El Origen de los Guardianes: Hay que proteger al niño que hay en ti

viernes, noviembre 30, 2012 | Comments

rise_of_the_guardians_ver8_xlgDesde que empezó a ofrecerle competencia a Pixar, Dreamworks ha sido visto como el primo bonchón y talentoso que consistentemente demuestra que “tiene con qué” aunque le falta la sensibilidad de la gente de la lamparita. Desde hace unos años para acá, sin embargo, en especial desde Cómo Entrenar a Tu Dragón, han demostrado que no sólo están para risas, sino que hay un corazón de oro latiendo debajo de toda esa joda. Con El Origen de los Guardianes, Dreamworks finalmente logró algo que sólo Pixar había hecho en su categoría: me hizo llorar.

Desde tiempos inmemoriales, El Hombre en la Luna (quienquiera que sea ese) designó a los Guardianes para proteger por la inocencia de los niños en el mundo. Ahora San Nicolás (Alec Baldwin), el Hada de los Dientes (Isla Fisher), el Conejo de Pascua (Hugh Jackman) y el Arenero buscan al irreverente Jack Frost (Chris Pine, de Star Trek) que tiene el secreto para contrarrestar la amenaza de Pitch (Jude Law), el Coco, sobre su existencia y la de todos los niños.

excelente-conmovido[6]Basada en una serie de libros de William Joyce, Guardianes parece mandada a hacer para Dreamworks dada la irreverencia de sus personajes, pero no se dejen engañar ni por un instante: esta película les convencerá de lo importante que son estos personajes, el por qué existen y por qué hacen lo que hacen. Parte de ser niño es de sentirse seguro, que el mundo ofrece maravillas que están ahí aún por descubrir, y los Guardianes están ahí para asegurarse que no la pierdan sino hasta que estén listos para crecer y enfrentarse al mundo solos. Salí de aquí añorando mi infancia como nunca y ansioso de tener un hijo al que le pueda transmitir estas emociones.

Este el debut del director Peter Ramsey luego de trabajar en los storyboard de, entre otras, Minority Report, Fight Club, Adaptation y Panic Room, y el guionista David Lindsay-Abaire, aunque también escribió los guiones de Robots e Inkheart, es más conocido como dramaturgo, habiendo adaptado su libreto para la contundente Rabbit Hole. Si además añaden que uno de los productores ejecutivos es un tal Guillermo del Toro, la irreverencia de los personajes se puede entender, sin mencionar lo básico de las emociones que surgen a fondo. El diseño de San Nicolás es quizá mi favorito, porque si lo piensas, ¿no hace sentido que hable con acento eslavo? Y si vas a poner a Wolverine a prestarle su voz a un conejo, ¿no es obvio que lo vas a hacer experto en bumerangs y… australiano? Incluso lograron meter el detalle que el Hada de los Dientes es conocida en el norte, pero por estos lados es el Ratón Pérez.

He leído en muchas partes que los adultos podrían considerar esta un poco demasiado infantil, comparada con Shrek o El Gato con Botas, que tenía varias referencias para los papás. Yo digo que el adulto que piense así olvidó de lo que era ser niño por completo. Un consejo: cuando vayan a llevar a su hijo o sobrinito o primito a ver El Origen de los Guardianes, vean la maravilla en sus ojos cuando vean esos personajes a los que sus papás les contaban a ustedes mismos cuando tenían esa edad. Recuerden la emoción de ver una moneda debajo de la almohada cuando pierden un diente, o Dios mío, cuando están los regalos debajo del árbol en Navidad. Recuerden eso, y díganme si de verdad quieren vivir en un mundo donde no hayan historias así.

The Bourne Legacy: ¿Por qué iba a haber uno solo? ¿O nada más tres?

viernes, noviembre 16, 2012 | Comments

bourne_legacy_xlgEn 2007, Matt Damon y Paul Greengrass decidieron que hasta aquí llegaba el tren de Jason Bourne, a pesar de que la franquicia basada en la novela de Robert Ludlum los había consolidado firmemente como actor y director de acción. Más que nada fue porque Universal ya estaba harto de Greengrass, famoso por ser un tanto… difícil para trabajar, y Damon dijo que no haría otra sin él.

Eso nunca ha detenido un estudio antes, ¿verdad?

Ahora de la mano de Tony Gilroy, quionista de las dos primeras y director de la genial Michael Clayton, tenemos al ascendente Jeremy Renner tomar las riendas de la franquicia (suponemos que mientras se decide al fin si va a estar al frente o no de la próxima Misión: Imosible). Renner interpreta a Aaron Cross, un agente que acaba de descubrir, junto con nosotros, que los programas Treadstone y Blackbriar, que crearon a personas como Jason Bourne, están cerrándose, y eso quiere decir eliminar toda evidencia que alguna vez existieron. Así que debe encontrar a una doctora (Rachel Weisz) que lo ayude a sobrevivir y quizá detener al oscuro agente de gobierno (Edward Norton) que está pendiente de terminar de amarrar los cabos sueltos de sus predecesores.
equis[7]
Esta película tiene todos los elementos que deberían fascinarme. Renner es excelente actor de acción, dada la presencia que tiene, pero a la vez es excelente actor, punto, como lo son Weisz y Norton. Gilroy es excelente guionista, sabiendo contar una historia emocionante, sin mencionar que sabe de intrigas y conspiraciones como pocos.

Pero aunque tiene excelentes escenas de acción, The Bourne Legacy no es el legado que me gustaría que Ludlum dejara. En medio de las escenas tensas o emocionantes, hay demasiada exposición, demasiada pausa, demasiadas conversaciones que parecen inútil. Yo diría que hay cerca de 45 minutos de película que no me hicieron falta y ralentizaban la película a un punto que quería hacerme gritar. En serio había momentos en que quería pararme e irme.

Pasa que todo eran cosas que ya había visto antes. Ya sé que esta es una organización que tiene millones de recursos a su favor para conseguir a quien está buscando. Los obligatorios flashbacks que mostraban un poco de lo que Aaron había vivido no me molestaron, y las escenas que mostraban cómo habían perseguido a Bourne mientras él se estaba aún entrenando en el programa eran bastante buenas. Pero culpo a Gilroy y su dirección y la manera en que maneja interacciones más lentas por las artes más buenas; simplemente no agarran mi interés.

Eso mismo pensé con la última de Gilroy, Duplicity, y al igual que esa, no puedo quejarme de las actuaciones. Si acaso de lo poco que vi de algunas. Stacey Keach siempre es un placer de ver, aunque aquí está haciendo una versión del papel que Brian Cox hizo en la segunda. Scott Glenn es otro veterano que aparece en un parpadeo, y Joan Allen y David Strathairn están para confirmar que en efecto estamos en el universo Bourne –y más nada.

En cuanto a los tres pesados, Norton es chico compañía hasta el final, pero tampoco es que aportó gran cosota. pero claro, yo aceptaré a un Norton mediocre (que aquí no es, es simplemente… normal) sobre cualquier actor malo cualquier día. Weisz sí es increíble; en serio su desesperación por tratar de comprender la locura que está pasando a su alrededor me parte el alma. Cero exageraciones. Y por último, Renner es awesome. Tiene una presencia tan particular, que ya con sólo asomarse nos tiene a todos diciendo “que arrecho” ('¿o no recuerdan cómo se sintieron cuando apareció en Thor?), y es alguien que además de imponerse físicamente sabe llevar emociones. Hace lo mejor que puede con un guión inestable, y sale bien parado a pesar de todo.

Dudo que haya una quinta parte de esta franquicia considerando que no fue el exitazo de taquilla que fue cualquiera de las anteriores, sobre todo porque llegará un momento en que van a tener que dejar de asociarse con Jason Bourne y terminar haciéndolo aparecer o matar la franquicia de una vez. Lo que lamento es que Legacy púdo haber sido tanto más, un final tan apropiado, y resultó siendo apenas tolerable.

El cambio es elemental mi querida Watson...

jueves, octubre 25, 2012 | Comments

2012-2013 Series Key ArtDejo nuevamente a la televisión colearse por acá, pero esta serie me tiene intrigado. Me volví fan de la nueva Sherlock británica, más que nada por las excelentes actuaciones de sus protagonistas, Martin Freeman y el genialmente llamado Benedict Cumberbatch. Así que entiendo por qué de este lado del charco decidieron hacer su propia versión, con el “twist” que ahora el doctor Watson es la doctora Watson. El estreno es esta noche por Universal Channel; le daré una oportunidad. Aquí tienen la información de prensa.

Llega a Latinoamérica la serie dramática Elementary, protagonizada por Jonny Lee Miller en el papel de Sherlock Holmes y Lucy Liu como la doctora Joan Watson, a través de Universal Channel. El show, que se estrenará el 25 de octubre a las 10:00pm[1], renueva al detective Sherlock Holmes y presenta a una pareja de compañeros que resuelven los casos más difíciles del departamento de policía de Nueva York.

“Estamos muy orgullosos por poder traer Elementary, la versión moderna de Sherlock Holmes, a la televisión latinoamericana,” comentó Nora Abrego, directora de mercadeo de Latinoamérica para Universal Networks International. “Universal Channel sigue trayendo las mejores series a la región, y creemos que ésta en particular puede convertirse en la nueva serie favorita de nuestros televidentes latinoamericanos.”

La historia gira alrededor de la vida del excéntrico Sherlock, quien se escapa a Manhattan después de haber caído en desgracia en Londres y haber pasado una época en rehabilitación. Como resultado, su adinerado padre lo obliga a vivir su peor pesadilla: estar permanentemente acompañado de alguien sobrio, la doctora Watson.

Watson es una cirujana de éxito hasta que pierde un paciente y su licencia tres años atrás. Por lo tanto, ella ve su trabajo actual como otra oportunidad para ayudar al prójimo, además de hacer debida penitencia. Pero el inquieto Sherlock es muy diferente a sus pacientes anteriores, y él mismo decide crear su propio régimen post rehabilitación: retomar su trabajo como asesor de la policía en la Ciudad de Nueva York. Watson no tiene otra alternativa que acompañar a su irascible nuevo paciente a realizar su trabajo.

Por ello, la combinación de las habilidades impecables de Sherlock para la deducción y la vasta formación médica de Watson, juntos hacen una pareja imparable, mostrándonos que la curiosidad es elemental.

El estreno de la temporada se llevará a cabo el 25 de octubre a las 10:00pm1 por Universal Channel.


[1] 10:30pm hora Venezuela

Prometeo: ¿Y para esto esperamos tanto?

sábado, septiembre 29, 2012 | Comments

prometheus_xlgLuego de finalmente ver la película más divisiva del año, como su querido bloguero de cine declaro oficialmente (a) cerrado el verano cinematográfico y (b) en general, con una sola excepción, bastante decepcionante. Me pongo a considerar todas las películas por las que nos estábamos volviendo locos, y para mí por lo menos, sólo The Avengers superó mis expectativas. Todas –todas sin excepción—fueron menos de lo que esperaba. No hubo ninguna verdaderamente mala, pero en comparación a lo que yo esperaba, yo lo llamaría el verano del “meh”. Y mi gente, aunque tiene muchas a su favor, diría que Prometeo es la mayor merecedora de ese calificativo.

 

En su vuelta a la ciencia ficción, el director Ridley Scott (Alien, Gladiador, Blade equis[7]Runner) nos muestra el año 2091, donde la nave Prometeo lleva una expedición científica a un planeta tan lejos de la Tierra que hasta la palabra “lejos” se cansó de tratar de llegar allá. La corporación Weyland, un conglomerado fundado por Peter Weyland (Guy Pearce) acordó soltar el trillón (sí, trillón) de dólares para llevar a la gente que descubrió pictogramas en distintos sitios arqueológicos adorando enormes seres humanoides con un mapa de estrellas que los llevaron a ese planeta.

 

Esa gente son los arqueólogos Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y Charlie Holloway (Logan Marshall-Green), quienes están convencidos que han descubierto a nuestros creadores, los Ingenieros, los llaman. Están acompañados por, entre otros, una fría y distante mujer de negocios llamada Meredith Vickers (Charlize Theron), el rudo capitán del Prometeo, Janek (Idris Elba) y un androide llamado David (Michael Fassbender). Están a unto de encontrar por las malas que hay una razón por la que los orígenes de la vida deberían permanecer un misterio.

 

Desde el principio, Prometeo se presenta como esta grandiosa y profunda épica que va a explorar lo que significa ser humanos, pero lo que en realidad percibí es ese chamo que se ganó un viaje a la ópera y se leyó algunos libros antes para tener algo de qué conversar. El guionista Damon Lindelof –porque yo también le echaré a él la mayor parte de la culpa de esta película—comete el mismo error que cometió en Lost: nos presenta con una serie de intrigantes preguntas para al final dejarnos, bien sea sin respuestas o diciendo, “¿Ah?” Quisiera darles ejemplos, pero en muchos casos constituyen un spoiler; sólo digamos esto: si ya sabías que iba a haber una secuela, ¿por qué no decirlo desde el principio? Porque ya a mitad de camino, sabes que esta película está planeada ara ser la primera de muchas. O la versión del director da más respuestas.

 

De lo que no nos podemos quejar son de los efectos y de la fotografía, a cargo del veterano Dariusz Wolski (Piratas del Caribe). Las solas escenas iniciales, filmadas en Islandia a lo largo de tres semanas, son más hermosas que el 90% de las películas que salieron este año, y todo se siente orgánico y real, algo que le agradezco siempre a Scott, que ha sabido trabajar los gráficos computarizados de una manera sutil, aún cuando sabes que lo son, y siempre ha preferido efectos prácticos. Y eso sí, el hombre sabe dirigir tanto una escena de acción como una de tensión. Sigue siendo una joya como director; lo que necesitamos es juntarlo con mejores guionistas (que creo que ya hizo).

 

En cuanto a los actores, no creo que estén conscientes que son personas que en muchos casos hacen decisiones sumamente estúpidas (¿quitarse un casco en una cueva en un planeta alienígena? ¿Jugar con un animal desconocido? Brillante) así que simplemente hacen lo mejor que pueden. Theron es la más competente entre las actrices, jugando a la Reina del Hielo con efectividad y mostrando rastros de humanidad cuando lo necesita; de verdad que esta mujer ha superado su increíble belleza para demostrar que puede actuar. Rapace le sigue, pero honestamente no es que tenga mucho que hacer, más allá de los horrores que debe ver y experimentar. El elenco de actores, por su parte, son casi desechables, incluso Elba, que es el más reconocido (¿de dónde es ese acento, por cierto?). El único que se distingue, de nuevo, es Fassbender, que se tiene la suficiente mezcla de intriga y compasión para ser a la vez fascinante y perturbador como el androide David. Pearce aparece al principio brevemente en un terrible maquillaje de anciano, así que trato de no mencionarlo, pero parece un mal clon de Benjamin Button.

 

Tú sólo recuerdas que esto se supone es un precuela a Alien cuando ves los uniformes de los ingenieros y una escena justo antes de los créditos, pero eso la verdad funciona en su contra, principalmente porque no es tan efectiva. Lo que mejor puedo decir de Prometeo es que es un intento válido por retornar a la ciencia ficción inteligente de la que tenemos tan pocos ejemplos hoy en día. Que también sea un intento fallido, es otra cosa; prefiero mil veces ver Moon que esta. A ver si con la segunda parte –porque oh sí, vendrá una segunda—nos va mejor.

De Roma con Amor: Caro mío, signore Allen, grazzie, grazzie, pero un poquito menos la próxima

viernes, septiembre 14, 2012 | Comments

to_rome_with_love_ver3_xlgA sus 76 años, Woody Allen ha demostrado que no tiene ninguna intención en detenerse. Siquiera parar para respirar. ¿Qué otro cineasta saca una película todos los años? Aunque es cierto, no todas tienen la calidad de sus clásicos, como Annie Hall o Manhattan, pero éxitos recientes como Vicky Cristina Barcelona y la maravillosa Medianoche en París le demostraron al mundo que el hombre aún tiene historias que interesan al público en general.

Con su nueva película, el hombre sigue en Europa, ahora en Italia, con un compendio de cuatro historias que muestran a la ciudad en toda la gloria que pueda merecerse. Pero de forma parecida a los que vimos The Dark Knight Rises, no usen la película anterior de Allen como un termómetro para medir esta.

Empezamos conociendo a Michelangelo (Flavio Parenti), un abogado izquierdista y pro-bono quien conoce y se enamora de la turista estadounidense Hayley (Alisson Pill). Cuando están listos para casarse, los padres de Hayley vienen a Roma, la psiquiatra Phyllis (Judy Davis) y el director de ópera retirado –a su despecho-- Jerry (el propio Allen, en su primer papel como actor desde 2006). Allí conocen a los padres de Michelangelo, la amable pero muy italiana madre y Giancarlo (el tenor italiano Fabio Armiliato), quien, Jerry descubre, tiene una magnífica voz… en la ducha.
decente
Luego nos encontramos con John Foy (Alec Baldwin), un famoso arquitecto que vivió en Roma en su juventud, y conoce a Jack (Jesse Eisenberg), un estudiante de arquitectura que vive en el mismo barrio que él, con su novia Sally (Greta Gerwig). Reciben a la mejor amiga de Sally, Mónica (Ellen Page), una actriz desempleada y un tanto excéntrica que John –que ahora por lo visto vive en la cabeza de Jack—reconoce como un peligro para la relación que Jack tiene.

Ahora tenemos a Leopoldo Pisanelli (Roberto Benigni), un empleado de clase media de vida sencilla y aburrida que un día, sin explicación alguna, se convierte en el hombre más famoso de toda Roma, donde el mundo quiere saber todo sobre él: si usa boxers o calzoncillos, si se peina o no, qué desayunó, lo que sea.

Y por último, vemos a los recién casados Antonio (Alessandro Tiberi) y Milly (Alessandra Mastronardi) llegar a un hotel en Roma de luna de miel de un pequeño pueblo, donde además Antonio va a conocer a sus muy conservadores tíos para discutir la posibilidad de un empleo allí en Roma. Milly se ausenta para buscar un salón de belleza y prepararse (y se pierde), mientras que Antonio recibe la inesperada visita de Anna (Penélope Cruz), una prostituta muy decidida pero que llegó a la habitación por error –justo cuando llegan sus tíos. Así que ahora Anna debe jugar a Milly para salvar al muy nervioso Antonio de su situación, y hasta de sí mismo.

Cuando vi esta película escribí: “Hay una gran película escondida en cada una de las viñetas, pero me siento abrumado de tanto genio y neurosis”. Y lo confirmo aquí. En cada una de las viñetas hay algunos de los diálogos más inteligentes que Allen pueda escribir (“¡Soy un genio!” “Lo estás pensando en dólares, en euros es menos”) y se nota que todos se están divirtiendo, pero hay momentos en que siento que Allen simplemente se deja ir y la película pierde su coherencia: se queda demasiado tiempo como disfrutando la absurdidad de algunas escenas y hace que uno pida que avance y ya, avanza la historia.

Además, no sé por qué, pero aquí tenemos tres personajes “Woody Allen” y al propio Allen por alguna razón: el neurótico, tieso e inseguro que hace demasiados esfuerzos por lograr las cosas. Lo bueno es que ninguno de los actores trata de imitar a Allen en este aspecto; supongo que simplemente es su estilo y ya. Lo malo es que vemos demasiados paralelismos con el propio Allen y a mí por lo menos me pareció casi masturbatorio. O sea Woody, ya, volviste a actuar; ¿para qué multiplicarte también?

Lo que sí no puedo reclamar son las actuaciones por todos lados. Allen no ha perdido su toque cómico, y su estilo continúa haciéndome reír de lo lindo, además que disfruté mucho su pareja con Davis; se convirtieron en la propia pareja judía como si tuvieran años casados. También le aplaudo que creo que es el único director estadounidense que sabe cómo utilizar a Cruz para demostrar que es una excelente actriz, además que se nota que se divirtió de lo lindo. Benigni se controla bastante, muy al contrario del estilo que lo definió con La Vida Es Bella, y lo siento por sus “haters” pero el tipo es comiquísimo. El segmento más flojo es el de Baldwin, Eisenberg, Page y Gerwig, todos actores que bastante disfruto. Eisenberg parece no poder quedarse quieto ni un minuto, y Page… no sé, tengo que digerirla más. Baldwin es toda dignidad, nada ver con Jack Donaghy, pero no sé… De hecho pensé mucho en ese personaje de 30 Rock cuando vi lo que hizo Allen con Armiliato, en especial esta escena. Como dijo James Lipton cuando entrevistó a Baldwin en Inside The Actor’s Studio, una de las cosas más difíciles para un bue actor es actuar mal, así que imagino que para un cantante tan impresionante como Armiliato debe haber sido dificilísimo cantar mal –sin mencionar que el absurdo que Allen lo puso a hacer debe haber sido muy difícil concentrarse en actuar.

Como dije al principio, no traten de medir De Roma Con Amor con Medianoche en París,porque son dos películas bastante distintas. En esta ocasión, Allen está explorando los temas de la fama y cómo afecta a la gente en general (y a los famosos) y lo hace de una manera casi cínica, donde Roma es reducida  fondo, mientras que París… sí es una carta de amor a la Ciudad Luz, y ella es un personaje más. No puedo negar que la disfruté, pero aún Allen no nos va a entregar otro clásico –no lo esperen.

Olvídense de Hollywood un ratico y disfruten de cine indie "made in U.S.A."

jueves, septiembre 13, 2012 | Comments

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Ya, listo. Se acabó el verano. Batman espera tranquilito su “reboot”, los Vengadores vinieron e hicieron lo que les dio la gana con nosotros, se guardan las pistolas y los monstruos se duermen. Hora del cine seriecito. Ese que gana Oscars y se proyectan en Sundance. Hay varios títulos de ese aspecto que se van a estrenar de aquí a fin de año, pero mientras tanto, la décima edición del Festival de Cine Independiente de Estados Unidos es una excelente –y subrayo lo de excelente— opción para prepararse para esa época.

 

El Festival es organizado por la Embajada de Estados Unidos, el circuito Gran Cine y Queiroz Publicidad, y tiene la colaboración de Cinematográfica Blancica, Cinex, Cines Unidos, The Walt Disney Company Venezuela, 20th Century Fox, Fundación Trasnocho Cultural, Cinemateca Nacional y Fundación Previsora y la emisora Onda 107.9 la Superestación, y les digo sin ningún tapujo: este es el primer año en quiero ver TODAS las películas. Todas sin excepción. Aquí les dejo la lista, y organícense.

De Roma con Amor (To Rome with Love)

Woody Allen, Judy Davis, Alec Baldwin, Penélope Cruz, Jesse Eisenberg, Ellen Page, Greta Gerwig, Roberto Benigni. Dir.: Woody Allen

 

Luego de la maravillosa Medianoche en París, Woody nos lleva ahora a Roma, donde cuatro historias distintas nos muestran burlas a la fama mientras le escriben otra carta de amor a la hermosa ciudad. (La única que ya he visto.)

 

 

El conspirador (The Conspirator)

James MacAvoy, Robin Wright, Tom Wilkinson, Kevin Kline, Justin Long, James Badge Dale. Dir.: Robert Redford

El legendario Robert Redford vuelve a su etapa como director (ya ganó un Oscar en ese rubro por Ordinary People en 1980), ahora tomando una página de la historia de EEUU: la investigación que surgió luego del asesinato del presidente Abraham Lincoln en 1865, en particular la defensa de un joven abogado (James MacAvoy) a la única mujer acusada por la conspiración (Robin Wright).

 

 

El camino (The Way)

Martin Sheen, Deborah Kara Unger, James Nesbitt, Yorick van Wagenigen, Emilio Estévez. Dir.: Emilio Estévez

 

El más seriecito de los hijos de Martin Sheen escribe y dirige a su papá por segunda vez luego de la subestimada Bobby (sobre el asesinato de Robert Kennedy), además que tiene una breve aparición. Esta es la historia de un padre (Sheen) quien, ante la muerte de su hijo (Estévez) en los Pirineos de Francia, decide complacer su último deseo: atravesar el Camino de Santiago.

 

 

Emilio Estévez  una historia escrita por el mismo Estévez donde vuelve a las raíces de sus antepasados, a través de la historia de un padre que luego de enterarse de la muerte de su hijo en los Pirineos franceses, decide llevar a cabo el Camino de Santiago, algo que su hijo tenía pensado hacer antes de morir.

 

Los niños están bien (The Kids Are All Right)

Julianne Moore, Annette Bening, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson. Dir.: Lisa Cholodenko

¿Ven ese elenco? Ahora saben una de las razones por las que esta es la que más quiero ver del festival. Los hijos (Wasikowska y Hutcherson) de una pareja lesbiana (Moore y Bening) deciden buscar a su padre biológico, quien resulta ser un librepensador (Ruffalo). Aquí abundan las actuaciones dignas de un Oscar (sólo las recibieron y Bening y Ruffalo) pero también fue nominada a Mejor Guión Original y Mejor Película. De apso ganó dos Globos de Oro, una a Bening y otro como Mejor Película de Comedia.

 

 

Al otro lado del corazón (Rabbit Hole)

Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Miles Tellar. Dir.: John Cameron Mitchell.

De una comedia familiar única pasamos a la más dramática del festival, como es la historia de una madre (Kidman) y su esposo (Eckhart) quienes deben lidiar con la muerte de su hijito luego de un accidente. Si están desilusionados de los papeles que ha interpretado Kidman después de Hechizada y La Brújula Dorada, esto les recordará por qué ganó un Oscar por Las Horas (también recibió una nominación por esta película, donde además actuó como productora).

Poder y Traición (The Ides of March)

George Clooney, Ryan Gosling, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Jeffrey Wright, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei. Dir.: George Clooney

Para ser el tipo divertido que es, cuando George Clooney decide dirigir, escoge unos temas bien serios: primero Confessions of a Dangerous Mind, luego Good Night & Good Luck (excelente) y ahora esta (que también coescribió y produjo), la historia de un idealista comunicador (Gosling, el chico de moda) que se une a la campaña presidencial de un gobernador (Clooney) y descubre lo duro que el mundo de la política realmente es.

 

 

Otra Tierra (Another Earth)

Britt Marling, Matthew-Lee Erbach, William Mapother. Dir.: Mike Cahill

¿Cómo, que no te cansaste de la ciencia ficción de Prometeo y afines? Bueno, qué tal una película de ciencia ficción bien particular, el amorcito del festival de Sundance de 2011. Un día aparece en el cielo un planeta igual a la Tierra –al punto que toda la población parece ser reproducida. En ese ámbito, una escritora (Marling, quien también coescribió el guión –empiezo a notar un patrón) y un estudiante (Mapother) deben lidiar también con un terrible accidente.

 

 

 

Las películas del Festival pueden verse en salas del Circuito Gran Cine, como son los Cines Paseo del Trasnocho Cultural, Cinex Centro Plaza, la Cinemateca Nacional (Sala MBA), Celarg-Cinemateca, Fundación Previsora y Cines Unidos Líder 1, y en otras salas de los circuitos Cinex y Cines Unidos, a partir del 14 de septiembre.

In Memoriam: Michael Clarke Duncan (1957-2012)

lunes, septiembre 03, 2012 | Comments

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Hay actores a los que uno siente una afinidad particular, a los que uno siente que uno podría sentarse y hablar con ellos sobre una cerveza, porque se ve que podrían atenderte más allá de un simple autógrafo. Michael Clarke Duncan era uno de esos actores, un gentil gigante que era sencillo para reír y que toda la prensa concordaba que era una persona cálida y amable, amén de un actor que podía ir más allá de lo que su aspecto físico le podía limitar y lo usaba a su favor.

 

Y es por eso que es con mucho dolor que tengo que escribir que Clarke Duncan falleció hoy, según informó su prometida, Omarosa Manigault (sí, la de The Apprentice). El actor estaba hospitalizado desde el 13 de julio, luego que Manigault lo encontró inconsciente y sin pulso en su casa. Llamó al 911 mientras le hizo maniobras de cardiorresurrección, y desde entonces estaba de pronóstico reservado, hasta que, como reportó Associated Press (lo leí en HitFix) finalmente falleció esta mañana.

 

El único problema que yo tenía con Duncan era que su tamaño (medía 1,93 m y llegó a pesar 135 kilos) y su raza le limitaban los papeles que podía hacer. No sorprende que empezó su vida en Hollywood (nació en Chicago, criado por una madre soltera) como guardaespalda de Will Smith y Jamie Foxx. Pero el hombre igual los hacía con aplomo y se notaba que se divertía, bien sea el ayudante de mecánico de Ricky Bobby (Will Ferrell) en Talladeega Nights: The Ballad of Ricky Bobby, el aliado del asesino Matthias (Dwayne Johnson) en The Scorpion King o el general gorila Attar en la versión de El Planeta de los Simios de Tim Burton. Era obvio que la mayoría de sus papeles usaban su tamaño como ventaja, como se ve en The Whole Nine Yards, Armageddon, Sin City y Daredevil. Su profunda e imponente voz, casi tan imponente como él mismo, se escuchaba en Linterna Verde, Kung Fu Panda, Brother Bear o Como Perros y Gatos 2: la Venganza de Pussy Galore.

Pero todos lo recordaremos más como John Coffey, el gigante acusado de asesinar a dos niñas con el don de la sanación en The Green Mile (o Milagros Inesperados), de Frank Darabont. Bruce Willis, quien hizo amistad con él en Armaggedon le recomendó que audicionara, luego de oír que la novela de Stephen King iba a filmarse, advirtiéndole que “iba a tener que actuar”. Y actuar hizo: John Coffey es uno de los personajes más conmovedores que uno pueda ver. La película recibió cuatro nominaciones a los Oscar en 2000, y uno fue como Mejor Actor de Reparto para Clarke Duncan.

 

Lo otro que caracterizaba al hombre era su facilidad para hacer comedia, lo que demostró ampliamente no sólo en Talladega Nights sino en varias apariciones en la serie Two And A Half Men. Se le notaba lo que su agente dijo a la agencia AFP: “Era un gran hombre con un gran corazón y fue un honor y un privilegio para mí representarlo". Yo ciertamente lo voy a extrañar mucho.

Hundámonos en la brillante neurosis que es Woody Allen

miércoles, agosto 29, 2012 | Comments

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Woody es, con todo y su aspecto frágil e inseguro, uno de esos directores que no aceptan medias tintas. El otrora Allan Stewart Königsberg ha hecho un estilo de película que, o te gusta o no. Prolífico como él solo (ha hecho una película al año desde 1982; de hecho, desde su primera película en 1966, sólo seis años desde entonces han estado sin una película suya), ha logrado que cada una de sus películas se vea tan personal como cosmopolita, tan íntima como universal. Si están listos para ver su nueva producción, De Roma con Amor, que se estrena en el país el viernes, aprovechen que I.Sat les regala un ciclo de Woody Allen con nueve de sus mejores. Aprovechen y entren en la mente que es Woody Allen; quizá no sea siempre agradable, pero siempre será fascinante. Aquí les dejo la nota de prensa. (Está bien, déjenme en paz: 1967, 1968, 1970, 1974, 1976 y 1981. ¿Felices?)

Es uno de los directores más conocidos de la historia del cine: desde 1969 hace una película por año, tiene el récord de nominaciones al Oscar®, cuenta más premios que Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd juntos, y por si fuera poco, ha logrado el reconocimiento de ser uno de los mejores comediantes en vida. Director, guionista, actor, músico y escritor, Woody Allen ha conformado una de las carreras más destacadas de la historia de Hollywood, siendo, quizás, el más europeo de los realizadores estadounidenses.


El sábado 1 y domingo 2 de septiembre a partir de las 2.45p.m. I.Sat pondrá en pantalla ¿Dónde está Woody?, una propuesta imperdible para los fanáticos del creador de tantos éxitos. El especial recorrerá nueve hitos de su extensa e impecable filmografía, e incluirá la premiere de Scoop.

Todo dará comienzo el sábado 1 con la historia de Danny Rose en Broadway Danny Rose; seguida del dilema moral que enfrenta un oftalmólogo en Crimes and Misdemeanors. Posteriormente, conoceremos el deseo de Lee Simon por convertirse en famoso en Celebrity; algo que también se toca tangencialmente en Zelig, donde Leonard Zelig atraviesa un fenómeno de personalidad múltiple. El final será con el azar, la ambición, el sexo y la pasión del mundo del tenis en Match Point.

Al día siguiente (domingo 2) la acción se retoma con los recuerdos nostálgicos sobre su juventud en el Queens de los años cuarenta en Radio Days; seguido de Deconstructing Harry donde un escritor de best-sellers utiliza sus experiencias íntimas como material de trabajo. Luego llegará el momento de una historia de búsqueda, infidelidad y cansancio, con las complicadas relaciones de familia de Hannah and her sisters; mientras que el cierre será a lo grande con el estreno de Scoop.

En este film, Sondra (Scarlett Johansson), una estudiante de periodismo, asiste al espectáculo del ilusionista Splendini (Woody Allen) y es elegida por el mago para desaparecer dentro de un ropero. Mientras ella espera dentro del habitáculo, el espíritu de un popular reportero fallecido (Ian McShane) se le aparece y le cuenta la primicia del año. Para publicar la noticia, ella deberá investigar y juntar pruebas en contra del hijo de un aristócrata británico (Hugh Jackman), sospechado de asesinar mujeres. Junto a Splendini, se infiltrará en el círculo cercano del sospechoso para compilar evidencias, pero mientras se involucra en el caso, Sondra irá enamorándose del presunto criminal.

Agenda Especial ¿Dónde está Woody?

Sábado 1 de septiembre

  • Broadway Danny Rose (1984) a las 2.45p.m.
  • Crimes and Misdemeanors (1989) a las 4.30p.m.
  • Celebrity (1998) a las 6.30p.m.
  • Zelig (1983) a las 8.50p.m.
  • Match Point (2005) a las 10.30p.m.


Domingo 2 de septiembre

  • Radio Days (1987) a las 2.45p.m.
  • Deconstructing Harry (1997) a las 4.30p.m.
  • Hannah and her Sisters (1986) a las 6.30p.m.
  • Scoop (2006) a las 8.35p.m.


El sábado 1 y domingo 2 de septiembre a partir de las 2.45p.m. I.Sat presentará su especial ¿Dónde está Woody?, un ciclo que recorre los hitos de la  filmografía del director Woody Allen.

Blanca Nieves y el Cazador: Érase una vez una historia muy seria

domingo, agosto 26, 2012 | Comments

snow_white_and_the_huntsman_ver6_xlgTodos desde chiquitos nos sabemos el cuento básico de Blanca Nieves, ya sea porque somos de los pocos afortunados a quien mamá o papá nos lo leía antes de dormir o vimos la película animada de Walt Disney. Olvídense de que la historia original de 1812 es un poco más macabra (la malvada Reina, como castigo, debe bailar en zapatos de hierro ardiente), en esencia siempre es una inocente y dulce dama que enamora a todos los que la ven. Así que ponerla como una ruda princesa que también debe pelear para liberar su reino suena tan absurdo que podría funcionar, ¿no? Ciertamente así lo veía yo todo este tiempo.

En esta versión, el Rey (Noah Huntley) ha lamentado largo rato su enviudamiento, hasta que rescata a una joven prisionera llamada Ravenna (Charlize Theron) y la desposa al día siguiente. Pero Ravenna, de corazón tan oscuro como su nombre (raven es cuervo en inglés), mata al Rey y, junto con su hermano Finn (Sam Spruel), se apodera del Reino. Dueña y a la vez esclava de un espejo mágico (Christopher Obi), éste siempre le dice que es la más hermosa y poderosa del reino… hasta que Blanca Nieves (Kristen Stewart), la hija del Rey quien ha estado prisionera en la más alta torre del castillo, llega a la mayoría de edad y pose tanto una amenaza real como quien puede salvarla. Antes que pueda matarla, logra escapar e internarse en el bosque encantado alrededor del castillo, así que la Reina ordena a un rudo cazador (Chris Hemsworth) que la encuentre y la traiga… sólo que es conquistado por la pureza de la joven princesa, así que promete llevarla donde el último ejército del Rey se encuentra para tratar de acabar con el reinado de Ravenna de una vez por todas.

decenteMuy a diferencia de la primera película de Blanca Nieves que vimos en abril, una comedia familiar con todo el encanto visual que Tarsem nos ofrecía destacando a una malvada pero divertida Julia Roberts como la Reina, Blanca Nieves y el Cazador se toma todo el asunto con la seriedad de una tumba, lo que a veces juega un poco a su detrimento. Trata de poner atrás que estamos viendo un cuento de hadas transformado en una ruda película de acción más parecida a El Señor de los Anillos que a Walt Disney. Una diferencia, aparte de muchas otras, es que aún ESDLA sabía cuándo relajarse.

Adicionalmente, el guión, escrito por Evan Daugherty (su debut), John Lee Hancock (The Blind Side) y Hossein Amini (Drive), aunque no cae mucho en clichés fáciles (eso sí, cuando cae, CAE), no ofrece los diálogos más brillantes a los actores, no ofrece muchas explicaciones para algunas cosas que suceden ni las soluciones más originales a los conflictos, amén de dejar abiertos unos cuantos huecos que gritan “secuela” de voz en cuello. Sí noto la influencia de Hayao Miyazaki a la que Hancock una vez admitió (hay una referencia muy clara en este aspecto), pero ni eso y ni siquiera los momentos con los enanos, interpretados por algunos de los más brillantes actores de carácter que hay (Ian McShane, Ray Winstone, Eddie Marsan, Brian Gleeson –sí, el hijo de Brendan—, Nick Frost, Toby Jones, Johnny Harris y Bob Hoskins en su último papel antes de retirarse), hay la clásica sensación de diversión siempre asociada a esos personajes (¿miedo a ofender a los verdaderos enanos? Tarde piaste).

En cuanto a dirección, no digo que sea un auspicioso debut para Rupert Saunders (indiscreciones aparte), porque no hay nada que destaque de su trabajo, pero ciertamente supo manejar decentemente las escenas de acción y las peleas cuerpo a cuerpo (en su mayor parte). No lo veo como un director para actores, eso sí; las escenas en que los actores se destacaron es en gran parte gracias a ellos.

De primera en esa lista es Charlize Theron, quien para mí se une a los rangos de Brad Pitt como actores que han dejado atrás sus atributos físicos para destacarse como excelentes actores. Creo que es la única que realmente se divirtió con el papel, agarrando datos de Al Pacino en Scarface para masticar ese escenario. Su increíble belleza es deformada, ensalzada, deformada de nuevo y aumentada otra vez efectivamente, a la vez que sorprende que una cara tan dulce pueda tener una mirada tan maquiavélica. Logra ser imponente sin nunca caer en un estereotipo de bruja malvada.

De segundo tengo que poner a Hemsworth, firmemente encaminado a ser una estrella notable de acción. Su cazador es el clásico rudo pero noble aire, un Han Solo de la Edad Media, y Hemsworth le pone todo su corazón a un papel destinado para Viggo Mortensen y no sale mal parado. Tiene un rostro lo bastante expresivo para hacer a cualquier muchacha derretirse; tiene suficiente presencia física para hacer a cualquier varón querer ser él.

Por último, Stewart ha demostrado que puede actuar convincentemente cuando le ponen el papel adecuado. Sus papeles en Panic Room y The Runaways lo eran; su papel como Bella Swan, puaj; este, un punto intermedio. Carece de un rostro angelical, que creo habría ayudado mucho para este papel y es lo que me gustaba de Lilly Collins en Espejito Espejito (de hecho Collins audicionó para este papel), en especial a la hora que Blanca Nieves cambia el vestido por una cota de malla, por aquello del contraste y la transformación. Es en ese momento que Stewart sí se luce, pues lo siento, la chama le tira al marimachismo. Ni siquiera en una escena con los enanos, que debía ser simpática, Stewart se ve confundida y torpe, como si no quisiera estar allí.

Al igual que Total Recall, Blanca Nieves y el Cazador es una decente película de acción que lamentablemente es olvidable, apenas salvada por una excelente actuación de su principal antagonista femenina. Ya la secuela se anunció, pero se dice que ni Saunders dirigirá ni Stewart actuará, enfocándose más en el cazador de Hemsworth. A ver si el pana sabe divertirse más esta vez.

Corto pero Grueso: Beat The Devil (2002)

jueves, agosto 23, 2012 | Comments

Un rapidito antes del fin de semana no hace daño a nadie. Bienvenidos a su sección de cortometrajes de los jueves, Corto pero Grueso.

 

El lunes tuvimos la triste noticia que el director Tony Scott se había lanzado desde un puente en Los Ángeles y muerto. En su homenaje, aquí les dejo un cortometraje que hizo para la BMW con Clive Owen como un chofer contratado por un músico (James Brown) para que lo lleve al desierto y se enfrente al Diablo, interpretado nada menos que por Gary Oldman, para que le devuelva su alma. Pendientes de las apariciones de otros actores –y músicos—reconocidos. Y si quieren ver más cortometrajes del genial director, Movies.com ha recopilado una lista, incluyendo su primer trabajo como estudiante, aquí.

 

Sonó un "Rumor de las Piedras" en Festival de Cine Latino de Nueva York

lunes, agosto 20, 2012 | Comments

Afiche-El-Rumor-de-las-Piedras-210x300Ya que el día empezó con una mala noticia, vamos a cerrarlo con una buena. El Rumor de las Piedras, la muy buena película de Alejandro Bellame del año pasado, se llevó el premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine Latino de Nueva York, así como el de Mejor Director para Bellame. ¡Felicitaciones!

 

Como dije en mi reseña el año pasado, es una película muy hermosa, conmovedora y realista que usa el deslave de Vargas de 1999 tanto para ilustrar la dura realidad de los pobres en el país como para mostrar lo perdurable de la esperanza. Junto con Hermano, La Hora Cero y Secuestro Express, es una de esas películas venezolanas que hicieron que públicos internacionales alzaran la cabeza y dijeran “Wow”. Qué orgullo para nosotros.

In Memoriam: Tony Scott (1944-2012) (ACTUALIZADA)

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tony-scott-580x367Nada como una mala noticia para empezar un lunes. El domingo a las 12:30 del mediodía, varias personas reportaron ver a un hombre estacionar su carro cerca del puente Vincent Thomas, entre las islas de San Pedro y Terminal en Los Ángeles, subir una reja del lado sur y, en palabras del departamento forense y la policía portuaria, saltar “sin titubeo”.

A las 4:30 de la mañana de hoy, la policía recuperó el cadáver del hombre, y es con tristeza que digo que fue identificado como Tony Scott, el hermano menor del también director Ridley Scott y creador de algunas de las más influyentes películas de mi juventud. Esta noticia me pegó con una fuerza inesperada, precisamente por eso.

Ridley ya es prácticamente una leyenda gracias a Blade Runner y Alien y Gladiador, pero Tony tiene su sitio como el que hacía unas increíbles películas de acción  de calidad; casi todas sus películas eran como intensos videos musicales llenos de mucha tensión y emoción. Ver la filmografía de Tony Scott es un mapa de lo que hizo grande el cine de acción de los 80 y 90, en especial gracias a Top Gun, que quizá es responsable de la mayor cantidad de alistamientos en la Fuerza Aérea que cualquier comercial de reclutamiento. (Un comentario que veo en Slashfilm sobre la noticia: “Soy un aviador de la Marina y nos metemos con Top Gun más que con cualquier otra cosa, pero mentiría si no es una de las fuerzas que me empujó a donde estoy ahora. QEPD Tony Scott”.) Y el hombre consiguió ese trabajo gracias en parte a este comercial de Saab, que impresionó a los productores Don Simpson y Jerry Bruckheimer.



Quizá no sorprenda, entonces, que el siguiente trabajo de Scott con Tom Cruise haya sido Days of Thunder, donde Cruise hace de un piloto de carreras. Top Gun fue seguida por la secuela a Beverly Hills Cop, quizá la última vez en que Brigitte Nielsen se veía buena. Luego de un par de baches que casi nadie recuerda (Revenge, con Kevin Costner y Madeleine Stowe, y The Last Boy Scout con Bruce Willis), Scott logró meterse en los rangos de directores de culto dirigiendo un guión de Quentin Tarantino llamado True Romance, una demencial exploración de la leyenda de Bonnie y Clyde con una brutal actuación de Gary Oldman.

La siguiente película de Scott daría inicio a una de las mejores colaboraciones del cine de acción entre un actor y director, pues fue en Crimson Tide que conoció a Denzel Washington, donde hizo del segundo al mando de un submarino nuclear comandado por Gene Hackman. La tensión que despide esta película se puede picar con una navaja de bolsillo, y fue otro éxito de taquilla. Primero Scott repetiría con Hackman en Enemy of the State, con Will Smith, y hasta trabajó con Robert redfords y Brad Pitt en Spy Game, pero fue cuando se juntó con Washington otra vez y lo convirtió en el tipo más arrecho de la cuadra en Man on Fire que la gente se acordó que este tipo era único. Washington ya tenía fama de buen actor gracias a su trabajo en Glory (que le valió un Oscar de reparto), pero su trabajo con Scott lo confirmó como un excelente actor de acción también. Los dos harían tres películas más juntos: Déja Vu, The Taking of Pelham 1-2-3 y Unstoppable. Aunque ninguna fue la cosa de leyendas que fue Man on Fire, todas dejaron una buena huella en taquilla, y les digo algo, Déja Vu demuestra más imaginación de la que muchos le dan crédito. De hecho, creo que la única película de Scott que puede considerarse un auténtico fracaso es The Fan, con Wesley Snipes y Robert De Niro; hasta su debut, The Hunger, con David Bowie y Catherine Deneuve, tiene algo de un culto.

Y aunque la mayoría lo ha olvidado, no podemos olvidar que este fue quien le dio a nuestro Edgar Ramírez su primera oportunidad en Hollywood, narrando la verdadera historia de una modelo convertida en cazarrecompensas llamada Domino Harvey. Héctor Torres empieza su libro Caracas Muerde (cómprenlo YA) contando cómo Édgar convenció a Tony de que interpretara a Choco, un compañero de Domino originalmente de Honduras, como un malandro caraqueño.

Como productor, tanto en cine como en televisión, Tony también contribuyó con proyectos de calidad, como las series Numb3rs y The Good Wife y las películas The A-Team y la última de su hermano, Prometheus. El hombre tenía al menos diez películas en diversas etapas de desarrollo, incluyendo una secuela para Top Gun y una posible adaptación al cine de la serie 24. Colaboraba muchísimo con su hermano Ridley en la productora que fundaron los dos, RSA Productions, y estaban trabajando en una película llamada Killing Lincoln. De paso deja una esposa (la actriz Donna Scott) y dos hijos gemelos. Había una nota de suicidio en su oficina, pero quién sabe si el contenido se sabrá alguna vez; la familia obviamennte ha pedido privacidad. Lo que sí se sabe es que ahora hay un enorme hueco donde Tony Scott solía estar, y va a pasar mucho tiempo antes que se pueda llenar.

ACTUALIZACIÓN: De acuerdo con ABC News (que leo en Screen Rant), Tony Scott había sido diagnosticado con cáncer en el cerebro inoperable. ¿Será esta la razón por la que se suicidó?

tony-ridley-scott

“Yo siempre he sido más clásico, él siempre ha sido más rock and roll”.
Ridley Scott sobre su hermano Tony.

Joe Carnahan no dirigirá la nueva Daredevil... ¿pero ahora los derechos son de Marvel otra vez?

martes, agosto 14, 2012 | Comments

Daredevil_65Nadie que no disfrute del cine de acción es ajeno al trabajo de “Smoking” Joe Carnahan, gracias a la demencial Smoking Aces, la excelente NARC, la decente versión de The A-Team y la extraordinaria The Grey QUE NO TERMINA DE ESTRENARSE EN ESTA VAINA. El tipo tiene un talento para mostrar acción con bastante cerebro o al menos para mostrarla divertida que hace que yo siempre esté pendiente de sus proyectos. Especialmente si es una película de superhéroes.

Hace unas semanas, los rumores de una nueva película de Daredevil comenzaron a florecer, y Carnahan fue el más reciente director que estaba por contar la nueva historia del Hombre Sin Miedo de Marvel, luego que la posibilidad de David Slade (Hard Candy, 30 Days Of Night) se cayera. Y muchos geeks levantamos la cabeza y dijimos “Coño, ojalá”. (Bueno yo al menos.) Pero…

20th Century Fox ya hizo en 2003 una película del personaje creado por (para variar) Stan Lee, junto con Bill Everett, en 1964. Para los que no saben, Daredevil es la identidad secreta de Matt Murdock, un abogado de una de las partes más pobres de Nueva York llamada Hell’s Kitchen, quien durante un accidente recibe material radioactivo en los ojos y pierde la vista, pero todos sus demás sentidos aumentaron vertiginosamente, que usa junto con su increíble agilidad y experticia en artes marciales para combatir el mal.

La película tiene la particularidad de ser donde los ahora esposos Ben Affleck (quien hizo de Matt Murdock) y Jennifer Garner (la asesina griega Elektra) se conocieron, y uno de los primeros papeles grandes de Colin Farrell (el temible Bullseye). No es que haya sido mala –de hecho creo que los actores pegan bien para los personajes, en particular Affleck y Garner, además de Michael Clarke Duncan como el archienemigo de Daredevil, Kingpin—, y en comparación a la derivada que salió, Elektra, es fucking brillante, pero para los estándares del cine de superhéroes actual está al nivel de Batman Forever (no tanto Batman & Robin).

Fox tenía hasta octubre (o al menos eso tenía entendido) para arrancar una nueva película sobre el personaje, o los derechos volvían a Marvel Studios. Se había rumorado que Marvel le daría una extensión a Fox si el estudio les cedía los derechos sobre Galactus, el supervillano más cercanamente asociado a los Cuatro Fantásticos y que hizo una terrible, TERRIBLE aparición en Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer en 2007 (otra que hace que Daredevil la película parezca Iron Man), pero esos rumores se cayeron.

Ahora el propio Carnahan dijo que su plan para el Hombre Sin Miedo también quedaron en el aire, por lo que leo en su cuenta de Twitter.

Creo que mi idea para cierto superhéroe retro, de traje rojo y al estilo de Serpico se difuminó hoy, chicos.

Carnahan luego twitteó que “el tiempo no estaba del lado de nadie”, y luego explicó mejor.

Gente. Para aclarar. La idea para DD fue tremenda y todo el mundo se emocionó por ella. El reloj se acabó para Fox, por eso quedó de espaldas y muerto.

De paso, Carnahan procedió a torturarnos diciendo que llega a 6.000 seguidores, mostrará lo que hizo para vender la idea. Síganlo en Twitter, háganme el favor. Vamos a llorar juntos.

Es una lástima, pero lo que muchos leen del tweet de Carnahan es que los derechos de Daredevil volvieron a Marvel, cosa que ya sucedió con Blade y The Punisher. Eso para cualquier fan deberíoa ser motivo de celebración, qué con lo que ya el estudio ha logrado con sus películas y lo que parece venir. No sólo eso, sino que Daredevil, a pesar de que carece de la fama del Hombre Araña, el Capitán América o Iron Man, ha tenido algunas de las mejores historias en el mundo del cómic, la más clásica de la mano del famoso Frank Miller (creador de Sin City y 300, además del padre de The Dark Knight Returns) en los 80. El director Kevin Smith (Mallrats, Clerks, Dogma) también escribió una genial historia (que yo tengo la suerte de poseer) en 1998 que mezcla todas las facetas del personaje de manera genial.

Así que sí, es chimbo que Joe Carnahan no vaya a dirigir Daredevil por ahora (y ya con esta serían dos las películas de Carnahan que lamento no se den). Pero si en efecto los derechos volvieron a Marvel, el personaje puede que finalmente reciba el tratamiento que se merece.

ACTUALIZACIÓN: Mientras escribía, Carnahan en efecto alcanzó los 6.000 seguidores en Twitter, y fiel a su promesa, subió los dos videos. (Ah sí, no hizo uno, hizo dos.) Lloremos pues. Carnahan tuvo la idea de ambientarla en los 70; con razón la referencia a Serpico. ¿Qué opinan? ¿Cuál versión les gusta más?

Joe Carnahan’s Daredevil Sizzle Reel (NC-17)


Joe Carnahan’s Daredevil Sizzle Reel (PG-13)

Brave: La clásica princesa a lo Disney con un toque bien moderno

sábado, agosto 11, 2012 | Comments

brave_xlgEl concepto de la “la princesa Disney” ha sabido inteligentemente cambiar con los años, a medida que las mujeres ya no necesitan a los hombres para cada pequeña cosita. Piensen cuánto hemos evolucionado desde Blancanieves, la princesa Aurora (La Bella Durmiente) o Cenicienta, dulces féminas que inspiraban a los hombres, fueran enanos, príncipes o ratones, a defenderlas, ayudarlas, protegerlas. Ya para cuando llegamos a Ariel (La Sirenita), Bella (La Bella y la Bestia) y Pocahontas, empezamos a ver los héroes que deben ser salvados por ellas, una evolución que además llegó a mujeres fuertes como Esmeralda (el Jorobado de Notre Dame), Jazmín (Aladdin) y Megara (Hércules) que incluso usan su sexualidad para conseguir lo que quieren (y no me digan que no –¿han visto a Esmeralda?)

Entonces, en una época en que el papel de la mujer se ha equiparado con el de muchos hombres –un momento en que básicamente la diferencia se reduce a lo biológico—, hace sentido que Pixar debute como su primera protagonista femenina a una muchacha fuerte e independiente, una “tomboy”, para los gringos (“marimacha” suena como despectivo) –con resultados hermosísimos.

excelente-conmovido[6]En la Escocia del siglo XII, la princesa Mérida (voz en inglés de Kelly MacDonald) ha crecido más pendiente de su arco y flecha que los modales, para la diversión de su padre, el rey Fergus (Billy Connelly), y el horror de su madre Elinor (Emma Thompson). Eso hace que madre e hija choquen casi constantemente, que llega a su límite cuando se convoca a los jefes de los principales clanes (Robbie Coltrane, Kevin McKidd y Craig Fergusson) y sus hijos para combatir por la mano de Mérida. En un desafío a las costumbres, huye al bosque donde se topa con una vieja bruja (Julie Walters) y le pide un deseo –que no sólo no sale como ella espera, sino que puede traer consecuencias notorias para el reino.

Al centro de esta película está la relación madre e hija, cómo las madres podrían sobrecoger a las hijas porque el amor que tienen las enceguece. Claro, llevarlo al extremo como hizo en Brave –un título que sigue palideciendo al lado del original, en mi opinión, que era The Bear and the Bow—quizá lleve el punto a lo pesado y hasta predecible, pero debo admitir que lo hizo efectivamente –no me importa admitir que el guarapo se aguó más de una vez. Y la increíble animación ayuda muchísimo, sin distraer las flojeras del guión –¿qué propósito verdadero juegan los tres hermanitos de Mérida, aparte de risas? Y no me digan que sin ellos… Bue, deje así.

Eso sí, los momentos cómicos, cómicos son. Necesito ver esta película en inglés, pues todos son actores que hacen su mejor trabajo cuando los dejan divertirse, sin  mencionar que aplaudo a Pixar por escoger actores verdaderamente escoceses en sus papeles (con la excepción de Thompson). Y las escenas de acción auténticamente emocionantes, con muchas tradiciones escocesas usadas de manera efectiva.

Pixar cojeó un poquito en su calidad a raíz de Cars 2, única película del estudio que no gozó del favor de la crítica (aunque sí de la audiencia), pero con Brave recuperan la magia que los lleva a mostrar relaciones auténticas en una animación. Es una bellísima fábula que bien lleva a la princesa de Disney a un mundo moderno. ¿Qué hacen que no la han visto?

Total Recall: Nada para recordar

viernes, agosto 10, 2012 | Comments

total_recall_ver12_xlgPhilip K. Dick es al cine de ciencia ficción lo que William Shakespeare es para las dramas y comedias: el hombre escribió tantos relatos que es irresistible tratar de no adaptar uno o varios de ellos. Y algunos se han convertido en clásicos, como Blade Runner, que salió de su novela Do Androids Dream of Electronic Sheep?, o Minority Report, del cuento del mismo nombre. También salieron A Scanner Darkly, The Adjustment Bureau, Next, Paycheck, Impostor y la que tiene el extraño honor de ser la única película ambientada en Marte que ha sido un éxito de taquilla: Total Recall.

Como casi todo lo que ha hecho Arnold Schwarzenegger, Total Recall (1990) tiene un lugar especial en mi corazón, más que nada porque respeta las intrigantes filosofías de Dick sobre la igualdad, el comercio y la búsqueda de la autosuperación –eso sí, con un guión y un final super simplificado-- ligadas con el carisma de Arnie y su imponente presencia. Fue un batacazo en taquilla, ganando cuatro veces su presupuesto, a pesar de sus fallas y su excesiva violencia, así que, ¿cómo resistirse a rehacerla?

equis[7]La historia es esencialmente la misma, basada en el relato We Can Remember It For You Wholesale (pueden descargarlo aquí en inglés o leerlo aquí en español) con algunos cambios: Douglas Quaid (Colin Farrell) es un obrero en una fábrica de policía sintética en 2084 donde la Tierra fue devastada por una guerra entre potencias que dejó el aire completamente tóxico. Sólo quedan dos países, la sobrepoblada Colonia de Nueva Shangai, donde Doug vive, y la Federación Británica Unida, donde trabaja (ambas conectadas por un ascensor que atraviesa el centro de la Tierra). Ambas ciudades tienen conflictos políticos, y hay un grupo secesionista llamado La Resistencia dirigido por un hombre llamado Mathias (Bill Nighy) que clama independencia. El hombre tiene inquietantes sueños sobre agentes secretos y una mujer (Jessica Biel) que lo ayuda a hacer algo importante, pero no recuerda qué, además de vacaciones a Marte. Su esposa Lori (Kate Beckinsale) le insiste que se olvide de eso y siga su vida, pero como buen héroe de película, Doug no quiere. Así que acude a Rekall, una empresa que ofrece implantar recuerdos reales sobre cualquier fantasía que sus clientes tengan. Al acudir ahí, algo se activa en su cerebro, y cuando se da cuenta, Lori está tratando de matarlo, y hasta el canciller de la FBU, Cohaagen (Bryan Cranston) lo quiere capturar. Corre, Doug, corre.

Hay peores cosas en las que pueden pasar dos horas que ver Total Recall, y con eso quiero decir que, mientras no me aburrí en ningún momento, empecé a olvidarla casi tan pronto como rodaron los créditos. Las diferencias van más allá del cambio de locación de Marte a la Tierra y el actor principal, amén de la principal trama; lo más grande que las distingue es el tono.

Paul Verhoeven, quien dirigió la original, era el rey de lo absurdo, como su otra locura de ciencia ficción, Starship Troopers, demuestra, y no sólo estaba consciente de ello, sino que lo explotaba. La primera TR era una locura que te divertía, y todos los involucrados lo sabían. Había humor en cada minuto, y Arnold estaba en todo el centro asegurándose que nadie se lo tomara en serio.

La nueva versión, en cambio, se lo toma todo mortalmente en serio, y es fría como una bala, fiel al estilo de Len Wiseman, él que nos dio la serie Underworld. Aquí la idea no es entretenernos sino emocionarnos, angustiarnos, algo que mientras admito que hace muy bien –una persecución de carros es el punto alto— me hizo comparar un encuentro con una puta versus una cita con alguien que de verdad te interesa: el resultado es el mismo, pero en la primera no hay ninguna conexión.

Biel no es muy buena actriz, pero logra trabajar con su limitado repertorio como mejor puede y sí es una efectiva presencia gracias a lo hermosa que es y lo físicamente adepta. Igual va para Beckinsale, quien debe tratar o muy bien o muy mal a Wiseman, su esposo en la vida real, pues en todas las películas suyas que ella protagoniza es una demonia peleando. No mencionaré mucho a Nighy o Cranston, dos extraordinarios actores que aquí evidentemente sólo están por los reales; qué desperdicio de talento.

Por último, Farrell es mejor actor que Arnie, sin duda alguna, pero el ex Governaitor le lleva una morena en carisma y comicidad. No suelta un diálogo memorable, y parece permanentemente confundido, incluso asustado por lo que le está pasando, aún cuando decide que está bien, vamos a echarle pichón. También, obviamente, es menos una presencia imponente, teniendo que recurrir más a sutilezas y a velocidad de movimiento. Definitivamente al hombre no pega una, y no es mal actor. Perdónenle Daredevil y vean más In Bruges para que vean que el tipo sabe actuar (de hecho, si son suscriptores de Netflix, aquí la tienen).

En cuanto a adaptación, los tonos políticos que están dentro de la original van aún más en el guión de Kurt Wimmer (The Recruit, Equilibrium, Salt) y Mark Bomback (Live Free or De Hard, 24, la venidera The Wolverine), pero no son explorados con mucha profundidad y terminan sobresimplificando la trama. Y otra vez –mortalmente serios. Total Recall 2012 está para atraer gente a una sala con aire acondicionado –no para ser recordada.

Corto pero Grueso: Burn-E (2008)

jueves, agosto 02, 2012 | Comments

Un rapidito para el jueves. Es decir, un cortometraje. Aquí les tengo uno Corto pero Grueso.

Desde que tengo el DVD de Wall-E, uno de los mejores extras fue el cortometraje Burn-E, que muestra a uno de los robots de mantenimiento en la nave Axiom lidiando de las maneras más divertidas con arreglar una simple luz.

Me encanta que el corto esté en línea, y aquí se los dejo (cortesía de Film School Rejects).

Burn-E from Mauro Flamig on Vimeo.

El menú del mes: Agosto 2012

miércoles, agosto 01, 2012 | Comments

Hoy empieza el último mes del verano cinematográfico, así que me pareció buena oportunidad para analizar qué nos ofrece la cartelera nacional y a ver si les puedo aconsejar qué vale la pena calarse las colas para las cotufas y qué es mejor ver en casa (o sencillamente, no ver).

 

HAYWIRE. Gina Carano, Michael Douglas, Ewan MacGregor, Antonio Banderas, Michael Fassbender, Channing Tatum. Dir,.: Steven Soderbergh. La historia es bien básica (una espía es traicionada por su organización y busca venganza), pero nada es convencional en las manos de Soderbergh. Y no sólo eso, miren ese elenco. Carano es una luchadora de artes marciales mixtas que puede destrozar a cualquier hombre, así sea el doble de su tamaño, y eso ayuda mucho a esta película. Véanla. 03/08

 

PROMETHEUS. Noomi Rapace, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba. Dir.: Ridley Scott. El estreno más importante del mes, sin duda, pues el legendario director de Alien y Blade Runner vuelve al género que lo dio a conocer. Desde su estreno en EEUU hace unos meses, ha sido quizá la película más divisiva del año: algunos dicen que es un nuevo clásico, otros dicen que es una oportunidad fallida. Y Dios, cómo se ha analizado. ¿Te vas a pelar este bonche? Consejo: no piensen de ella como una precuela de Alien, o se las va a echar a perder. Véanla. 03/08

THE RAVEN. John Cusack, Alice Eve, Luke Evans, Brendan Gleeson. Dir.: James McTeigue. Hay un asesino matando gente basándose en los cuentos de Edgar Allan Poe, y el detective que investiga el caso (Evans) busca la ayuda del famoso escritor (Cusack) para hacerlo, mientras de paso trata de justificar la misteriosa muerte de Poe. El director es el mismo de la genial V For Vendetta, pero no esperen ese nivel de cerebrismo aquí; esto es estrictamente para los fans de las películas de asesinos en serie. Puede esperar. 03/08

TOTAL RECALL. Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel, Bryan Cranston. Dir.: Len Wiseman. La primera adaptación del cuento “We Can Remember It For You Wholesale” de Philip K. Dick tenía a Arnold Schwarzenegger, fue dirigida por Paul Verhoeven y se convirtió en un clásico de la ciencia ficción por sus efectos especiales y su puta de tres tetas. La nueva adaptación tiene a Colin Farrell (decente cuando quiere), está dirigida por el mismo tipo que dirigió Underworld y no l,a veo convirtiéndose en un clásico. Pero ese soy yo. Ustedes decidan. 10/08

BRAVE: Con las voces en inglés de Kelly MacDonald, Emma Thompson, Billy Connelly, Kevin McKidd, Robbie Coltrane, Craig Ferguson, Julie Walters. Dir.: Mark Andrews. A ver: Pixar. Increíble animación. Historia interesante (con una heroína por primera vez). ¿Ustedes qué creen? Véanla. 10/08

MAN ON A LEDGE: Sam Worthington, Elizabeth Banks, Génesis Rodríguez, Ed Burns, William Sadler. Dir.: Asger Leth. Una psicóloga (Banks) está tratando de convencer a un ex convicto (Worthington) de no saltar –y la película me trata de convencer que la vea y me guste. No está dando mucho resultado, pero he oído que no es tan mala como parece. Sólo… más de lo mismo. Puede esperar. 17/08

APOLLO 18. Warren Christie, Lloyd Owen y Ryan Robbins. Dir.: Gonzalo López-Gallego. Hubo una repentina proliferación de directores españoles el año pasado en Hollywood, y la gran parte de los resultados fueron muy alentadores para la industria. Esta, una mezcla de terror con ciencia ficción sobre qué encontraron en el último viaje a la Luna, no lo es; fue considerada en todos lados una de las películas más desilusionantes de 2011. Yo no la voy a ver. A su propio riesgo. 17/08

GET THE GRINGO. Mel Gibson, Bob Gunton, Dean Norris, Peter Stormare, Kevin Hernández. Dir.: Adrian Grunberg. ¡Mel Gibson está de vuelta! ¡En una película que salió directo a DVD en EEUU! Mel escribió esta película con Grunberg, en un desesperado intento por volver a ser el tipo que conocíamos antes de saber que estaba loco ‘e bola. Bueno, a algunos críticos les gustó, pero se ve tan…Bue, no sé, a lo mejor sí la vea. Ustedes decidan. 17/08

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS. José Coronado, Rodolfo Sancho y Helena Miquel. Dir.: Enrique Urbizu. La alternativa al cine de Hollywood para el mes, y no es cualquier cosita: ganadora de Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Guión en los premios Goya de este año (en total tuvo 14 nominaciones). Es una fuerte crítica a la ineptitud policial durante los ataques del 11-M en Madrid, y parece que es tan buena que Sylvester Stallone quiere hacer su propia versión. Véanla. 17/08

 

DARK SHADOWS. Johnny Depp, Eva Green, Jonny Lee Miller, Michelle Pfeiffer, Chloe Moretz, Jackie Earl Haley, Helena Bonham Carter. Dir.: Tim Burton. El excéntrico director adapta la telenovela gótica de culto de los 70 a su propio estilo –lo que he oído no fue algo bueno. Supongo que hay suficientes fans de Burton y en especial de Depp como para convertirla en un semi-éxito, pero yo no estoy muriéndome por verla. Puede esperar. 17/08

 

SNOW WHITE AND THE HUNTSMAN. Kristen Stewart, Chris Hemsworth, Charlize Theron. Dir.: Rupert Sanders. La canita al aire que se lanzaron Stewart (novia muy pública de su coestrella de Twilight, Robert Pattinson) y Sanders (casado y padre de dos) le dio a esta película un poquito de morbo en el mundo donde no se ha estrenado, y dado el hecho que no fue el éxito que todos esperaban, quizá le haga bien. Yo igual la veré. Ustedes decidan. 24/08

 

FROM ROME WITH LOVE. Alec Baldwin, Jesse Eisenberg, Penélope Cruz, Roberto Benigni, Ellen Page, Woody Allen. Dir.: Woody Allen. Luego de la maravillosa Midnight In Paris, Woody ahora se transporta a Roma, en su primera aparición en una película suya en más de 15 años. No he oído tanto de ella como Midnight, pero anda, es Woody: a estas alturas o te gusta o no. Ustedes decidan. 24/08

 

 

DON GATO Y SU PANDILLA. LA PELÍCULA. Con las voces de José Corbacho, Jorge “El Tata” Arvizu, Jesús Guzmán, Sebastián Llapur y Luis Fernando Orozco. Dir.: Alberto Mar. Esta es una bonita sorpresa: una película animada de la popular serie animada de los 70 de Hanna-Barbera, producida casi enteramente en México con todas las voces dobladas originales, incluyendo al genial “Tata” Arvizu como Cucho y Benito. El último escape para los chamos (y el chamo que llevas dentro) antes que empiecen las clases, aunque las reseñas de los usuarios en IMDB sugieren que mejor podrían ver Brave otra vez. A su propio riesgo. 24/08.

REC 3: GÉNESIS. Leticia Dolera, Diego Martín, Javier Botet. Hay pocas películas de terror que me tienen intrigado por ver, y las dos primeras [REC], dirigidas por Jaume Balaguero y Paco Plaza, están firmemente en la primera posición. La tercera, que tiene sólo a Plaza a la cabeza, parece demostrar quién era el que tenía el talento en el dúo de directores, pues no ha recibido las mismas alabanzas que sus predecesoras. Ahora salimos del edificio de apartamentos a una sala de fiestas, donde los invitados de una boda empiezan a mostrar signos de una enfermedad mortal. A su propio riesgo. 31/08

 

THAT’S MY BOY. Adam Sandler, Andy Samberg, Leighton Meester. Dir.: Sean Anders. Yo perdí toda esperanza de realmente disfrutar una película de Adam Sandler luego de Grown Ups, y cuando tocó fondo con Jack & Jill (y arrastraste a Al Pacino contigo, hijo… aunque bueno, tampoco lo arrastraste lejos) me rendí. Y esto viniendo de uno de los tipos más buena gente y sé que talentosos de Hollywood… Esta dicen que es mejor que J&J, pero eso es como decir que caerse en el Guaire es mejor que caerse por un barranco. Por amor a Dios, no. 31/08

 

Todas las fechas de estreno pueden cambiar, así que no se arrechen conmigo si van al cine y ya no están (sí, eso duele, lo sé).

Mientras tanto, en Internet...

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