidad que los cómics en que está basada también se ha ganado los máximos premios en su género en 203 y 2004.


Los expertos frecuentemente comparan Persépolis (el cómic) con otro hito de las novelas gráficas, Maus de Art Spiegelman, pues ambos son enteramente autobiográficos. En el caso de Persépolis, trata de la vida de una artista gráfica iraní llamada Marjane Satrapi, desde su infancia en 1979, justo en la deposición del Sha Mohammad Reza Pahlavi de Irán por la Revolución de los Ayatolas ese año, hasta que se mudó a Francia en 1993.


Tanto cómic como película tienen la característica de ser a la vez increíblemente personal (claro, si es una autobiografía) y un excelente documento que recoge toda una cultura y su posición de ir de “Guatemala a Guatepeor”. Mariani (que es el nombre de Satrapi en la película) pasa toda la vida buscando un sitio en donde pertenecer, donde no se sienta como una extraña. Cuando es niña es demasiado vivaz, cuando es adolecente es demasiado iraní (va a vivir a Viena huyendo del régimen de los Ayatolas), y cuando es mayor y regresa a Irán ha descubierto que el país ha cambiado demasiado para ella con su educación occidental.


Filmada en completo blanco y negro y con dibujos semi-minimalistas, es sin embargo uno de los más realistas dibujos animados que pueda imaginarse por la fuerza del guión, donde se mezclan momentos de un humor sumamente sarcástico (hay pocas cosas como criticar un gobierno que no puede hacer nada por detenerte) con instantes de profunda tristeza (que creo que cualquier inmigrante puede identificar). Además, Mariani se presenta como ferozmente independiente, liberal y con un sentido del humor que quizá fue lo que más la ayudó en sus momentos más difíciles. Ah, y si la ven en inglés (idioma original francés), reconocerán las voces de la legendaria Catherine Deneuve como su madre, el recientemente “oscarizado” Sean Penn como el padre, la única Gena Rowlands como la abuela y el irreverente cantante Iggy Pop como un tío.


Los venezolanos en particular deberíamos ver esta película, pues de uno y otro lado es posible que tengamos ideas muy erróneas sobre Irán, sólo por el amor que se puedan tener los presidentes de los dos países. Hay un asombroso paralelismo en las historias de Irán y Cuba, y uno finalmente tiene una rara oportunidad de ver seres humanos, no rostros inmóviles en una foto de prensa. Más que una “simpática” película, Persépolis es también un documental sobre uno de los países más golpeados del mundo. Mirémonos en ese espejo...

Trailer de PERSÉPOLIS

NOTAS CURIOSAS

• Catherine Denueve y Chiara Mastroianni (la voz de Mariani) son madre e hija (del matrimonio de la primera con Marcelo Mastroiani), así que no tuvieron que prepararse demasiado para sus roles. También son las únicas actrices que se prestaron para las versiones en francés e inglés.
• Francia presentó Persépolis en la categoría de Mejor Película en Lengua Extranjera y Mejor Película Animada para los Oscar.
• Como era de esperarse, el gobierno iraní protestó esta película vehementemente. Primero envió una carta en contra de ella a la embajada francesa en Teherán, presionó a los organizadores del Festival de Cine de Bangkok de 2007 para que la sacaran, y congregó a una multitud en Nueva Zelandia durante su presentación en el 37º Festival de Cine de Wellington.
• Marjane Satrapi insitió en que Chiara Mastroianni cantara "Eye Of the Tiger" desafinadamente.

Plasma de Miércoles E09: Croupier (1998)

De vez en cuando, uno escucha a sus críticos favoritos hablar maravillas de una cierta película, pero por una u otra razón uno no termina de verlas. Eso me pasó a mí con Croupier cuando Peter Travers la reseñó en el número 847 de Rolling Stone en 2000. No fue sino hasta este año que al fin pude satisfacer mi curiosidad con esta cinta. Y bien valió la pena la espera.

Esta fue una de las primeras pelícuas queClive Owen protagonizara antes de que se convirtiera en la estrella de cintas como El Rey Arturo y Sin City, pero ciertamente los atractivos que lo caracterizan --su intensa mirada, su aire de seductor irresistible, su ruda actitud-- ya están presentes aquí. Su personaje, Jack es un novelista aspirante que acepta un trabajo como crupier en un casino de Londres, pensando que es una buena idea para conseguir inspiración para su novela. Jack ha crecido toda la vida en medio de los apostadores, a cuenta de su papá, y aquí se mueve como pez en el agua. Pero lo que inicia como algo para escapar el aburrimiento en el que se estaba convirtiendo su vida, amén de que ya no le atraía vivir de su novia (Gina McKee), se convierte en una evaluación de su propia vida y el retorno a un mundo un tanto sórdido... que a él le encanta.

La película es un homenaje al clásico film-noir de los '50, incluso con el recurso de la narración en off, pero es además la actitud de Jack, el estudio de distintos personajes, la dama en peligro que podría o no traiconarlo (Alex Kingston, de ER) y una trama, aunque bastante estándar, que tiene un muy satisfactorio final.

Owen hace una interpretación que parece el hijo bastardo del 007 de Connery con el Rick de Casablanca. Logra en muchos casos parecer simultáneamente indiferente, aburrido, emocionado y excitado sólo con una mirada, casi haciendo la narración innecesaria. Pero curiosamente, lo que hace es aumentar la emoción, divertirse con Jack mientras escribe en su cabeza.

El director, Mike Hodges, no logró alcanzar el estrellato que quizá merecía, luego de tener un clásico en los '70 llamado Get Carter y hundirse en lo cursi cuando dirigió Flash Gordon. Pero ciertamente nos dejó con un inteligente, elegante y entretenido thriller que se ha convertido en una suerte de clásico de culto que nos muestra los orígenes de uno de los más exitosos actores de los tiempos recientes.

(A los que tienen un problema, disculpen que el trailer esté en español. Pero vergüenza les debería dar, se supone que es su idioma. ;)

DATOS CURIOSOS:

• Todos los actores que interpretan crupiers fueron entrenados por crupiers profesionales.
• Considerada para los Oscar, pero fue descalificada al ser transmitida por la televisión holandesa.
• Estaba en espera para ser distribuida por 12 años hasta que abrió en 17 ciudades de los EE UU en 2000, y se esperaba que desaparecería sin dejar arstro. A la semana, se extendió a cien ciudades, hasta que llegó a 141. Terminó recaudando más de siete millones de dólares a nivel mundia, con un presupuesto de poco más de un millón.
• Única vez que verán a Clive Owen con el pelo catire.