Corto pero grueso: The Third and The Seveth (2010)

jueves, abril 28, 2011 | Comments

Esta nueva sección en su amistoso blog de cine saldrá cada jueves mostrándoles una de esas expresiones de cine que se ha beneficiado mucho de Internet: el cortometraje.

Hay algunos cortometrajes que realmente merecen ser tratados como un cuadro: admirados por su belleza y su concepción artística. Estoy seguro que estarán de acuerdo conmigo que The Third & The Seventh, cae firmemente en esa categoría.

Alex Roman --el seudónimo del arquitecto y diseñador gráfico español Jorge Seva-- hizo este cortometraje buscando unir elementos del tercer y séptimo arte (la arquitectura y el cine, de ahí su nombre) y estuvo trabajando en él durante año y medio antes d lograr el producto final. El resultado es una increíble composición que parece a la vez de otro planeta y extremadamente familiar. Les invito a que lo vean (y por favor, en HD y en pantalla completa) y luego me digan cuánto de animación computarizada se usó. La respuesta después del video y resaltando el texto.


The Third & The Seventh from Alex Roman on Vimeo.

Respuesta: sólo las aves y el hombre tomando fotos, que es el propio Roman, no son animaciones computarizadas.
Pueden leer una entrevista con Roman aquí.

Thor: Me habéis entretenido, dios del Trueno... pero nada más

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thor_ver5Y así declaro abierta la temporada veraniega 2011, mortales. Y si Thor es un indicativo de lo que viene, será un verano que valdrá la entrada de cine. Sólo espero que sea algo más.
Es difícil relacionarse con el personaje de Thor –al menos en lo que el cómic de Marvel se refiere--, lo que quizá explique el por qué, con todo y los fanáticos fieles que tiene, no haya logrado el éxito del Hombre Araña, por hablar de uno. Un poderoso inmortal nórdico que habla como un personaje salido de William Shakespeare, arrogante y altivo… No extraña que la mayoría de las encarnaciones eran breves (como en la película de televisión El Regreso del Increíble Hulk) o ridículas (Adventures in Babysitting, donde era interpretado por Vicnent D’Onofrio, de todas las personas).

De modo que Kenneth Brannagh tenía las manos llenas cuando aceptó dirigir la primera vez que el Dios del Trueno protagonizaría una película por su cuenta: tenía que hacerla lo bastante atractiva para audiencias generales. A grosso modo, diría que tuvo mucho éxito; pero había tanto potencial aquí que no se aprovechó…

Las acciones se desarrollan entre Nuevo México, EEUU, y Asgard. En la tierra (o Midgard para los asgardianos, fiel a la mitología nórdica), la doctora Jane Foster (Natalie Portman) está obsesionada con la idea de que hay un portal a una dimensión paralela, y por eso está en el medio del desierto con su mentor, el doctor Erik Selvig (Stellan Skarsgard) y una pasante, Darcy Lewis (Kat Dennings). Al ver un extraño fenómeno celestial, van a investigar –y atropellan a un extraño.

decente
Aunque no lo sabe en el momento, ese extraño es Thor (Chris Hemsworth), el hijo del rey Odín (Anthony Hopkins), quien ha sido desterrado a ,la Tierra por su padre. luego que por su arrogancia y arrojo, decidiera reiniciar una guerra milenaria con los gigantes de hielo de Jotulheim, al encender la ira de su rey Laufey (Colm Meore). Lo que no sabe ni Thor ni sus amigos, Fandrall (Josh Dallas), Hogun (Tadanobu Asano), Volstagg (Ray Stevenson) y la guerrera Sif (Jamie Alexander) es que todo forma parte de una trama de Loki (Tom Hiddleston), el hermano de Thor, para apoderarse del trono de Asgard. Pero antes de enfrentarse a su hermano, Thor deberá aprender no sólo a controlar su ira ---debe aprender a comportarse como un dios.

¿Suena como grandilocuente, no? Es por eso que considero que Brannagh era una excelente decisión desde el principio. Si leen los cómics, verán que hay mucha influencia de Shakespeare en algunas de las tramas, y de verdad la influencia de la mitología nórdica está muy presente. Brannagh, quien se hizo famoso por dirigir algunas de las más fieles versiones de obras de Shakespeare para el cine, como Enrique V y una muy larga Hamlet, podría manejar esto con los ojos cerrados. Lo malo es que falta algo de ese sentimiento de teatro clásico donde realmente se pudo ver el toque shakespeariano que se merecía. Al final, esto pudo haber sido dirigido por cualquier director competente que conociera el material (sí, no te hablo a ti, Brett Ratner).

Eso no quiere decir que no sea una buena película; de hecho, es una MUY buena película, que le falta poco para ser genial. Aunque sea todo pantalla verde, Asgard se ve espectacular, desde su tradicional puente de arcoiris hasta la fastuosa sala de trono de Odín. Esto es lo que el Olimpo de Furia de Titanes quería ser cuando fuera grande pero nunca lo dejaron crecer; tú te crees que en algún planeta hay un mundo así. Ante tanto uso del CGI (que volveremos a ver en el mundo de Oa de Linterna Verde) te arriesgas a sobrecargar los sentidos, pero aquí no sucede. La Tierra se ve tan sosa después de ver a Asgard que casi no quise irme de allí.

Lo anuncio; Chris Hemsworth será una estrella. El australiano se mete en la piel de Thor como nadie, con su perfecta mezcla de arrogancia y buen corazón, y maneja muy bien su transformación en engreído niñato malcriado a noble héroe sacrificado. Se lo toma totalmente en serio, y los momentos en que paga cara la idea que no podrán con él los maneja con mucho humor. Él y Natalie Portman tienen una linda química juntos, aunque a veces pareciera que el enamoramiento pudo haber venido demasiado rápido. Portman, por cierto, está cobrando un cheque y ya –se nota que se lo tripeó, pero no me convence como una científica (aunque lo es) y, así como le pasó a Julia Roberts en Comer Rezar Amar, ya son raros los roles en los que se mete de cabeza hasta que no la reconoces.

Del resto del elenco, es Hiddleston el que se la come. Viejo compañero de Brannagh cuando los dos actuaron en una serie inglesa Wallander, Hiddleston no es el típico villano que tuerce su bigote –no, este es un villano que cree ser el héroe. Hiddleston alterna entre amoroso hermano e hijo y temible traidor con la sutileza de una serpiente, y espero que los rumores que será el villano principal en The Avengers sean verdad, porque vi muy poco de él para lo que valía.

¿El resto del elenco? Bien, supongo. Hopkins puede hacer esta clase de papeles con los ojos cerrados; me habría gustado mucho más ver a Brian Blessed en el papel, con su impresionante voz. Pero un Hopkins mediocre es mejor mil veces que muchos actores de su edad en su mejor día, dada la energía que tiene. Luego, te llegan a agradar los Tres Guerreros y Sif, pero no más; ellos están ahí para apoyar a Thor y más nada. (He oído rumores que puede haber una mayor tensión amorosa entre Sif y Thor más adelante en la franquicia.) Idris Elba, quien hace de Heimdall, el guardián de Asgard, es ciertamente imponente, y aunque su disfraz no le permite ser demasiado expresivo, hace un gran papel aún debajo de su armadura. Skarsgard parece constantemente confundido, pero también es buen actor y no fue totalmente desperdiciado (¿habría sido distinto si su hijo Alexander hubiera sido Thor?), y Kat Dennings, aunque no apareció mucho, entregó bastante bien la comedia que se le encargó.

Ah, y no olvidemos: Marvel está uniendo todas sus películas, así que volvemos a ver al agente Coulson (Clark Gregg) de S.H.I.E.L.D aparecer, junto con otro miembro de los Vengadores que de verdad no les quiero arruinar, porque verlo aparecer es de verdad uno de los momentos más geniales de la película (junto con la aparición del Destructor). Colm Feore, por su parte, es irreconocible bajo su maquillaje del rey Laufey, y también sabe hacer de villanos con los ojos cerrados, así que…

En general, Thor no sufre de lo que sufrió Iron Man 2: se integra como parte del universo de los Vengadores con comodidad y no exagera el hecho que es una película de cómcis. A pesar de tener fuerte presencia de poderes sobrenaturales, de lo cual carecen otras películas con personajes de Marvel, aún se siente ambientada en un mundo verdadero. Lástima que, precisamente por ser parte de un grandioso plan de Marvel, creo que Brannagh no pudo hacer todo lo que quiso con el presupuesto que tenía a mano, y eso impidió que Thor fuera grandiosa. Pero es una excelente manera de empezar el verano, se los digo. (Psst: como en todas estas películas de Marvel, quédense para después de los créditos –quizá haya algo de verdad en ciertos rumores que ya mencioné.)

Black Swan: Nunca el ballet fue tan aterrador

martes, abril 26, 2011 | Comments

Aunque la respuesta masculina promedio de un hombre al ballet debe ser "Ugh", yo igualmente fui hace varios años a ver una producción de El Lago de los Cisnes en el teatro Teresa Carreño a solicitud de la señorita con la que salía en ese entonces, y debo reconocer que pude ver el atractivo que pueda ejercer: la perfecta coordinación, la gracia de algunos momentos, la grandilocuencia de las secuencias. Y luego de ver Cisne Negro, esas bailarinas someten sus cuerpos al infierno. Ya se habían burlado de eso en la película de Dwayne Johnson The Game Plan (que ahora veo que está en YouTube... ¿como para qué?), pero cuando se toma en serio... wow.

Nina (Natalie Portman) es una bailarina para una compañía en Nueva York cuyo director, Thomas Leroy (Vincent Cassel) ha decidido hacer una nueva versión de Lago de los Cisnes, llevado a lo básico. "Sexy", les dice. "Cruda". Nina ha estado al frente de la compañía desde hace mucho y es obsesivamente perfeccionista, lo que la ha hecho la nueva consentida de Thomas ahora que Beth (Winona Ryder) ya está más allá de sus años.

Thomas tiene una idea: la protagonista principal interpretará tanto al angelical Cisne Blanco como al malvado Cisne Negro, quien según él debe exudar sensualidad. Nina, aunque tiene talento hasta por los poros, también tiene una personaldiad reprimida sexualmente, sin duda gracias a su un poco más que un poquito obsesiva madre (Barbara Hershey), que aún la trata como a una niña. Es por eso que Thomas empieza a ver a Lily (Mila Kunis), una bailarina recién llegada que no tiene ningún problema en el departamento de la sensualidad. La presión de tener el papel principal a como dé lugar --y el hecho de liberararse de la prisión que es su vdia-- empiezan a llevar a Nina por un camino que nunca pensó encontrar en su mente.

Lo puedo decir sin pena: esta película me encantó. Es como ver un carro corriendo en una autopista mojada: Tú sabes que esto va a terminar mal, pero es fascinante de ver. Además que Aronofsky puede mostrar el caos controlado de tal manera, sin mencionar que un psicólogo no podría mostrar la locura de mejor manera... Vean su filmografía, este es un hombre que le gusta mostrarnos personajes torturados, sea Ellen Burstyn en Requiem for a Dream, Hugh Jackman en The Fountain, Mickey Rourke en The Wrestler... Por cierto, el director ha dicho que esta es una pieza de compañía a la genial película sobre el luchador que envejece, diciendo que los dos mundos, a pesar de sus distancias, son increíblemente parecidos, por la manera en que ambos usan sus cuerpos en sus labores para expresarse.

Y expersarse hacen, en especial Portman, quien finalmente recibió un Oscar por su participación, al Diablo las acusaciones que pirateó las escenas de baile. La mujer es casi perfecta en su actuación. Ella de por sí tiene una cara sumamente dulce y expresiva. No le da miedo sangrar, figurativa y literalmente hablando, en escena, mientras logra mostrar una perfecta mezcla de miedo, determinación y sensualidad, a veces en una misma escena. En cierta escena que uno no está demasiado seguro de lo que estamos viendo, nos sentimos auténticamente preocupados por ella, pero nos ha demostrado tanta determinación que en vez de querer abrazarla y protegerla --que es lo que su madre quisiera que hiciéramos-- alternamos entre animarla a que siga o a decirle "Jódete, te lo buscaste". Pero es imposible no relacionarse con ella, si nos ponemos a pensar cuántas veces hemos querido complacer a equis grupo de gente, sea padres, amigos o compañeros de trabajo, actuando de maneras con las que no estamos del todo cómodos. ¿O es que no decimos que vivimos en un mundo donde muchas veces sientes que debes pisar al contrario para ascender? Y más aún en el mundo del ballet, donde cada bailarina sabe que su vida útil termina cuando aún se es relativamente joven.

Nina se decide a triunfar en este mundo sin hacerle trampa a nadie ni besarle el culo a nadie, lo que quizá es lo que empieza a cobrarle en su sanidad, en espcial cuando empieza a tener probnlemas para diferenciar la realidasd de lo que hay un su mente. Es increíble a los extremos que Portman fue para lograr mostrarnos este descenso; acompaña a Aronofsky en cada invento del genial director para crear una reacción en su público, y son muchos. Y es por eso que ese Oscar está mucho, muy merecido; esta niña se ha estado luciendo en casi todo papel que hace desde El Profesional (la puedo perdonar por La Venganza de los Sith--pero creo que me costó).

Mila Kunis, por su parte, definitivamente no quiere que la sigan asociando sólo con Jackie; aquí realmente se luce, con una imagen más seria de su personaje despreocupado y agresivamente independiente en Forgetting Sarah Marshall, con un tono mucho más serio. Es el perfecto contraste con Nina, y uno nunca está seguro si de verdad quiere ser su amiga o si está buscando joderla. (Y sí, la escena que ven en el trailer entre Kunis y Portman es real y va más allá. Muuuucho más allá.)

Casell fue mi único desilusión, aunque el guión (por Mark Heyman --con quien Aronofsky trabajó en The Wrstler--, Andrés Heinz y John J. McLaughlin) tampoco es que le da mucho. El hombre es uno de los actoers franceses más versátiles en la actualidad, y aquí se le da el papel de un villano común y corriente al que ni siquiera sabemos si es el villano. Es una lástima que haya tenido que echar el cuento del Lago de los Cisnes al principio de la cinta; ¿me van a decir que hay bailarines profesionales que no se saben ese cuento ya? Eso es una falla del guión; al que se sabe la historia, parece de más, y al que no, no le va a interesar, considerando cómo se afincan más adelante en la importancia de distinguir entre lso dos cisnes.

De las nominadas al Oscar el año, ha sido la dirección de Aronofsky la que considero que más debió haber ganado, sin quitarle nada a David Fincher por su trabajo en Red Social, pero ciertamente en detrimento de Tom Hooper. El trabajo de éste en The King's Speech, maravillosa película que es, era sumamebnte simple y convencional, sin ningún riesgo; Aronofsky, en cambio, toma riesgos, es meticuloso y no tiene miedo de mostrar lo feo. Lloré discretamente cuando supe que no sería el director de la secuela de Wolverine, y espero de verdad que termine de conseguir una película que de verdad lo ponga en el mapa. Genial como es, Cisne Negro no será esa película sencillamente porque no es para todo el mundo, porque es auténticamente perturbadora. Quizá esa sea más que suficiente razón para que la vean.

Corto pero Grueso: Doodlebug (1998)

jueves, abril 21, 2011 | Comments

Esta nueva sección en su amistoso blog de cine saldrá cada jueves mostrándoles una de esas expresiones de cine que se ha beneficiado mucho de Internet: el cortometraje.

Es increíble pensar en los humildes orígenes de algunos de los más grandes directores de la actualidad, aunque aún así su estilo es evidente desde el principio. Doodlebug es el perfecto ejemplo: esta surrealista historia de un tipo que parece obsesionado por matar a un bichito de repente pareciera llevarte por un lado para hacerte terminar en otro en apenas tres minutos, en un estilo que sólo puede venir de un sitio: Christopher Nolan.


The Dark Knight Returns vendrá animado

viernes, abril 15, 2011 | Comments

Portada de TYHE DARK KNIGHT RETURNSHay dos libros de cómics que marcan el antes y después de la historia de los cómics, pues demostraron que pueden ser considerados como literatura seria y no sólo para niños. Una fue hecha una película bastante buena en 2009, y fue, claro, Watchmen, de Alan Moore y dave Gibbons. La otra a la vez pisa terreno familiar --es de uno de los superhéroes más populares de la Historia-- y a la vez explora un mundo completamente nuevo. Es El Regreso del Caballero Oscuro (The Dark Knight Returns), de Frank Miller.

Vamos a ubicar a los neófitos primero. Publicada como una miniserie en 1986, Miller --quien ya venía gozando de respeto por su trabajo en Daredevil (donde introdujo a Elektra) a finales de los 70 y sería ya legendario en los 90 por 300 y Sin City-- imaginó a un Bruno Díaz mayor pero a la vez más obsesionado que nunca por acabar contra el crimen. Con 55 años y retirado desde la muerte del segundo Robin (Jason Todd), Díaz vive en una Ciudad Gótica sumida en el caos, con una pandilla llamada Los Mutatntes aterrorizando a sus habitantes. Cuando un viejo enemigo regresa, Díaz vuelve a asumir la identidad de Batman para detenerlo --y termina peleando contra todos los criminales, el gobierno de los EEUU... y un viejo amigo.

Es una lectura brutal, un estudio en una mente sumamente perturbada que es Miller en el tope de sus habilidades de escritura, y sería una película genial de por sí sola. así que he aquí mis esperanzas muy elevadas con el anuncio de Bleeding Cool (reportado por Screen Rant) de que Warner Brothers estaría haciendo una versión animada de la historia en un futuro no muy lejano.

Según el blog, "fuentes múltiples" les informaron que "varios veteranos de pasadas series animadas de Batman" están trabajando en una versión animada de TDK que seguirá otra historia famosa del Caballero de la Noche por MIller, Batman: Year One, que está pautada a debutar este año en la Comic-Con de San Diego.

Yo no he visto las otras películas animadas de Warneer/DC, como All-Star Superman o una que vi de Linterna Verde como para saber si esto será una buena idea o no. Sí era un alto fanático de Batman: The Animated Series y Batman Beyond, de Paul Dinni, así que no me molestaría si la hacen a ese estilo, y estaré absolutamente en éxtasis si quien se encarga de Genndy Tartakovsky (Samurai Jack, la primera Star Wars: The Clone Wars). Este es uno de esos cómics que se presta para ser adpatado como sea, dado lo bueno que es. Mientras tanto, si ustedes no lo han leído, mucho les aconsejo que lo busuqen y se formen su propia opinión. No presto el mío.

Corto pero Grueso: Flowers and Trees

jueves, abril 14, 2011 | Comments

Esta nueva sección en su amistoso blog de cine saldrá cada jueves mostrándoles una de esas expresiones de cine que se ha beneficiado mucho de Internet: el cortometraje.


El Oscar a mejor corto animado se entregó por primera vez en 1932, y en toda esa década, básicamente esos premios pertenecieron a un solo estudio. Si les cuesta adivinar cuál era, les daré una pista: rima con "Malt Fisni".

Flowers and Trees fue el 29° cortometraje de las Silly Symphonies de Walt Disney, un grupo de cortos hechos entre 1929 y 1939, y la primera animación que se filmó usando la técnica Tecnicolor de tres colores, aún cuando empezó en blanco y negro. Esta novedad hizo de las subsecuentes animaciones un éxito y sería aplicado a la mayoría de las películas de la década de los 30 y 40. Disfruten.

Plasma de Miércoles E74: El Aullido (1981)

miércoles, abril 13, 2011 | Comments

El AullidoSoy un hombre recién casado en caminado a sus 40 años que se rehúsa a aceptar que no tiene 20 años. Es así de fácil. Aún pienso en esos términos cuando no tengo que lidiar con pagar la luz, mudarme con otra persona (por muy bella que sea) o lavar mi propia ropa. Hasta que alguien de afuera me recuerda que no, chamo... esas canas son de verdad.

Y es así como gracias al pana Videoguerrillas me doy cuenta que El Aullido cumplió 30 años el 10 de abril, y tengo que aceptar que ha pasado mucho tiempo --y no he visto ninguna película de hombres lobo, con la sola excepción de An American Werewolf in London-- que pueda competir con lo magistralmente sangriento que es esta vaina. ¡Treinta años, viejo!

Karen White (Dee Wallace) es una periodista televisiva que está siendo acosada por un asesino en serie llamado Eddie Quist (Robert Picardo). Luego de un encuentro particularmente atemorizante con Quist que la deja sin memoria, su psiquiatra (Patrick Macnee) la invita a ella y a su esposo Bill (Christopher Stone) a pasar unos días en una comunidad que él dirige en las montañas llamada La Colonia que la podría ayudar a recuperarse. Pero a los pocos días, Karen descubre que hay algo que la gente del lugar no le está contando --y los terribles aullidos que suenan en las noches le dicen que su pesadilla puede que esté llegando al peor momento.

Inspirada en la novela del mismo nombre de 1977 por Gary Bradner, esta fue una de las primeras películas de Joe Dante, el alumno del rey de las películas B Roger Corman. Dante había logrado hacer una semiparodia de Tiburón con su increíble Piraña, de modo que cuando el primer director (Jack Contrad) tuvo un conflicto con el estudio, Dante fue su primera eleción. También el guionista Terrence H. Winkless (quien luego dirigiría... em... episodios de los Power Rangers) se fue del proyecto cuando su guión no satisfizo a la gente, siendo reemplazado por John Sayles (que había trabajado con Dante en Piraña). Y por último, Rick Baker se encargaría del maquillaje, pero se fue precisamente para trabajar en Hombre Lobo americano en Londres, dejando las labores a cargo de su asistente Rob Bottin.

El resultado fue una película que tiene un ligero toque de humor manteniéndose auténticamente aterradora, muy al estilo de Dante (imaginen Gremlins sin nada adorable). Es que nada más miren ese afiche. Y todo esto es antes de ver al primer hombre lobo en todo su esplendor; las actuaciones de todo el elenco contribuyen a que uno constantemente sepa que hay algo extraño pasando. En especial quiero destacar el trabajo de Elisabeth Brooks, como Marsha Quist; vestida de cuero de pie a cabeza, hay algo en su mirada que te inquieta, y no sólo es lo ninfómana que parece ser. Esta mujer era una delicia de ver, y siempre era una villana en sus roles sin llegar a ser una caricatura. Es una lástima que haya muerto en 1997 sin que nadie siquiera recuerde quién era.

De hecho, en ese mismo sentido, son las mujeres las que dominan en cuanto a lo actoral aquí. Wallace, quien se hizo aún más famosa por ser la madre de Elliott en E.T. El Extraterrstre, es la imagen de la inocencia, y uno espera que nada malo le pase; pueden llamar su actuación un cliché, pero ciertamente le sale todo muy natural. En cambio, los hombres parecieran conformarse con parecer estresados: Christopher Stone (otro actor que murió antes que nadie lo reconociera) es básicamente el esposo con un secreto, mientras que Dennis Dugan (quien se haría luego famoso por dirigir seis películas con Adam Sandler, si me lo creen), más que ser el gran héroe, parece ser el intenso extraño que llega a salvar el día por casualidad. La única excepción entre los hombres es Robert Picardo, un actor de teatro que se ha hecho famoso entre la comunidad geek por sus roles en Star TYrek: Voyager y varias versiones de Stargate, quien aún sin el maquillaje de hombre lobo es un tipo absolutamente siniestro.

Ah, el maquillaje... La mayor razón para ver esta película. En ese entonces no había efectos computarizados; las cosas tenían que hacerse como antes, con látex y afines. Bottin aprendió bien del maestro Baker; la escena de transformación principal rivaliza sin ningún problema con la de Londres y le da cuatro patadas a todas las que han venido desde entocnes (Underworld y <puaj> Twilight en particular), con la posible excepción de El Hombre Lobo de Benicio del Toro. Casi que no quiero mostrárselas, pues en la película tiene un impacto enorme.



Leo con dolor y temor que se está haciendo un remake de El Aullido, sólo que ahora se enfoca en el hijo de Karen, que está descubriendo que "algo" le quedó a su madre del primer encuentro con Eddie Quist. ¿Que no bastó con las seis terribles secuelas que El Aullido ya tuvo? Yo sólo vi una y no me quedaron ganas de más: Howling II: Werewolgf Bitch (lo juro por mi madre), así que este remake --que tiene una pinta de querer hacer para los hombres lobo lo que Twilight hizo para los vampiros-- no me suele sino a caca de perro. Mejor no la vean. Anda, ¿sí?



NOTAS CURIOSAS


  • Varios de los personajes tienen nombres de directores de películas de hombres lobo: George Waggner (El Hombre Lobo de 1941), Roy William Neill (Frankenstein contra el Hombre Lobo, 1941), Terence Fisher (La Maldición del Hombre Lobo, 1960), Freddie Francis (Leyenda del Hombre Lobo, 1975), Erle C. Kenton (La Casa de Drácula, 1975, que de paso es protagonizada por John Carradine, quien sale en El Aullido), Sam Newfield (The Mad Monster, 1942), Charles Barton (Abbott y Costello contra los Monstruos, 1948), Jerry Warren (Face of the Screaming Werewolf, 1964), Lew Landers (The Return of the Vampire, 1944) y Jacinto Molina, un seudónimo de Paul Naschy (La Marca del Hombre Lobo, 1968).
  • Las referencias a hombres lobo abundan en la película. El libro Howl de Allen Ginsberg aparece al lado de un teléfono; el sheriff del pueblo (Slim Pickens) sale comiendo chili Wolf Brand; Bill está leyendo No Puedes Volver A Casa de Thomas Wolfe; hay una pintura de un lobo atacando ovejas sobre la cama de Bill y Karen; un afiche de Lon Chaney, Jr., quien hizo del hombre lobo en todas las versiones clásicas de kla historia en los años 40, aparece en la oficina del doctor Waggner; y hay algunas menciones al locutor de radio Wolfman Jack.
  • Tanto John Sayles como Roger Corman tienen breves papeles en la película.
  • A Robert Picardo le disgustaba todas las horas que tenía que estar sentado para que lo maquillaran. En el comentario de la edición especial del DVD dice. "Un día, luego de estar seis horas sentado en la silla de maquillaje estaba pensando: 'entrenado en Yale, dos papeles principales en Broadway. Mi primer papel actoral en California, mi cara se derrite en una película de terror de bajo presupuesto'. Todo lo que el equipo dijo en ese entonces fue, '¡Bob, la próxima léete el guión completo!'"

Superman consigue su villano. ¡Hínquense ante Zod!

lunes, abril 11, 2011 | Comments

De izq. a der: Michael Shannon, Amy Adams, Henry Cavill, Diane Lane y Kevin Costner

Creo que todos podemos estar de acuerdo en que la que inició la locura de películas de super héroes ha sido la más difícil de igualar. Superman lo tenía todo: un increíblemente carismático Christopher Reeve como el Hombre de Acero, un excelente Lex Luthor en Gene Hackman, una creíble Luisa Lane en Margo Kidder, y nada menos que Marlon Brando como Jor-El. Bajo la dirección de Richard Donner, tanto ella y su secuela (tratemos de fingir que nunca sucedieron la 3 y la 4) fueron la vara ante la que se han medido todas las películas de superhéroe desde entonces; de hecho, sólo cuando  Batman de Tim Burton y Spider-man de Sam Raimi se le midieron adecuadamente --y eso evolucionó al panorama actual.

Pero Superman siempre será una fuente a la que todos quieren regresar a beber. Bryan Singer lo hizo en 2006 con Superman Returns, y eso... bueno, digamos que no sirvió. Pero el año pasado, Christopher Nolan decidió apadrinar una nueva película sobre el Último Hijo de Kriptón antes de lanzarse su última película sobre Batman, y él y Warner Brothers escogieron a Zack Snyder (300, Watchmen, Sucker Punch) para dirigirla. Esa dupla ya es algo alentador: Nolan rescató la franquicia de Batman del olvido a la que fue enviada por Joel Schumacher y sus batitetillas, y Snyder es un enorme geek muy fan de los cómics que en Watchmen demostró, a pesar de sus fallas, que sabe tratar una propiedad con muchos fanáticos con respeto. (Ojo: los resultados de Sucker Punch tanto en taquilla como en la crítica no serán usados en su contra.) Si a eso le sumamos el elenco que se está consiguiendo para esta nueva encarnación, pues deberíamos confiar en que el legado de Supermán estará en buenas manos.

En primer lugar, Supermán/Kal-El/Clark Kent será interpretado por el actor inglés Henry Cavill, quien es famoso por su papel de Charles Brandon en la miniserie The Tudors y veremos como Teseo en The Inmortals; Diane Lane (Infidelity, Nights in Rodanthe) y Kevin Costner (Waterworld, Dances With Wolves, 13 Days, El Guardaespaldas) serán Martha y Jonathan Kent, los padres adoptivos de Supermán; la genial --e insisto en lo genial-- Amy Adams (Encantados, Doubt, Julie & Julia, The Fighter) será Luisa Lane; y hace unos minutos llegó confirmación que Michael Shannon, quien se ganó una nominación al Oscar por su papel en Revolutionary Road y muchos dicen fue lo único bueno en The Runaways, será el villano Zod, originalmente interpretado de manera brutalmente buena en Superman II por Terrence Stamp. e

Lo irónico de esto es que hace un mes Snyder negó que Zod fuera a ser un villano en esta película, que ahora se llamará Man of Steel, a pesar que Slashfilm tenía información sólida que sí iba a ser así. Viggo Mortensen iba a tener ese papel, lo que también habría sido fantástico, pero eso se cayó. (Y pillen esto: nuestro Edgar Ramírez --quien pronto será el dios de la guerra Ares en la secuela de Furia de Titanes-- parece que está en negociaciones para un papel aquí también, de acuerdo con Latino Review. Incluso se rumoraba que sería él Zod.) Shannon es un actor absolutamente genial; estoy seguro que el mundo temblará cuando diga: "KNEEL BEFORE ZOD".

Man of steel está pautada para verano de 2012, donde se las verá con The Avengers de Marvel. El guión está escrito por David Goyer (The Dark Knight, Blade, Dark City) basado en una historia creada por él y Nolan, que, según el blog Vulture, vería a Clark Kent como un reportero viajando por el mundo tratando de decidir si quiere o no ser Supermán. Suena bien, la verdad, y en serio tengo fe en todos los involucrados, tanto actores como directores y productores. ¿Qué opinan ustedes?

Secuencia de créditos sesentosa (y buena) de X-Men: First Class

domingo, abril 10, 2011 | Comments

No he tenido mucho chance de hablar de la nueva película de Matthew Vaughn (Kick-Ass, Stardust) porque coño, he tenido tanto trabajo que... En fin. Pero cada video, afiche (bueno, no todos), imagen y oh sí, trailer de la precuela a la trilogía de películas de los Hombres X hacen que esta pelícual sea ciertamente algo de lo que hay que estar pendiente. X-Men: First Class muestra cuando Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lensherr (Michael Fassbender) aún no se habían convertido en el Profesor X y Magneto, respectivamente, y estaban decubriendo sus poderes y tratando de reclutar a otros como ellos.

Después de X-Men: Last Stand y en especial después de X-Men Origins: Wolverine, nadie estaba preparado para volver a ver a los alegres mutantes de vuelta a la pantalla. Pero Vaughn por lo visto ha logrado darle al mundo una dosis colectiva de Listerine para hacernos olvidar de las dos últimas locuras de la franquicia y nos ha dado una historia de orígenes digna de nuestra atención.

Como está ambientada durante la crisis de los misiles en Cuba de 1963, un usuario que se hace llamar Joe D! decidió hacer una secuencia de créditos inspirados en el trabajo de Saul Bass y algunas películas de James Bond. Hay algunos anacronismos, como las protestas en contra de la guerra de Vietnam que no ocutrrieron sino seis años después de los eventos de la película, pero sin duda es un trabajo impresionante. Me gusta mucho el toquecito de incluir una versión del tema de la comiquita de los 90 como fondo.


X-Men: First Class Title Sequence from Joe D! on Vimeo.

X-Men: First Class se estrena el 3 de junio, y además de Fassbender y McAvoy (que debería ser razón suficiente para ver la película) el elenco también incluye a Kevin Bacon como Sebastian Shaw, Jennifer Lawrence (Winter's Bone) como Mystique, January Jones (Mad Men) como Emma Frost, Nicholas Hoult (About A Boy) como Bestia y Rose Byrne (Troya) como la doctora Moira McTaggert. Bryan Singer, quien dirigió las dos primeras películas de los X-Men, es uno de los productores.

In Memoriam: Sidney Lumet (1924-2011)

sábado, abril 09, 2011 | Comments

Hay directores hollywoodenses que son tran grandiosos como las estrellas que dirigen, como Alfred Hitchcock, Steven Spielberg o Martin Scorsese. Hay otros, como David O. Russell o Paul Thomas Anderson, tienen un innegable talento pero son menos bombásticos en sus producciones y, por lo tanto, menos famosos. Y hay otros que, a pesar de haber tenido un sólido cuerpo de trabajo, incluyendo algunos auténticos clásicos, caminan una línea intermedia, y nunca consiguen el reconocimiento que realmente merecen. Sidney Lumet, quien murió esta mañana a los 86 años por un linfoma, era uno de esos directores. La triste noticia es reportada por el New York Times y me entero por el tumblr Pop Culture Brain. Y digo triste no sólo porque el hombre haya muerto, sino porque de seguro muchos de ustedes más jóvenes a lo mejor nunca han oído hablar de él. Tamaña injusticia. Sigan leyendo, por favor.

Lumet fue siempre un dierctor que se concentraba en su trabajo y prefería las calles de Nueva York para su entorno que el glamour de Hollywood, y quizá por eso nunca estuvo particularmente presente en el top pf mind de dirctores. Pero muchas de sus películas son parte de los grandes clásicos del cine de los 70 y 80 y fue consistentemente bueno en su repertorio. Las mejores de sus películas lidiaban con temas sociales y actos individuales de heroísmo. Como una vez escribió y cita el NYT:

Mientras que la meta de todas las películas es entretener, la clase de película en la que yo creo va un paso más allá. Invita al espectador a examinar una faceta u otra de su propia conciencia. Estimula el pensamiento y pone los jugos mentales a fluir.

Y de qué manera. Su primera película fue el genial drama legal 12 Angry Men (1957), de la que se hizo una versión televisiva en 1997, y lograba crear tensión sólo con mover la cámara a cierto ángulo que diera la sensación de encierro. Fue una dura crítica a la hipocresía social, todas las maneras en que se puede tergiversar una juicio, sea legal o moral, que hizo que el mundo se fijara en este chato nativo de Filadelfia con un enorme lunar en su mejilla derecha. Su protagonista, Henry Fonda, recibió su primera nominación al Oscar, al igual que Lumet por su dirección. Pero no ganó.

Pero era una sana e inocente crítica cuando la comparamos con Network (1976), quizá su película más famosa, que le valió un Oscar póstumo a su protagonista Peter Finch en su papel de un olvidado ancla de un noticiero televisivo que decide empezar a criticar sin pudor lo que considera las hipocresías de la sociedad americana en vivo. "¡Estoy endemoniadamente furioso, y no me la calo más!" ("I'm mad as hell, and I'm not gonna take it any more!") se convirtió en el grito de guerra de esa sociedad, y aún resuena hoy en día. Recibió 10 nominaciones al Oscar, incluyendo Película, Director, Actor, Actriz, Guión Original y actriz de Reparto. Ganó los cuatro últimos; Lumet no ganó.

Una fascinación particular de Lumet era la corrupción policíaca, y ese tema lo exploró en una de sus dos colaboraciones con Al Pacino en Serpico (1973). Basada en una historia verdadera que dos policías neoyorquinos le contaron a un periodista del Times que llevó a grandes reformas en el sistema. Ver esta película hoy en día y compararla con donde está Pacino ahora es casi doloroso; ambas veces que trabajó con él logró una nominación al Oscar. La segunda fue otra historia de la vida real, la ya legendaria Dog Day Afternoon (1975), donde narró el fallido intento de robar un banco del líder de una banda novata de ladrones (Pacino) que necesita el dinero para... bueno, ustedes véanla para que me lo crean.

Lo legal era un tema frecuente para Lumet, precisamente por cómo lidiaba con las injusticias sociales. Una de sus mayores muestras fue cuando se unió al guionista David Mamet y al legendario Paul Newman para traernos El Veredicto (1982). Fue el mejor papel de Newman, en mi humilde opinión, y ambos consiguieron sendas nominaciones al Oscar por ella. Ninguno ganó.

¿Ya vieron el patrón? Lumet fue nominado cuatro veces al Oscar, y en total sus pelícuals re3cibieron 40 nominacioens, pero jamás se le otorgó la estatuilla, hasta que en 2005 le dio el premio de consolación que es el premio honorario. "Quería uno, maldición, y sentía que merecía uno", dijo en una entrevista de 2007. (Ese año fue cuando presentó su última película, Before The Devil Knows You're Dead, la historia de dos hermanos, interpretados por Phillip Seymour Hoffman y Ethan Hawke, atrapados en una red de avaricia y corrupción). Muy probablemente fue ese amor por Nueva York más que por la Meca del Cine lo que hizo que el hombrecito dorado lo evadiera; ciertamente la Gran Manzana se sentía como un personaje más en sus películas. Incluso apareció una versión fantasiosa en una de sus más extrañas películas, su versión de El Mago de Oz, The Wiz (1978), protagonizada por Diana Ross y... bueno... Michael Jackson. Fue un fracaso tanto crítico como de taquilla, pero la verdad, a mí no me molestó.

No hay cineastas como Lumet actualmente. El sentido social de muchas de sus películas no está tan presente hoy en día, y eso creo que aún hace falta. Por Dios, este fue un hombre que incluso logró que Vin Diesel diera una actuación auténtica (Find Me Guilty de 2006) y logró controlar un elenco del tamaño del Expreso de Oriente en, bueno, Asesinato en el Expreso de Oriente (1974), basada en la obra de Agatha Christie, que tenía a Albert Finney como Hércules Poirot, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, John Gielgud y Sean Connery. Y lo más genial es su respuesta a por qué hacía películas, otra vez en la entrevista con el Times: "Lo hago porque me gusta y porque es una maravillosa manera de pasarte la vida".

Corto pero grueso: Father and Daughter

jueves, abril 07, 2011 | Comments

Esta nueva sección en su amistoso blog de cine saldrá cada jueves mostrándoles una de esas expresiones de cine que se ha beneficiado mucho de Internet: el cortometraje.


Hasta que sean detectados por gente como Tim Burton, muchos cortometrajes animados no llegan al grueso del público (como sucedió con 9). Y eso hace que algunos de los más hermosos y conmovedores cortometrajes sólo sean vistos dentro de los confines de los festivales. O en el mundo de Internet, donde su fiel bloguero de cine decide proyectárselo a ustedes.

No veo mejor manera de empezar "Corto pero Grueso" con esta conmovedora historia del animador holandés Michaël Dudok de Wit, pues como dije al principio, esta es la clase de cortos que uno no vería de otra manera. Esta fue la ganadora al Oscar en 2000 como mejor corto animado, junto con otros 21 premios incluyendo un BAFTA. Lo que me encanta es que, mientras que Pixar tiene mucho corazón en sus cortos en medio de su genial animación --y ciertamente pienso mostrar muchos de sus cortos más famosos aquí a medida que los consiga--, Father and Daughter logra toda una historia y un punzado en el corazón con una animación mínima y sin nada de diálogo. Sin embargo, reto a cualqueira que quede con el corazoncito intacto después de verla.

Boda a lo Hollywood

miércoles, abril 06, 2011 | Comments

Sí, bueno, hoy es el día mi matrimonio civil. ¿Qué creían, que no iba a encontrar una manera de relacionarlo con el cine?

En investigación –bueno, “investigación”—para este post, me di cuenta de algo: uno ve muchísimos romances en la historia del cine, pero no muchas películas sobre una boda como tal. Y casi todos las que conozco son comedias románticas. ¿Por qué?

Bueno, no hace falta ser Roger Ebert para explicar eso, ¿no? Como toda persona que se ha casado alguna vez en su vida, el matrimonio se centra en la novia, muchachos. Ustedes prácticamente lo único que tienen que hacer es presentarse ahí, listo. Por consiguiente, muchas películas sobre bodas, aún si están siendo contadas desde el punto de vista del hombre, están dirigidas al público del estrógeno.

No sólo eso, se supone que una boda es un momento hermoso y feliz; ¿para qué arruinarlo con un drama? Es por eso que muchos dramas románticos muestran el proceso hacia la boda, o el tiempo después, o el por qué no se dio. Hablo de películas como Casablanca, Los Puentes de Madison County, The Notebook y afines.

Y puedo decirles de una vez, todos los preparativos para una boda, cuando son vistos desde afuera, pueden ser bastante cómicos. Es un corre corre increíble, una exhilarante aventura de tratar que TODOQUEDEBIEN. Si uno no cae en clichés –y lamentablemente muchos caen en eso—se pueden dar escenas sumamente divertidas.

La Boda de Mi Mejor Amigo (1997). Julia Roberts fue durante un buen tiempo la reina de las comedias románticas, antes que Sandra Bullock y Katherine Heigl. Y esta creo que es la mejor de ellas, después de Pretty Woman, sobre todo porque es una historia original. Aquí interpreta a una mujer que le ha evadido al amor toda la vida, en especial al que se convirtió en su mejor amigo después de bachillerato (Dermot Mulroney). Pero cuándo éste la llama para decirle que se va a casar, ella se friquea. “¡Epa! ¿Y yo?” Así que, en contra de lo que todo el mundo, en especial su verdadero mejor amigo (Rupert Everett, el mejor papel de la película) –porque es gay y nunca la verá de otra manera—, decide tratar de sabotear la boda. La cosa se complica cuando la novia (Cameron Díaz) resulta ser un dechado de encantos y tiene una familia adorable. Te hace añorar por más comedias románticas así.

Mi Gran Boda Griega (2002). Esta fue la primera película que vi luego del levantamiento de la huelga indefinida de ese año, y bien valió la pena, pues es realmente encantadora. Y da la casualidad que es lo único bueno que su guionista y protagonista Nia Vardalos ha hecho en su carrera. Ella hace de una mujer en medio de una enorme y tradicionalista familia griega en Chicago que se enamora de un hombre (John Corbett) que… horror de horrores… ¡no es griego! Esta película me encanta porque no sólo habla de defender el romance, sino que también se refiere a cómo aún la familia más cerrada se ocupará de ti con tal de dar tu felicidad.

Cuatro Bodas y Un Funeral (1994). Ey, ninguna lista sobre películas románticas de cualquier índole estaría completa sin una mención a una película escrita por Richard Ciurtis, ¿no? Y menos si no incluye a Hugh Grant, quien en una época también era el rey de la comedia romántica. Los británicos tienen un sentido del humor absolutamente encantador, con una facilidad de burlarse de sí mismos que muchos envidiarían. Grant interpreta a un miembro de un grupo de amigos que se pregunta si lograrán encontrar el amor mientras atienden –oh sí—cuatro bodas y un funeral. Grant cree conseguirlo en Carrie, una estadounidense interpretada por Andie MacDowell (¿qué será de su vida, por cierto?)… ¿o no?

El Banquete de Boda (1993). Ang Lee sabe entregar romance –vean Sensatez y Sentimiento, o mejor aún, Brokeback Mountain—pero fue dado a conocer por primera vez a nivel mundial con esta comedia de enredos que ustedes necesitan ver si quieren ver cómo una verdadera comedia romántica debe hacerse. Wai-tung (Winston Chao) es el conserje de un edificio en Manhattan que está felizmente enamorado… de Simon (Mitchell Lichtenstein). Pasa que sus padres no lo saben, y lo tienen atosigado preguntándole cuándo se casan. Para que lo dejen en paz, le pide a una de sus inquilinas (May-Chin) que se case con él por conveniencia para obtener su green card –hasta que sus padres insisten en hacer un enorme banquete para celebrar. Esto es comedia al nivel de Shakespeare mi gente; véanla.

Pensé en incluir a Kill Bill Vol. 2 en la lista –ey, ¡hay una boda!—pero no me pareció apropiado.

Ahora los dejo que me tengo que preparar para mi gran día. Sonrisa Mientras tanto, ¿cuáles películas sobre bodas me recomiendan? Los hombres que lo hagan se ganarán mucho respeto de mi parte.

Mientras tanto, en Internet...

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