JJ Abrams dirigirá la nueva Star Wars. ¡¡¡JJ ABRAMS DIRIGIRÁ LA NUEVA STAR WARS!!!

La alianza Disney-Lucasfilm sigue dando de qué hablar. Como si no bastara con que, sabes, la Casa del Ratón (oye, ‘ta bueno el hombre para un bar) compra a una productora que formó la infancia de más de un adulto contemporáneo, y con que anunciaran que a partir de 2015 habrá una oportunidad de quitarnos el mal sabor que nos dejaron con los episodios I-III de La Guerra de las Galaxias, aquí se lanzan otro notición: JJ Abrams será quien dirija el episodio VII.

El blog The Wrap dio la exclusiva, añadiendo que Ben Affleck también estaba en la mira. Lo irónico es que en noviembre, en pleno huracán de rumores sobre quién sería el afortunado que dirigiría la primera de la nueva saga de La Guerra de las Galaxias, Abrams le había dicho a Entertainment Weekly que ese no sería su próximo trabajo, pues estaba trabajando en mnaterial original, además de su nuevo proyecto para televisión, Revolution. Eso sí, como cualquier chamo de los 70, él iba a la iglesia de los Jedi:

Como niño siempre fui fanático de los efectos especiales. Cuando veía películas siempre trataba de deducir cómo lo hicieron, no importa cuál efecto era. Star Wars fue la primera película que me dejó loco así; no importaba como hicieron lo que fuera porque todo era tan sobrecogedora y completamente genial. Era cómico y romántico y tenebroso e irresistible y los efectos visuales simplemente servían a los personajes y a la historia. Se galvanizó para mí; no por lo que era emocionante sobre cómo se hacían las películas, pero más bien por lo que las películas eran capaces.

De hecho, Abrams dijo que precisamente por ser fan de Star Wars fue que aceptó dirigir la nueva versión de Star Trek de 2009, porque no le importó eliminar algunas cosas de la mitología tradicional de la serie. Y eso fue un resonante éxito, algo que su secuela, Star Trek: Into Darkness, promete repetir este año cuando sea estrenada en junio. Aparte que estoy seguro que no quería ser el tipo que se viera involucrado en las dos sagas interestelares más conocidas de la actualidad. Supongo que Kathleen Kennedy, jefa de Lucasfilm, fue demasiado insistente.

Pero si estuvieran en el lugar de Abrams, en serio, ¿cuánto pudieran resistirse? No es que Abrams sea un director perfecto; como dice Devin Faraci en Badass Digest, el hombre es muy bueno creando secuencias emocionantes o buenas escenas, pero a veces cuando se juntan todas no hacen demasiado sentido. Es por eso que Misión Imposible III, aunque severamente subvalorada (la sola presencia de Philip Seymor Hoffman la hace genial, ciertamente mejor que la II), a veces se vuelve un pasticho. Pero para mí, la gran ventaja de Abrams es que el hombre tiene una imaginación sin límites y una conexión con los fanáticos que no quiere decir que haría cualquier cosa por complacernos (los, complacerlos, perdón): sabe lo que nos gusta (les gusta), pero también lo que nos hace bien (ah carrizo, está bien pues, soy un fanático). Es por eso que sus películas, con la excepción de Star Trek, sin ser grandes éxitos han sido bien apreciadas tanto por críticos como fanáticos. Yo estoy feliz que el hombre trate de recoger los pedazos que George Lucas dejó de mi infancia.

Ahora 2015 se siente un poquito más lejos, si me preguntan. Sobre todo ahora que se confirmó que Zack Snyder NO está trabajando en una película de los Jedi basada en Los Siete Samurai. ¿Bu? Eso sí, que empiecen los chalequeos sobre brillo en los lentes y esas vainas.

 

 

The Flare is strong with this one.

— Elijah Wood (@woodelijah) January 24, 2013

In Memoriam: Tony Scott (1944-2012) (ACTUALIZADA)

Nada como una mala noticia para empezar un lunes. El domingo a las 12:30 del mediodía, varias personas reportaron ver a un hombre estacionar su carro cerca del puente Vincent Thomas, entre las islas de San Pedro y Terminal en Los Ángeles, subir una reja del lado sur y, en palabras del departamento forense y la policía portuaria, saltar “sin titubeo”.

A las 4:30 de la mañana de hoy, la policía recuperó el cadáver del hombre, y es con tristeza que digo que fue identificado como Tony Scott, el hermano menor del también director Ridley Scott y creador de algunas de las más influyentes películas de mi juventud. Esta noticia me pegó con una fuerza inesperada, precisamente por eso.

Ridley ya es prácticamente una leyenda gracias a Blade Runner y Alien y Gladiador, pero Tony tiene su sitio como el que hacía unas increíbles películas de acción  de calidad; casi todas sus películas eran como intensos videos musicales llenos de mucha tensión y emoción. Ver la filmografía de Tony Scott es un mapa de lo que hizo grande el cine de acción de los 80 y 90, en especial gracias a Top Gun, que quizá es responsable de la mayor cantidad de alistamientos en la Fuerza Aérea que cualquier comercial de reclutamiento. (Un comentario que veo en Slashfilm sobre la noticia: “Soy un aviador de la Marina y nos metemos con Top Gun más que con cualquier otra cosa, pero mentiría si no es una de las fuerzas que me empujó a donde estoy ahora. QEPD Tony Scott”.) Y el hombre consiguió ese trabajo gracias en parte a este comercial de Saab, que impresionó a los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer.

Quizá no sorprenda, entonces, que el siguiente trabajo de Scott con Tom Cruise haya sido Days of Thunder, donde Cruise hace de un piloto de carreras. Top Gun fue seguida por la secuela a Beverly Hills Cop, quizá la última vez en que Brigitte Nielsen se veía buena. Luego de un par de baches que casi nadie recuerda (Revenge, con Kevin Costner y Madeleine Stowe, y The Last Boy Scout con Bruce Willis), Scott logró meterse en los rangos de directores de culto dirigiendo un guión de Quentin Tarantino llamado True Romance, una demencial exploración de la leyenda de Bonnie y Clyde con una brutal actuación de Gary Oldman.

La siguiente película de Scott daría inicio a una de las mejores colaboraciones del cine de acción entre un actor y director, pues fue en Crimson Tide que conoció a Denzel Washington, donde hizo del segundo al mando de un submarino nuclear comandado por Gene Hackman. La tensión que despide esta película se puede picar con una navaja de bolsillo, y fue otro éxito de taquilla. Primero Scott repetiría con Hackman en Enemy of the State, con Will Smith, y hasta trabajó con Robert redfords y Brad Pitt en Spy Game, pero fue cuando se juntó con Washington otra vez y lo convirtió en el tipo más arrecho de la cuadra en Man on Fire que la gente se acordó que este tipo era único. Washington ya tenía fama de buen actor gracias a su trabajo en Glory (que le valió un Oscar de reparto), pero su trabajo con Scott lo confirmó como un excelente actor de acción también. Los dos harían tres películas más juntos: Déja Vu, The Taking of Pelham 1-2-3 y Unstoppable. Aunque ninguna fue la cosa de leyendas que fue Man on Fire, todas dejaron una buena huella en taquilla, y les digo algo, Déja Vu demuestra más imaginación de la que muchos le dan crédito. De hecho, creo que la única película de Scott que puede considerarse un auténtico fracaso es The Fan, con Wesley Snipes y Robert De Niro; hasta su debut, The Hunger, con David Bowie y Catherine Deneuve, tiene algo de un culto.

Y aunque la mayoría lo ha olvidado, no podemos olvidar que este fue quien le dio a nuestro Edgar Ramírez su primera oportunidad en Hollywood, narrando la verdadera historia de una modelo convertida en cazarrecompensas llamada Domino Harvey. Héctor Torres empieza su libro Caracas Muerde (cómprenlo YA) contando cómo Édgar convenció a Tony de que interpretara a Choco, un compañero de Domino originalmente de Honduras, como un malandro caraqueño.

Como productor, tanto en cine como en televisión, Tony también contribuyó con proyectos de calidad, como las series Numb3rs y The Good Wife y las películas The A-Team y la última de su hermano, Prometheus. El hombre tenía al menos diez películas en diversas etapas de desarrollo, incluyendo una secuela para Top Gun y una posible adaptación al cine de la serie 24. Colaboraba muchísimo con su hermano Ridley en la productora que fundaron los dos, RSA Productions, y estaban trabajando en una película llamada Killing Lincoln. De paso deja una esposa (la actriz Donna Scott) y dos hijos gemelos. Había una nota de suicidio en su oficina, pero quién sabe si el contenido se sabrá alguna vez; la familia obviamennte ha pedido privacidad. Lo que sí se sabe es que ahora hay un enorme hueco donde Tony Scott solía estar, y va a pasar mucho tiempo antes que se pueda llenar.

ACTUALIZACIÓN: De acuerdo con ABC News (que leo en Screen Rant), Tony Scott había sido diagnosticado con cáncer en el cerebro inoperable. ¿Será esta la razón por la que se suicidó?

“Yo siempre he sido más clásico, él siempre ha sido más rock and roll”.

Ridley Scott sobre su hermano Tony.

Joe Carnahan no dirigirá la nueva Daredevil... ¿pero ahora los derechos son de Marvel otra vez?

Nadie que no disfrute del cine de acción es ajeno al trabajo de “Smoking” Joe Carnahan, gracias a la demencial Smoking Aces, la excelente NARC, la decente versión de The A-Team y la extraordinaria The Grey QUE NO TERMINA DE ESTRENARSE EN ESTA VAINA. El tipo tiene un talento para mostrar acción con bastante cerebro o al menos para mostrarla divertida que hace que yo siempre esté pendiente de sus proyectos. Especialmente si es una película de superhéroes.

Hace unas semanas, los rumores de una nueva película de Daredevil comenzaron a florecer, y Carnahan fue el más reciente director que estaba por contar la nueva historia del Hombre Sin Miedo de Marvel, luego que la posibilidad de David Slade (Hard Candy, 30 Days Of Night) se cayera. Y muchos geeks levantamos la cabeza y dijimos “Coño, ojalá”. (Bueno yo al menos.) Pero…

20th Century Fox ya hizo en 2003 una película del personaje creado por (para variar) Stan Lee, junto con Bill Everett, en 1964. Para los que no saben, Daredevil es la identidad secreta de Matt Murdock, un abogado de una de las partes más pobres de Nueva York llamada Hell’s Kitchen, quien durante un accidente recibe material radioactivo en los ojos y pierde la vista, pero todos sus demás sentidos aumentaron vertiginosamente, que usa junto con su increíble agilidad y experticia en artes marciales para combatir el mal.

La película tiene la particularidad de ser donde los ahora esposos Ben Affleck (quien hizo de Matt Murdock) y Jennifer Garner (la asesina griega Elektra) se conocieron, y uno de los primeros papeles grandes de Colin Farrell (el temible Bullseye). No es que haya sido mala –de hecho creo que los actores pegan bien para los personajes, en particular Affleck y Garner, además de Michael Clarke Duncan como el archienemigo de Daredevil, Kingpin—, y en comparación a la derivada que salió, Elektra, es fucking brillante, pero para los estándares del cine de superhéroes actual está al nivel de Batman Forever (no tanto Batman & Robin).

Fox tenía hasta octubre (o al menos eso tenía entendido) para arrancar una nueva película sobre el personaje, o los derechos volvían a Marvel Studios. Se había rumorado que Marvel le daría una extensión a Fox si el estudio les cedía los derechos sobre Galactus, el supervillano más cercanamente asociado a los Cuatro Fantásticos y que hizo una terrible, TERRIBLE aparición en Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer en 2007 (otra que hace que Daredevil la película parezca Iron Man), pero esos rumores se cayeron.

Ahora el propio Carnahan dijo que su plan para el Hombre Sin Miedo también quedaron en el aire, por lo que leo en su cuenta de Twitter.

Creo que mi idea para cierto superhéroe retro, de traje rojo y al estilo de Serpico se difuminó hoy, chicos.

Carnahan luego twitteó que “el tiempo no estaba del lado de nadie”, y luego explicó mejor.

Gente. Para aclarar. La idea para DD fue tremenda y todo el mundo se emocionó por ella. El reloj se acabó para Fox, por eso quedó de espaldas y muerto.

De paso, Carnahan procedió a torturarnos diciendo que llega a 6.000 seguidores, mostrará lo que hizo para vender la idea. Síganlo en Twitter, háganme el favor. Vamos a llorar juntos.

Es una lástima, pero lo que muchos leen del tweet de Carnahan es que los derechos de Daredevil volvieron a Marvel, cosa que ya sucedió con Blade y The Punisher. Eso para cualquier fan deberíoa ser motivo de celebración, qué con lo que ya el estudio ha logrado con sus películas y lo que parece venir. No sólo eso, sino que Daredevil, a pesar de que carece de la fama del Hombre Araña, el Capitán América o Iron Man, ha tenido algunas de las mejores historias en el mundo del cómic, la más clásica de la mano del famoso Frank Miller (creador de Sin City y 300, además del padre de The Dark Knight Returns) en los 80. El director Kevin Smith (Mallrats, Clerks, Dogma) también escribió una genial historia (que yo tengo la suerte de poseer) en 1998 que mezcla todas las facetas del personaje de manera genial.

Así que sí, es chimbo que Joe Carnahan no vaya a dirigir Daredevil por ahora (y ya con esta serían dos las películas de Carnahan que lamento no se den). Pero si en efecto los derechos volvieron a Marvel, el personaje puede que finalmente reciba el tratamiento que se merece.

ACTUALIZACIÓN: Mientras escribía, Carnahan en efecto alcanzó los 6.000 seguidores en Twitter, y fiel a su promesa, subió los dos videos. (Ah sí, no hizo uno, hizo dos.) Lloremos pues. Carnahan tuvo la idea de ambientarla en los 70; con razón la referencia a Serpico. ¿Qué opinan? ¿Cuál versión les gusta más?

Joe Carnahan’s Daredevil Sizzle Reel (NC-17)

Joe Carnahan’s Daredevil Sizzle Reel (PG-13)

In Memoriam: Norah Ephron (1941-2012)

En un mundo en donde el machismo aún es vergonzosamente presente y las feministas tienen una tendencia a ser casi igual de déspotas, uno debe estar agradecido por mujeres como Nora Ephron. En 1996, mientras aún se dedicaba al periodismo y a la escritura, Ephron dirigió estas palabras de sabiduría a los graduados de Wellesley, su alma mater, donde seis estudiantes fueron expulsadas por lesbianismo:

(En ese entonces) no debíamos tener futuros, debíamos casarnos con ellos. NO debíamos tener políticas, o carreras que importaran, o vidas; debían casarnos con ellas. Si querías ser un arquitecto, te casabas con un arquitecto.

Eso es parte del extracto que la periodista Alex Leo de The Atlantic publica hoy recordando a Ephron, quien lamentablemente murió anoche víctima de leucemia mieloide aguda, a los 71 años. Hollywood pierde así una de sus más queridas y cómicas guionistas y directoras. Leo la llamó “la feminista más graciosa”.

Muy en contraste con la época en que se graduó, Ephron sería una exitosa guionista, directora, ensayista, periodista, novelista, dramaturga y hasta bloguera, carreras que muchas veces manejó simultáneamente, siempre con un agudo sentido del humor y una igualmente aguda crítica, que muchas veces incluso apuntaba a ella misma (un ensayo de su época en Esquire, a finales de los ‘60, se refería al tamaño de sus pechos). Leo recuerda que siempre que le pedía su opinión sobre algo que él escribiera, Ephron le pedía que lo hiciera “más gracioso”, así no tuviera esa intención, y “más honesto”.

En 1976, Ephron estaba casada con el legendario periodista Carl Bernstein, del Washington Post, quien junto con su compañero de Watergate, Bob Woodward, quería modificar el guión de William Goldman de la película basada en el escándalo de Nixon que destaparon, All The President’s Men, y le pidió a su esposa ayuda para reescribirlo. Al final no usaron su versión, pero le sirvió de aprendizaje.

Su primer guión que sí fue usado fue en 1983, para la película Silkwood, escrito con su amiga Alice Arlen, sobre la vida y misteriosa muerte de Karen Silkwood, y fue protagonizada por quien luego sería frecuente colaboradora de Ephron: Meryl Streep. Mike Nichols, director de la película, quedó gratamente impresionado con el guión, que hizo que saliera de una pausa creativa de siete años.

Tres años después, Ephron entregaba otro guión a Nichols para que lo dirigiera, esta vez la adaptación de su novela Heartburn, inspirada en su rudo divorcio con Bernstein luego que lo descubriera engañándola. Esa versión también tenía a Streep, esta vez haciendo de una versión de Ephron, y nada menos que a Jack Nicholson en el rol masculino.

Cuando Ephron sí se destacó –y de hecho cimentó su fama de “la reina de las comedias románticas”—fue con su guión para la genial When Harry Met Sally, la comedia de 1989 dirigida por Rob Reiner que hizo de Billy Crystal y Meg Ryan estrellas y el orgasmo fingido un arte. Nichols luego la animó a que tratara de dirigir ella misma, y se destacó por mucho tiempo en tratar de mostrar mujeres que buscan su destino a pesar de una sociedad que les dice que no, a la vez que nos hace reír de lo lindo.

Volvería a trabajar con Ryan junto a Tom Hanks en Sleepless in Seattle en 1993, y con ambos en una versión de The Shop Around The Corner (1940) de Ernst Lubitch, You’ve Got Mail, en 1998. Su último éxito fue Julie & Julia de 2009, donde otra vez trabajó con Streep, esta vez dirigiéndola además de escribiéndole los diálogos. Esos fueron grandes éxitos (y recibió tres nominaciones al Oscar como mejor Guión por Silkwood, When Harry…  y Sleepless…), pero Ephron también tuvo grandes fracasos, como fueron Lucky Numbers (2000) con John Travolta y Lisa Kudrow, y la extraña versión de Hechizada con Nicole Kidman y Will Ferrell.

Además del cine , Ephron nunca dejó de escribir en todos lados: tiene dos obras de teatro, dos colecciones de ensayos y contribuyendo en The Huffington Post (pueden leer su viaje a Las Vegas aquí y la despedida de Arianna Huffington aquí ). Ephron fue mucho más que la reina del “chick-flick”; fue una valiosa contribuyente al debate por la igualdad de las mujeres, sin mencionar que era siempre una mujer inteligente, divertida y talentosa. Hollywood tiene otro enorme hueco ahora que se fue. Que descanse en paz.

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Una de las razones para bloguear era empezar la conversación y crear la comunidad que se une brevemente para hablar de cosas de las que podrían no estar hablando si no hubieras escrito tu blog.

-Nora Ephron, The Huffington Post Complete Guide to Blogging

Es oficial: Ridley Scott prepara una secuela para Blade Runner [ACTUALIZADA] (y un regalito)

Hay películas que nunca deberán ser teñidas con el vil tinte de un remake. Casablanca nunca debió serlo, pero se hizo en los 80 con terrible fracaso. Citizen Kane—¿quién se atrevería? La Naranja Mecánica, El Resplandor… Pero para secuelas… digo, ¿a quién no le encantaría ver cómo están los chicos de The Breakfast Club veinte años después? Ahora que mencioné El Resplandor, ¿saben que Stephen King está escribiendo un libro secuela? Una secuela, aunque a veces nadie la pide, otras veces parece ser requisito, o al menos no es una terrible idea. Simplemente porque sientes que ese mundo te puede ofrecer mucho más.

Bueno, no sé si uno de esos mundos era el de Rick Deckard, pero Ridley Scott está preparando una secuela para una de las habitantes del Valhalla de la ciencia ficción: Blade Runner. De modo que el veterano inglés no sólo vuelve al género que lo definió con la anticipadísima Prometheus, sino que va a volver con la más discutida, filosófica e intrigante película del género desde 2001: Odisea al Espacio.

Eso sí, tampoco es que ya es un hecho. En una entrevista con The Daily Beast, Scott sólo toca los detalles de la secuela al final:

Casualmente, empecé mis primeras reuniones para la secuela de Blade Runner la semana pasada. Tenemos una muy buena idea para ella. Y definitivamente tendremos una protagonista femenina.

O sea que la cosa apenas empieza. Pero esto sin duda emocionará a más de uno. ¿Habrán más replicantes? ¿Deckard (el personaje de Harrison Ford) será (potencial spoiler –resalta sólo si has visto la película) confirmado como un replicante él mismo? ¿Qué más puede haber para explorar en ese mundo? Supongo que lo sabremos en unos cinco años más o menos.

[ACTUALIZACIÓN: La casa productora de la original publicó un comunciado de prensa que traigo via Screen Rant con más detalles de la secuela, que será escrita por su guionista original.

Hampton Fancher está en conversaciones para reunirse con su director de Blade Runner Ridley Scott para desarrollar la idea para el guión original para la continuación producida por Alcon Entertainment, Scott Free y Bud Yorkin al clásico innovador de 1982, según anunciaron los cofundadores y copresidentes de Alcon Broderick Johnson y Andrew Kosove.

Los cineastas también revelaron por primera vez que el muy anticipado proyecto pretende ser una secuela a la celebrada original. Los cineastas sólo revelaron que la nueva historia tendrá lugar algunos años después que la primera película concluyó.

El tres veces nominado al Oscar Scott y su colaborador en Blade Runner Fancher originalmente concibieron su clásico de 1982 como la primera en una serie de películas que ioncorporarían los temas y los personajes de la innovadora novela de Philip K. Dick Do Androids Dream of Electric Sheep?, de la cual se adaptó Blade Runner. Las circunstancias, sin embarho, llevaron a Scott a otras direcciones y el proyecto nunca avanzó.]

Scott también tocó la conexión que Prometheus tiene con la otra película de ciencia ficción que lo hizo famoso, que es, por supuesto, Alien. ¿Es una precuela o no?

Para Prometheus, regresé a una pregunta muy sencilla que tenía en la cabeza que aparece en la primera Alien, y nadie contestó en las películas subsecuentes de Alien: ¿quién era el Jinete Espacial –el tipo grandote en el asiento? Si de verdad te metáis en eso, se volvía la base para una historia bastante interesante. Cuando fui al estudio, no sabíamos si era una secuela o una precuela.

El veterano de 35 años de carrera también habló de su atracción por la protagonista femenina ruda (y vaya que ha tenido unas cuantas: además de Ripley, piensen en Thelma & Louise, G.I. Jane, Clarice Starling en Hannibal… Hasta podríamos incluir a Connie Nielsen en Gladiador o Cate Blanchett en Robin Hood. Ciertamente a Noomi Rapace en Prometheus) y algunos de sus futuros proyectos, que incluyen una biografía de Gertrude Bell protagonizada por la madre de todas las protagonistas rudas, Angelina Jolie, y The Counselor, basada en un guión de Cormac McCarthy (autor de No Country for Old Men) y protagonizada por otra estrella de Prometheus, Michael Fassbender (esta está por empezar a rodarse).


Y por último, les tengo un regalito más. Si me siguen en Tumblr, ya lo habrán visto, pero si no, en enero publiqué esta maravilla que encontré en Open Culture (un blog que, si les gusta la cultura y el conocimiento en general, necesitan seguir). Traduzco de allí:

Coincidiendo con el estreno de Blade Runner en 1982, David Scroggy publicó el Blade Runner Sketchbook, un libro con más de 100 dibujos de producción y arte para la clásica película de ciencia ficción de Ridley Scott. El libro tiene trabajo visual por el propio Scott, el artista Mentor Huebner y el diseñador de vestuario Charles Knode, pero más notablemente, un montón de dibujos por el artista, futurista e ilustrador Syd Mead.

El libro ha estado agotado durante años, y si hacen clic en el enlace arriba verán que una copia buena encontrada por Amazon puede costar 125 dólares, y una coleccionable más de 300. Pero alguien subió el libro entero a Issuu, y lo pueden leer en toda su gloria. O hacen clic abajo y lo leen en pantalla completa.

Open publication - Free publishing - More blade runner

El productor de la nueva Oldboy promete causarte un trauma permanente con el nuevo final

Un grupo de blogueros y periodistas estadounidenses se sentaron con Roy Lee, el productor de la venidera 7500, en el set de esa película, incluyendo a la gente de Collider (lo leo en Screen Rant) y le sacaron información de otro film que lo tiene ocupado, como es la nueva versión de Oldboy, dirigida por Spike Lee. Digamos que el hombre hizo su trabajo de emocionar a la gente respecto a ella –al punto que si de verdad cumple, va a haber gente suicidándose en las calles después de la película, convencidos que la vida es una mierda y nada vale la pena.

Joda aparte, Lee (que como verán en las fotos no es familia de Spike) ya ha producido varios remakes de manera exitosa, en especial de cine asiático: tiene en su haber las versiones estadounidenses de The Ring, The Grudge e Infernal Affairs (esta última como la oscarizada The Departed, de Martin Scorsese), o sea que el hombre sabe qué buscar. En el caso de Oldboy –quizá uno de los remakes más rechazados de todos-- dijo que la pre-producción empieza en enero de 2012 (o sea ya) y las cámaras empiezan a rodar dos meses después. Así describió la narrativa de la nueva película (con guión del mismo de Thor y Soy Leyenda, Mark Protosevich), según cita Screen Rant:

Es muy similar [a la original de Park Chan-wook) pero hemos añadido nuevos elementos. O, Mark Protosevich ha inventado nuevos elementos para ella que desconcertarán a la audiencia porque hay nuevos personajes y nuevas situaciones que se presentan a sí mismos en una forma que cambia la historia pero eventualmente van en la misma dirección.

Ay coño. “Nuevos personajes”. “Nuevas situaciones”. “Desconcertarán a la audiencia”. Ya estas son palabras que inquieta a fanáticos (incluyéndome). Pero claro, si la historia se está mudando a los Estados Unidos (supongo que la Nueva York que Spike Lee tanto ama) es de esperarse, ¿no?

De paso, Lee el productor dice que hay una nueva versión de la más famosa escena de la película (y no me refiero a la de los pulpos) “en una forma que nunca se ha visto en una película de acción”. (Ojo: ver esa escena podría ser considerado un ligero spoiler para algunos.) Y bueno, sí hay que admitir que Lee el director se sabe poner creativo con las cámaras: sino miren el video que Screen Rant enlaza de una escena de Inside Man.

La cita que de verdad me llamó la atención es respecto al final, que cuando hablamos de Oldboy tiene que ser uno de los mayores shocks en la historia del cine. Yo ni soñaría en contarles lo que es, pero demuestra que tanto Park Chang-wook es un genio enfermizo, retorcido y brillante, sin duda alguna. (Las negritas son mías.)

[El nuevo final] será que todo el público estará… especialmente los fanáticos de la primera estarán muy felices. De hecho, algunos podrían considerarlo un poco más oscuro.

Un poco más oscuro. Que el final de la original. Uno de los más retorcidos y angustiantes (y geniales) finales de todos. ¿Y lo van a hacer más oscuro? Mier…

Honestamente eso me suena a hipérbole, pero no hay forma de saberlo sin verla antes, ¿no? Manquesea, yo estoy bien intrigado. Spike Lee será una ladilla con su eterno bla bla bla sobre racismo y tal (en especial todo ese asunto con Clint Eastwood), pero como dije antes, el tipo tiene un talento que a veces sus visiones radicales ocultan un verdadero talento como cineasta. Añadan a eso que el papel que Choi Min-sik hizo legendario será tomado por el muy versátil Josh Brolin en esta nueva versión, y el papel del villano ofrecido tanto a Christian Bale (quien lo rechazó) como a Colin Firth (que todavía está en discusiones), es muy posible que esta siga el camino de The Departed como una nueva versión que puede pararse en sus dos pies ella sola en vez de ser comparada con la original.

O es una mierda y esta gente me hizo perder mi tiempo. Ya veremos.

Django Unchained lista para arrancar

 

Cualquier vaina que tenga las palabras “Quentin Tarantino” pegadas a ella será motivo de interés para mí, porque el tipo siempre estará en esa fina línea de apreciación artística, absoluta rebeldía y aceptación comercial sin meterse de lleno en uno u otro lado. El último proyecto del hombre, un “western espagueti freído en el Sur”, como lo están describiendo, no sólo tiene una interesante premisa, sino que tiene uno de los elencos más de lujo que se pueda uno imaginar.

La película sigue el camino de Django, un esclavo liberado (Jamie Foxx, en un papel originalmente rumorado para Will Smith) que se une a un cazar recompensas alemán (Christoph Waltz) para rescatar a su esposa de un brutal dueño de plantación llamado Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) en cuya propiedad los esclavos son puestos a pelear hasta la muerte en peleas de gallo y las esclavas son sodomizadas consistentemente. Ante este panorama Django además deberá lidiar con el hábil esclavo de la casa, interpretado por el genial Samuel L. Jackson.

Ese elenco ya de por sí es una vaina del más allá, como ya había reportado antes, pero ahora que está completo es absolutamente del más allá. Originalmente, Kevin Costner iba a estar en la película como Ace Woody, la mano derecha de Candie que pone a los esclavos a pelear, pero por conflictos de trabajo debió retirarse –y su lugar lo ocupó Kurt Russell, quien ya había actuado bajo las órdenes de Tarantino en la segunda mitad de Grindhouse llamada Death Proof (la otra era Planet Terror y fue dirigida por Robert Rodríguez). Luego vino Don Johnson, quien fue una de las grandes estrellas de los 80 gracias a Miami VIce y tuvo una especie de retorno en los 90 con Nash Bridges, sin mencionar una actuación destacada aunque breve en Machete el año pasado. Johnson hará de otro dueño de plantación que lleva un cortejo de hermosas esclavas jóvenes que él llama “ponis”. Todo un encanto…

Ahora me llega por Slashfilm que el importante papel de Broomhilda, la esposa de Django, ya tiene rostro, y es uno bellísimo: Kerry Washington. La actriz ya había compartido con Foxx cuando hizo de la esposa de Ray Charles en el biopic Ray, y ha hecho bastante trabajo bien consistente tanto en cine como en televisión, y considerando que el sufrimiento de Broomhilda es el desencadenante para toda la aventura, tiene una enorme responsabilidad en sus manos.

El único que no ha sido confirmado –aunque a estas alturas debería ser un hecho—es Joseph Gordon-Levitt, un actor que en cada cosa que sale se está luciendo cada vez más, en particular desde Inception y ahora con la “comedia del cáncer” 50/50. Aún no está confirmado qué papel va a interpretar, pero todo apunta a que será el primer comprador de Broomhilda.

Es oficial: yo quiero ver esta película y la quiero ver ahora. Empieza a filmarse a principios del año que viene y debería estrenarse en diciembre. Llega ya.

Corto pero Grueso: Plot Device (2011)

Su amistoso blog de cine abre un espacio para el género que más se ha visto beneficiado por Internet: el cortometraje. Si tienen un corto que quieran destacar por este lado, háganmelo saber.


Pocas cosas como expresar las maravillas de hacer cine como hacer una película sobre hacer cine. En el cortometraje Plot Device, un joven cineasta recibe un paquete de Amazon que, cual cajita de Pandora, deja libre todo el poder del cine en su patio delantero. No sé si es un corto o un comercial para Magic Bullet, pero ciertamente es impresionante.


Plot Device from Red Giant on Vimeo.

Aquí tienen el detrás de escena, de paso.


Red Giant TV Episode #57: Behind the Scenes of Plot Device from Red Giant on Vimeo.

Plasma de Miércoles E83: Looking for Richard (1996)

Vamos a ponernos “meta” por un segundo, pues vamos a ver una película sobre hacer una película que además es una película por derecho propio. ¿Vale?

En 1992, Al Pacino tuvo la idea de hacer una investigación sobre el papel que William Shakespeare aún tiene sobre la sociedad hoy en día y por qué a muchos actores estadounidenses se le hace difícil interpretar al Bardo, a diferencia de sus colegas ingleses. Así que agarró una cámara y a su amigo Frederic Kimball y decidió hacer un documental al respecto, a la vez que montó su propia versión de Ricardo III, la más compleja de las obras shakespearianas (pueden descargarla aquí si lo desean), con algunos de sus amigos actores, como son Alec Baldwin, Kevin Spacey, Winona Ryder y Aidan Quinn. El resultado terminó siendo una fascinante mirada, no sólo al papel de Shakespeare en el mundo actual, sino a todo el proceso de crear, ensayar y mostrar una obra visual, sea de teatro o de cine, además que la película resultante es bastante notable por su cuenta.

Tengan en cuenta esto: hasta la fecha Shakespeare ha “escrito” los guiones de más películas que ningún autor viviente, pero yo conozco a poca gente que haya ido a ver sus obras (yo he visto una versión de Macbeth. ¿De verdad se puede decir que el hombre aún tiene efecto sobre la sociedad cultural en la actualidad? Con tanta gente con sus límites de atención tan cortos, ¿están de verdad preparados para escuchar la complejidad de los diálogos del Brado, diálogos que hacen a Aaron Sorkin parecer secretaria de ministerio?

Todas son preguntas que Pacino responde y se nota que es una pasión suya, pues se le ve dinámico, alegre y apasionado (sí, aún más que cuando está actuando). Sus reflexiones sobre Shakespeare demuestran en el eléctrico actor un sentido de reverencia y respeto, y es con la misma que Pacino se mete en la piel del personaje central de la obra. El contraste entre ambos es patente pero tiene una intensidad tan característica de Pacino que añoro los días en que el hombre no parecía estar permanentemente aburrido con todo. Díganme que no sienten lo mismo cuando Ricardo, ya casi derrotado, exclama: “¡Mi caballo! ¡Mi caballo! ¡Mi reino por un caballo!”

Si ustedes están interesados en el teatro o quieren meterse en el cine, creo que Looking for Richard es un documental casi obligatorio, que les inspirará de maneras insospechadas. (¿De cuándo a acá yo he querido leer Shakespeare?) Y pacino es, sin duda, un tipo sorprendentemente afable, amistoso y bueno para reír. ¿Será que ve esto y piensa, “Coño, sí he cambiado”…


Trailer provided by Video Detective

NOTAS CURIOSAS

• Al Pacino se tomó cuatro años en hacer esta película, durante y alrededor de sus proyectos, algo que es inevitable adivinar, pues su barba aparece y desaparece con el tiempo.
• Pacino reclutó a Baldwin y a Spacey después que trabajaron juntos en Glengarry Glenn Ross.
• Tomó seis editores armar la película, luego de casi 80 horas de pietaje.
• Pacino quería hacer una adaptación directa de Ricardo III, pero descubrió que no podría superar la versión de 1955 con Sir Laurence Olivier.

Tres al Cubo: Tres directores en la mira de I.Sat

Si ha habido algún momento en prestarle atención al canal I.Sat aunque eso es siempre, por lo que veo), es este fin de semana con su ciclo “Tres al Cubo”, donde presentarán tres películas de tres directores bien distinguidos del cine independiente: Wong Kar Wa, Tim Burton y los hermanos Ethan y Joel Coen. Burton se ha venido a menos de un tiempo para acá, no conozco bien la filmografía de Wong y yo seguiría a los Coen a donde sea, pero igual procedo a llorar al rincón, pues todas (con una excepción) son películas que quisiera o revisitar o descubrir... y Supercable no tiene I.Sat. Aquí tienen la nota de prensa con enlaces a mis reseñas.

Tal y como dice el dicho “no hay dos sin tres”, por eso, I.Sat ha preparado un especial que irá del viernes 24 al domingo 26 de junio a partir de la 1.30p.m., con tres películas cada día, dirigidas por igual número de afamados realizadores.

El ciclo comienza el viernes 24 a la 1.30 con Wong Kar Wai dirigiendo su ópera prima As Tears Go By (El fluir de las lágrimas) (1988), con dos hermanos envueltos en la mafia china; seguida a las 3.30  p.m. por Con ánimo de amar (In the Mood for Love) (2000), o la historia de un amor imposible. Finalizaremos a las 5.30 p.m. con My Blueberry Nights (2007), en la que una joven interpretada por la reconocida pianista Norah Jones realiza una serie de viajes después de una dolorosa ruptura.

El sábado 25 será el turno de los hermanos Joel y Ethan Coen, iniciando la tripleta a la 1.30 p.m con su celebrada ópera prima Blood Simple (Simplemente Sangre) (1983), donde un hombre decide vengarse del engaño de su esposa con su empleado. Luego, a las 3.30 p.m. un vago es confundido con un millonario en la mejor comedia de estos controversiales hermanos: The Big Lebowski (El gran Lebowski) (1998), célebre por sus diálogos y su ecléctica música. Para cerrar ese día, a las 17.30 (ARG / MEX) llega The Man Who Wasn’t There (El hombre que nunca estuvo) (2001), atractiva historia en la que el barbero de un pueblo tiene la oportunidad de cambiar su rutinaria vida.

Tres al Cubo llega a su final el domingo 26 a la 1.30 p.m. con su homenaje a Tim Burton y su excepcional Beetlejuice (1988), en la que un matrimonio de fantasmas le pide a un profesional del espanto que ahuyente a los nuevos propietarios de su casa. Más tarde, a las 3.30 p.m., la controversial Mars Attacks! (Marcianos al Ataque) (1996) llega llena de ironía con su parodia al sub-género de invasiones extraterrestres. Y para el final, a las 5.30 p.m. queda Ed Wood (1994), en la que Johnny Depp encarna cándidamente a quien fuera considerado “el peor director de cine de la historia”.

Botaste la bola: artistas que perdieron su segunda oportunidad

En Hollywood, las segundas oportunidades son escasas, por decir lo menos. Suficientes películas malas, y terminarás hundido en el olvido, pero de verdad en el olvido, como le pasó a la pobre Yvette Vickers. La antigua conejita Playboy y protagonista de La Mujer de 50 Pies fue encontrada a finales de abril, no sólo muerta, sino momificada en su casa. O como Orson Welles, quien luego de haber creado la que se considera la mejor película de la historia, terminó su carrera como un robot gigante comeplanetas. Todo es saber cómo aprovechar las oportunidades que se le da, como ya es famoso Robert Downey Jr. de haber hecho. Estos actores –y un director—no las han sabido aprovechar, y quién sabe si tendrán chance de hacerlo otra vez. Recen por su alma, hermanos.

Nicholas Cage

El hijo de un profesor de literatura comparativa llamado August Coppola, quien daba la casualidad que era hermano del director Francis Ford Coppola, Cage decidió cambiarse el apellido desde temprano para que no fuera la razón de su éxito. Y funcionó bien; durante los años 80, Cage usó su elástico rostro y expresivos ojos para sacar una y otra vez papeles memorables que iban desde lo más desubicado y extraño (Raising Arizona, Moonstruck) hasta completa locura (Vampire’s Kiss, con nuestra María Conchita Alonso). Su impresionante rol como un autor alcohólico en Leaving Las Vegas, donde considero que sangraba angustiay depresión, es una de las grandes actuaciones de todos los tiempos. A juro se ganó el Oscar en 1995. Después de eso empezó a ganar noción como actor de acción, sorprendiendo a todos como todo un tipo rudo en películas como Con Air, Face/Off y The Rock. Sus siguientes películas no tuvieron mucho éxito, a pesar de que incluyeron trabajos con Brian DePalma (Snake Eyes) y Martin Scorcese (Bring Out The Dead), pero para demostrar que aún lo tenía decidió meterse en el raro universo de Charlie Kauffman y tomó un doble rol en la maravillosamente rara Adaptation. Esa segunda oportunidad le valió otra nominación al Oscar y que la gente lo volviera a ver como un actor serio.¿Y después qué hizo? Matchstick Men. Bangkok Dangerous. National Treasure. Ghost Rider. Next. G-Force. Knowing. Astroboy The Wicker Man, por Dios. “How’D it get burned?!”

En serio.

 

También hizo Kick-Ass y Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, que hicieron bien con la crítica, pero también El Aprendiz de Brujo, Season of the Witch y Drive Angry. Todas, hasta las que se dicen son buenas, fracasos. La única razón por la que lo pongo de último en la lista es porque mientras sus películas grandes se vuelven cada vez peor (aún cuando la primera National treasure fue hasta divertida y un éxito) de vez en cuando saca algo como Bad Lieutenant que lo redime con las masas. Claro aún faltan la secuela de Ghost Rider, una animada llamada The Croods, un thriller con Nicole Kidman llamado Trespass y su reunión con el director de Con Air Simon West llamada The Medallion. Quién sabe…

John Travolta

En los 70, Travolta era el rey. Rey de la promoción en Carrie; rey de la pista de baile en Fiebre del Sábado por la Noche; rey de la clase en la comedia televisiva Welcome Back Kotter y rey del colegio en Grease. Sus enormes ojos azules y su permanente cara y voz de niño lo hacían casi irresistible como protagonista, ya fuera de dramas como Blow Out o comedias como toda la serie de Mira Quién Habla. Sí, eso puede que haya sido el principio del fin… hasta que Quentin Tarantino vio algo en él y lo contrató para uno de los protagónicos en Pulp Fiction. Vincent Vega llevó a Travolta de vuelta al trono, con una nominación al Oscar y todo. Después de eso, se metió en la piel del tipo duro Chili Palmer en Get Shorty y aún más gente lo quiso. Y luego se atrevió a ser el tipo malo en dos películas de John Woo, Broken Arrow (ningún exitazo, pero él lo hizo muy bien) y Face/Off, con quien inauguró esta lista, Nicolas Cage. Hasta su papel como un político muy parecido a Bill Clinton en Primary Colors se ganó un par de aplausos.

Pero después de eso, lo único que se ha ganado Travolta son miradas incrédulas. La Delgada Línea Roja estuvo bien, como corresponde a películas de Terrence Malick, pero él no estuvo lo suficiente. Un par de thrillers sin importancia precedieron a una de las peores películas de la historia Battlefield: Earth, que Travolta insistió en hacer por estar basada en una novela del fundador de la Cienciología, a la que él pertenece. Swordfish fue un fracaso, al igual que la primera The Punisher; la secuela de Get Shorty, Be Cool, dio pena, nadie entiende qué lo llevó a convertirse en una gorda para la versión fílmica de Hairspray, y John, raparte el pelo y crecer un candado no te van a hacer parecer más malote, como trataste en el remake The Taking of Pelham 1-2-3 y From Paris With Love, y menos después que hiciste algo como Wild Hogs, o prestaste tu voz para Bolt. Vamos a ver si su interpretación como el mafioso John Gotti en Gotti: Three Generations de Barry Levinson lo puede salvar, porque sólo falta que se decida a rehacer Saturday Night Fever.

Cuba Gooding, Jr.

A diferencia de sus predecesores en esta lista, el hijo del cantante del grupo de R&B The Main Ingredient tiene algo que no se puede comprar: es muy difícil de no querer. Cage se pone es a veces demasiado, y Travolta puede ser fastidioso bien rápido. Pero Cuba se ve normalmente como un tipo buena gente o creíble, un notable actor que se destacó al principio de su carrera como el tipo rudo pero de buen corazón. Su debut en el drama urbano Boyz n The Hood le partió el alma a muchos. Después de protagonizar el poco vosto drama de boxeo Gladiator (no confundir con la película de Russell Crowe), tuvo pequeños papeles en A Few Good Men  y Blown Away antes de tener un extraño rol junto a Paul “Cocodrilo Dundee” Hogan llamada Lightning Jack. LUego de eso otro par de papeles sin importancia, hasta que le robó la película a Tom Cruise haciendo de un entusiasta jugador de fútbol profesional en Jerry Maguire. El rol no sólo le dio al mundo la frase “Show me the money!”, sino que se ganó el Oscar como mejor actor de reparto en 1997 (¿empiezan a ver un patrón?) y nos dio el mejor discurso de aceptación de la historia.

Cuba Gooding Jr. acepta el Oscar por “Jerry Maguire”

 

El cielo se le abrió a Cuba. (Ojalá.) Protagonizó junto a Anthony Hopkins el thriller Instinct, tuvo otro pequeño papel en As Good As It Gets junto a Jack Nicholson, y estuvo salvando al mundo con Dustin Hoffman en Outbreak. Su retrato como el primer buzo negro en la Armada de los EEUU Carl Brashear en Men of Honor no inspiró mucho, pero no dejó de ser una buena película y le dio el chance de actuar junto a Robert de Niro.

Y luego… Radio.

“Radio”. Oy…

 

Total, quieres volver a ganar un Oscar, haz de alguien con una discapacidad mental. Mira al propio Hoffman en Rain Man. Sean Penn en I Am Sam. ¿Por qué no? En las palabras de Robert Downey Jr. en Tropic Thunder, se fue “full retard”. La película fue básicamente un desastre. Pero Gooding no se detuvo ahí, e hizo comedias bizarrísimas como Rat Race, Snow Dogs y Boat Trip. E ignoró la regla primordial: si una película parece ser tan mala que ni Eddie Murphy quiere actuar en su secuela, ¿para qué vas a aceptar? (Y sí, me refiero a Daddy Day Care.) Tuvo un breve papel –o más bien, le tiraron un hueso para que estuviera—en American Gangster, pero desde entonces el hombre ha dominado las directo a DVD. Y lamentablemente, parece que ahí se va a quedar. hay una razón por la cual este pana comparte con Cage lugar tanto en esta lista como en “¡Un Salvavidas!”

Oliver Stone

¿Ah es que creen que todo es culpa de los actores? Oh no. Pensar que este pana era uno de los más respetados y admirados y sin duda talentosos directores de Hollywood es, hoy en día, asombroso. Su experiencia en Vietnam le dio una nueva visión del mundo que lo rodeaba, llevándolo a criticar muchísimo el papel del gobierno estadounidense en la vida de sus ciudadanos. Eso lo llevó a hacer una trilogía sobre la guerra que trató sobre los soldados (Platoon), los veteranos (Nacido el 4 de Julio) y su relación cpon el país (Heaven and Earth, la única que no tuvo éxito). Luego vinieron críticas a los medios (Asesinos por Naturaleza, escrita por Quentin Tarantino, por si fuera poco) y el sistema capitalista (Wall Street). Logró crear nuevas preguntas sobre el asesinato de Joh n Kennedy en JFK, y presentó la era de los 60 y 70 en toda su crudeza a la vez que mostró a uno de los mejores grupos de la época en The Doors. Gracias a ese cuerpo de trabajo, el hombre se ha ganado dos Oscar como director (Platoon  y 4 de Julio) y uno como guionista (Midnight Express, en 1978). Sus películas han tenido una característica que rara vez se consiguen hoy en día: generan discusión.

Pero a diferencia de los actores de la lista, no puedo definir el exacto momento en que Stone decidió mandar todo su prestigio al carajo. ¿Fue con su sobreinflada manera de contar la historia de Alejandro Magno en Alexander? ¿Fue con su intento de que el rayo cayera dos veces en Nixon? Any Given Sunday y World Trade Center fueron bastante buenas. Pero de repente, ya el hombre se fue de izquierdoso, e hizo dos documentales que se ven más como una aspiración al Tarzán de oro: Comandante, sobre Fidel Castro, y South of the Border, sobre Hugo Chávez. Miren, no es que diga que no se debe apoyar a esos dos; digo que se deben hacer documentales equilibrados, que muestren todos los aspectos de un personaje. De paso, W, sobre el recién salido George W. Bush, salió demasiado pronto y fue destrozada; Wall Street 2: Money Never Sleeps, luego de tanta fanfarria y expectativa, resultó el gran fracaso crítico y de taquilla. Como será que su página de IMDB no muestra ningún trabajo actual. “Alerta, alerta, alerta que camina…”

Mira Sorvino

Me da un poquito de pena incluir a Mira Sorvino en la lista, la única mujer que está aquí, Más aún, mírenla: es hermosísima, tiene un aire de dulzura único, y creo que nadie puede discutirme que, cuando se le ha dado un papel correcto, lo ha hecho bien. Es la hija del veterano actor de carácter Paul Sorvino, famoso por su papel de jefe mafioso en Goodfellas, quien la trató de disaudir que entrara al negocio de la actuación porque sabía cómo trataba a las actrices jóvenes. Pero Mira era distinta: a pesar de su inocente miradita, era una lectora ávida y una alumna brillante. Así que entró con mucho cuidado al negocio. Tan así, que Woody Allen decidió hacerla la estrella de su película de 1995 Mighty Aphrodite. Su papel de prostituta con un corazón de oro impactó a toda la industria que le otorgó el Oscar a mejor actriz de reparto ese año, por encima de Joan Allen y Kate Winslet.

Pero díganme, ¿ustedes recuerdan esa película? No, ustedes recuerdan la cortavenas de At First Sight, donde se enamora de un Val Kilmer ciego, o como la mejor amiga de Lisa Kudrow (Phoebe en Friends) en la comedia de culto Romi and Michelle’s High School Reunion. Porque ni su versión de Marilyn Monroe en la película de HBO Norma Jean & Marilyn la ha sacado a la luz. Sorvino se ha limitado a papeles menores en series de televisión como Will & Grace y House y no ha dejado de trabajar en el cine… pero sabes, hija, actúa en buen cine.

Burt Reynolds

Cuando hice mi lista de actores que han caído fuerte, o el final de las leyendas, estaba pensando en actores que fueron grandiosos una vez y han caído feo desde entonces, o que fueron grandiosos íconos de Hollywood y terminaron en papeles mediocres. Hubo un actor que no incluí en ninguna de las dos listas porque honestamente lo había olvidado. Esta lista fue hecha en su honor.

Así como John Travolta era rey en los 70, Burt Reynolds lo fue en los 80. Empezó como un rudo vaquero en westerns como The Man Who Loved Cat Dancing para luego convertirse en un divertido bandido en Smokey and the Bandit, o un cómico coredor de autos en Cannonball Run. Todo el mundo quería ser él o estar con él, pues no había nadie más cool que Burt.

Cuando terminó la serie de Smokey and the Bandit, Reynolds pasó una época en que hacía pocas películas de bnuena monta. Se reunió con su buen amigo DomDeLuise en las animadas Todos Los Perros Van Al Cielo, y de vez en cuando tenía un cameo notable en algunas comedias como Cybill, Hope & Faith y, mucho después, My Name Is Earl, pero estaba lejos de la fama que lo dio a conocer. Hasta que Paul Thomas Anderson le dio el papel de un frío director de películas pornográficas en Boogie Nights que la gente se acordó que el hombre sí sabía actuar. Ni siquiera Anthony Hopkins, quien estaba nominado por su papel en Amistad, sonaba tanto como él, y sólo perdió porque Robin Williams lo hizo tan extraordinariamente en Good Will Hunting.

Desde entonces, Reynolds ha estado en tantas películas malas que da pena. PENA. Su punto más bajo fue el mismo año que hizo Boogie Nights de hecho: como un “quesúo” senador que quiere conquistar a Demi Moore en la ya atorrante Striptease. Incluyan la vergüenza en dos remakes: la aburridísima versión de la comedia televisiva The Dukes of Hazzard (aunque yo doy gracias a Dios que esa película nos dio esto) y el de su propia película de 1974, The Longest Yard, con Adam Sandler, Chris Rock y un montón de luchadores libres como “Stone Cold” Steve Austin, Kevin Nash, Bill Goldberg y el Gran Khali. (Bueno debo admitir que esa me entretuvo un poco.) Y por si fuera poco, el hombre está por salir en la burla Not Another Not Another Movie. Cada vez que lo veo, me siento como que estoy viendo el cadáver de un muy querido amigo que yo preferiría recordar como alegre y jovial. Te extrañamos Burt. Gracias por los 80.

Plasma de Miércoles E76: Four Rooms (1995)

Las películas de historias paralelas son uno de muchos tipos de película que tienen un particular atractivo para mí, junto con aquellas que juegan con la narrativa y cualquiera de los Coen. El poder hilar una serie de historias en muchos casos radicalmente distintas es un arte, sin duda, y lidiar con todos los actores y sus egos en particular. Más divertido aún debió ser Four Rooms, donde no sólo se mezclaron cuatro historias, sino además cuatro directores.

Un simpático botones llamado Ted (Tim Roth) tiene su primera noche de trabajo en la víspera de Año Nuevo en un hotel que ha visto mejores días –al igual que él, dentro de poco. Él es el factor común en las cuatro historias que se suceden en otras tantas habitaciones del hotel, como son “The Missing Ingredient” (Allison Anders), donde cuatro brujas (Madonna, Valeria Golino, Lily Taylor e Ione Skye) tratarán de resucitar a su diosa, si consiguen semen; “The Wrong Man” (por Alexandre Rockwell), donde Ted entra a una pelea entre una mujer (Jennifer Beals) y su celoso esposo (David Proval); “The Misbehavers” (Robert Rodríguez –sí, ese Robert Rodríguez) ve a Ted cuidando a los dos teribles  hijos (Lana McKissack y Danny Verduzco) de un mafioso mexicano (Antonio Banderas) que va a una fiesta de fin de año con su esposa (Tamlyn Tomita); y por último, “The Man from Hollywood” (Quentin Tarantino) ve a Ted dejarse convencer a participar en un extraño ritual por un famoso actor de Hollywood (el propio Tarantino), sus amigos (Bruce Willis y Paul Calderón) y la mujer de la habitación anterior (Beals).

Hay una razón por las que sólo conocen los dos últimos directores: las dos primeras entradas no son particularmente buenas (Madonna hasta se ganó una nominación a un "Razzie"). En ambos casos, el ritmo es demasiado lento y pausado, y honestamente no te importan los demás personajes; en "The Wrong Man", que podría ser una sencilla comedia de equivocaciones, no te interesa que alguno de los tres esté particularmente en peligro --sólo quieres que pasemos a la siguiente aventura.

Esa siguiente, gracias a Dios, es absolutamente brillante. Rodríguez trae su estilo de humor negro con todo en "The Misbehavers", don de los dos niños someten a Ted a las mayores torturas que un adulto es capaz de soportar a manos de infantes. Y una vez que de verdad arranca la historia, las sorpresas se aparecen na tras otras. Banderas se ve genial en su pinta a lo César Romero, y los niños son auténticamente insoportables y comiquísimos. Hay una escena en que los niños se meten en una multitud de problemas simultáneamente que está tan bien editada y actuada que yo casi no la pude apreciar de tanta risa. Un premio si logran descubrir a Salma Hayek en esta historia.

La última, "Man from Hollywood", es sin duda la mejor. Tarantino la inicia con una larga y continua toma de 10 minutos (en un segmento de 21), donde él hace de un actor de cine que ha pasado toda la noche de rumba con sus amigos y han decidido recrear una escena de un cortometraje de Alfred Hitchcock basado en una historia de Roald Dahl llamada Man from the South (la famosa escena, conm Peter Lorre y Steve McQueen, se puede ver aquí, o pueden ver el corto completo mañana. ;-), donde un hombre apostó que puede prender su encendedor 10 veces seguidas --o pierde un dedo.

Este show le pertenece a Tim Roth, que ya había colaborado con Tarantino en su debut, Reservoir Dogs. Para un tipo al que estamos acostumbrados a ver en papeles de villano (Rob Roy, Musketeer, Hoodlum, El Planeta de los Simios de Tim BUrton) o su intenso papel en la ahora tristemente cancelada Lie To Me, tiene un sentido de la comedia único, ayudado por una cara de inocente ingenuidad (sí, la redundancia es adrede). En particular durante "The MIsbehavers" ese talento para la comedia le sale hasta por los poros; él y Rodríguez necesitan juntarse para hacer una comedia completa y pronto. 


No va a ganar ningún premio ni va a ser recordada como ningún clásico (por algo no hemos vuelto a escuchar  de los dos primeros directores), pero es sin duda una buena opción para ver cuando no hay nada más. 


NOTAS CURIOSAS

• Bruce Willis aceptó trabajar en esta película de gratis, sólo por diversión y por hacerle un favor a Tarantino --lo que violaba las reglas del Sindicato de Actores. Ellos acordaron no demandarlo si su nombre no aparecía en los créditos.
• Iban a ser "Cinco Cuartos" con un quinto segmento dirigido por Richard Linklater (Waking Life, School of Rock, Before Sunrise), pero el director se salió del proyecto antes que empezara la producción.
• El papel de Ted fue escrito pensando originalmente en Steve Buscemi.
• Puedes oír la palabra "fuck" o una variación suya 193 veces en los 21 minutos de "Man from Hollywood" --9,19 veces por minuto, gracias.

Un western... con Will Smith... por Quentin Tarantino... Oh. My. God.

A veces, sólo a veces, en el mundo de nuestro querido séptimo arte, se empiezan a alinear elementos que sólo hacen al mundo un sitiio cada vez mejor. No, en serio, esto podría hacer que las guerras terminen, que se encuentre una cura para el cáncer, que se acabe el hambre en África. ¡En serio!

Luego del resonante éxito de Bastardos sin Gloria –la que DEBIÓ ganar Mejor Película de 2009—, el mundo esperaba con ansias cuál sería el próximo proyecto de Quentin Tarantino. Este es un hombre que tiene un average de bateo envidiable en Hollywood, con sólo dos películas que se podrían llamar fracasos (de taquilla, no de crítica), como son Death Proof y Jackie Brown. Pero desde Reservoir Dogs, siguiendo por su hiperclásico Pulp Fiction, casi todas las películas del otrora empleado de una tienda de películas ha logrado colarse en el imaginario popular. Con Bastardos, para rematar, hizo simultáneamente una genial película de guerra, una crítica a las películas de propaganda, un homenaje al cine en general y una estrella tanto de Christoph Waltz (cuyo coronel Hans Landa lo convirtió en una estrella) y de Michael Fassbender (en serio, ¿el pana no se cansa de ser genial?).

Entonces, ¿qué pasará cuando uno de los más geniales directores del mundo se una con una de las mayores estrellas del cine?

The Hollywood Reporter tiene la exclusiva que Will Smith es el principal contendor para el nuevo proyecto de Tarantino, un western llamado Django Unchained. Tarantino viendya tiene el guión circulando en medio de notable babeo, por lo visto. La historia sigue a un esclavo liberado (quien sería Will) quien trata de liberar a su esposa, con la ayuda de un cazarecompensas… alemán. Oh sí: es un rol escrito específicamente para Christoph Waltz, quien ya está montado en el burro.

Ah pero para que terminéis de mojaros, mis hijos, Samuel L. Jackson también estará metido en esto, como el esclavo de la casa del villano principal, un malvado dueño de una plantación de nombre Calvin Candie, quien aún no tiene actor designado. El esclavo, dice THR, es un “experto manipulador" y se enfrentará con el personaje de Smith.

No se sabe si Smith ha leído el guión aún o si aceptará el papel,. porque estemos claros, el hombre cuida su imagen como a su hijo Jaden. Tarantino ha dicho que Django Unchained tratará el racismo de una manera que aún no se ha tratado en Hollywood, sin medirse en cuanto al idioma, y Smith a pesar de todo trata de ser casi que un caballero en armadura brillante. Sin embargo, el rol de Django podría ser algo grande, casi icónico, y Tarantino tiene una facilidad para sacar las mejores actuaciones de sus estrellas. No sólo eso, el western es un género que siempre se ha colado en sus películas de una forma u otra, así que se meta de lleno en él es algo que tiene que tener interesado aún al más indiferente. Sólo falta que ponga a alguna estrella de Hollywood de anteayer en el papel de Calvin y tenemos a un ganador. ¿Nick Nolte, quizá? Usss, esta película me tiene fijo desde ya…

Tristemente, esta también será la primera película que Tarantino hará sin su eterna editora, Sally Menke, pues falleció en septiembre del año pasado. En serio, gente, ¿hay algo de esto que NO debería interesarles? De bolas que no. Tarantino espera empezar a filmar en otoño, quizá inaugurando (como suele hacerlo) el festival de Cannes de 2012. Pendientes por aquí, que los mantendremos informados.

In Memoriam: Sidney Lumet (1924-2011)

Hay directores hollywoodenses que son tran grandiosos como las estrellas que dirigen, como Alfred Hitchcock, Steven Spielberg o Martin Scorsese. Hay otros, como David O. Russell o Paul Thomas Anderson, tienen un innegable talento pero son menos bombásticos en sus producciones y, por lo tanto, menos famosos. Y hay otros que, a pesar de haber tenido un sólido cuerpo de trabajo, incluyendo algunos auténticos clásicos, caminan una línea intermedia, y nunca consiguen el reconocimiento que realmente merecen. Sidney Lumet, quien murió esta mañana a los 86 años por un linfoma, era uno de esos directores. La triste noticia es reportada por el New York Times y me entero por el tumblr Pop Culture Brain. Y digo triste no sólo porque el hombre haya muerto, sino porque de seguro muchos de ustedes más jóvenes a lo mejor nunca han oído hablar de él. Tamaña injusticia. Sigan leyendo, por favor.

Lumet fue siempre un dierctor que se concentraba en su trabajo y prefería las calles de Nueva York para su entorno que el glamour de Hollywood, y quizá por eso nunca estuvo particularmente presente en el top pf mind de dirctores. Pero muchas de sus películas son parte de los grandes clásicos del cine de los 70 y 80 y fue consistentemente bueno en su repertorio. Las mejores de sus películas lidiaban con temas sociales y actos individuales de heroísmo. Como una vez escribió y cita el NYT:

Mientras que la meta de todas las películas es entretener, la clase de película en la que yo creo va un paso más allá. Invita al espectador a examinar una faceta u otra de su propia conciencia. Estimula el pensamiento y pone los jugos mentales a fluir.

Y de qué manera. Su primera película fue el genial drama legal 12 Angry Men (1957), de la que se hizo una versión televisiva en 1997, y lograba crear tensión sólo con mover la cámara a cierto ángulo que diera la sensación de encierro. Fue una dura crítica a la hipocresía social, todas las maneras en que se puede tergiversar una juicio, sea legal o moral, que hizo que el mundo se fijara en este chato nativo de Filadelfia con un enorme lunar en su mejilla derecha. Su protagonista, Henry Fonda, recibió su primera nominación al Oscar, al igual que Lumet por su dirección. Pero no ganó.

Pero era una sana e inocente crítica cuando la comparamos con Network (1976), quizá su película más famosa, que le valió un Oscar póstumo a su protagonista Peter Finch en su papel de un olvidado ancla de un noticiero televisivo que decide empezar a criticar sin pudor lo que considera las hipocresías de la sociedad americana en vivo. "¡Estoy endemoniadamente furioso, y no me la calo más!" ("I'm mad as hell, and I'm not gonna take it any more!") se convirtió en el grito de guerra de esa sociedad, y aún resuena hoy en día. Recibió 10 nominaciones al Oscar, incluyendo Película, Director, Actor, Actriz, Guión Original y actriz de Reparto. Ganó los cuatro últimos; Lumet no ganó.

Una fascinación particular de Lumet era la corrupción policíaca, y ese tema lo exploró en una de sus dos colaboraciones con Al Pacino en Serpico (1973). Basada en una historia verdadera que dos policías neoyorquinos le contaron a un periodista del Times que llevó a grandes reformas en el sistema. Ver esta película hoy en día y compararla con donde está Pacino ahora es casi doloroso; ambas veces que trabajó con él logró una nominación al Oscar. La segunda fue otra historia de la vida real, la ya legendaria Dog Day Afternoon (1975), donde narró el fallido intento de robar un banco del líder de una banda novata de ladrones (Pacino) que necesita el dinero para... bueno, ustedes véanla para que me lo crean.

Lo legal era un tema frecuente para Lumet, precisamente por cómo lidiaba con las injusticias sociales. Una de sus mayores muestras fue cuando se unió al guionista David Mamet y al legendario Paul Newman para traernos El Veredicto (1982). Fue el mejor papel de Newman, en mi humilde opinión, y ambos consiguieron sendas nominaciones al Oscar por ella. Ninguno ganó.

¿Ya vieron el patrón? Lumet fue nominado cuatro veces al Oscar, y en total sus pelícuals re3cibieron 40 nominacioens, pero jamás se le otorgó la estatuilla, hasta que en 2005 le dio el premio de consolación que es el premio honorario. "Quería uno, maldición, y sentía que merecía uno", dijo en una entrevista de 2007. (Ese año fue cuando presentó su última película, Before The Devil Knows You're Dead, la historia de dos hermanos, interpretados por Phillip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, atrapados en una red de avaricia y corrupción). Muy probablemente fue ese amor por Nueva York más que por la Meca del Cine lo que hizo que el hombrecito dorado lo evadiera; ciertamente la Gran Manzana se sentía como un personaje más en sus películas. Incluso apareció una versión fantasiosa en una de sus más extrañas películas, su versión de El Mago de Oz, The Wiz (1978), protagonizada por Diana Ross y... bueno... Michael Jackson. Fue un fracaso tanto crítico como de taquilla, pero la verdad, a mí no me molestó.

No hay cineastas como Lumet actualmente. El sentido social de muchas de sus películas no está tan presente hoy en día, y eso creo que aún hace falta. Por Dios, este fue un hombre que incluso logró que Vin Diesel diera una actuación auténtica (Find Me Guilty de 2006) y logró controlar un elenco del tamaño del Expreso de Oriente en, bueno, Asesinato en el Expreso de Oriente (1974), basada en la obra de Agatha Christie, que tenía a Albert Finney como Hércules Poirot, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, John Gielgud y Sean Connery. Y lo más genial es su respuesta a por qué hacía películas, otra vez en la entrevista con el Times: "Lo hago porque me gusta y porque es una maravillosa manera de pasarte la vida".

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