Corto pero Grueso: Alma (2008)

jueves, diciembre 22, 2011 | Comments

Llegamos al jueves, y eso significa otro cortometraje para que tengan algo que ver durante un puntico de su vida. Estoy abierto a sugerencias, si saben de uno que quieran mostrar por acá.

Del animador español Rodrigo Blaas, quien tiene rato trabajando en Pixar, nos llega una encantadora historia de una niña que se lleva una pequeña sorpresita por estas fiestas. Y de paso, feliz Navidad, mi gente.

Alma from Rodrigo Blaas on Vimeo.

Agreden a Christian Bale en China. Y no fue un técnico

viernes, diciembre 16, 2011 | Comments

200px-ChristianBaleJun09 Entonces, ¿qué pasa cuando protagonizas la que podría ser la película más cara en la historia de China, dirigida por su más apreciado director, mostrando un doloroso capítulo de su historia?

La guardia te impide visitar uno de tus héroes.

Eso le pasó a Christian Bale ayer cuando, mientras está promocionando Flowers of War, el drama histórico dirigido por Zhang Yimou (Héroe) que costó un estimado de 94 millones de dólares, quiso ir a la aldea de Dongshigu, a ocho horas de la capital Beijing, para visitar a Chen Guangcheng, un abogado ciego conocido por su disidencia al gobierno chino y que está en arresto domiciliario desde septiembre de 2010, luego de pasar cuatro años en la cárcel.

El video de CNN muestra lo que pasó.




Bale pregunta repetidas veces “¿Por qué no puedo visitar a este hombre libre?” antes de tranquilamente dar la vuelta e irse (lo que contrasta fuertemente con lo que su personalidad demostró en "aquel" incidente), en comparación con el nerviosismo que muestran los guardias chinos que en repetidas ocasiones le gritan “Váyanse, váyanse” y empujan al actor y a los periodistas de CNN para que lo hagan. Y por si fuera poco, el vehículo en el que iban fue perseguido durante 40 minutos.

“Todo lo que quería hacer era conocerlo, darle la mano y decirle cuánto me ha inspirado”, dijo Bale luego.

El New York Times dice que el incidente “promete convertirse en una debacle de relaciones públicas para China, que ha estado promocionando [Flowers of War] con entusiasmo”. La película “fue parcialmente financiada con préstamos de un banco estatal [aunque en su mayor parte recibió su dinero de manos privadas] y es la selección oficial del país para los Premios de la Academia”. (De hecho ya recibió una nominación a los Globos de Oro como Mejor Película Extranjera.) La promoción es parte de una campaña gubernamental para aupar el llamado “poder blando” del país.

Difiero un poco con el Times, considerando el historial de cómo el gobierno chino ha reaccionado frente a cómo trata sus disidentes y cómo ha respondido a sus críticas, algo que aún no ha hecho en este caso. Recuerden cuando se le otorgó el Premio Nobel de la Paz a Liu Xiaobo, en el que el gobierno chino amenazó a Noruega con romper relaciones y sólo se echó para atrás cuando el canciller noruego les recordó que la Comisión del Premio Nobel es independiente del gobierno. Igualmente dijeron que Liu fue arrestado y juzgado de acuerdo con las leyes chinas y encontrado culpable, por consiguiente estaban actuando de acuerdo a su legislatura.

Si el Comité del Nobel, los principales gobiernos y, en efecto, el mundo entero no fueron suficientes para que el gobierno chino liberara a Liu, ¿de verdad creen que unos empujoncitos que reciba un conocido actor va a ser suficiente para que liberen a Chen?

Chen perdió la vista a los dos años por una enfermedad, y se enseñó a sí mismo abogacía para defender las injusticias en su pueblo. Su principal labor fue en contra de los abortos forzados y esterilizaciones como parte de la política del Hijo Único en muchas zonas rurales de China, en especial en su provincia natal de Shangdong. Fue arrestado y condenado a cuatro años y siete meses de cárcel por “dañar intencionadamente la propiedad y reunir a una multitud para interrumpir el tráfico”, según reportó el diario ABC de España en noviembre del año pasado cuando cumplió 40 años.

Y lo más irónico es que Bale ha defendido Flowers of War con pasión ante los que la han llamado demasiado propagandística. El día de la premier en Beijing, respondiendo preguntas sobre los que dicen que la película demoniza a los japoneses en exceso, Bale consideró que era “una reacción automática. No están viendo a la película con detenimiento”.

Viendo el trailer, ciertamente la película merece ser vista con detenimiento, muy al estilo visual de Zhang. Por la sinopsis parece ser una versión de La Lista de Schindler en chino (lo que no es necesariamente malo):

Un mortuario estadounidense (Bale) llega a la ciudad de Nanjing para enterrar a un sacerdote, justo durante la invasión japonesa de 1937. Se hace pasar por un sacerdote para salvar al grupo de estudiantes del convento local y a las prostitutas de las brutalidades japonesas.

El estreno en China es este viernes, y en EEUU y Europa el viernes 23. Aquí les dejo el trailer.

Estos Globos suenan a gnomos, tatuajes y rock

jueves, diciembre 15, 2011 | Comments

Viendo la lista de nominados a Mejor Banda Sonora y Mejor Canción para los Globos de Oro, noto una sana combinación con moderno y tradicional, algo que no acostumbramos a ver con los Globos de Oro. Aquí les dejo los audios y videos.

Mejor Banda Sonora

Ludovic Bource, The Artist
Majestuosa, absolutamente evocativa de la era dorada de Hollywood. Como todo de esta película, va a ser difícil de vencer. YouTube no está permitiendo embeber los videos, pero aquí tienen una muestra.

Abel Korzeniowski, W.E.





Yo ni sabía que esta película existía, y de ver el trailer (que les incluyo) nunca adivinarían quién la dirigió (se los digo más adelante). No pude encontrar una pieza de la banda sonora, pero Korzeniowski tiene experiencia en esto, recibiendo una nominación por su trabajo de A Single Man. Debe tener buenos chances.

Trent Reznor y Atticus Ross, The Girl With The Dragon Tattoo



Please Take Your Hand Away by Trent Reznor and Atticus Ross on Grooveshark


La gran sorpresa del año pasado fue que el fundador de Nine Inch Nails también tenía talento para componer para películas, ¿qué tal? Este año David Fincher lo volvió a contratar, yo sé si es porque la película se supone que debe ser toda deprimente y oscura, pero esta banda sonora no me mueve tanto como la de La Red Social. Sin embargo, sigue siendo Reznor, y sólo por ser tan distinto a los demás tiene mi voto.

Howard Shore, Hugo





Shore es uno de esos compositores con los que uno siempre puede contar: sus composiciones pueden ir desde lo majestuoso de El Señor de los Anillos hasta lo callado y mágico de Hugo.

John Williams, War Horse


The Charge and Capture by John Williams on Grooveshark


¿Tú quieres una apuesta segura? ¿Qué más que John Wiliams? Y lo que me divierte es que el hombre sigue siendo inconfundible. Díganme que no oyen las primeras tonadas y no piensan en Superman.

Mejor Canción

“Hello Hello”, Elton John y Lady Gaga




Si él no fuera gay, sería una pareja hecha en el cielo: Lady Gaga y Elton John cantan la canción de amor de la tristemente fallida versión del clásico de Shakespeare, Gnomeo y Julieta. Tan dulce y tierna que me provoca vomitar.

“The Keeper”, Chris Cornell



Soundgarden está de vuelta, pero su cantante de vez en cuando sigue consiguiendo el tiempo para componer algo por su cuenta. Esta vez fue una estilo country para “Machine Gun Preacher”, con Gerald Butler. Muy buena, como casi todo lo que hace Cornell, pero si ignoraron la de Bruce Springsteen para El Luchador, dudo que esta tenga chance.

Lay Your Head Down”, Sinead O’Connor





Otra que resucitó este año. La propia Glenn Close escribió la letra para esta canción para Albert Nobbs, donde interpreta a una mujer que se hace pasar por hombre en la Gran Bretaña del siglo XIX. O’Connor aún tiene una voz espléndida, y la canción es sencilla y hermosa. Tiene buen chance.

“The Living Proof”, Mary J. Blige



La voz de esta mujer me transporta –creo que hay pocas que mezclan lo clásico del soul con las sensibilidades modernas-- y la letra es muy adecuada para “The Help”. Creo que esta es por la que votaré para ganar.

“The Masterpiece”, Madonna



Síp, W.E. es dirigida por Madonna. ESA Madonna. La película se ve muy bien, pero la canción es muy al estilo de la cantante –lo que no quiere decir que sea mala. Algo me dice que quedará entre esta y “The Living Proof”, y honestamente prefiero que gane la segunda, pero debo aplaudir a la Ciccone por un proyecto tan ambicioso como W.E.: escribió el guión, la dirigió y compuso esta canción para la banda sonora.

¡Nos vemos el 15 de enero!

Llenen sus Globos de Oro de aire y empecemos a especular

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Golden-Globes-Winners-2011-1024x640 Por qué a estas alturas los Globos de Oro se siguen tomando como la medida de los premios de la Academia es algo que sigue intrigándome. La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood otorga estos premios básicamente para jalarle a los estudios que más regalos le dieron, no necesariamente qué película o programa o serie les gustó más (y mostraré ejemplos de esto durante las nominaciones). Sin embargo, son de los pocos que separan drama y comedia en sus categorías, así que como que no me quejo demasiado. Y hablando en serio, hay algunas nominaciones bien dignas, sin mencionar que el volver a contratar a Ricky Gervais como anfitrión, y por tercera vez, ciertamente muestra cojones.


Mejor Película (Drama)

  • The Descendants
  • The Help
  • Hugo
  • The Ides of March
  • Moneyball
  • War Horse
Casi todas esperadas, para ser sincero, en especial War Horse y Moneyball. Me sorprendió ver a Hugo ahí, aunque dado el amor que está recibiendo la película de Scorsese debía esperarse. No veo The Help recibiendo el equivalente a un Oscar como mejor Película sobre cualquiera de las otras, pero más allá de la evidente fuerza de las producciones de Spielberg y demás, la humilde cinta de Tate Taylor podría agarrar confianza y dar una sorpresa.


Mejor Película (Comedia o Musical)

  • 50/50
  • The Artist
  • Bridesmaids
  • Midnight in Paris
  • My Week With  Marilyn

Genial que la “comedia del cáncer” de Jonathan Levine tenga una justa nominación, al igual que la genial película de Kristen Wiig y compañía. Y nadie dudaba que Woody traería lo suyo para acá. Pero el amor que se le ha dado a The Artist, la película francesa muda que es a la vez una carta de amor a esa época y un extraordinario logro técnico y artístico, es tan grande, viniendo desde Cannes, que dudo mucho que no sea la que gane aquí.

Mejor Actriz (Drama)

  • Glenn Close, Albert Nobbs
  • Viola Davis, The Help
  • Rooney Mara, The Girl With the Dragon Tattoo
  • Meryl Streep, The Iron Lady
  • Tilda Swinton, We Need To Talk About Kevin

Básicamente las mismas que para los SAG, con la excepción de Rooney Mara que desde hace rato da de qué hablar con su versión de Lisbeth Salander. Así que repito lo anterior: si la Prensa Extranjera tiene cojones, se lo daría a Tilda Swinton por su visceral interpretación en We Need To Talk About Kevin; si son los jalabolas que muchos los acusan ser, se lo darán a Glen Close sólo por ser una mujer que finge ser un hombre para poder trabajar (eso sí, una extraordinaria actuación).

Mejor Actriz (Musical o Comedia)

  • Jodie Foster, Carnage
  • Charlize Theron, Young Adult
  • Kristen Wiig, Bridesmaids
  • Michelle Williams, My Week With Marilyn
  • Kate Winselt, Carnage

Doble amor para Carnage, la nueva de Roman Polanski que yo necesito ver como que ya: la sola presencia de Foster y Winslet en el trailer es suficiente para darle la nominación. Winslet debe estar aburrida de recibir nominaciones, eso sí, y a Foster estoy seguro que ni le interesa. Theron nuevamente hace una actuación que uno no esperaría de ella en la nueva de la dupla de Juno (el director Jason Reitman con un guión de Diablo Cody). Y Wiig tenía que recibir una nominación por la maravilla que hizo en Bridesmaids. Pero si he de seguir la costumbre de los Globos, lo más probable es que Williams finalmente vea su talento recompensado por su interpretación de Marilyn Monroe.

Mejor Actor (Drama)

  • George Clooney, The Descendants
  • Leonardo DiCaprio, J. Edgar
  • Michael Fassbender, Shame
  • Ryan Gosling, The Ides of March
  • Brad Pitt, Moneyball

Es bueno que Ryan Gosling haya recibido una nominación; este sin duda ha sido su año. ¿Pero que sea por The Ides of March y no por Drive? Pol Diox. Todas las demás me las esperaba, y a todas las aplaudo, con la excepción de la de Leo, pero la verdadera sorpresa es que la prensa Extranjera haya reconocido que la cruda y hasta inquietante interpretación de un adicto al sexo que hace Michael Fassbender –una actuación basada muy poco en diálogo y más en actitudes—es algo que debe aplaudirse. Dudo mucho que gane –es más probable que sea Pitt, que igualmente lo merece—pero es señal que este pana tiene talento que no se limita a lo buenmozo que pueda ser.

Mejor Actor (Musical o Comedia)

  • Jean DuJardin, The Artist
  • Brendan Gleeson, The Guard
  • Joseph Gordon-Levitt, 50/50
  • Ryan Gosling, Crazy, Stupid, Love
  • Owen Wilson, Midnight in Paris

No digo que lo haya hecho mal, y de hecho demostró tener talento para la comedia, pero darle una nominación a Ryan Gosling por Loco Estúpido Amor es eso, loco y estúpido. Jaladera completa. Las otras sí es verdad que las aplaudo a rabiar, en especial por Gleeson, quien da una actuación de su vida como un desconfiado y maleducado policía irlandés, y por JoGo, quien sigue creciendo año a año. De corazoncito quisiera que ganara Wilson, pero DuJardin es el Christoph Waltz de este año, sin duda.

Mejor Actriz Secundaria

  • Berenice Bejo, The Artist
  • Jessica Chastain, The Help
  • Janet McTeer, Albert Nobbs
  • Octavia Spencer, The Help
  • Shailene Woodley, The Descendants

Me alegra que aquí sí le den su apreciación a la debutante Shailene Woodley, quien mucha gente dice incluso supera a Clooney haciendo de su hija mayor. Este es el año de Chastain, sin duda, recibiendo halagaos por cada película que hace, pero The Artist parciera tener un toque mágico y eso puede ayudar a Bejo.

Mejor Actor Secundario

  • Kenneth Branagh, My Week With Marilyn
  • Albert Brooks, Drive
  • Jonah Hill, Moneyball
  • Viggo Mortensen, A Dangerous Method
  • Christopher Plummer, Beginners

Dos actores cómicos sorprendieron por su trabajo dramático este año: Jonah Hill, quien da una callada pero my convincente actuación en Moneyball, yendo de tú a tú con Brad Pitt, y Albert Brooks, quien es francamente bien perturbador como el villano en Drive. Y siempre es bueno ver a Viggo nominado a lo que sea, aunque me da dolor escuchar que la película no es tan buena (igual la pienso ver). Aquí repito: si hay alguna justicia, Christopher Plummer finalmente recibirá el premio que desde hace tanto tiempo se merece.

Mejor Película Animada

  • The Adventures of Tintin
  • Arthur Christmas
  • Cars 2
  • Puss in Boots
  • Rango

Histórico: por primera vez en no sé cuánto tiempo, ni Pixar ni DreamWorks tienen asegurado el premio a mejor película animada, principalmente porque Cars 2 fue una desilusión y Puss In Boots no fue la sexta maravilla del mundo. Añadan que Arthur Christmas no ha dejado enamorado a nadie, y la cosa queda entre los debuts en animación de dos grandes: Spielberg con Tintin y Gore Verbinski con Rango. Para mí no habría discusión, siendo que Rango sigue siendo una de mis favoritas del año, pero Tintin se ve tan espectacular que creo que es difícil de vencer.

Mejor Director

  • Woody Allen, Midnight in Paris
  • George Clooney, The Ides of March
  • Michel Hazanvicius, The Artist
  • Alexander Payne, The Descendants
  • Martin Scorsese, Hugo

Woody Allen no había sido nominado al Globo desde 2005 (Matchpoint) y no lo ha ganado desde 1986 (La Rosa Púrpura del Cairo), de hecho la única vez que lo ha ganado. ¿Será esta la segunda? Qué más quisiera yo, pero dudo mucho. La carta de amor al cine que es Hugo pesa bastante –y el hecho que sea Marty ayuda— y Payne hace rato que merece un premio de estos, pero lo que Hazanvicius ha hecho con The Artist es quizá algo que nunca podrá ser repetido. Dénselo y ya. Y el Oscar también.

Mejor Guión

  • Woody Allen, Midnight in Paris
  • George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon, The Ides of March
  • Michel Hazanavicius, The Artist
  • Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash, The Descendants
  • Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Moneyball

Todos estos guiones tienen muchísimo corazón y están excelentemente construidos, pero me voy a atrever a ser repetitivo y decir que el mayor reto fue para The Artist. Si no va para él, que sea para Midnight In Paris.

Mejor Película Extranjera

  • The Flowers of War (China)
  • In the Land of Blood and Honey (EEUU)
  • The Kid With A Bike (Bélgica)
  • A Separation (Irán)
  • La Piel Que Habito (España)

(Los enlaces son a los respectivos trailers.) ¿De verdad el debut de Angelina Jolie como directora merece una nominación al Globo de Oro? Bueno, si tú lo dices… Y me da risa que tres tienen a alguien de Hollywood involucrado (además de la Jolie, The Flowers of War tiene a Christian Bale, y bueno, ya a estas alturas Antonio Banderas es más de Hollywood que de España). Los hermanos Dardénne son sinónimo de prestigio, así que siempre hay que pensar en ellos, pero estos son los Globos; lo más probable es que vaya para Angelina o para Pedro.

Me faltan Mejor Canción y Mejor Banda Sonora, pero a eso me dedicaré en un post aparte.

La SAGa de la temporada de premios comienza: nominados a los Premios del Sindicato de Actores

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SAG¿Huelen eso? ¿Lo sienten? Es esa época mágica del año, en que las familias se reúnen, la plata fluye y fluye en regalos y las cenas abundan. No sólo es Navidad; empieza la temporada de premios en Hollywood, y comienzan con el anuncio de las nominaciones al Sindicato de Actores (Screen Actors Guild), pautados para entregarse el 29 de enero (y supongo que serán transmitidos por TNT).

Salvo una excepción, no hay ninguna película que se haya destacado ciegamente este año a la hora de los premios, así que los que tenemos como hobby tratar de predecir la vamos a tener divertida. La excepción de la que hablo es The Artist, una oda al cine mudo que tiene a medio mundo llorando de emoción por su novedosa ejecución y su hasta ahora indiscutible belleza. Y con todo y eso, es la segunda con más nominaciones, con tres, luego de The Help, el drama de una joven escritora en los años 50 que quiere revelar el drama de las sirvientas negras en el sur de los EEUU, que tiene cuatro.

Mejor Actriz

  • Viola Davis, The Help
  • Glenn Close, Albert Nobbs
  • Meryl Streep, The Iron Lady
  • Tilda Swinton, We Need To Talk About Kevin
  • Michelle Williams, My Weekend With Marilyn
La categoría de las damas principales está muy, muy fuerte, con dos veteranas que me hacen pensar que están allí ya para darle clase a la categoría. Y además, dos interpretaciones de figuras históricas: Streep haciendo de Margaret Thatcher y Williams en la piel de Marilyn Monroe. Quizá sea demasiado fácil otorgarle el premio a una imitación (aunque en el caso de ellas dos es más transformación), así que quedan Davis y Swinton. Davis es majestuosa y humilde a la vez en el papel de una sirvienta que ya ha tenido suficiente, pero el papel de Swinton de una madre cuyo hijo ha cometido algo terrible es de lo más desgarrador y visceral que se haya visto; yo votaría por ella o por Davis.


Mejor Actor

  • Demián Bichir, A Better Life
  • Jean Dujardin, The Artist
  • George Clooney, The Descendants
  • Leonardo DiCaprio, J. Edgar
  • Brad Pitt, Moneyball

Otra categoría bastante fuerte, con una excepción: Leo. Su interpretación como el fundador del FBI, J. Edgar Hoover, en la biopic dirigida por Clint Eastwood, tenía demasiado de Leo y muy poco de J.E., en una película que tampoco convenció del todo. Bichir es el triunfo para los latinos: un veterano actor que da una sentimental interpretación como un padre indocumentado en Los Ángeles, y se da duro contra la perfecta mezcla de comedia y drama que trajo Clooney y la sutil interpretación del manager Billy Beane de Pitt. Pero Dujardin no ha dejado de montar la ola que le dio el triunfo en Cannes por su brillante interpretación de un afamado actor del cine mudo que no logra adaptarse con la llegada del sonido, y dudo que lo haga ahora; sería bien arriesgado votar en su contra.


Mejor Actriz Secundaria

  • Jessica Chastain, The Help
  • Octavia Spencer, The Help
  • Bérénice Bejo, The Artist
  • Melissa McCarthy, Bridesmaids
  • Janet McTeer, Albert Nobbs
El estar en la película “in” le da a Bejo la ventaja, sin mencionar que su actuación como una novel actriz del cine mudo que hace una exitosa transición al sonoro, es de las más dulces y divertidas del año. Pero este ha sido el año de Chastain desde que salió de la nada en The Tree of Life, destacándose una y otra vez en cada papel que interpreta. Y aplaudo infinitamente que la genial actuación de McCarthy en Bridesmaids sea reconocido. Yo quiero inclinarme por Bejo, pero no descuiden a Chastain. (¿Y qué pasó con Shailene Woodley, que tanto dio que hablar por su papel en The Descendants?)


Mejor Actor Secundario

  • Kenneth Brannagh, My Weekend with Marilyn
  • Armie Hammer, J. Edgar
  • Jonah Hill, Moneyball
  • Nick Nolte, Warrior
  • Christopher Plummer, Beginners

Dos novatos compiten con tres peso pesados. Hammer ya se había destacado por su doble papel como los Winklevoss en La Red Social, y de hecho si no recibió reconocimiento en aquel entonces no ganará ahora. Es una enorme sorpresa que Hill haya recibido una nominación, pero sin duda se lo merece por su rol tan distinto a lo que nos tiene acostumbrados en Moneyball. Brannagh y Nolte están ahí porque sí, el primero por su imitación del legendario Sir Lawrence Olivier y el segundo como el rudo padre de dos luchadores de artes marciales mezcladas. Pero mi voto tiene que ir para Christopher Plummer: este hombre nunca ha dado un mal papel en su vida, y ahora al final de ella está empezando a tomar riesgos, como este papel de un hombre de 72 años que, luego de la muerte de su esposa, le declara a su hijo su deseo de explorar su homosexualidad. Es una actuación a la vez tierna y muy humana, y yo le exijo al Sindicato que se la recompense.

Mejor Elenco

  • Bridesmaids
  • The Help
  • The Descendants
  • The Artist
  • Midnight In Paris

El gran premio de la noche premia el colectivo, y es aquí donde Bridesmaids tiene su mayor fortaleza; todo el mundo en ese elenco servía, así tuviera sólo unos minutos en pantalla. Lo mismo puedo decir para Midnight In Paris, algo muy típico de Woody Allen, que logra sacar lo mejor de sus conjuntos consistentemente. La más floja que veo es The Descendants, que a pesar de muchas buenas críticas todas se han enfocado en Clooney y Woodley. Las dos favoritas tienen, sin duda, muchísimo peso: The Artist muestra todas las distintas aristas de la fuerte transición que debió suponer lo mudo al sonoro en el cine, mientras que no hay una pata floja entre las mujeres de The Help en captar el ámbito psicológico del sur de los EEUU en los 50. Mi favorita personal es la de Woody, pero yo creo que va a ser difícil ganarle a The Help.

Pendientes de la noche del 29 de enero, pues, a ver cuánto termino de equivocarme.

Corto Pero Grueso: Vincent (1982)

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Los jueves son días de cortometraje, ese estilo que tanto se ha beneficiado de Internet y la cultura de los celulares inteligentes. ¿Saben de uno? Avisen vale, no sean malos.

Antes de soñar con A Nightmare Before Christmas, Tim Burton ya tenía la magia de la animación “stop-motion” en sus manos. Si no vean, esta colaboración con el inigualable Vincent Price en Vincent.

Plasma de Miércoles E89: The Breakfast Club (1985)

miércoles, diciembre 14, 2011 | Comments

breakfast_club_xlg Algunos de los clichés más usados para algunas películas hacen que la importancia de ellas quede diluida. Cuando una película “marca una generación” o “un hito” o narra “la historia de una vida”, lo primero que debe venir a la cabeza es “hipérbole”. Pero The Breakfast Club –traducida en algunas partes como El Club de los Cinco—se atiene a la primera de esas descripciones y en realidad mucho más, pues como tantas películas del director John Hughes, se considera que ninguna ha capturado tan adecuadamente al típico adolescente norteamericano de los 80 –y en realidad, a cualquier adolescente, punto.

 

Es sábado, y cinco muchachos han sido llamados a castigo por un director (Paul Gleason) quizá demasiado estricto. Todos representan estereotipos que aún hoy se ven en los colegios: está Claire, la princesita (Molly Ringwald); Andrew, el atleta (Emilio Estévez); Brian, el “nerd” (Anthony Michael Hall); Allison, la friqui (Ally Sheedy); y John Bender, el malandro (Judd Nelson). No podrían ser más distintos –y sin  embargo, a medida que va pasando el día descubren que tienen mucho más en común de lo que pueden pensar.

 

Quizá se pueda pecar de idealista, más aún esta época que “película para adolescentes” es mostrar cuanto sexo y borrachera se pueda mostrar, pero The Breakfast Club hizo algo que no se hace hoy en día cuando Jersey Shore es el triste rey: trata a los adolescentes como gente pensante y tratante. Aquí no es que haya diálogo filosófico digno de Platón, o conversaciones de la altura y velocidad que podemos ver en The Social Network, pero es del diálogo más sincero que se puede ver en una película. A medida que uno ve por lo que pasa un chamo de 16, 17 años en la escuela, sin importar qué tan grande, malo o bonito eres, la escuela para muchos era una época difícil. Pero, citando a Anna Karenina (wow, de verdad me puso literario, ¿no?), así como “cada familia infeliz es infeliz a su propio manera”, cada uno experimenta el sufrimiento de la escuela a su propia manera. “Tienes que ser excelente estudiante, tienes que destacarte en deportes, tienes que lucirte ante un público”. O mira sabes, “¿para qué me molesto en criarte? ¿O para qué vienes, si lo que vas a terminar es en un sanatorio o la cárcel?” Y a pesar de ello, no hay la angustia melodramática que se pueda ver en Crepúsculo. Aún a pesar de las fallas personales que tiene cada personaje, no tienes ningún problema en aceptarlos

 

El mayor contraste que veo entre The Breakfast Club y cualquier película de su estilo en la actualidad es que sus protagonistas no son escogidos tanto por cómo se ven sino por su evidente talento. Aunque claro, en promedio están pujando la edad de colegiales, en particular Nelson, pero al final realmente no importa. Nelson tiene una presencia única con su distintiva cara que algo tiene; es una lástima que hoy en día no esté en ninguna parte importante, básicamente. Igual con Ringwald y Sheedy, y me divierte que Hall hoy en día se haya convertido en un tipo rudo después de sus orígenes. Pero este fue el pico para todos: Ringwald puede ir de encantadora a indignante en un parpadeo, y Estévez, como buen miembro de su familia, puede ser intenso o divertido con facilidad y credibilidad. Hall repite su papel de otro clásico de Hughes, Sweet Sixteen, quizá con un poco más de profundidad y sentimiento, proveyendo del tradicional elemento de comedia. Sheedy es la única que actuó en contra de su tipo: realmente tú la ves y te preguntas, ¿esta pana está loca?

 

Visto como un clásico de los 80, The Breakfast Club puede verse también como una versión superficial de El Ángel Exterminador de Luis Buñuel: ¿qué pasa cuando un grupo de personas no puede salir de una habitación? Puede descender el caos, pero después de ello invariablemente sale el orden. Sin duda es entretenida, bien escrita y excelentemente actuada, los tres elementos básicos para una buena película, pero es también una mirada nostálgica a una época donde no necesitabas mostrar una chama apenas vestida o cincuenta millones de chistes de vómito para atraer a un público joven. Cómo te extraño, John Hughes.

 

NOTAS CURIOSAS

  • Emilio Estévez iba a interpretar a Bender, pero John Hughes no consiguió a nadie que interpretara a Clarke, así que Estévez aceptó hacerlo. Igualmente, Molly Ringwald tenía muchas ganas de interpretar a Allison, pero ya le habían prometido el papel a Ally Sheedy.
  • Se consideró a Jodie Foster para Claire y Brooke Shields para Allison. (Shileds y Nelson luego actuarían juntos en la serie cómica Suddenly Susan).
  • La hermana y mamá de BRian son la hermana y mamá de Anthony Michael Hall. Su padre, quien lo pasa buscando al final de la película, es el propio John Hughes.
  • La biblioteca donde tiene lugar la película fue construida para ella en el gimnasio de la escuela Maine North High School, la que había cerrado dos años antes que la filmación empezara. (Hoy en día es una estación de policía estatal de Illinois.)
  • Hughes insistió en que el elenco y el eqipo comieran en la cafetería de la escuela.
  • Se consideró a Nicolas Cage como Bender al principio, pero no se podía pagar su salario. Luego iba a ser John Cusack, pero Hughes lo reemplazó antes de empezar a filmar.
  • Todo el elenco ensayó la película como si fuera una obra de teatro antes de empezar a filmarla. Luego de su éxito, se le pidió a Hughes que reescribiera el guión como tal para que grupos teatrales colegiales pudieran interpretarla. (Aquí tienen el guión, si les interesa.)
  • La escena donde todos se sientan en un círculo y dicen por qué los castigaron es completamente improvisada.
  • John Hughes casi despide a Judd Nelson por lo mal que trataba a Molly Ringwald. Paul Gleason convenció a Hughs que Nelson simplemente era un buen actor y estaba tratando de mantenerse en personaje.
  • Se había propuesto que habrían varias secuelas, donde los personajes se reunieran cada diez años. Pero dada la volátil relación entre John Hughes y Judd Nelson (el director juró nunca volver a trabajar con Nelson de nuevo), y cómo Ringwald dejó el género de películas adolescentes para siempre, esas esperanzas se eliminaron.
  • Nelson, Sheedy y Estévez interpretan estudiantes de bachillerato el mismo año que interpretaron graduados universitarios en St. Elmo’s Fire. De hecho, los únicos con edades para bachilleres eran Ringwald (17 años) y Hall (17 también). Nelson tenía 26, y Estévez y Sheedy tenían 23.
  • John Kapelos, quien tiene un pequeño papel como Carl el conserje, jugó con los actores que no exageraran la intensidad recordando que a Martin Sheen le dio un infarto mientras filmaba Apocalipsis Ahora. Esto enfureció a Emilio Estévez, el hijo de Martin Sheen, lo que dejó a Kapelos en el sitio (y no entiendo cómo, si Estévez y Sheen son idénticos). Se disculpó con Estévez, éste la aceptó y la película siguió como si nada, pero la conciencia de Kapelos lo tenía mal duranet muchos años. Cuando tuvo un pequeño papel en The West Wing en 1999, le contó a Sheen la historia, al que le pareció graciosísima, y le dio un poco de paz a Kapelos.
  • El tema para la película, “(Don’t You) Forget About Me”, fue escrito para la película por Keith Forsey, quien luego produciría las bandas sonoras de Flashdance y Un Policía en Beverly Hills II, y Steve Schiff, y fue ofrecido a Brian Ferry, Billy Idol y la banda The Pretenders. Ferry la rechazó, Idol también (aunque incluyó una versión como una pista extra en su disco de grandes éxitos de 2001) hasta que Chrissie Hynde, cantante de The Pretenders, la propuso para la banda de su esposo en aquel entonces, Jim Kerr. Se convirtió en el mayor éxito de Simple Minds, y aquí se las incluyo.

Pa' La Casa: 13 de diciembre de 2011

martes, diciembre 13, 2011 | Comments

¿Aún sin nada que regalar al fan de las películas en tu vida? Esta es la última semana antes de Navidad –apúrate. También incluiré las de la semana próxima, si eres así de procastinador.

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Rise of The Planet of The Apes

Sinopsis: Obsesionado con encontrar una cura para el Alzheimer’s, un joven científico (James Franco) aplica una droga experimental a un chimpancé inusualmente brillante (Andy Serkis) –e inicia lo que puede ser el fin de la humanidad.

Sin duda el éxito sorpresa de este verano, esta precuela/nuevo arranque de la clásica cinta de ciencia ficción es hasta ahora mi película favorita del año, con una extraordinaria puesta en escena y un guión hasta inteligente, con una impresionante actuación de Andy Serkis como el más realista personaje animado hecho hasta ahora.

Veredicto: Digna de comprarse. A menos que seas un mono. Pensándolo bien, un mono estaría fascinado.

Para coleccionistas/puristas: Hay una edición especial de dos discos combo Blu Ray/DVD/copia digital que escenas borradas, un programa con la mitología del Planeta, Andy Serkis preparándose, una galería de arte conceptual, la creación de César, un documental sobre los grandes simios del mundo, un comentario del director Rupert Wyatt y otro con los guionistas Rick Jaffa y Amanda Silver y más.

918gPAKJldL._AA1500_Kung Fu Panda 2

Sinopsis: El gordo Po (con la voz de Jack Black) vive la vida de4 lo lindo ahora como el Guerrero Dragón, hasta que su maestro (Dustin Hoffman) le advierte que el malvado pavo real Lord Shen (Gary Oldman) se ha apoderado de un arma que podría acabar con el kung fu.

Aunque no tan divertida como la primera, esta secuela tiene mucho corazón y unas escenas de animación impresionantes, sin mencionar que Gary Oldman logró hacer un pavo real atemorizante, además de un villano curiosamente complejo para ser una película animada.

Veredicto: El camino es claro, pequeño saltamontes: has de comprarla.

Para coleccionistas/puristas: El ya tradicional combo viene bien cargado de extras: un corto llamado Secretos de los Maestros, un vistazo a la nueva serie animada Kung Fu Panda: Legends of Awesomness, comentarios de los realizadores y más. También puedes comprar el combo con las dos películas y el nuevo corto.

The Rocketeer

Sinopsis: Cliff Secord (Bill Campbell) consigue un jet-pack secreto que le permite volar con la velocidad de un rayo, que un ambicioso actor (Timothy Dalton) busca con ahinco --para entregarlo a los Nazis.

Esta fue la película de cómics hecha antes de la fiebre por la película de cómics, y es la que todos debimos ver cuando nos enteramos que Joe Johnston iba a ser el director de Capitán América. Aún estoy por verla, pero desde su estreno se ha convertido en algo así como un hit de culto.

Veredicto: Si te atreviste a comprar Linterna Verde, el colmo sería que no te compraras esta.

Para coleccionistas/puristas: No tengo la lista de extras que incluye, pero sabes, si es la edición por el 20° aniversario, debe tener varios.


61hODv0tvpLMedianoche en París

Sinopsis: Mientras de vacaciones en la Ciudad Luz, un escritor (Owen Wilson) obsesionado con el París de los años 20' tiene un muy cercano encuentro con los héroes de su pasado que lo hace reevaluar su presente.

Recién acabo de ver lo más reciente de Woody Allen y creo que sin duda es lo mejor del año. Causalmente romántica, sutilmente divertida y sorprendentemente conmovedora, es de esas películas que te ponen a reflexionar sobre ti y la vida en general a la vez que te entretiene de lo lindo.

Veredicto: Es posible que no valga más de dos o tres re-visiones, pero ciertamente vale que la vean.

Para coleccionistas/puristas: Muy típico de Allen, este amigo viene peladito en cuanto extras, con un especial sobre la presentación en Cannes de la película y una galería de fotos. ¿Woody? ¿Hacer un comentario? Sí vale…



Fright Night

Sinopsis: Un adolescente (William Ragsdale/Anton Yelchin) descubre que su vecino (Chris Sarandon/Colin Farrell) es un vampiro, y le pide ayuda a un ilusionista (Roddy MacDowall/David Tennant) a que lo ayude a destruirlo.

La original es una querida de mi juventud, y la nueva demuestra que no todos los remakes son tan malos. Claro, nadie puede superar a Roddy MacDowall en nada, pero eso no impidió a David Tennant robarse varias de las escenas en las que apareció. Y esta es sin duda la mejor interpretación que Colin Farrell ha tenido en muchos años.

Veredicto: La original es de muerte lenta, la nueva vale la pena al menos una visita.

Para coleccionistas/puristas: La original debuta en Blu-Ray pero de vaina y tiene dos trailers y la banda sonora aislada. ¿Qué pasó, me van a decir que no había nada veintypico de años después? Ni mod, igual esta es digna de tener en la colección.

La nueva, en cambio, tiene varios: pelones, el video de Kid Cudi para el tema "No One Believes Me", un enfoque al personaje Peter Vincent, cinco escenas borradas y algunos datos sobre vampiros, entre otras.





The Expendables

Sinopsis:  El soldado de fortuna Barney Ross (Sylvester Stallone) reúne a su equipo (Jason Statham, Jet Li, Terry Crewes y Randy Couture) para derrocar a un malvado dictador (David Zayas) quien de paso está ayudado por un ex CIA (Eric Roberts) con un duro guardaespaldas ("Stone Cold" Steve Austin).

Creo que lo único más de machos que esta película es el solo afiche de su secuela, pero sin duda poca gente puede discutir queesta fue la mejor reunión de testosterona de la que se tenga noticias. No es que haya sido el granm éxito de taquilla, pero es tal la cantidad de ridícula película de acción que nadie va a discutir con ella. Además de los tya mencionados, no se pierdan que incluye a Mickey Rourke y Dolph LundgrenYo estoy que me pico por verla.

Veredicto: Si eres hombre, tienes que tenerla. Si eres mujer, tienes que ganarte el respeto de tu novio y tenerla. Si no tienes novio, esta película lo atraerá.

Para coleccionistas/puristas: El nuevo Blu-Ray, además de ser la versión extendida del director, incluye una copia digital, una introducción a la película por Stallone, un enfoque en el hombre y su carrera como director, un documental de casi dos horas de detrás de escenas, un programa de Spike TV dedicada a la película y el video musical de la película con Sully Erna de Godsmack.


Trilogía Transformers

Sinopsis: Una raza de robots en guerra que pueden transformarse en vehículos trae su pleito a la Tierra en medio de inseguros adolescentes, las mamis más hermosas del planeta y muchas, muchas explosiones.

Si The Expendables es para hombres, Transformers es para universitarios que sueñan con serlo. Las tres películas de la saga inspirada en los muñecos de Hasbro --y Michael Bay, después de decir que no lo haría, está pensando en dirigir la cuarta-- han recaudado la bicoca de casi 3 billones de dólares en taquilla, demostrando que los críticos --que dijeron "bueh" a la primera, aborrecieron la segunda y dijeron "meh" con la tercera-- y el público definitivamente no están viendo las mismas vainas.

Veredicto: ¿De verdad qué te importa lo que yo voy a decir? Yo quedé agotado luego de ver las dos primeras, y sí, las veo cada vez que las ponen en el cable, pero no creo que las compre y menos las tres juntas.

Para coleccionistas/puristas:  Estoy seguro que más de uno que compró las películas originales de primero deben estar mentando madre, porque esas de vaina tenían la película. No hay listas de extras para esta edición triple, pero si en serio creen que no vana  estar cargaditos como debe ser, no han estado prestando atención.





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Dolphin Tale

Sinospsis: La verdadera historia de cómo un niño (Nathan Gamble) rescató a un pequeño delfín que perdió su cola en una trampa para cangrejos, y convence a un equipo de hacerle una cola prostética.

La más Disney de las películas que no fueron de Disney este año, ciertamente ofrecerá una linda historia para compartir en familia.

Veredicto: A tus hijos les encantará.


MENCIONES ESPECIALES:

Seven Chances: Un clásico de Buster Keaton hace su debut en un hermoso Blu-Ray de colección.
Heavenly Creatures: El siniestro debut de un tal Peter Jackson en la dirección.
Five Element Ninjas: Artes marciales clásicas de los 80, con los doblajes malos y los increíbles saltos.

El Gato con Botas: Te hacen falta más que las botas, amiguito

sábado, diciembre 10, 2011 | Comments

puss_in_boots_ver3_xlgEl spin-off: esa extraña costumbre de agarrar a un personaje secundario de una popular película y convertirlo en principal. En televisión es oro: funcionó con Cheers, que nos dio Frasier; no funcionó con Friends, que nos dio Joey. En el cine, bueno… Miren todas las películas basadas en personajes de Saturday Night Live, miren cómo salió X-Men Origins: Wolverine luego de X-Men. Evan Almighty. La Caravana del Valor: Una Aventura Ewok. Catwoman. Así que hay que ver con aprensión cómo toman a un personaje ni siquiera secundario, sino terciario de la franquicia de Shrek y le dan su propia película.

Para ser absolutamente sinceros, no está mal. La estoy olvidando en este instante que salí del cine de verla, pero no está mal.

decenteVarios años antes que cruzara el camino de nuestro ogro verde favorito, el Gato con Botas (Antonio Banderas) es un fugitivo perseguido por un crimen que no cometió. Finalmente oye de las habichuelas mágicas, que los ladrones Jack (Billy Bob Thorton) y Jill (Amy Sedaris) tienen en su poder. Pero justo cuando las va a agarrar, se cruza con la sensual Kitty Patas Suaves (Salma Hayek), que lo lleva a cruzar caminos con un viejo amigo/enemigo, Humpty Dumpty (Zach Galifianakis), quien lo convence de buscar las habichuelas juntos –lo que podría redimir su nombre.

Ciertamente los temores que esto iba a ser Shrek 5 no son infundados, pues esa serie de películas no es nombrada en ningún momento. No, el Gato con Botas debe pararse solito en sus dos patitas, y en general lo logra, pero la magia de sus predecesoras no está allí. No sé si es la ausencia de las muy justificadas referencias culturales, o que los personajes de los cuentos de hada no son tan bien usados, o es que sencillamente el guión no tiene tanta fuerza como las anteriores. O es que ya lo hemos visto todo: la desilusión de no encajar, la envidia, la redención, y es como pesado verlo todo junto en una película animada.

Pero vaya una película animada del punto de vista técnico. A estas alturas Dreamworks se sabe manejar en un área que Pixar aún no agarra: crear personajes tan grotescos que son divertidos (aunque ese premio se lo está llevando Rango este año). Aquí hay estudios serios del comportamiento felino, y los gatos protagonistas se mueven tan naturalmente como se espera lo haga un felino ligeramente antropomorfo. Y claro, están las actuaciones que lo complementan: Banderas goza un mundo haciendo su imitación de “er gato Jinx” y, aunque su exagerado acento andaluz a veces hasta distrae, el joie de vivre que le inyecta al Gato con Botas hace que entendamos por qué no se quiso dejar morir el personaje.  Hayek, que a estas alturas actúa junto a Banderas como si nada, es tal cual la chica que no necesita ayuda, pero reboza sensualidad. Galifianakis, por su parte, es una versión callada y traumatizada (más) del Alan de The Hangover; no es gran cosota.

Y eso mismo es lo que puedo decir de El Gato con Botas. Mientras es una divertida aventura sin más pretensiones que entretener, ya Shrek es parte de la cultura popular. Creo que hacer un spinoff de una de las franquicias más exitosas de la historia se merecía un esfuercito adicional.

Medianoche en París: Liberté, creativité, et l'amour

viernes, diciembre 09, 2011 | Comments

midnight_in_paris_xlgQue a los 76 años Woody Allen aún pueda trabajar al ritmo que lo hace, sacando una película al año consistentemente, revela lo que bien puede ser una combinación de su complejo obsesivo-compulsivo con un incontrolable amor al cine. Y supongo que esa combinación le permite crear lo que sólo puedo llamar las más maravillosas cartas de amor a las ciudades y a la gente que lo inspira. Cada ciudad donde sus películas se desarrollan es un personaje más. ¿O qué más esperarían ustedes de una película llamada Manhattan? Y díganme que no empezaron a planificar su próxima visita a España luego de ver Vicky Cristina Barcelona.


En Medianoche en París, el director hace mucho más que presentar una hermosa postal de la Ciudad Luz –es una oda a cada brochazo, cada letra, cada impulso artístico que lo ha empujado a crear cada expresión, sea musical, fílmica o escrita, en toda su carrera. Allen ha mirado hacia adelante, piensa que no lo pueden quedar muchas películas más por hacer, y ha dicho “gracias”.


Gil (Owen Wilson) e Inez (Rachel MacAdams) aprovechan que los padres de ella (Kurt Fuller y Mimi Kennedy) están de viaje de negocios en París y van con ellas en una pre-luna de miel. Gil es un exitoso guionista de Hollywood pero está desencantado con el trabajo, y París lo enamora, en particular la histórica escena artística que se dio allí en los años 20. Quiere mudarse y dedicarse a escribir su novela, pero Inez no quiere dejar la vida en Malibú.


genial-comedia[5]Una noche, mientras Inez sale con una pareja que él no soporta, Gil decide dar una caminata por París antes de la medianoche, para pensar mejor sobre su vida y su pasión. De repente un Plackard de 1922 se detiene, y sus pasajeros lo invitan a subir (claro, ¿por qué no?) y Gil decide darle (una vez más, ¿quién no se montaría en un carro con extraños en un país extranjero?). Cuando viene a darse cuenta, está en un local donde hay una fiesta, y la voz del que toca el piano suena mucho a Cole Porter (Yves Heck), y le presentan Zelda (Alison Pill) y Scott… ¡¿Fitzgerald (Tom Hiddleston)?! Como si fuera poco, Scott lo lleva a otro café donde conoce a… Ernest Hemingway (Corey Stoll)… que le dice después de cinco minutos que le dará su novela a… Gertrude Stein (Kathy Bates)… que está en su casa discutiendo con… Pablo Picasso (Marcial Di Finzo Bo)… sobre el retrato que le hiciese a Adriana (Marion Cotillard), una joven estudiante de diseño de modas. Esto no puede ser real… ¿o sí? Ciertamente Adriana se ve tan… hermosa… tan verdadera…


La verdad, Allen nunca explica si lo que le pasó a Gil está en su cabeza o no (aunque lo que le pasa a un personaje secundario más adelante da una clave), y no hace falta. En vez de eso, nos lleva con Gil a una odisea que es a la vez la respuesta a todas sus preguntas y una lección a vivir de ilusiones y verdaderamente buscarlas. ¿Qué es mejor, seguir añorando porque una época pasada fue mejor que la actual –un adagio tan conocido que ya es un cliché—o trabajar por hacer que la época actual sea igualmente buena? Y no sólo es una pregunta que Gil se hace, o que Allen que nosotros nos hagamos, sino que pareciera que el propio Allen se estuviera haciendo la misma pregunta (por algo es su primera película que fue coloreada digitalmente en vez de la tradicional manera fotoquímica –el hombre quiere aún experimentar a ver qué tal).


Owen Wilson nunca ha estado mejor, acostumbrados como estamos a sus papeles un poco alocados como en Zoolander, The Life Aquatic with Steve Zissou o, Dios nos libre, Hall Pass. Es sin duda el personaje de Woody Allen que hay en todas las películas de Allen –idealista, nervioso, nunca particularmente cómodo en su entorno actual. Su química tanto con MacAdams como con Cotillard es palpable, aún con un personaje tan insoportable como el de Inez. MacAdams la hace la propia niñita rica, malcriada y ligeramente avergonzada por su prometido el artista. No, ella prefiere estar con Paul, el pseudointelectual, interpretado genialmente por Michael Sheen. De verdad quieres abofetearlos a ambos, en particular en una escena donde Paul discute sobre la obra de Rodin con una guía turística, quien da la casualidad es interpretada por la Primera Dama de Francia, Carla Bruni. (Es tal que esperaba que Sarkozy apareciera como un concierge.)


Cotillard a estas alturas debe ser considerada un tesoro universal, con sus enormes ojazos y su encantadora cara que la hacen ver tan vulnerable y a la vez tan segura de sí misma, que nos hizo desgarrar el alma en La Vie En Rose y la hizo tan trágica y tan tenebrosa en Inception. El resto del elenco brilla en sus pequeños papeles, en particular Adrien Brody quien se nota gozó un mundo interpretando a Salvador Dalí. Stoll quizá lleva la imagen de macho machísimo de Ernest Hemingway demasiado lejos, y Kathy Bates es Kathy Bates en casi cualquier papel, Annie Wilkes de Misery exceptuada (lo que nunca es malo, esa mujer es genial). Hiddleston sí muestra mucha versatilidad, y después de verlo como Loki se está convirtiendo en uno de mis actores ingleses favoritos.


Curiosamente, al sacar el debate sobre si el pasado es mejor, Woody Allen nos ha dado con Medianoche en París la promesa de que su futuro luce mejor que nunca. Esta ha sido amplia y quizá justificadamente llamada su mejor película desde al menos Hannah & Her Sisters, así que quién sabe qué tienen aún que ofrecernos. Mientras tanto, mucho les pido me recomienden un buen agente de viajes que cobre bien barato.

El productor de la nueva Oldboy promete causarte un trauma permanente con el nuevo final

lunes, noviembre 28, 2011 | Comments

spike-lee-may-direct-oldboy Roy Lee
Un grupo de blogueros y periodistas estadounidenses se sentaron con Roy Lee, el productor de la venidera 7500, en el set de esa película, incluyendo a la gente de Collider (lo leo en Screen Rant) y le sacaron información de otro film que lo tiene ocupado, como es la nueva versión de Oldboy, dirigida por Spike Lee. Digamos que el hombre hizo su trabajo de emocionar a la gente respecto a ella –al punto que si de verdad cumple, va a haber gente suicidándose en las calles después de la película, convencidos que la vida es una mierda y nada vale la pena.

Joda aparte, Lee (que como verán en las fotos no es familia de Spike) ya ha producido varios remakes de manera exitosa, en especial de cine asiático: tiene en su haber las versiones estadounidenses de The Ring, The Grudge e Infernal Affairs (esta última como la oscarizada The Departed, de Martin Scorsese), o sea que el hombre sabe qué buscar. En el caso de Oldboy –quizá uno de los remakes más rechazados de todos-- dijo que la pre-producción empieza en enero de 2012 (o sea ya) y las cámaras empiezan a rodar dos meses después. Así describió la narrativa de la nueva película (con guión del mismo de Thor y Soy Leyenda, Mark Protosevich), según cita Screen Rant:

Es muy similar [a la original de Park Chan-wook) pero hemos añadido nuevos elementos. O, Mark Protosevich ha inventado nuevos elementos para ella que desconcertarán a la audiencia porque hay nuevos personajes y nuevas situaciones que se presentan a sí mismos en una forma que cambia la historia pero eventualmente van en la misma dirección.

Ay coño. “Nuevos personajes”. “Nuevas situaciones”. “Desconcertarán a la audiencia”. Ya estas son palabras que inquieta a fanáticos (incluyéndome). Pero claro, si la historia se está mudando a los Estados Unidos (supongo que la Nueva York que Spike Lee tanto ama) es de esperarse, ¿no?

De paso, Lee el productor dice que hay una nueva versión de la más famosa escena de la película (y no me refiero a la de los pulpos) “en una forma que nunca se ha visto en una película de acción”. (Ojo: ver esa escena podría ser considerado un ligero spoiler para algunos.) Y bueno, sí hay que admitir que Lee el director se sabe poner creativo con las cámaras: sino miren el video que Screen Rant enlaza de una escena de Inside Man.



La cita que de verdad me llamó la atención es respecto al final, que cuando hablamos de Oldboy tiene que ser uno de los mayores shocks en la historia del cine. Yo ni soñaría en contarles lo que es, pero demuestra que tanto Park Chang-wook es un genio enfermizo, retorcido y brillante, sin duda alguna. (Las negritas son mías.)

[El nuevo final] será que todo el público estará… especialmente los fanáticos de la primera estarán muy felices. De hecho, algunos podrían considerarlo un poco más oscuro.

Un poco más oscuro. Que el final de la original. Uno de los más retorcidos y angustiantes (y geniales) finales de todos. ¿Y lo van a hacer más oscuro? Mier…

Honestamente eso me suena a hipérbole, pero no hay forma de saberlo sin verla antes, ¿no? Manquesea, yo estoy bien intrigado. Spike Lee será una ladilla con su eterno bla bla bla sobre racismo y tal (en especial todo ese asunto con Clint Eastwood), pero como dije antes, el tipo tiene un talento que a veces sus visiones radicales ocultan un verdadero talento como cineasta. Añadan a eso que el papel que Choi Min-sik hizo legendario será tomado por el muy versátil Josh Brolin en esta nueva versión, y el papel del villano ofrecido tanto a Christian Bale (quien lo rechazó) como a Colin Firth (que todavía está en discusiones), es muy posible que esta siga el camino de The Departed como una nueva versión que puede pararse en sus dos pies ella sola en vez de ser comparada con la original.

O es una mierda y esta gente me hizo perder mi tiempo. Ya veremos.

Corto Pero Grueso: Maniac (2011)

jueves, noviembre 24, 2011 | Comments

Otro jueves, otra muestra del género que más se ha beneficiado de Internet: el cortometraje. No olviden compartir conmigo cualquier corto interesante que encuentren por ahí.

Diez minutos de tensión componen Maniac, la historia de un equipo de filmación que siguen a dos asesinos en serie en una noche de locura. ¿Y qué tal? Es dirigido por Shia LaBeouf.

Source Code: Si al principio te mueres, dale, dale otra vez

martes, noviembre 22, 2011 | Comments

source_code_xlgSiempre es aplaudible cuando un director novato recibe una oportunidad de continuar con su visión. Lo malo es que, al darle más dinero, eventualmente se va a notar la intervención del estudio.

Eso es lo que le pasó a Duncan Jones, hijo de un tal David Bowie, que hace dos años hizo un genial impacto en el circuito de festivales y entre la crítica con su excelente película de ciencia ficción de bajo presupuesto llamada Moon, un inteligente estudio de lo que es ser humano que mereció un público mucho más grande que el que recibió. Dos años después, tiene más dinero y un gran estudio respaldándolo y nos trae Source Code (aquí terriblemente titulada Ocho Minutos Antes de Morir), creando cierta expectativa tanto entre el público que no lo conoce y se pregunta si será algo original y bueno y entre la crítica que quiere ver si Jones va a dejar que un presupuesto se meta con su visión.

¿La verdad? Sí y no.

decenteSource Code arranca con un hombre (Jake Gyllenhaal) que se despierta en un tren con dirección a Chicago. La muchacha que está enfrente (Michelle Monaghan) evidentemente lo conoce, quizá hasta lo quiere. La cosa es que él no la conoce, ni la ha visto nunca. Confundido, se tambalea hacia el baño –y el reflejo en el espejo no es el de su cara. Sale aterrado del baño, ella le dice que todo estará bien… y una explosión destroza el tren y los mata a todos.

Pero el hombre, que ahora sabemos es el capitán Colter Stevens, despierta en lo que parece ser una cápsula, con una pantalla delante y una mujer (Vera Farmiga) hablándole. Cada cierto tiempo, aparece un hombre mayor (Jeffrey Wright) como dándole órdenes. Poco a poco, Stevens se entera que está en el programa Código Fuente (¿ven que no es tan difícil de titular?), en el que su conciencia entra en el cuerpo de otro hombre durante ocho minutos, y ese es el tiempo que tiene para encontrar quién puso esa bomba en el tren antes que cometa otro acto terrorista.

Jones demostró que tiene lo que se necesita para mostrar la desesperación humana al mostrar a un Sam Rockwell absolutamente aislado y solo en la Luna en su anterior película; aquí demuestra que también puede manejar suspenso adecuadamente. La película parece estar en tiempo real, y sabes que cada vez que esos ocho minutos se acaban, si Stevens no ha encontrado al asesino, va a morir y tiene que empezar desde cero. La explicación de cómo es esto posible es dada, sí, pero tampoco es que sea demasiado necesaria. Lo que quizá sirva de prueba para decir que el guión, por Ben Riley (cuyos créditos anteriores no es que sean gran cosa, como son Especies III y IV), está inteligentemente construido y, en su extraño mundo, no carece de lógica. El problema es que la mano del estudio está evidente al final, cuando el que habría sido un excelente final tiene una extensión de cinco minutos que es al estilo de “ay que lindo”, que hay que amarrarlo todo con un lacito. No digo que no funcione, pero el otro habría resultado más.

Mientras tanto, la química entre Gyllenhaal y Monaghan sale de la pantalla como burbujas. Ambos siempre me han parecido actores sumamente naturales, con un encanto particular que los hace fáciles de querer. Gyllenhaal, además, tiene esos enormes ojos de conejo que pone su confusión y sufrimiento tan evidentes, pero tiene la actitud de un tipo que está en control. Farmiga, quien tan bien representara a la mujer trabajadora y desprendida en Up In The Air, aquí es una soldado que está desesperadamente tratando de no mostrar corazón. El único que me pareció caricaturezco es Wright, normalmente tan buen actor, que aquí parece una mezcla de Jack Palance y el Arquitecto de The Matrix. ¿De verdad hacía falta parecer tan villano?

Pongo a Source Code junto con Inception en las películas de verano para pensadores, pues hay que prestar atención para seguir la trama, porque si no te duermes. Con tanta basura cotufera que pueden encontrar, eso es un club bastante reducido.

Corto Pero Grueso: ROSA (2011)

jueves, noviembre 17, 2011 | Comments

Todos los jueves destaco el género cinematográfico más beneficiado por Internet: el cortometraje. ¿Sabes de un corto que valga la pena destacar por aquí? Deja un comentario, avisa por Twitter o manda un correo.

De la mano del animador español Jesús Orellana nos llega ROSA, la historia de una cyborg que ha despertado en un futuro donde toda vida natural ha desaparecido, y ella es la última esperanza de la humanidad para restaurarla –sólo que no es el único ente que ha despertado.


ROSA from Jesús Orellana on Vimeo.

Los Oscar serán claros como un Crystal otra vez

jueves, noviembre 10, 2011 | Comments

"Guess who's coming back!"
Al fin el lío con la ceremonia del Oscar se ha resuelto. Aunque eso es un eufemismo: creo que ni los más optimistas esperábamos que se resolviera de esta manera.

Había un enorme rollo sobre la producción de los Oscar desde que el productor y director de la ceremonia, Brett Ratner, dijo en una rueda de prensa, respecto a ensayar con actores, “ensayar era para maricos”. Ah bien bueno. Así que el hombre calladito decidió renunciar a la ceremonia mediante un comunicado.

Lo malo es que, al renunciar Ratner, también lo hizo el que iba a ser el anfitrión de la ceremonia, un muy necesitado de ser popular otra vez Eddie Murphy. “Realmente quería ser parte del show”, dijo el actor en otro comunicado.

Y de repente, hoy en la tarde, apareció esto:

billycrystal

“Estoy haciendo los Oscar para que la joven en la farmacia deje de preguntar mi nombre cuando recoja mis prescripciones. Espero con ansias el show”.

Ah sí… ¿Que Eddie Murphy iba a qué?

Síp, Billy Crystal volverá a animar la ceremonia de los premios de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas, algo que sin duda alegrará a muchos (como yo) que no estuvieron muy de acuerdo con las decisiones de anfitrión de la Academia (como yo). Crystal es un actor increíblemente querido, y creo que sólo ha sido superado por el mítico Bob Hope en cuanto a popularidad de anfitriones de la ceremonia: Hope lo fue en 18 ocasiones, mientras que Crystal lo ha sido en ocho (1990, 1991, 1992, 1993, 1997, 1998, 2000 y 2004). Muchos clamaban porque el hombre regresara, y por lo visto al fin lo convencieron.

Hay que aclarar, la Academia no se ha pronunciado oficialmente, limitándose a retwittear el mensaje de Crystal. Pero en esta era, ¿necesitamos algo más? Veremos a Crystal (y el nuevo productor de la ceremonia, Brian Grazer, en marzo de 2012, con el anuncio de las nominaciones el 24 de enero.

Para los que no se acuerden tanto del asunto, este es el monólogo de apertura de Crystal en la 76a entrega de los Oscars en 2004.


Mucho King viene por nuestro camino

martes, noviembre 08, 2011 | Comments

Stephen-King Mi admiración por Stephen King siempre ha sido algo extraño. El hecho que el más macabro de los autores de terror sea mi autor favorito, mientras que el cine de terror no llena mis expectativas, es una ironía que no se me escapa. Pero hela allí, y de hecho estoy redescubriendo algunos de sus libros, empezando por The Stand. Lo irónico es que, con sus excepciones, las adaptaciones de sus obras no cumplen las expectativas (las excepciones: Carrie, Christine, Pet Sematary, The Mist, The Shawshank Redemption, The Shining, Stand By Me, Apt Pupil, 1408 y Misery –también excluiría la miniserie adaptada de The Stand).

 

Este año vimos la adaptación de su masiva obra de siete tomos The Dark Tower irse en picada cuando Universal decidió no hacer la masiva producción que Ron Howard y el productor Brian Grazer tenían planeada (tres películas acompañadas de dos miniseries, con Javier Bardem protagonizando). Era la segunda vez que se intentaba adaptar (la primera vez fue de la mano de JJ Abrams)… ¿Cuándo o cuando? (De acuerdo con los productores, en lo que consigan real.)

 

Sin embargo, este año no han faltado noticias del Rey del Terror, algo que tiene a los fanáticos bien felices. Primero, el hombre anunció una secuela para El Resplandor (la novela, no la película, aunque dudo que no suceda así), hasta incluso leyendo un extracto de la novela –llamada Dr. Sleep—en la ceremonia de los Premios George Mason en septiembre. Luego, su nueva novela, 11/12/63, centrada en un hombre que viaja al pasado cerca del día del asesinato de John F. Kennedy, sale a la venta hoy en Estados Unidos,. Y por último, también hoy me he enterado que vamos a ver mucho de Stephen King en un futuro cercano, tanto en televisión como en el cine.

 

dome Ambas noticias me llegan por Slashfilm, quien primero reporta que el libro de King de 2009, Under The Dome, será convertido en una serie de televisión para Showtime (Californication, Dexter, la nueva Homeland) de la mano del guionista de tercera, cuarta y quinta temporada de Lost, Brian K. Vaughan y bajo la producción de Steven Spielberg. Tremendo elenco detrás de escenas (Vaughan, además, es un excelente autor de cómics, creador del exitoso Y: The Last Man), con el propio King además sirviendo como productor ejecutivo. Para los que no lo saben, Under The Dome narra las incidencias de un pequeño pueblo de Maine que está, sin aviso o explicación, encerrado en un misterioso campo de fuerza.

 

Luego, leí que Slashfilm también informaba que otra novela de Stephen King menos conocida iba a lanzarse a la gran pantalla: El Retrato de Rose Madder, de 1995. Este es más el estilo que conocemos de King, mezclando elementos de terror tanto real como fantasioso: una mujer brutalmente maltratada por su esposo finalmente escapa de él y se trata de instalar en una nueva comunidad ayudada por un centro de ayuda para la mujer, y se vuelve obsesionada con una pintura donde puede desaparecer a otro mundo… literalmente.

 

ROSE MADDER  COVER Esta adaptación llega a la casa productora Palomar Pictures, encargada del excelente drama Brothers y la película de acción Killer Elite, con un guión de Naomi Sheridan, quien co-escribió la miniserie In America con su padre y, coincidencialmente, director de Brothers, Jim Sheridan. Más allá del elemento fantasioso, esto suena hecho a la medida para Sheridan padre, siendo como es experto en dramas familiares con complejidades psicológicas (también dirigió In The Name of the Father y My Left Foot), así que estoy de acuerdo con Slashfilm cuando dicen que es muy probable que el director irlandés termine siendo quien dirija.

 

Mientras sigo esperando por la miniserie The Talisman (que IMDB me dice que está en pre-producción) y espero poder ver la adaptación de mi novela favorita de King, The Talisman (será una película hecha para televisión protagonizada por Pierce Brosnan y Jason Priestley), estas dos adaptaciones se oyen de mucha calidad. Mientras, si alguien me quiere regalar Under The Dome (en físico por favor, aún no tengo un  aparato para leerlo electrónicamente con comodidad y ni de vaina voy a imprimir mil y pico de páginas), bueno, ya viene Navidad, ¿no?

 

¿Son fanáticos de Stephen King? ¿Cuál es su nove a favorita suya? ¿Cuál película basada en sus novelas es la que más le gusta?

Corran al Infinito y vean I'm Still Here

lunes, noviembre 07, 2011 | Comments

INFINITO - I´M STILL HERE (2)
  Lo que más le aplaudo a Joaquin Phoenix en su extraño experimento que fue el “documental” I’m Not Here es que haya mantenido la imagen por tanto tiempo. “Me retiré de la actuación y quiero ser un rapero ahora”, dijo, y todo el mundo dijo “¿Ah?” Cuando salió el documental, fue una de las vainas más divisivas que se puedan imaginar. ¿Valió la pena? Bueno, ya tienen la oportunidad de verlo por ustedes mismos. Aquí la nota de prensa.


El aclamado actor Joaquín Phoenix, nominado al Oscar gracias a su trabajo en Gladiador y Pasión y Locura, anunció en el otoño de 2008 que abandonaría su carrera para dedicarse a otra de sus pasiones: cantar música hip hop. Esta sorpresiva declaración revolucionó a la prensa internacional y a las celebridades, y generó cierta incredulidad en la opinión pública y en los medios de comunicación. Su cuñado Casey Affleck, hermano del actor Ben Affleck, lo seguiría de cerca en esta nueva etapa para filmar ese giro artístico y recoger en un documental su incipiente carrera musical.

Sólo un año después, cuando el film se presentó en el Festival de Venecia, se develó el misterio: todo se trataba de una broma, de un experimento en el que los protagonistas intentaban explorar la libertad y la relación entre los medios de comunicación, sus consumidores y las propias celebridades. En noviembre, Infinito, el canal donde la realidad supera a la ficción, presenta en Infinito Docs “I’M STILL HERE”, este documental que revolucionó al mundo artístico, la prensa y la opinión pública. Podrá verse en la madrugada del miércoles 09, a las 12:30 a.m. y se repetirá el domingo 20 alas 09:30 p.m.



“I’M STILL HERE” mostrará cómo el protagonista de esta historia sostuvo públicamente su decisión y se fue  transformando, paulatinamente, en un ser humano extraño y autista, llegando, inclusive, al punto de verse involucrado en líos con prostitutas, drogas y alcohol. A esto se le sumó su descuidada apariencia física: tupida barba, gordo, lentes oscuros y actitud muy distraída, situación que pudo apreciarse en toda su dimensión cuando fue invitado a The Late Show with David Letterman.

EnI’M STILL HERE” nos sorprenderemos con un Joaquín Phoenix desafiante y fascinante. Lo veremos en medio de una encrucijada en la que hizo caso omiso a los rumores y teorías de la prensa sobre la veracidad de sus acciones, duda que se instaló para siempre, ya que nunca pudo ser confirmada. “I’M STILL HERE” se podrá ver en la madrugada del miércoles 9 de noviembre, a las 12:30 a.m., con una repetición el domingo 20, a las 09:30 p.m.

Infinito es el canal de Turner Latin América, con base en el género documental y la investigación, diseñado para fomentar la inspiración, el asombro, el entretenimiento desafiando los límites de la mente de la audiencia. Pensado para hombres y mujeres de 18 a 49 años, el canal ofrece en su programación documentales originales de alta calidad, films éxitos de taquilla basados en historias reales, series sorprendentes y realities con una mirada inteligente. Infinito Docs, Infinito Crimen, Infinito Asombro, Infinito Inspiración, Infinito Films, Infinito Complot, Infinito Good for you son algunos de los ciclos del nuevo Infinito. Infinito está disponible en Venezuela a través de los siguientes canales:


748 de DIRECTV, 84 de Supercable, 15 de Inter y 356 de TV Digital MoviStar

Mientras tanto, en Internet...

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