TNT anima todo agosto

No me interesa la edad que tengas, tienes que admitir que con muy contadas excepciones, las películas animadas de unos diez años para acá –sí, desde Pixar—se han convertido en joyas. Hasta ahora la mejor prueba fue en 2009, donde todos los estilos de animación estaban nominados: el stop-motion de Coraline y The Fantastic Mr. Fox, la animación tradicional de La Princesa y el Sapo y la belga El Secreto de Kells y la magnífica animación computarizada de la ganadora Up. Celebrando el arte de la animación, TNT ofrece durante todo el mes de agosto varias películas de lo mejor de la animación de los últimos años (bueno… con sus excepciones). Aquí tienen la nota de prensa y la programación.

En agosto, TNT sorprende y maravilla con una propuesta de excepción: su Especial Animación, que durante todo el mes, de lunes a sábados y en doble función, nos trae una espectacular selección de lo mejor de la animación cinematográfica de la actualidad.

Desde los más celebrados títulos de Disney-Pixar tales como Toy Story, Ratatouille o Wall-E, a producciones con toda la impronta de Disneycomo La princesa y el sapo o La familia del futuro, pasando por El cadáver de la novia, de Tim Burton, o la nominada al Oscar® Coraline y la puerta secreta, del especialista en stop-motion Henry Selick, o Lo que el agua se llevó, de DreamWorks Animation y Aardman Animations; sin pasar por alto, claro, interesantes películas de los más diversos orígenes, como Cazadores de dragones (Francia) o Ilusionautas (Perú).

Todas ellas, a razón de dos por jornada, a partir de las 5.30p.m., para que la familia entera disfrute de una propuesta desbordante de fantasía, aventuras, imaginación e inolvidables personajes.

TNT te sorprende con su Especial Animación durante todo el mes de agosto, de lunes a sábados, en doble función desde 5.30p.m.

Películas:

Vamos a la Luna (Fly Me to the Moon).Tres jóvenes moscas se colean a la misión del Apolo 11. Con las voces de Christopher Lloyd, Tim Curry, Kelly Ripa y un tal Buzz Aldrin.

Monsters, Inc. En el mundo de los monstruos, los gritos de los niños son energía, y nadie los saca como Sully (John Goodman) y nadie los administra como su amigo Mikey (Billy Crystal). Pero cuando una niña es “accidentalmente” traída a su mundo, los dos amigos deben devolverla a su mundo.

Toy Story. La pionera de las cintas animadas por computación. ¿Sabías que los juguetes cobran vida cuando nadie los ve? El vaquero Woody (Tom  Hanks) ve su posición de privilegio comprometida cuando “su” niño trae a casa al astronauta Buzz Lightyear (Tim Allen).

Toy Story 2. Woody es raptado por un inescrupuloso coleccionista (Wayne Knight), y descubre que solía ser parte de un popularísimo programa para niños, junto con Jesse (Joan Cusack) y el Minero (Kelsey Grammer), y Buzz y los demás salen a rescatarlo.

Batalla por Terra (Battle for Terra). Lo último de la raza humana llega al planeta Terra en busca de recursos que los salven, mientras sus habitantes se preparan para la invasión. Con las voces de Evan Rachel Wood, Brian Cox, James Garner, Chris Evans, Danny Glover, Amanda Peet, David Cross, Justin Long, Dennis Quaid y Luke Wilson.

Las aventuras de Lucas (The Ant Bully). Cuando Lucas (Zack Tyler) inunda un hormiguero, es reducido al tamaño de una hormiga y condenado a trabajar en sus ruinas. También con las voces de Nicolas Cage, Paul Giamatti, Meryl Streep, Regina King, Bruce Campbell y Ricardo Montalbán.

Lo que el agua se llevó (Flushed Away). De los legendarios estudios Aardman, creadores de Wallace & Grommit y Chicken Run, nos llega la historia de una rata mascota consentida (Hugh Jackman) que termina en las cloacas y, junto con una intrépida rata de cañería (Kate Winslet) debe aprender a sobrevivir. También con las voces de Sir Ian McKellen, Jean Reno, Bill Nighy y Andy Serkis.

Ratatouille. La historia de una rata (Patton Oswalt) que aspira ser un chef en uno de los mejores restaurantes de Francia.

Wall-E. El último robot limpiador funcional juega un papel importante en la recolonización de la Tierra 500 años en el futuro.

Cazadores de dragones (Dragon Hunters). ¡Animación original de Francia! La sobrina de un lord busca a dos legendarios cazadores de dragones para lidiar con el Devorador de Mundos, un enorme dragón que regresa cada treinta generaciones para arrasar al mundo. La valiente joven los encuentra –y ellos quieren lidiar con mejillones, no dragones.

Los ilusionautas (Illusionauts). Del Perú nos llega la historia de un grupo de niños que han sido enviados a la imaginación del legendario Julio Verne para poner todas sus historias en el orden correcto luego que un experimento los desfasara por completo.

Coraline y la puerta secreta (Coraline). De la mano del famoso Henry Selick (The Nightmare Before Christmas) llega la adaptación de la historia del legendario Neil Gaiman, que cuenta la historia de una precoz niña (voz de Dakota Fanning) que descubre un mundo secreto detrás de una minúscula puerta donde sus padres (Teri Hatcher y John Hodgman) son lo que ella siempre soñó –pero oculta oscuros secretos. Voces adicionales de Jennifer Saunders, Keith David, Robert Bailey Jr., Dawn French e Ian McShane.

El cadáver de la novia (Tim Burton’s Corpse Bride). Tim Burton vuelve a la animación stop-motion con la historia de un nervioso joven (Johnny Depp) que accidentalmente se casa con una zombie (Helena Bonham Carter).

La familia del futuro (Meet the Robinsons). Un brillante niño inventor es llevado al futuro para tratar de resolver un entuerto que sólo él puede resolver. (Pendientes de la voz del “Puma” José Luis Rodríguez entre los personajes.)

Agenda Especial Animación

Durante todo agosto, de lunes a sábados

Jueves 15

5.30p.m. Vamos a la Luna (Fly Me to the Moon)

7.30p.m. Monsters, Inc.

Viernes 16

5.30p.m. Monsters, Inc.

7.30p.m. Toy Story

Sábado 17

5.30p.m. Toy Story

7.30p.m. Toy Story 2

Lunes 19

5.30p.m. Batalla por Terra (Battle for Terra)

7.30p.m. Vamos a la Luna (Fly Me to the Moon)

Martes 20

5.30p.m. Vamos a la Luna (Fly Me to the Moon)

7.30p.m. Las aventuras de Lucas (The Ant Bully)

Miércoles 21

5.30p.m. Las aventuras de Lucas (The Ant Bully)

7.30p.m. Lo que el agua se llevó (Flushed Away)

Jueves 22

5.30p.m. Lo que el agua se llevó (Flushed Away)

7.30p.m. Ratatouille

Viernes 23

5.30p.m. Ratatouille

7.30p.m. Wall-E

Sábado 24

5.30p.m. Wall-E

7.30p.m. Monsters, Inc.

Lunes 26

5.30p.m. Cazadores de dragones (Dragon Hunters)

7.30p.m. Los ilusionautas (Illusionauts)

Martes 27

5.30p.m. Los ilusionautas (Illusionauts)

7.30p.m. Coraline y la puerta secreta (Coraline)

Miércoles 28

5.30p.m. Coraline y la puerta secreta (Coraline)

7.30p.m. El cadáver de la novia (Tim Burton’s Corpse Bride)

Jueves 29

5.30p.m. El cadáver de la novia (Tim Burton’s Corpse Bride)

7.30p.m. Lo que el agua se llevó (Flushed Away)

Viernes 30

5.30p.m. Lo que el agua se llevó (Flushed Away)

7.30p.m. Ratatouille

Sábado 31

5.30p.m. Ratatouille

7.30p.m. La familia del futuro (Meet the Robinsons)

Plasma de Miércoles E90: Network (1976)

Hay películas, frases, escenas o actuaciones que tú siempre sabes que existen pero nunca tienes el chance de verlas por equis o ye razón. Network es una de esas películas, frases, escenas y actuaciones, el gran clásico del recientemente fallecido Sidney Lumet. Si no la han visto, es hora de corregir ese error.

Howard Beale (Peter Finch) está teniendo una crisis existencial, luego que su esposa falleciera y pronto habría de retirarse de su trabajo como ancla en el noticiero de la cadena UBS, por la baja de los ratings, tanto que su jefe y amigo Max Schumacher (William Holden) empieza a preocuparse por su sanidad. Howard no ayuda al anunciar que al la semana siguiente pretende volarse la tapa del cerebro al día siguiente y al aire. Para la ambiciosa gerente de programación Diana Christensen (Faye Dunaway), esto es una oportunidad de oro de convertir a Howard  y la cadena en una estrella. Cualquier otro habría buscado ayuda psicológica para el hombre; Diana le da su propio espacio. Y Howard,  en el que es uno de los grandes monólogos de todos los tiempos, invita a toda su audiencia a asomarse por su ventana, protestar por la basura en que se ha convertido el mundo, y clame, “I’m mad as hell, and I’m not going to take this any more!”

Lo que más me asustó de Network no fue la actuación de Peter Finch, quien gracias a este papel se convirtió en el primer ganador de un Óscar póstumo, ni la frialdad del personaje de Dunaway, aunque llamarla “reina de las nieves” es quedarse corta (en una escena con su amante, se limita a hablar de sus planes con la empresa, incluso hasta el momento del orgasmo). No, lo que asusta de Network es lo actual que aún se siente, a casi 40 años de su estreno. Es un tema particularmente duro para mí como periodista, pero es una realidad que no puedo negar: las noticias de por sí solas no son atractivas. Tiene que haber algo de espectacularidad. Me hace recordar lo que Christopher Plummer, haciendo del veterano periodista Mike Wallace, le dice a una ejecutiva de televisión en The Insider: “Puede que trabajemos para la misma compañía, pero no pienses que estamos en el mismo negocio”. Por un lado están los periodistas, pendientes de llevar la noticia al público con el mayor equilibrio posible; por el otro, los ejecutivos del medio (que no sean periodistas) a lo que sólo le interesa que el medio se venda/vea/escuche.

Finch es absolutamente glorioso en su interpretación. Beale está loco, de eso no cabe duda, pero es el gran loco que arrastra masas. Si tiene la labia, pues se puede lograr que cualquiera haga lo que uno diga; si lo hace apasionadamente, puede hacer que miles lo digan; y si cree que es verdad (o lo es), puede hacer que una nación entera lo diga. Finch logra que uno admire a Howard Beale, que le tema a Howard Beale, y que sobre todo le tenga lástima a Howard Beale a lo largo de la película, pues es rápido ver que en todo momento está siendo explotado y utilizado, un chimpancé entrenado al que además le dan un garrote. Finch se crece en el papel, agarrando cada palabra y soltándola con la elegancia de un francotirador y con la misma certeza y letalidad.

Dunaway es igualmente magnífica, una imagen de ambición y sensualidad, la mujer que usa a todo y a todos por llegar alto. Recuérdese que esto era en los 70, donde la imagen de la mujer no había llegado al baluarte de poder que es hoy en día. Pero Diane se maneja de tú a tú con los hombres del canal, incluso con el presidente, interpretado nada más y nada menos que por Robert Duvall, no sólo por su belleza, sino porque tiene una mente absolutamente maquiavélica y está muy bien preparada. Pasa que tiene el pecho hueco, y eso la hace tan buena para los negocios como mala para relaciones humanas.

Holden es el corazón de la película, el equilibrio para la locura de Howard y la moral para la frialdad de Diane, aunque él también termina arrastrado en la espiral. Siempre fue un actor con una callada dignidad, un Morgan Freeman blanco, si me atrevo a hacer la comparación. Aquí está en constante lucha entre su conciencia y su corazón, queriendo serle fiel tanto a su amigo como a su trabajo como a la mujer de la que se enamoró –aunque no su esposa. Y no puedo dejar de mencionar a Ned Beatty, que tiene uno de los más impactantes cinco minutos en una película que ustedes se puedan imaginar.

Que una película de 38 años aún se sienta como algo actual es muestra del enorme talento que poseía Lumet, para lograr crear historias muy humanas a la vez que impactantes. Me alegra haber llenado ese punto ciego en mi historial. Dicho sea de paso, ¿me extrañaron?

NOTAS CURIOSAS

• Sidney Lumet tenía dudas sobre darle el papel de Howard Beale a Peter Finch, quien era australiano y con un grueso acento, hasta que éste le envió una cinta leyendo  The New York Times con un perfecto acento estadounidense.
• Henry Fonda (quien trabajó con Lumet en su debut, 12 Angry Men), rechazó el papel de Howard Beale, pues lo consideraba “demasiado histérico”. Igualmente pasó con Glenn Ford y George C. Scott (y no quiero imaginarme lo aterrorizante que hubiera sido con él en el papel). William Holden también lo rechazó, pero terminó estando en el otro papel protagónico.
• Hasta ahora, esta es la.única de dos películas que han ganado tres Oscar por actuación (Peter Finch como principal, Faye Duanway como actriz principal y Beatrice Straight como la esposa de Max Schumacher). (La otra es Un Tranvía Llamado Deseo.). En total recibió 10 nominaciones, además de ganar como Mejor Guión para Paddy Chayevsky. Los otros fueron para William Holden como principal, Ned Beatty de reparto, Mejor Fotografía, Mejor Dirección  y Mejor Película, que terminó perdiendo ante Rocky, algo que a Lumet le siguió doliendo toda la vida.
• Hablando de Beatrice Straight, ella tiene el récord para la actuación más breve en recibir un Oscar, pues aparece en la película un gran total de 340 segundos, poco menos de seis minutos. El segundo lugar, cuando Judi Dench ganó por su retrato de la reina Isabel en Shakespeare In Love, dura unos ocho minutos.}
• Como ya dije, Peter Finch se ganó el primer Óscar póstumo gracias a su papel aquí. Habrían de pasar 33 años antes del segundo: Heath Ledger por su papel del Guasón en The Dark Knight.
• El famoso discurso de Howard Beale tuvo que ser filmado en dos tomas: a mitad de la primera toma, Peter Finch tuvo que detenerse exhausto. Lumet no sabía de su corazón fallido, pero no pidió una tercera toma. Lo que se ve es la segunda toma de la primera parte y la primera toma de la segunda parte.

Y por supuesto, no lo puedo dejar sin  que vean la famosa escena.

Al fin en línea, El Lado Oscuro del Arcoíris

Érase una vez que se regó la teoría de que si ponías el súper clásico disco de Pink Floyd Dark Side of the Moon al mismo tiempo que el súper clásico del cine El Mago de Oz, los dos estarían perfectamente sincronizados. Mariiiico, qué arreeeeechoooo…

Sí, el rumor era que estas eran las alucinaciones de chamos en la universidad volando un poquito demasiado alto. Claro, han habido discusiones serias del asunto desde 1995, cuando salió mencionado en el Fort Wayne Journal Gazette. Pero ahora puedes comprobarlo por ti mismo, pues alguien subió a YouTube The Dark Side of The Rainbow. Disfrútenlo, cortesía de FirstShowing.net, y me avisan. Eso sí, no me digan que usaron ácido –el Cine Tuyo, Mío y Vuestro no apoya el uso de drogas (a menos que compartan).

El Lado Oscuro del Arcoiris

¿Sabes quién es Marilyn Monroe?

La pregunta es intencionalmente idiota, pues por supuesto hasta el más ignorante niño ha visto la foto de la bellísima catira con su falda alrededor. O ha oído las menciones en cualquier cantidad de referencias. Pero digan la verdad: ¿cuántas películas de la ex Norma Jeane han visto? Eso pensé. Ahora que la mujer cumple, tristemente, 50 años de muerta, tienen la oportunidad, gracias a la gente de TCM. Aquí tienen la nota de prensa.



Al cumplirse 50 años de la trágica y misteriosa muerte de Marilyn Monroe, la rubia debilidad a la que el paso del tiempo no ha hecho sino confirmar en su carácter legendario, único e irrepetible, TCM vuelve a tributarle diamantes a cambio de corazones rotos, y a mecer su pollera para descubrir las piernas más hermosas y la sonrisa más incitante. El homenaje vendrá de la mano del Tributo Especial 50 años sin Marilyn, en pantalla el domingo 5 de agosto a partir de las 1.30p.m.

Rubia, carnosa, provocadora y fatal; dueña de una mirada de terciopelo, sonrisa encantadora, de voz entre susurrante y seductora; Marilyn tenía todo, ¿pero quién hubiera podido sospechar la dimensión de imagen de culto que alcanzaría tras su muerte?

Norma Jeane Baker comenzó como modelo desnudando algunas de sus cualidades para revistas como Playboy (de la que fue tapa en su primer número) y como actriz en pequeños pero inolvidables papeles secundarios. Con un contrato firmado, la Fox consideró a Marilyn un diamante en bruto y decidió realizarle un cambio de look que incluía nuevo color y corte de cabello, maquillaje seductor y un guardarropas a la medida.

El brillo no tardó en llegar y no le fue difícil opacar a otras actrices del momento y alcanzar finalmente los papeles principales. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que protagonizara Gentlemen Prefer Blondes; pero los éxitos, fracasos y escándalos la tuvieron como protagonista en los medios, haciéndola derramar tantas lágrimas en privado como sonrisas repartía en público.

Le cantó a un presidente norteamericano el feliz cumpleaños más sugestivo, criticado e imitado; buscó el amor en una larga lista de amantes y esposos célebres, para preferir compartir su cama con el intoxicante aroma del Chanel N°5. Asfixiada por un sex-appeal que la excedía, agobiada por las críticas y rendida ante la incapacidad de encontrar el verdadero amor, intentó desahogarse en soledad con una botella y un frasco de pastillas.

En el cincuentenario de su desaparición, el Tributo Especial 50 años sin Marilyn seducirá a la audiencia de la mano de siete de sus mejores films. El domingo 5 de agosto, a partir de la 1.30p.m. en la pantalla de TCM.



Tributo Especial 50 años sin Marilyn

Domingo 5 de agosto

1.30p.m.

· Nunca fui santa (Bus Stop) (1956)

3.10p.m.

· Cómo pescar a un millonario (How to Marry a Millionaire) (1953)

4.50p.m.

· El príncipe y la corista (The Prince and The Showgirl) (1957)

6.55p.m.

· Luces de candilejas (There´s no Business Like Show Business) (1954)

9.10p.m.

· Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen Prefer Blondes) (1953)

10.55p.m.

· La comezón del séptimo año (The Seven Year Itch) (1955)

12.50a.m. del lunes 6

· Me siento rejuvenecer (Monkey Business) (1952)

Es oficial: Ridley Scott prepara una secuela para Blade Runner [ACTUALIZADA] (y un regalito)

Hay películas que nunca deberán ser teñidas con el vil tinte de un remake. Casablanca nunca debió serlo, pero se hizo en los 80 con terrible fracaso. Citizen Kane—¿quién se atrevería? La Naranja Mecánica, El Resplandor… Pero para secuelas… digo, ¿a quién no le encantaría ver cómo están los chicos de The Breakfast Club veinte años después? Ahora que mencioné El Resplandor, ¿saben que Stephen King está escribiendo un libro secuela? Una secuela, aunque a veces nadie la pide, otras veces parece ser requisito, o al menos no es una terrible idea. Simplemente porque sientes que ese mundo te puede ofrecer mucho más.

Bueno, no sé si uno de esos mundos era el de Rick Deckard, pero Ridley Scott está preparando una secuela para una de las habitantes del Valhalla de la ciencia ficción: Blade Runner. De modo que el veterano inglés no sólo vuelve al género que lo definió con la anticipadísima Prometheus, sino que va a volver con la más discutida, filosófica e intrigante película del género desde 2001: Odisea al Espacio.

Eso sí, tampoco es que ya es un hecho. En una entrevista con The Daily Beast, Scott sólo toca los detalles de la secuela al final:

Casualmente, empecé mis primeras reuniones para la secuela de Blade Runner la semana pasada. Tenemos una muy buena idea para ella. Y definitivamente tendremos una protagonista femenina.

O sea que la cosa apenas empieza. Pero esto sin duda emocionará a más de uno. ¿Habrán más replicantes? ¿Deckard (el personaje de Harrison Ford) será (potencial spoiler –resalta sólo si has visto la película) confirmado como un replicante él mismo? ¿Qué más puede haber para explorar en ese mundo? Supongo que lo sabremos en unos cinco años más o menos.

[ACTUALIZACIÓN: La casa productora de la original publicó un comunciado de prensa que traigo via Screen Rant con más detalles de la secuela, que será escrita por su guionista original.

Hampton Fancher está en conversaciones para reunirse con su director de Blade Runner Ridley Scott para desarrollar la idea para el guión original para la continuación producida por Alcon Entertainment, Scott Free y Bud Yorkin al clásico innovador de 1982, según anunciaron los cofundadores y copresidentes de Alcon Broderick Johnson y Andrew Kosove.

Los cineastas también revelaron por primera vez que el muy anticipado proyecto pretende ser una secuela a la celebrada original. Los cineastas sólo revelaron que la nueva historia tendrá lugar algunos años después que la primera película concluyó.

El tres veces nominado al Oscar Scott y su colaborador en Blade Runner Fancher originalmente concibieron su clásico de 1982 como la primera en una serie de películas que ioncorporarían los temas y los personajes de la innovadora novela de Philip K. Dick Do Androids Dream of Electric Sheep?, de la cual se adaptó Blade Runner. Las circunstancias, sin embarho, llevaron a Scott a otras direcciones y el proyecto nunca avanzó.]

Scott también tocó la conexión que Prometheus tiene con la otra película de ciencia ficción que lo hizo famoso, que es, por supuesto, Alien. ¿Es una precuela o no?

Para Prometheus, regresé a una pregunta muy sencilla que tenía en la cabeza que aparece en la primera Alien, y nadie contestó en las películas subsecuentes de Alien: ¿quién era el Jinete Espacial –el tipo grandote en el asiento? Si de verdad te metáis en eso, se volvía la base para una historia bastante interesante. Cuando fui al estudio, no sabíamos si era una secuela o una precuela.

El veterano de 35 años de carrera también habló de su atracción por la protagonista femenina ruda (y vaya que ha tenido unas cuantas: además de Ripley, piensen en Thelma & Louise, G.I. Jane, Clarice Starling en Hannibal… Hasta podríamos incluir a Connie Nielsen en Gladiador o Cate Blanchett en Robin Hood. Ciertamente a Noomi Rapace en Prometheus) y algunos de sus futuros proyectos, que incluyen una biografía de Gertrude Bell protagonizada por la madre de todas las protagonistas rudas, Angelina Jolie, y The Counselor, basada en un guión de Cormac McCarthy (autor de No Country for Old Men) y protagonizada por otra estrella de Prometheus, Michael Fassbender (esta está por empezar a rodarse).


Y por último, les tengo un regalito más. Si me siguen en Tumblr, ya lo habrán visto, pero si no, en enero publiqué esta maravilla que encontré en Open Culture (un blog que, si les gusta la cultura y el conocimiento en general, necesitan seguir). Traduzco de allí:

Coincidiendo con el estreno de Blade Runner en 1982, David Scroggy publicó el Blade Runner Sketchbook, un libro con más de 100 dibujos de producción y arte para la clásica película de ciencia ficción de Ridley Scott. El libro tiene trabajo visual por el propio Scott, el artista Mentor Huebner y el diseñador de vestuario Charles Knode, pero más notablemente, un montón de dibujos por el artista, futurista e ilustrador Syd Mead.

El libro ha estado agotado durante años, y si hacen clic en el enlace arriba verán que una copia buena encontrada por Amazon puede costar 125 dólares, y una coleccionable más de 300. Pero alguien subió el libro entero a Issuu, y lo pueden leer en toda su gloria. O hacen clic abajo y lo leen en pantalla completa.

Open publication - Free publishing - More blade runner

Tres tremendas trilogías este mes por TCM

“A la tercera va la vencida””, dice el dicho. Pero ese dicho no se aplica tanto al cine, donde a veces la tercera de una serie es la más débil del grupo. (¿Se acuerdan de las dos que siguieron a The Matrix? Sí, yo tampoco quisiera.) TCM trae algunas de las trilogías más destacadas de la historia del cine este mes. ¿Mi consejo? Dénle una oportunidad a El Padrino III; con ojos objetivos, sí, sigue siendo la más débil del grupo, pero no es tan terrible como siempre se ha dicho. Aquí la nota de prensa.


El Especial Trilogías llega el mes de marzo a TCM con los relatos de esas historias que exigieron más de un episodio y que a través de los años, el destino y sus míticos personajes los convirtió en mitologías de nuestro tiempo.




Así, del 2 al 4 de marzo a las 9:30 p.m. llega a la pantalla de TCM Mel Gibson con la trilogía de Mad Max, una historia del realizador australiano George Miller, que inició en 1979 y aún hasta nuestros días se evidencia el éxito que tuvo, ya que se espera para abril de 2012, el inicio de la filmación de Mad Max 4. Veremos Mad Max (1979) el viernes 2, continuando con Mad Max 2: The Road Warrior (1981) el sábado 3, para finalizar con Mad Max 3 (Mad Max Beyond Thunderdome) (1985) el domingo 4 de marzo.



El siguiente fin de semana, comenzando el viernes 9 de marzo, el público podrá disfrutar de la trilogía de Star Wars, la legendaria saga de ciencia ficción que se ganó fanáticos en todo el mundo, con sus memorables personajes y sorprendentes efectos especiales, se emitirá Star Wars: episodio IV - Una nueva esperanza / Star Wars: Episode IV - A New Hope (1977) el viernes 9 de marzo, veremos Star Wars: episodio V - El imperio contraataca / Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (1980) el sábado 10 y finalizamos con Star Wars: episodio VI - El regreso del jedi / Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (1983)  el domingo 11, todos a las 9:30 p.m.



Finaliza este especial con las tres entregas de The Godfather del 16 al 18 de marzo comenzando a las 9:30 p.m. La trilogía de Francis Ford Coppola que muestra la historia de una mafia ítalo-americana, los Corleone, centrada en Michael Corleone, personficado por Al Pacino, quien termina siguiendo los pasos de su padre, Vito y convirtiéndose en el “capo” y hombre más temido. Llegan a TCM el viernes 16 de marzo con El padrino / The Godfather (1972), el sábado 16 con El padrino II / The Godfather: Part II (1974) y el domingo 18, la tercera parte filmada dieciséis  años después,The Godfather: Part III (1990).





En marzo TCM se asoma a algunas de las sagas que se convirtieron en verdaderas mitologías, aquellas que no bastaron con tener un principio, un nudo y un final, llega el especial Trilogías con Mad Max del 2 al 4 de marzo, Star Wars del 9 al 11 y El Padrino del 16 al 18 de marzo sólo por la pantalla de TCM.


En Venezuela, pueden sintonizar TCM en los siguientes canales: 54 de Inter, 85 de Supercable, 57 y 73 de Net Uno,  504 de DirecTV y  603 de MoviStar TV Digital

La muda contra la magia: la nostalgia gana un Oscar

Estamos a menos de 24 horas de saber quién se llevará al hombrecito dorado, y ya las apuestas se han hecho (¿ya ustedes tienen su quiniela?), los smokings alquilados y los trajes diseñados (¡hey, Berenice Bejó se vestirá con una venezolana!) Más allá de mis quejas sobre quiénes fueron ignorados (yo aún no he visto Drive y hasta yo no les perdono que hayan ignorado a Albert Brooks), creo que dice muchísimo sobre cuáles son las dos películas que más nominaciones tienen la situación de la Academia en la actualidad.


Desde que fue estrenada en el festival de Cannes del año pasado, The Artist ha encantado a todo el mundo que la ha visto (incluyéndome), no sólo por su fiel retrato del Hollywood de los años 30 y su novedosa manera de actualizar el cine mudo para todos nosotros, sino porque tiene un elenco realmente talentoso, desde el genial Jean Dujardin y la encantadora Bérénice Bejo hasta el simpatiquísimo perrito Uggie. Por su parte, Hugo (no supero que la hayan acortado así y no sea La Invención de Hugo Cabret) le dio un nuevo reto al veterano Martin Scorsese, además de recibir los halagos como el mejor 3D desde Avatar (incluso por encima de ella) y dejar una agradable sorpresa para quienes la ven: una inesperada celebración de la historia del cine.


Pero sin quitarle los méritos que tiene cada película, el hecho que ambas tengan 21 nominaciones cada una (10 para The Artist, 11 para Hugo) dice realmente que la Academia necesita urgentemente sangre nueva. Pero urgentemente.


Imaginen esto: una película muda hecha al mejor estilo de los inicios de la era de Hollywood en una época en que a más epxlosiones más taquilla, y una fantasía que bien podría ser tomada o como una carta de amor al cine o Scorsese gritando con fuerza que aún importa. Más allá del hecho que Hugo esté hecha en 3D, ambas celebran el glorioso pasado del celuloide, una época en que la piratería sólo ocurría en el mar y nadie se preocupaba por descargas, DVR, Blu Ray o nada. El cine lo era todo, y ni siquiera la televisión podía competir con él. Ah, esos viejos tiempos...


De hecho, si nos ponemos a pensar, las otras categorías reflejan eso mismo. Dujardin y George Clooney son los principales para llevarse el premio a Mejor Actor, y ambos recuerdan a estrellas de los 50 (miren bien a Clooney y díganme que no recuerda a Cary Grant). Meryl Streep podría a estas alturas aparecer leyendo las Páginas Amarillas y recibiría una nominación. La cantidad de documentales que no fueron ni siquiera considerados --Project Nim, sobre la crianza de un chimpancé como humano, o The Interrupters, que habla sobre gente que trata de evitar el crimen entre jóvenes de Chicago-- habla más sobre cuáles sí fueron --sobre una reconocida bailarina, un soldado regresando de Afganistán, ecocriminales y los Tres de West Memphis--. No quiero decir que ninguna de estas nominaciones no sean válidas, pues sí lo son --yo jamás hablaría mal ni de Clooney ni de Streep-- pero, ¿sí ven la tendencia, no?


Todo esto --y el hecho, quizá sí, quizá no, que a lo mejor Sacha Baron Cohen no podrá asistir--, aunado al hecho que los productores del show siempre terminan diciendo que tratan de atraer al público más joven (sí, miren lo bien que funcionó el año pasado), demuestra que poco a poco, el Oscar es más lo que Hollywood quiere ser más que lo que realmente es. Ya están dejando de premiar las películas que llevan al cine hacia adelante sino las que "muestran cómo solía hacerse". Yo tengo The King's Speech en DVD, ¿pero cuánto recuerdan de esa película en realidad? Ah, ¿pero cuánto recuerdan de The Social Network? ¿Y cuáles de las nominadas tienen escenas realmente memorables? Gran taquilla rara vez es sinónimo de calidad, ¿pero no hubiera sido bonito que Inception recibiera ese reconocimiento también?


Yo sigo viendo los Oscar, y seguro que ustedes también. Pero cada vez más se sienten como los ahogados que se resisten a hundirse. Menos mal que tenemos nuestros propios criterios, ¿no? (Para muestra unbotón: estas fueron las mejores películas para un podcast de cine que escucho. ¿Cuántas están nominadas a Mejor Película?)

Plasma de Miércoles E89: The Breakfast Club (1985)

Algunos de los clichés más usados para algunas películas hacen que la importancia de ellas quede diluida. Cuando una película “marca una generación” o “un hito” o narra “la historia de una vida”, lo primero que debe venir a la cabeza es “hipérbole”. Pero The Breakfast Club –traducida en algunas partes como El Club de los Cinco—se atiene a la primera de esas descripciones y en realidad mucho más, pues como tantas películas del director John Hughes, se considera que ninguna ha capturado tan adecuadamente al típico adolescente norteamericano de los 80 –y en realidad, a cualquier adolescente, punto.

 

Es sábado, y cinco muchachos han sido llamados a castigo por un director (Paul Gleason) quizá demasiado estricto. Todos representan estereotipos que aún hoy se ven en los colegios: está Claire, la princesita (Molly Ringwald); Andrew, el atleta (Emilio Estévez); Brian, el “nerd” (Anthony Michael Hall); Allison, la friqui (Ally Sheedy); y John Bender, el malandro (Judd Nelson). No podrían ser más distintos –y sin  embargo, a medida que va pasando el día descubren que tienen mucho más en común de lo que pueden pensar.

 

Quizá se pueda pecar de idealista, más aún esta época que “película para adolescentes” es mostrar cuanto sexo y borrachera se pueda mostrar, pero The Breakfast Club hizo algo que no se hace hoy en día cuando Jersey Shore es el triste rey: trata a los adolescentes como gente pensante y tratante. Aquí no es que haya diálogo filosófico digno de Platón, o conversaciones de la altura y velocidad que podemos ver en The Social Network, pero es del diálogo más sincero que se puede ver en una película. A medida que uno ve por lo que pasa un chamo de 16, 17 años en la escuela, sin importar qué tan grande, malo o bonito eres, la escuela para muchos era una época difícil. Pero, citando a Anna Karenina (wow, de verdad me puso literario, ¿no?), así como “cada familia infeliz es infeliz a su propio manera”, cada uno experimenta el sufrimiento de la escuela a su propia manera. “Tienes que ser excelente estudiante, tienes que destacarte en deportes, tienes que lucirte ante un público”. O mira sabes, “¿para qué me molesto en criarte? ¿O para qué vienes, si lo que vas a terminar es en un sanatorio o la cárcel?” Y a pesar de ello, no hay la angustia melodramática que se pueda ver en Crepúsculo. Aún a pesar de las fallas personales que tiene cada personaje, no tienes ningún problema en aceptarlos

 

El mayor contraste que veo entre The Breakfast Club y cualquier película de su estilo en la actualidad es que sus protagonistas no son escogidos tanto por cómo se ven sino por su evidente talento. Aunque claro, en promedio están pujando la edad de colegiales, en particular Nelson, pero al final realmente no importa. Nelson tiene una presencia única con su distintiva cara que algo tiene; es una lástima que hoy en día no esté en ninguna parte importante, básicamente. Igual con Ringwald y Sheedy, y me divierte que Hall hoy en día se haya convertido en un tipo rudo después de sus orígenes. Pero este fue el pico para todos: Ringwald puede ir de encantadora a indignante en un parpadeo, y Estévez, como buen miembro de su familia, puede ser intenso o divertido con facilidad y credibilidad. Hall repite su papel de otro clásico de Hughes, Sweet Sixteen, quizá con un poco más de profundidad y sentimiento, proveyendo del tradicional elemento de comedia. Sheedy es la única que actuó en contra de su tipo: realmente tú la ves y te preguntas, ¿esta pana está loca?

 

Visto como un clásico de los 80, The Breakfast Club puede verse también como una versión superficial de El Ángel Exterminador de Luis Buñuel: ¿qué pasa cuando un grupo de personas no puede salir de una habitación? Puede descender el caos, pero después de ello invariablemente sale el orden. Sin duda es entretenida, bien escrita y excelentemente actuada, los tres elementos básicos para una buena película, pero es también una mirada nostálgica a una época donde no necesitabas mostrar una chama apenas vestida o cincuenta millones de chistes de vómito para atraer a un público joven. Cómo te extraño, John Hughes.

 

NOTAS CURIOSAS

• Emilio Estévez iba a interpretar a Bender, pero John Hughes no consiguió a nadie que interpretara a Clarke, así que Estévez aceptó hacerlo. Igualmente, Molly Ringwald tenía muchas ganas de interpretar a Allison, pero ya le habían prometido el papel a Ally Sheedy.
• Se consideró a Jodie Foster para Claire y Brooke Shields para Allison. (Shileds y Nelson luego actuarían juntos en la serie cómica Suddenly Susan).
• La hermana y mamá de BRian son la hermana y mamá de Anthony Michael Hall. Su padre, quien lo pasa buscando al final de la película, es el propio John Hughes.
• La biblioteca donde tiene lugar la película fue construida para ella en el gimnasio de la escuela Maine North High School, la que había cerrado dos años antes que la filmación empezara. (Hoy en día es una estación de policía estatal de Illinois.)
• Hughes insistió en que el elenco y el eqipo comieran en la cafetería de la escuela.
• Se consideró a Nicolas Cage como Bender al principio, pero no se podía pagar su salario. Luego iba a ser John Cusack, pero Hughes lo reemplazó antes de empezar a filmar.
• Todo el elenco ensayó la película como si fuera una obra de teatro antes de empezar a filmarla. Luego de su éxito, se le pidió a Hughes que reescribiera el guión como tal para que grupos teatrales colegiales pudieran interpretarla. (Aquí tienen el guión, si les interesa.)
• La escena donde todos se sientan en un círculo y dicen por qué los castigaron es completamente improvisada.
• John Hughes casi despide a Judd Nelson por lo mal que trataba a Molly Ringwald. Paul Gleason convenció a Hughs que Nelson simplemente era un buen actor y estaba tratando de mantenerse en personaje.
• Se había propuesto que habrían varias secuelas, donde los personajes se reunieran cada diez años. Pero dada la volátil relación entre John Hughes y Judd Nelson (el director juró nunca volver a trabajar con Nelson de nuevo), y cómo Ringwald dejó el género de películas adolescentes para siempre, esas esperanzas se eliminaron.
• Nelson, Sheedy y Estévez interpretan estudiantes de bachillerato el mismo año que interpretaron graduados universitarios en St. Elmo’s Fire. De hecho, los únicos con edades para bachilleres eran Ringwald (17 años) y Hall (17 también). Nelson tenía 26, y Estévez y Sheedy tenían 23.
• John Kapelos, quien tiene un pequeño papel como Carl el conserje, jugó con los actores que no exageraran la intensidad recordando que a Martin Sheen le dio un infarto mientras filmaba Apocalipsis Ahora. Esto enfureció a Emilio Estévez, el hijo de Martin Sheen, lo que dejó a Kapelos en el sitio (y no entiendo cómo, si Estévez y Sheen son idénticos). Se disculpó con Estévez, éste la aceptó y la película siguió como si nada, pero la conciencia de Kapelos lo tenía mal duranet muchos años. Cuando tuvo un pequeño papel en The West Wing en 1999, le contó a Sheen la historia, al que le pareció graciosísima, y le dio un poco de paz a Kapelos.
• El tema para la película, “(Don’t You) Forget About Me”, fue escrito para la película por Keith Forsey, quien luego produciría las bandas sonoras de Flashdance y Un Policía en Beverly Hills II, y Steve Schiff, y fue ofrecido a Brian Ferry, Billy Idol y la banda The Pretenders. Ferry la rechazó, Idol también (aunque incluyó una versión como una pista extra en su disco de grandes éxitos de 2001) hasta que Chrissie Hynde, cantante de The Pretenders, la propuso para la banda de su esposo en aquel entonces, Jim Kerr. Se convirtió en el mayor éxito de Simple Minds, y aquí se las incluyo.

Plasma de Miércoles E86: Babe (1995)

Cuando veo el trailer para The Zookeeper, la nueva película protagonizada por Kevin James y muchos actores dándole sus voces a varios animales, además de lamentarme por el estado de Hollywood, donde todo debe ser idiotizado para ser vendido, me hace recordar una época en que una cuerda de animales parlanchines no era visto como un truco para poner niños en el cine y los adultos se mueren de aburrimiento. (¿O son los niños los que cambiaron?) Hasta lograron ser nominadas a mejor película. Obviamente, la primera película que viene a mente es Babe.

El estoico granjero Hoggett (James Cromwell) se gana un pequeño cerdito cuya madre es llevada al matadero. Es tan pequeño que lo pone con Fly (voz de Miriam Margoyles), la atenta perra ovejera, muy al descontento de Rex (Hugo Weaving). Curioso, cariñoso y educado al extremo, tanto como es inocente, Babe (Christine Cavanaugh) pronto hace muchas amistades entre los animales de la granja, pero un solo destino le aguarda a todos los cerdos de la granja –algo que Babe parece evitar cuando, por ver de cerca a Fly y a Rex, empieza a pastorear gallinas y hasta ovejas, con un poco de ayuda de la veterana Maa (Miriam Flynn). ¿Será que este cerdito no debe ir al matadero? Cuando además pones la narración a cargo del veterano actor Roscoe Lee Browne y pones cada interludio a abrir con tres ratoncitos cantantes, se puede ver por qué la película es tan encantadora.

Varias cosas sorprenden de Babe. La primera es que el guión fue coescrito por su director Chris Noonan (haciendo su debut en el cine luego de dirigir mucha televisión australiana) y el también productor George Miller, quien para ese entonces se había hecho famoso por Mad Max (luego haría Happy Feet), una sangrienta y violenta historia distópica que muy poco se parecía a la felicidad para la familia que sería esta película. Pero además, creo que una película así no debería funcionar, como demostró su secuela de 1998 Babe: Pig In The City, que no tuvo ni la mitad de aceptación que su predecesora. ¿Una película sobre animales parlanchinas que no es una comedia? No, pero sí es una película con mucho corazón, sin estar hecha para chamos sino para toda la familia. La combinación de las imágenes afines a una historia de Madame Potter (no es coincidencia, creo yo, que la siguiente película de Noonan haya sido una sido una película sobre la vida de la autora) y la elegante narración de Browne la hacen sentir casi como un cuento de hadas moderno, sin mencionar el alto grado de prosa que puede estar en la narración, más acorde a una película de Merchant Ivory tipo The Remains of the Day que a una sobre un cerdito que habla. Supongo que la novela en que está basada (The Sheep-Pig, por Dick King-Smith) debe ser un muy efectivo cuento para dormir; ¡imagino que el padre la seguirá leyendo mucho después que el hijo ya durmió!

Combina eso con dos geniales actuaciones, primero por el propio Cromwell, siempre una elegante y casi majestuosa adición a cualquier elenco, incluso como un humilde granjero, y Magda Szubanski como su esposa, comiquísima sin caer en el cliché ni de ignorante matrona ni de dominante bruja. De hecho, son estas actuaciones lo que reflejan lo más importante que tiene Babe: en ningún momento es condescendiente con su público, nunca cae en facilisimos para sacar sonrisas. Insólito, una película para chamos que depende de las personalidades de sus personajes y en la historia que cae, algo que hasta Pixar no siempre ha hecho (me estoy basando en la reacción inicial a Cars 2). Es una delicia de película que además es una inspiración a seguir tu camino sin importar cuántos te digan que no puedes hacerlo. Fueron siete nominaciones al Oscar muy bien ganadas (incluyendo Mejor Película). Y es cierto, Braveheart era la grandiosidad, la escala épica, pero en cuanto a buen cine, vean Babe y díganme cuál era la superior.

(Por cierto, sigo el consejo de Roger Ebert cuando reseñó Babe: casi simultáneamente con ella, se estrenó otra película sobre un cerdito parlanchín llamada Gordy que es todo lo que Babe no es. Evítenla.)

NOTAS CURIOSAS

• Babe es la combinación de 48 cerdos Yorkshire maquillados acordemente y un doble robot. Se usaron tantos por lo rápido que los cerdos crecen.
• Cuando lo recibió, James Cromwell hojeó el libreto para ver cuántas líneas de diálogo tenía. Al ver que no tenía muchas (171 palabras de diálogo, 61 cantadas), estaba seguro que sería una película bien sencilla. Lo que no sabía es que estaría más en pantalla que todas sus películas anteriores. Eso sí, su trabajo le valió una nominación a Mejor Actor. Y se volvió vegano después de esta película.
• Habían 56 entrenadores para 1.000 animales en el set.
• Esta fue una obra de amor de diez años para el productor George Miller.

Pa' La Casa: 12 de julio

¿La semana pasada estuvo como “meh” en cine para la casa, verdad? Bueno, esta semana lo compensa ampliamente con buenas opciones, desde una genial película animada hasta clásicos de un genio de la comedia física.


Rango



Sinposis: Alejado de su cómodo acuario donde dejaba sus fantasías de grandes actuaciones cobrar vida, un atolondrado camaleón llamado Rango (Johnny Depp) llega a un pueblo en medio de una crisis de agua que se deja llevar por sus extrañas fantasías y lo nombra sheriff –muy a pesar suyo.

Es difícil añadirle algo más de lo que ya dije de este, el debut del director Gore Verbinski (The Ring, las tres primeras Piratas del Caribe) en el cine animado, pero igual lo diré: esta historia de un desgarbado camaleón con la voz de Johnny Depp y delirios de grandeza, que se mete de frente en un rollo de agua y avaricia en un pueblo por donde el Diablo dejó las botas, es una de las mejores películas animadas que he visto en mucho tiempo. Hermosamente grotesca y bizarramente divertida, esto es un western animado más dirigido a adultos que a chicos que demuestran todo el genio creativo de Verbinski y por qué la última aventura pirata se sintió tan promedio. El genial elenco de voces –Alfred Molina, Ned Beatty, Bill Nighy, Isla Fisher, Abigail Breslin, Harry Dean Stanton—liderado por un Depp que se le dejó libre con todo su extraño rango (sin chiste intencionado) ayuda mucho.



Veredicto: ¿A qué juegan? Estoy que agarro un avión para comprarla YA.



Para coleccionistas/puristas: El combo de DVD y Blu Ray incluye una versión del director con cuatro minutos adicionales (gran vaina) que incluye un comentario con Verbinmski, el escritor James Ward Byrkit, el diseñador de producción Mark “Crash” McCreery, el director de animación Hal Hickel y el supervisor de efectos especiales Tim Alexander. También hay un amplio detrás de escenas llamado “Rompiendo las Reglas: Haciendo Historia de Animación” (cero humildad, ¿no?), diez escenas borradas, una comparación de storyboard y la película como tal mientras la ves, una gira virtual del pueblo de Dirt y una exploración de 20 minutos de los verdaderos animales que inspiraron a los personajes.

Arthur



Sinopsis: Un irresponsable millonario (Russell Brand) es obligado a conseguir esposa o perder toda su fortuna, así que debe aceptar casarse con una insoportable sifrinita (Jannifer Garner) a pesar que está enamorándose de una guía turística (Greta Gerwig). ¿Será que su nana (Helen Mirren) podrá ayudarlo en esta?

Si me guío por la terrible recepción que tuvo Arthur tanto en taquilla como con la crítica, diría que hemos encontrado la definición de remake inútil. La original de 1981, con un inolvidable Dudley Moore, no es que sea EL clásico, pero era apropiada para su época, donde cualquiera podía ver a un millonario y decir “ah sí, yo puedo llegar allá”. ¿Pero ahorita, con una crisis económica, apiadarse de un niño-hombre que bota los casi infinitos reales? No sé, pero ni la química evidente entre Brand y Mirren, normalmente geniales, pudo rescatar a esta del desastre.

Veredicto: Nah, no gracias.

Para coleccionistas / puristas: Hay una serie de detrás de escenas, entrevistas con el elenco y pelones y diez minutos de escenas borradas.

[REC] 2



Sinopsis: Cinco minutos después que el ejército español declaró un edificio en cuarentena, los efectivos entran para despejar el sitio –y se encuentran con los efectos de una terrible enfermedad.

Como saben, no soy muy amigo del terror, pero la española de 2007 [REC] me hizo cosquillas por ver. Y antes que me decidiera, salió la secuela, logrando algo que pocas secuelas de terror logran –ser tan buena como la primera. La combinación del estilo “pietaje encontrado”, la vista claustrofóbica y unos sustos bien creativos y sobre todo efectivos hacen de esta una adición segura a la colección de cualquier fanático del terror.

Veredicto: Llámenme masoquista, pero con todo y el terror que me inspiran, creo que esta y su predecesora pronto serán vistas por mí.

Para coleccionsitas/puristas: Escenas borradas y extendidas, un detrás de escenas de casi una hora, una gira por el set cortesía de la directora artística Gemma Fauría, la conferencia de prensa del festival de cine de Stiges y la gira de los directores Paco Plaza y Jaume Balaguero a un par de festivales y un estreno en Francia.

The Lincoln Lawyer

Sinopsis: Mick Haller (Matthew McConaughey) es un astuto abogado de calle que frecuentemente hace negocios desde el asiento trasero de su Lincoln que ahora debe decidir si el aceptar defender a un niño rico (Ryan Phillippe) acusado de violación y agresión fue la mejor idea. También actúan Marisa Tomei y William H. Macy.

Matthew McConaughey se ha ganado una mala fama dado su terrible elección en películas (en particular Los Fantasmas de Mi Ex). Pero los comentarios de The Lincoln Lawyer demuestran que el tipo sabe actuar cuando tiene el guión apropiado, y este, basado en una novela de Michael Connelly, parece ser un convincente thriller legal con un elenco bastante decente.

Veredicto: Creo que vale la pena verla aunque sea una vez. Además, señoritas, saben que quieren ver si Matthew se quita la camisa aquí también.

Para coleccionistas/puristas: El típico detrás de escenas y algunas escenas borradas, pero también tiene una gira de Los Ángeles con Michael Connelly y una conversación entre él y McConaughey.

Buster Keaton Shorts Collection: 1920-1923

Sinopsis: Rivalizando con Charlie Chaplin en cuanto a genialidad, Buster Keaton es una clase en comedia física con 19 cortometrajes que demuestran toda su habilidad para hacernos reír.

Chaplin es quien pasó al Valhalla de la comedia, pero Keaton no le llevaba nada al inglés del bombín y el sombrerito. Para más, Keaton era imposible de asustar, con una habilidad para meterse en situaciones normalmente peligrosas. Si eres un auténtico fan del cine, interesado en la historia del arte, esta es una segura.

Veredicto: ¿Ah qué, no leíste? Dije que si eres un auténtico fan del… ah joda, cómprala y ya.

Para coleccionistas/puristas: Catorce de los cortos incluyen un documental sobre ellas con un experto discutiendo algún aspecto y mostrando material promocional. Muchas tienen una versión digital mejorada alterna, junto con algunos cortos fuertemente influenciadas por la magia de Keaton, raras escenas de humor de algunos de los cortos mostrados y una película promocional de 1922.

Brazil

Sinopsis: Al tratar de corregir un error administrativo, un burócrata (Jonathan Pryce) se convierte en un enemigo del estado en un mundo retrofuturista. Robert de Niro e Ian Holm también actúan.

La más famosa película del genial Terry Gilliam, años antes de su magnífica 12 Monos, hace su debut en Blu Ray, Para variar con su eterna mala suerte, Gilliam sudó sangre para lograr que esta película fuera hecha, y es tan espectacular visualmente que el Blu Ray es el formato que más justicia le hace.

Veredicto: Todo clásico merece ser comprado.

Para coleccionistas/puristas: Curiosamente el Blu ray no tiene extras, así que si quieres el paquete completo, quizá sea mejor esperar un poquito más a una edición especial, o invierte en la edición de Criterion. Ésta incluye una versión de la película de 94 minutos (la original dura 145) que intentó hacerla más comercial.

Menciones especiales

• Insidious: La nueva película del director de Paranormal Activity Oren Peli ve a una familia que sospecha que están bajo ataque de fuerzas del más allá cuando su hijo entra en un misterioso coma. Recibió buenas palabras por parte de la crítica.
• Naked: David Thewlis interpreta a un irresponsable seductor que debe refugiarse en la casa de su ex novia (Lesley Sharp) cuando mete la pata un poco más allá, en esta edición de Criterion de uno de los clásicos menos conocidos del director Mike Leigh.
• Dinocroc vs. Supergator: El estudio del amo del mundo B Roger Corman presenta a David Carradine en su último papel en vida sobre un ambicioso ejecutivo cuya compañía causa un accidente genético que crea a un enorme caimán de treinta metros y una liga entre un tiranosaurio y un cocodrilo que empiezan a matar gente. El cerebro no es requerido.

Plasma de Miércoles E79: Scarface (1983)

Cuando hice mi post sobre grandes monólogos del cine, hubo un actor que recibió tres entradas, de tres películas distintas; un actor que se caracteriza por masticar el escenario donde se encuentra, sea que interprete a un policía, un ciego, un mafioso o el mismo Diablo. Este tipo siempre ha sido considerado uno de los grandes, a pesar de su baja estatura; uno de los más eléctricos actores de la historia de Hollywood. Y había una época en que, sin duda, era el rey del mundo –y lo interpretó en una de las más legendarias actuaciones en una carrera que daría muchos. Así que, sin más preámbulos…



Uno evalúa el talento que estaba involucrado para hacer Scarface y uno se pregunta cómo hizo tanta gente para caer tan bajo. Aparte de Pacino, que no ha tenido un rol memorable desde Any Given Sunday en 1999, el guionista es Oliver Stone y el director es Brian DePalma. A lo mejor esos últimos dos nombres conllevan muy poco en día –en particular por algunos amigos que tienen—pero en 1982 eran la crême de la crême. Y al ver la calidad de Scarface, se nota.

La historia empieza con el verdadero desembarque de exilados cubanos en 1980 por orden de Fidel Castro en las playas de Miami –aunque en realidad se estaba deshaciendo de pequeños y medianos criminales para que fueran el problema de lso Estados Unidos. Uno de ellos es Antonio “Tony” Montana (Pacino), quien junto con su amigo Manuel Ribera (Steven Bauer) consigue entrar al negocio de la droga. Pronto entiende cuál es el camino del éxito: “Primero tienes que conseguir el dinero, y luego tienes el poder. Cuando llega el poder, entonces tienes a la chica”. Supongo que por eso consiguió a una espectacular Michelle Pfeiffer, pero la ambición es algo que no conviene perseguir con constancia.

La violencia que abunda en Scarface es todo más impactante porque nunca se muestra de frente. Hay una escena clásica donde alguien le corta los brazos a otro con una sierra eléctrica que es suficiente para hacerte desmayar –y jamás se ve el acto como tal. Pero con inteligentes ediciones y aún mejor dirección, uno jura que la sangre está corriendo a borbotones. Y es lo mismo con el resto de la película, una de las más increíbles alusiones al capitalismo y a la ambición que se hayan enseñado desde entonces.

Pacino es el corazón, pero hablaré de él en un momento, pues el elenco que lo acompaña puede ser igualmente brillante. Bauer, el único auténtico cubano, puede ser igual de gracioso que aterrador y encantador, como un predecesor del John Travolta de Pulp Fiction. F. Murray Abraham es genial como uno de los primeros contactos de Montana en el submundo, casi absurdamente latino; igual Robert Loggia como su primer jefe, aunque tenga el peor falso acento latino de la película, igual hace un muy buen trabajo. Pfeiffer es la propia sifrinita que se la da de dura, pero necesita a un hombre poderoso que la proteja, quizá una de las razones por las que cae por Montana.Y este es el debut de Mary Elizabeth Mastrantonio, y su carita de dulzura también esconde una gran tragedia que su inmadurez puede llevarla por un camino muy oscuro.

En cuanto al propio Pacino… este es un personaje creado para la Historia, casi que el santo patrón de los raperos. Viniendo de un hombre que mide poco menos de 1,70 m. de alto, Tony Montana se impone por cómo se lleva a sí mismo, cómo se expresa, la determinación de su entrega… Y con todo y eso, Montana tiene un sentido del humor que es eminentemente latino, de doble sentido, de risa, demostrando un compromiso con el personaje que pocos han logrado desde entonces. Si hay un personaje por el que Pacino debió ganar el Oscar al principio de su carrera, es Antonio Montana. Aún más que con Michael Corleone, incluso más que con Frank Slade, con quien sí se ganó el premio.

¿Lo malo? Ustedes véanla. Si consiguen algo malo… pues saluden a mi pequeño amigo. .|…

Trailer de SCARFACE

DATOS CURIOSOS

• Poca gente sabe hoy en día que esto era originalmente concebido como un remake de la película de gángsters de 1932 también llamada Scarface, protagonizada por Paul Dini y dirigida por Howard Hawks, ambientada en Chicago, pero fue imposible por falta de presupuesto.
• Aunque se supone que es cubano, Al Pacino sólo dice una línea en español en toda la película. Similarmente, sólo es llamado “Scarface” una sola vez, y ni siquiera “Caracortada” como se traduce la película usualmente, sino “Caracicatriz”.
• El Consejo de Turismo de Miami  decidió no permitir que se filmara en la ciudad, pensando en la imagen que presentaría mostrando a sus inmigrantes más recientes como criminales y narcotraficantes.
• Oliver Stone escribió esta película mientras peleaba en contra de una fuerte adicción a la cocaína.
• Sidney Lumet fue el primer elegido para dirigir esta película pero se echó para atrás. Fue su idea de hacer los personajes cubanos.
• Brian de Palma se enamoró tanto del guión que dejó de dirigir Flashdance para dedicarse a esta.
• La cocaína usada en la película iba a ser leche en polvo, pero no podía usarse porque no se veía bien al ser filmado. De Palma se ha rehusado a decir qué sustancia usó temiendo que destruyera la ilusión de realismo.
• Al Pacino ha dicho que Tony Montana –quien Oliver Stone nombró por su jugador de fútbol americano favorito, Joe Montana— es su personaje favorito.
• Miriam Colón, quien hizo de la madre de Tony Montana, sólo es cuatro años mayor que Al Pacino.
• El “pequeño amigo” de Montana es un rifle de asaltio M16 con un lanzagranadas M203 de 40 mm pegado al barril.
• Michelle Pfeiffer tomó un papel muy complicado de conseguir. Rosanna Arquette, Jennifer Jason Leigh, Melanie Griffith, Kim Basinger, Kathleen Turner y Jodie Foster rechazaron el papel de Elvira Hancock, Kay Lenz (ahora conocida actriz de televisión) y Kristy McNichol (luego de la comedia Empty Nest) quisieron el papel pero Brian De Palma las rechazó. Brooke Shields lo quería, pero su madre hizo que lo rechazara (gracias, mami. ¬¬). Geena Davis, Kelly McGillis, Sharon Stone y Carrie “Leia” Fisher audicionaron para el papel. Por último, el productor Martin Bregman reveló en su libro Scarface Nation que Glenn Close fue la primera elección para Elvira, pero no la satisfizo porque pensó que sólo sería “media mujerzuela”.
• Creo que a nadie le sorprenderá que el papel de Tony Montana se le ofreció a Robert de Niro. Lo rechazó.

Yo solito

Este es un post que seguirá evolucionando a medida que siga recibiendo sugerencias. :)

(Este post fue hecho con Storify, una herramienta que permite hacer historias con redes sociales. Si eres periodista en la web, no puede recomendártelo lo suficiente; ¡mira qué bien quedan las historias!)

¿Mejor en blanco y negro?

Si hay algo que me da dolor, es que muchas películas que he reseñado aquí, principalmente Casablanca y Los Siete Samurai, serán ignoradas por el público más joven por el solo hecho de ser en blanco y negro. ¿Cuál es el aplique en contra de las películas a blanco y negro? Cierto, nosotros percibimos el mundo a color, y se entiende que querramos ver nuestras películas de modo natural, ¿pero saben el ambiente que puede dar una película B&N? Hay una razón artística y estética por la que Spielberg decidió filmar su magnum opus Schindler’s List en blanco y negro.

Hay una razón por la que muchos cineastas –y cinéfilos— de peso aman el blanco y negro. La mejor defensa la aplica, como siempre, Roger Ebert, en su ensayo “Por Qué Amo el Blanco y Negro” de 1989 (está incluido en su libro Alone in the Dark). Jason Bailey, de Flavorwire, un blog de cultura pop que acabo de descubrir gracias a kottke.org, cita al veterano crítico de cine:

Hay cuestiones estéticas básicas aquí. Los colores tienen una resonancia emocional para nosotros… Las películas en blanco y negro presentan la ausencia deliberada de color. Esto las hace menos realistas que las películas de color (pues el mundo real es a color). Son más parecidas a un sueño, más puras, compuestas de figuras y formas y movimientos y luz y sombra. Las películas a color pueden simplemente ser iluminadas. Las películas en blanco y negro deben ser iluminadas con ciencia.

Bailey, además, destacó la “dieta mediática” Steven Soderbergh, quien, cuando hizo pública una lista de películas, libro, series de TV, obras y cuentos que había consumido en 2010, indicó algo novedoso: vio Cazadores del Arca Perdida tres veces en una semana y en blanco y negro. Supongo que se pueden ver detalles que se perderían en una visión normal; un reto interesante para Bailey. Así que compuso su lista de 10 películas modernas que se verían mejor en blanco y negro –con videítos comentados y todo. Veré si le pongo subtítulos después. Aquí les pongo mis tres favoritas.

Cazadores del Arca Perdida

“No sólo es un homenaje a esas viejas películas de los años ‘30, una época en que el cine era a blanco y negro… La escena final parece iluminada tanto para color como para blanco y negro”.

Michael Clayton (esta la tengo y la veré en blanco y negro pronto)

Better in Black and White: "Michael Clayton" por flavorwirejason

 

“Clooney debería ser siempre en blanco y negro, él tiene ese molde clásico de Clark Gable y Cary Grant. Él ya ha estado a blanco y negro, él dirigió y estuvo en Good Night and Good Luck. (…) No puedo decirles qué funciona de esta escena en B&N, simplemente funciona”.

The Departed

“Scorsese ha trabajado mucho en blanco y negro, siendo Raging Bull su ejemplo más notable (…) y es un historiador del cine y ha trabajado mucho en preservar el cine y claramente tiene mucho amor por la pinta y visión del cine a blanco y negro (…) Con The Departed, hizo básicamente una película de gángsters en Warner…”

Out of Sight (creo que es mi favorita, se ve genial en blanco y negro)

 

“[Soderergh] habla en la pista de comentario del DVD sobre lo consciente que estaban él y su director de fotografía Elliot Davis sobre la temperatura de color, como hicieron algunas decisiones deliberadas de color. Por eso no estaba seguro [en ponerla en esta lista]. Pero luego vi esta escena [a partir de 00:30] y quería enseñársela porque es absolutamente hermosa. Davis está haciendo esta delicada iluminación de borde, y los dos parecen viejas estrellas de cine…”

Bien vale la pena que vean el resto de los videos y luego traten de ver esas películas en formato “clásico”. ¿Se les ocurre alguna otra película moderna que funcione a blanco y negro? En los comentarios mencionan L.A. Confidential, y tiene  razón; también mencionan The Road, la reciente versión de John Hillcoat del libro de Cormac McCarthy. Yo creo que tal vez Se7en sirva, quizá A Serious Man de los Coen…

Plasma de Miércoles E74: El Aullido (1981)

Soy un hombre recién casado en caminado a sus 40 años que se rehúsa a aceptar que no tiene 20 años. Es así de fácil. Aún pienso en esos términos cuando no tengo que lidiar con pagar la luz, mudarme con otra persona (por muy bella que sea) o lavar mi propia ropa. Hasta que alguien de afuera me recuerda que no, chamo... esas canas son de verdad.

Y es así como gracias al pana Videoguerrillas me doy cuenta que El Aullido cumplió 30 años el 10 de abril, y tengo que aceptar que ha pasado mucho tiempo --y no he visto ninguna película de hombres lobo, con la sola excepción de An American Werewolf in London-- que pueda competir con lo magistralmente sangriento que es esta vaina. ¡Treinta años, viejo!

Karen White (Dee Wallace) es una periodista televisiva que está siendo acosada por un asesino en serie llamado Eddie Quist (Robert Picardo). Luego de un encuentro particularmente atemorizante con Quist que la deja sin memoria, su psiquiatra (Patrick Macnee) la invita a ella y a su esposo Bill (Christopher Stone) a pasar unos días en una comunidad que él dirige en las montañas llamada La Colonia que la podría ayudar a recuperarse. Pero a los pocos días, Karen descubre que hay algo que la gente del lugar no le está contando --y los terribles aullidos que suenan en las noches le dicen que su pesadilla puede que esté llegando al peor momento.

Inspirada en la novela del mismo nombre de 1977 por Gary Bradner, esta fue una de las primeras películas de Joe Dante, el alumno del rey de las películas B Roger Corman. Dante había logrado hacer una semiparodia de Tiburón con su increíble Piraña, de modo que cuando el primer director (Jack Contrad) tuvo un conflicto con el estudio, Dante fue su primera eleción. También el guionista Terrence H. Winkless (quien luego dirigiría... em... episodios de los Power Rangers) se fue del proyecto cuando su guión no satisfizo a la gente, siendo reemplazado por John Sayles (que había trabajado con Dante en Piraña). Y por último, Rick Baker se encargaría del maquillaje, pero se fue precisamente para trabajar en Hombre Lobo americano en Londres, dejando las labores a cargo de su asistente Rob Bottin.

El resultado fue una película que tiene un ligero toque de humor manteniéndose auténticamente aterradora, muy al estilo de Dante (imaginen Gremlins sin nada adorable). Es que nada más miren ese afiche. Y todo esto es antes de ver al primer hombre lobo en todo su esplendor; las actuaciones de todo el elenco contribuyen a que uno constantemente sepa que hay algo extraño pasando. En especial quiero destacar el trabajo de Elisabeth Brooks, como Marsha Quist; vestida de cuero de pie a cabeza, hay algo en su mirada que te inquieta, y no sólo es lo ninfómana que parece ser. Esta mujer era una delicia de ver, y siempre era una villana en sus roles sin llegar a ser una caricatura. Es una lástima que haya muerto en 1997 sin que nadie siquiera recuerde quién era.

De hecho, en ese mismo sentido, son las mujeres las que dominan en cuanto a lo actoral aquí. Wallace, quien se hizo aún más famosa por ser la madre de Elliott en E.T. El Extraterrstre, es la imagen de la inocencia, y uno espera que nada malo le pase; pueden llamar su actuación un cliché, pero ciertamente le sale todo muy natural. En cambio, los hombres parecieran conformarse con parecer estresados: Christopher Stone (otro actor que murió antes que nadie lo reconociera) es básicamente el esposo con un secreto, mientras que Dennis Dugan (quien se haría luego famoso por dirigir seis películas con Adam Sandler, si me lo creen), más que ser el gran héroe, parece ser el intenso extraño que llega a salvar el día por casualidad. La única excepción entre los hombres es Robert Picardo, un actor de teatro que se ha hecho famoso entre la comunidad geek por sus roles en Star TYrek: Voyager y varias versiones de Stargate, quien aún sin el maquillaje de hombre lobo es un tipo absolutamente siniestro.

Ah, el maquillaje... La mayor razón para ver esta película. En ese entonces no había efectos computarizados; las cosas tenían que hacerse como antes, con látex y afines. Bottin aprendió bien del maestro Baker; la escena de transformación principal rivaliza sin ningún problema con la de Londres y le da cuatro patadas a todas las que han venido desde entocnes (Underworld y <puaj> Twilight en particular), con la posible excepción de El Hombre Lobo de Benicio del Toro. Casi que no quiero mostrárselas, pues en la película tiene un impacto enorme.

Leo con dolor y temor que se está haciendo un remake de El Aullido, sólo que ahora se enfoca en el hijo de Karen, que está descubriendo que "algo" le quedó a su madre del primer encuentro con Eddie Quist. ¿Que no bastó con las seis terribles secuelas que El Aullido ya tuvo? Yo sólo vi una y no me quedaron ganas de más: Howling II: Werewolgf Bitch (lo juro por mi madre), así que este remake --que tiene una pinta de querer hacer para los hombres lobo lo que Twilight hizo para los vampiros-- no me suele sino a caca de perro. Mejor no la vean. Anda, ¿sí?



NOTAS CURIOSAS

• Varios de los personajes tienen nombres de directores de películas de hombres lobo: George Waggner (El Hombre Lobo de 1941), Roy William Neill (Frankenstein contra el Hombre Lobo, 1941), Terence Fisher (La Maldición del Hombre Lobo, 1960), Freddie Francis (Leyenda del Hombre Lobo, 1975), Erle C. Kenton (La Casa de Drácula, 1975, que de paso es protagonizada por John Carradine, quien sale en El Aullido), Sam Newfield (The Mad Monster, 1942), Charles Barton (Abbott y Costello contra los Monstruos, 1948), Jerry Warren (Face of the Screaming Werewolf, 1964), Lew Landers (The Return of the Vampire, 1944) y Jacinto Molina, un seudónimo de Paul Naschy (La Marca del Hombre Lobo, 1968).
• Las referencias a hombres lobo abundan en la película. El libro Howl de Allen Ginsberg aparece al lado de un teléfono; el sheriff del pueblo (Slim Pickens) sale comiendo chili Wolf Brand; Bill está leyendo No Puedes Volver A Casa de Thomas Wolfe; hay una pintura de un lobo atacando ovejas sobre la cama de Bill y Karen; un afiche de Lon Chaney, Jr., quien hizo del hombre lobo en todas las versiones clásicas de kla historia en los años 40, aparece en la oficina del doctor Waggner; y hay algunas menciones al locutor de radio Wolfman Jack.
• Tanto John Sayles como Roger Corman tienen breves papeles en la película.
• A Robert Picardo le disgustaba todas las horas que tenía que estar sentado para que lo maquillaran. En el comentario de la edición especial del DVD dice. "Un día, luego de estar seis horas sentado en la silla de maquillaje estaba pensando: 'entrenado en Yale, dos papeles principales en Broadway. Mi primer papel actoral en California, mi cara se derrite en una película de terror de bajo presupuesto'. Todo lo que el equipo dijo en ese entonces fue, '¡Bob, la próxima léete el guión completo!'"