El Cine Tuyo, Mío y Vuestro

Si hubieran leído la noticia sin saber el contexto, quizá ni supieran de quién se trataba. El profesor Jaime Escalante, de 79 años, murió ayer 30 de marzo en su casa cerca de Sacramento, California, víctima de un cáncer de vejiga que lo aquejaba desde hace muchos años. Era boliviano y también fue maestro en su originaria La Paz, e inmigró a Puerto Rico en 1964 a completar su educación. Un año después llegó a California, aunque no hablaba inglés, y su título para enseñar no servía allí. Sin desanimarse, Escalante estudió inglés en las noches y buscó una revalidación de su título para enseñar matemáticas en su nuevo país. Diez años después empezó a enseñar Matemáticas en la Escuela Media Garfield al este de Los Ángeles.

Y ahí es donde ustedes deberían saber de la vida de este señor, bajito, con un pelo que se peleaba por caer de manera desigual, pero con un sentido del humor excelente y picarón y una personalidad como seis veces más grande que él. Tanto, que el tiempo que Escalante estuvo en Garfield inspiró un libro de 1988 del escritor Jay Matthews llamado Escalante: the Best Teacher in America, que a su vez se convirtió en película el mismo año llamada Stand And Deliver (Con Ganas de Triunfar o Lecciones Inolvidables, en español), protagonizada por el genial Edward James Olmos.

Para los que no lo sepan, el este de Los Ángeles es el equivalente a Catia o El Valle en Caracas, una zona de mucha clase social baja, muchos chicanos y negros, y muchísimos problemas de pandillas. En Garfield, la mayoría de los alumnos tenían tanto deseo de estudiar como yo tengo de trabajar en el Gobierno. No debe haber sido fácil para Escalante tratar de cambiar eso. Digo, estamos hablando que era profesor de Matemáticas. Matemáticas, coño.

Pero se dio a la tarea de hacer algo que nadie había hecho antes: no se dio por vencido con los muchachos. Los retó, les dio el deseo de progresar, les hizo pensar que era posible un destino mejor que ser camareras o mecánicos. Incluso logra corregirle el destino a uno que iba directo a una pandilla (Lou Diamond Phillips), quien de hecho se convierte en uno de sus alumnos estrella.

Si han visto cualquiera de esas películas deportivas o de maestros poco convencionales (Dangerous Minds, La Sociedad de los Poetas Muertos), Stand and Deliver no ofrece mucho nuevo u original, y la dirección de Ramón Meléndez (este ha sido su único largometraje notable) no es nada sino normal. De manera que lo que tiene que distinguir esto es la actuación de Edward James Olmos –y vaya que distingue. Fue impactante ver a este actor chicano cambiar completamente del teniente Castillo de Miami Vice que nos tenía acostumbrados para ese entonces. Uno sueña con tener un profesor así, que se preocupa por hacer de algo tan pesado como el cálculo algo útil y, horror de horrores, divertido.

Es una enorme ironía que muchas escuelas decidieran mostrar Stand And Deliver en sus aulas cuando sus mismos maestros no estaban dando la talla, mucho menos eran como Escalante. Más allá de la evidente hipocresía, demuestra que no es sólo en nuestro país en donde cojeamos de la pata de la educación. Vean Stand And Deliver, y reflexionen si gente como Jaime Escalante no hacen más falta, no tanto en nuestro país, sino el mundo.



NOTAS CURIOSAS

• Edward James Olmos pasó por un proceso artificial de pérdida de cabello y engordó unos 10 kilos para el papel.

La última persona que yo hubiera puesto para el papel de la Viuda Negra en cualquier película habría sido Scarlett Johansson. Me parece una mujer bellísima, y ciertamente tiene un talento que la industria aún no le reconoce, luego de papeles bastante buenos en Vicky Cristina Barcelona y The Other Boleyn Girl. Ciertamente no se ha destacado en películas de acción (seguro ella es la primera que quiere olvidar The Island), de modo que cuando supe que ella estaría en el papel de Natalia Ivanova y no quien yo hubiera querido (Olga Kurylenko –rrrrrr…), yo tuve mis reservas. ¿Podría desarrollar un papel tan físicamente exigente? ¿Y se vería bien con el pelo rojo?

Luego de ver el teaser, el trailer y este afiche de la WonderCon que Paramount estará repartiendo con Johansson en todo su esplendor viudístico (que Film School Rejects debutó hoy)… sí y sí. Oh sí.

Iron Man 2 se estrena el 30 de abril en Venezuela y el 1º de mayo en el resto del mundo. Suck it, world.

Judd Apatow se ha convertido en leyenda de la comedia como productor y director de algunas de las mejores comedias de los últimos años, como Virgen a los 40, Anchorman, Ligeramente Embarazada y Forgetting Sarah Marshall. Luego de un tropezón con Funny People (una comedia que no he logrado ver pero lamento que haya fallado, pues veo lo que Apatow estaba intentando), Apatow produce una nueva comedia con personajes de Sarah Marshall llamada Get Him To The Greek. Y coño… Bueno, vean el trailer restringido.

Me hago pipiiiii… Esta es la historia de Aaron Green (Jonah Hill), un entusiasmado empleado de una disquera que es asignado con viajar a Londres para convencer a la hiperestrella de rock Aldous Snow (Russell Brand) que viaje a Los Ángeles para el décimo aniversario de su legendario concierto en el club The Greek. Pequeño problema para Green: Snow es la peor persona en la faz de la tierra. Yo no sé ustedes pero la combinación entre Hill y Brand, que pueden hacer estos papeles con los ojos vendados y las manos atadas, es brillante hasta más no poder. Por Dios, hasta P. Diddy es cómico. Eso sí, espero que el director, Nicholas Stoller, finalmente se reconcilie con nosotros luego de los fiascos que fueron Yes Man y Fun With Dick And Jane. Estamos pendientes. Se estrena

Que maravillosa variación en el tema de las comedias románticas. Cero clichés, excelentes actuaciones e inclusive un guión inteligente. Dios, esto debería ser el estándar de este tipo de películas, aunque es tal la diferencia que meter esta película en la misma categoría que La Cruda Verdad y Día de los Enamorados. Es como comparar un Ferrari con un Twingo. Es más ¿cómo es que fue tan ignorada en los Oscars, coño?

Tom (Joseph Gordon-Levitt) es un arquitecto frustrado que se dedica a escribir tarjetas de felicitaciones y está pasando por el momento más miserable de su vida: acaba de ser dejado por Summer (Zöoey Deschanel) luego de una larga y hermosa relación (de 500 días… obvio, ¿no?). Ante la intervención de su curiosamente madura hermana menor (Chloe Moretz, a quien pronto veremos en un papel muy distinto) y sus dos mejores amigos (Geoffrey Arend y Matthew Gray Gubler), Tom empieza a reconstruir la relación para tratar de descubrir qué fue lo que salió mal, dónde se equivocó, o dónde estaban las señales que indicaban que esto no iba a funcionar no importa cuánto lo intentara. ¿O es que no las habían?

Este es el largometraje debut como director de Marc Webb, quien, al igual que otros como David Fincher y Michel Gondry, se había destacado dirigiendo videos musicales de Three Doors Down y Green Day. Supongo que de ahí viene tan buen uso de la música a lo largo de ella, y demuestra una enorme sensibilidad por temas humanos si logra recrear fielmente un guión tan personal como el Scott Neustadter y Michael Weber (/una redención para ambos, ya que también escribieron el guión para La Pantera Rosa 2). Nadie que no haya tenido su corazón roto alguna vez podrá decir que este no es el proceso de cura, que estamos permanentemente en el fondo del valle luego de sentirnos en la cima de la montaña. Estamos viendo la historia de Tom y Summer de manera no lineal, que vemos el día número 1, luego el 488, luego el 30, luego el 15… (Yup, la narración no lineal: uno de mis métodos favoritos para narrar.) Incluso una secuencia de baile luego de un momento particularmente feliz, donde hasta un pajarito animado hace su aparición, podría haberse visto extravagante en otra película pero aquí se ve extraordinariamente bien usado.

Por supuesto que mucho del peso de la película va en los hombros de Gordon-Levitt y Deschanel, dos de los actores más subestimados de Hollywood en la actualidad. Yo ya admiraba a Gordon-Levitt hace rato, gracias a su trabajo tanto en la serie Third Rock from the Sun como su papel en algunas indie como Brick. Incluso es genial en G.I. Joe, si me quieren creer. Es imposible no verlo como el tipo que toda madre aspira para su hija: es amable, cómico, romántico y preocupado por su gente, y tiene una expresividad en sus pequeños ojos que no son fáciles de ver en actores de más edad. Uno siente su dolor; yo quería comprarle una cerveza y ayudarlo a odiar a las mujeres con tal que el pana estuviera bien.

Y Deschanel… Este es un papel que ella nació para interpretar, la maniac pixie dream girl que tanto amamos odiar en el cine, esa chica que es perfecta en todo sentido hasta que baila un joropo sobre nuestro corazón que han existido desde The Apartment. Tiene una cara dulce, una personalidad divertida, gustos extraños y Dios esos ojos (la película tiene una variedad de tintes azules precisamente para destacarlos). Tú quieres odiarla, tú NECESITAS odiarla, pero coño, ella no te deja, porque nunca te ha mentido, nunca ha dejado de ser brutalmente sincera… perra… Eh, perdón, me desvié. Deschanel también ha sido subestimada en su trabajo, quizá por su tendencia a siempre ser “esa” chica que te muestra el verdadero sentido de la vida, pero fue lo más rescatable en Yes Man y ciertamente hace un genial trabajo aquí.

Cuando se entregaron los Globos de Oro, yo celebré que la ganadora en la categoría de Mejor Película, Coemdia, fuera The Hangover por encima de (500) Days of Summer. De cierta forma lo mantengo y me retracto a la vez. Como comedia, The Hangover funciona con mayor facilidad, sin ninguna duda en lo absoluto. Pero (500) es, sin duda, mejor película. Merecía al menos una nominación como Mejor Guión Original, y ciertamente sus dos estrellas merecían la consideración aunque quizá no ganaran. No creo que haya mejor película ahorita para ver en pareja, discutir, y sí, si estás despechado, incluso ir a ver solo. Quizá entiendas que a veces, sólo a veces, es mejor darse cuenta que te enamoraste solo y seguir con tu vida, que seguirte dando coñazos contra una hermosa pared de ojos azules.

¿Verdad?

Es oficial, esta y Kick-Ass son las dos películas de cómics que más estoy esperando para este año que aún no sé si las van a pasar aquí en el país. Se ve absolutamente genial, un videojuego metido en una película. Vean y disfruten.

Scott Pilgrim vs. The World es uno de los cómics más populares en la actualidad en Estados Unidos, sobre un canadiense de 23 años, bajista en una banda llamada Sex Bob-omb, que se enamora de una repartidora de flores pero debe derrotar a su siete malignos ex novios para conquistarla. La versión cinematográfica tiene al genial Michael Cera como Scott y Mary Elizabeth Winstead. También cuenta con Chris Evans (el nuevo Capitán América), Kieran Culkin (sip, el hermano de Macaulay), Brandon Routh (nunca más Supermán) y la genial Anna Kendrick (espero que nunca más de Twilight y siempre más cosas como Up In The Air). Y por si fuera poco, está dirigida por Edgar Wright, quien se ha lucido con comedias como Hot Fuzz y Shaun of the Dead.

Hay un tema que a veces aparece con algunos artistas: la tendencia a demostrar la relación que tienen con los personajes que crean. Es a duras penas algo nuevo, pues viene desde que Luigi Pirandello ofreció la agonía de la creación en Seis Personajes En Busca de Autor a principios del siglo XX, y se vio cómo la relación autor-creación se vuelve absurdamente personal en Más Extraño Que La Ficción. Pero en DESautorizados, la directora Elia Schneider (Punto Y Raya, Huelepega) hace mucho ás que mostrarnos cómo se relaciona una directora con sus personajes; nos plantea la pregunta: ¿cuándo una obra nos deja de pertenecer y nos empieza a poseer?

Esta es la película más personal que Schneider nos ha traído, precisamente por ese aspecto. El guión, por Fernando Butazzoni, cuenta tres historias paralelas (algo que para mí siempre es un plus): la de la propia Schneider, quien nos va contando cómo se va creando una película tanto en su mente como en el papel como en… la vida real, pues; luego, la historia de Elías (Erich Wildpret), un dramaturgo pobre y atormentado como todos los grandes autores, quien está pasándola rudo para terminar su obra, pues por un lado está su integridad como autor y por el otro tiene a un productor ejecutivo (el actor colombiano Rafael Uribe) que quiere adaptarla a su gusto; y por último están Federico (Juan Carlos Alarcón) y Nina (Samantha Dagnino), dos amantes que huyen del esposo de ella (Albi de Abreu), sí, pero en realidad son los personajes centrales de la obra de Elías –que se han librado de ella para tratar de convencer a su creador que este no es el camino por el que debía ir. Buena suerte.

Por favor no me digan que ustedes son de los idiotas que no irán a ver una película venezolana sólo porque es venezolana. Es cierto, nuestro cine se ha venido algo a menos en los últimos años, víctima de… bueno, de tantas cosas. Pero eso es igual que juzgar una película por su fuerza en taquilla: a veces puede ser una Dark Knight, otra puede ser una Transformers: Revenge of the Fallen. En el caso de nuestro cine, nos podemos conseguir una Secuestro Express, como nos podemos conseguir Una Abuela Virgen. Hay de todo, muchachos, y no es porque nuestro cine sea todo malo (lejos de). Y si no apoyamos lo bueno que sí existe, ¿cómo esperamos que se promocione?

Schneider es una de esas que siempre vale la pena apoyar. Sus películas tienen un delicado sentido del humor, juguetonas casi, y aún mantienen la esencia de una obra de teatro que revelan sus orígenes. El resultado es una creación que aunque parece caótico, si juzgas por el trailer, nunca pierde su norte (ni siquiera con la ya famosa vaca). Schneider nos provee de narración que ayuda a explicar un poquito lo que va sucediendo.

Tampoco es malo que el elenco es de lo mejor que el país tiene para ofrecer. Wildpret, quien parece una fija de Schneider como el Depp de Burton, nos ofrece, sí, una caricatura de dramaturgo desesperado, pero nunca cae en lo absurdo. En palabras de la propia directora, es “una caricatura seria” de un autor. Tú esperas que el hombre empiece a jalarse los pelos cuando las cosas no salen como quiere, pero en vez de eso, Wildpret nunca hace menos que convencernos que es un artista preocupado porque su obra sea tratada con respeto. Lo que no siempre sucede.

Luego, están Alarcón y Dagnino, un par de jóvenes talentos que me han dejado impresionado. Creo que ya Dagnino puede dejar atrás su estatus de “la hija de Pablo Dagnino el de Sentimiento Muerto”, pues aquí su actuación varía entre tierna pero sufrida niña/mujer a apasionada defensora. Y Alarcón… ¿de verdad este es el mismo chamo del Club Disney? Ha madurado a ser un muy convincente actor, que logra superar su cara de adolescente con mucha dignidad. Estamos hablando que logra –que ambos logran—ir de tú a tú con una de las damas de la actuación venezolana como es Dad Dáger (quien hace de la protagonista de la obra de Elías y su amante). Mis respetos a ambos, y les deseo una larga carrera de éxitos. (El papel de Albi de Abreu, otro actor local que considero es rescatable, no tiene mayor peso, o al menos ninguno que pudiera comprender, pero supongo que lo hace bastante bien.)

He desarrollado una relación bastante especial con DESautorizados en los últimos meses por mi trabjo, y debo decir que espero que crezca fuerte y sana con la ayuda de ustedes. (Pendientes de mi entrevista con Elia Schneider.) Si son de los que le han perdido la fe al cine venezolano, sacúdanse eso. Aún queda mucho en ese campo por explorar en el país. Esta es una de ellas.

• Todos los apellidos de los personajes son famosos científicos, matemáticos, ingenieros, artistas, etc.
• Hay muchas referencias matemáticas a lo largo de la película, como una calle llamada Euclid Street (geometría euclidiana).
• Will Ferrell llevaba un audífono que le narraba las líneas de Emma Thompson para ayudarlo a que los otros actores reaccionaran más naturalmente a las expresiones de Ferrell.

Cada temporada puedes esperar una de esas películas de deportes que están destinadas a levantar tus espíritus, a dejar que creas en milagros y te inspires para que veas que tu vida no es tan mala como esas pobres amas que superaron todos los obstáculos para lograr la gloria. Invictus casi califica como la contendora para este año si no fuera por el trasfondo político y humano que conlleva. Así que ese trabajo tuvo que quedarle a The Blind Side, que los llena aún mejor: es una historia verdadera, es sobre fútbol americano y le da a todas las notas correctas con el público. ¿Cómo no querer esta película?

Michael Oher (Quinton Aaron) es un enorme adolescente callado y aparentemente sin hogar que ha llegado a las calles de Baltimore esperando educarse. Ha tenido una vida traumática, considerando que fue separado de su madre por Servicios Sociales cuando era un niño. Una noche que va caminando a buscar un sitio donde dormir, lo ve la familia Tuohy, liderada por la madre, Leigh Anne (Sandra Bullock), quien le ofrece a Michael un sitio a donde dormir, bajo el nerviosismo de su hija Collins (Lily Collins), la fascinación den su hijo (Jae Head) y la delicada preocupación de su esposo (Tim McGraw). Tiempo después, convencen a Michael que pruebe jugar fútbol para que intente algo con su vida… y lo demás, muchachones, es historia.

Quien dirige es John Lee Hancock, quien ya tiene experiencia jalando las cuerditas de los corazones, habiendo dirigido en béisbol a Dennis Quaid en The Rookie y el drama histórico The Alamo. Hancock adaptó la parte de la vida de Oher del libro The Blind Side: Evolution of the Game  de Michael Lewis, y le aplaudo que no lo haya tratado como el estándar de las “biopic”, donde se hace la cronología desde nacimiento, hasta gloria, hasta caída, hasta redención. Supongo que es porque Oher es el propio osito de chocolate: grande, callado, buena gente, pendiente de los suyos, sano y talentoso. No es un personaje terriblemente complejo, pero es imposible no quererlo, no preocuparse por él.

Quizá por eso el enfoque en la película es el personaje de Bullock. Muy sinceramente, no vi el Oscar en su actuación. Es sin duda una buena actuación, y es un papel que le hacía mucha falta a este punto de su carrera. Uno ve que Leigh Anne Tuhoy es una fuerza de la naturaleza, una mujer que quiere darle a alguien menos afortunado que ella algo de lo que tiene, y ferozmente protectora de los suyos. Nunca deja de mostrar su lado “sifrino”, que vive en comodidad eterna sin querer admitirlo, pero uno ve la humanidad debajo de la peluca amarilla y el maquillaje.

De resto, lo siento, pero, ¿qué hacía esta película entre las diez nominadas? Aparte de Aaron y Bullock, las demás actuaciones están desgastadas (Kathy Bates está desperdiciada en un papel que es poco más que un cameo) o son molestas (lo siento, Jae Head, estoy seguro que eres genial, pero aquí me desesperas). El guión es lo más estándar que puedo imaginar, y no haya nada que no haya visto yo varias veces antes. Eso, claro está no quiere decir que sea una película mala, claro. Son elementos repetidos, pero son bien hechos para lograr que vitoreemos por todos los personajes involucrados y nos preocupemos por su bienestar. No tiene momentos aburridos, y los juegos son bastante emocionantes.

Lo malo, insisto, es que es un guión que raya en lo cursi. Supongo que películas como esta son necesarias, para que veamos y comprendemos de la mejor manera la historia, pero no me agrada esa falta de esfuerzo para contar una historia. Vamos a hacer algo: si la ven, dejen su reseña en los comentarios. Mientras tanto, yo digo que The Blind Side, inspiradora como pueda ser , realenga como lo fue, no merecía estar en ese Top 10. ¿Ustedes?

Debo confesar que me ha gustado que la búsqueda para encontrar a quien interprete al Capitán América en la película First Avenger: Captain America ha sido larga y dura. Eso quiere decir que la gente de Marvel entiende que este es un personaje demasiado querido como para dárselos a cualquiera (ecos de las abominaciones que salieron en los 80 y 90 están frescos aún). Pero ya la cantidad de gente a quien se le ha ofrecido o rumorado ofrecérsele el papel es como absurda ya: desde Matthew McConaughey hasta Will Smith, incluso a John Krasinski. Pues bien, aquí les va otro más. A ver qué opinan: Chris Evans.

El blog Heat Vision de The Hollywood Reporter (y lo leo en Cinematical) dice que Marvel le ofreció el papel al otrora Johnny Storm el papel de Steve Rogers. Nadie quiere confirmar las negociacioens, así que quién sabe, pero se sabe que la oferta se hizo.

Además de un físico apropiado para el papel, Evans tiene la ventaja que ya está de buenas con Marvel por su papel de la Antorcha Humana en las dos cosas llamadas película que fueron Los Cuatro Fantásticos, y no voy a juzgar su actuación por esos bodrios. Fue una de las mejores cosas de la muy fallida Cellular, y he oído que lo hizo muy bien en Héroes, digo, Push.

Pero hay dos desventajas para el pana. Uno, ya firmó contrato para estar en una comedia romántica llamada What's Your Number?, y First Avenger empieza a filmarse este verano. Y no sólo eso, cualquiera que acepte el papel de Capi va a estar amarrado a ese personaje por un buen tiempo: tres películas propias, más The Avengers. Consideren que Samuel L. Jackson, quien hace de Nick Fury en Iron Man 2, firmó para hacer el papel del líder de S.H.I.E.L.D. en NUEVE películas de Marvel. Eso está bien para un veterano como Jackson, pero Evans, quien aún no ha reventado como estrella, necesita una variedad de papeles a estas alturas.

El segundo problema es el propio Evans. Consideren que más adelante va a tener que competir como líder de los Avengers con el vendaval que es Robert Downey Jr. en su papel de Iron Man. Evans será un actor promisorio y todo lo que quieras, pero, ¿tiene el talento para competir con Downey? Oye... no sé.

Vamos a ver si en efecto esta búsqueda terminó. Actualización: HeatVision de nuevo nos tiene la confirmación (que leo en Slashfilm): Chris Evans aceptó el papel de Steve Rogers, aka Capitán América. Ahora tiene un par de meses para sacar un poquito más de músculos y rezar al Cielo que Downey y Jackson no se lo coman vivo. Ciertamente estoy más contento que haya sido él el elegido, y no Channing Tatum, otro de los candidatos a última hora, cuyas habilidades actorales he cuestionado antes.

DreamWorks se ha convertido mucho más que el "anti-Pixar", pues nos ha proveído de películas genuinamente buenas como las dos primeras Shrek y la genial Kung-Fu Panda de 2008, además de elementos decentes como Monstruos Vs. Aliens o, bueno, Shrek Tercero. Eso sí, mientras uno puede estudiar una película de Pixar y ver cómo hay muchas capas para ello, las de DreamWorks tienen un solo propósito: hacer reír. De ahí tantas referencias pop como puedan, ocasional humor pueril y mucha acción rápida. No quiere decir que no tengan corazón --la venidera Cómo Entrenar A Tu Dragón se ha dicho que es al menos tan buena como Kung-Fu Panda-- pero ese no es siempre su fuerte (supongo que por eso ni lo intentan).

Antes que Arnold Schwarzenegger se hiciera famoso como el Terminator, estuvo en una entretenida, increíble y aterradora película de acción que tenía uno de los más arrechos personajes de la ciencia ficción que se han creado --y tuvo el descaro de llamarlo "one ugly motherfucker". Bueno, sí era feo con bola, pero no se podía negar que tenía algunas de las armas más de pinga que se han visto en el cine. Como era el supremo cazador de la galaxia, se le conocía simplemente como el Depredador... y lamentablemente dio pie a otra serie de películas que no le llegaban en calidad a la primera (sí, hablo de Alien vs. Depredador. Sí, he leído los cómics. Sí, mantengo que no son películas buenas).

Han sido un par de semanas de mierda, amigos. Tanto que por primera vez desde que empecé la columna, Plasma no salió la semana pasada. Así que, necesitaba ver una película genuinamente graciosa, entre más divertida mejor. Así que hurgué en mi memoria, y en realidad creo que sería muy difícil conseguir más graciosa que esta. La primera en una larga serie de ¿Y Dónde Está…?, esta es de una época en que las parodias y el humor absurdo eran usados de una manera inteligente y coherente. Una vez que vean Airplane!, estas estupideces de Scary Movie, Una Loca Película Épica y afines se les revelarán como lo que son: ESTUPIDECES.


Ted Striker (Robert Hays) ha pasado por mucho en su vida. Ex combatiente de Vietnam, prisionero de guerra, esto lo dejó con un miedo terrible de volar –y además su novia Elaine (Julie Hagerty) lo dejó. Decidido a recuperar su vida, Ted sigue a Elaine en un vuelo donde ella trabaja como azafata de Los Ángeles a Chicago. Justo ahí, uno de los pasajeros cae enfermo –y luego el piloto, capitán Oveur (el recientemente fallecido Peter Graves) y el copiloto Roger Murdock (Kareem Abdul Jabbar –sí, el basquetbolista), dejando al vuelo sin nadie a los controles. Un doctor de a bordo (Leslie Nielsen) determina que algo les cayó mal, así que la única solución está en manos de Ted. Pero, ¿podrá superar su fobia? ¿Podrá reconquistar a Elaine? ¿Podremos entender lo que dicen ese par de negros? Could you please stop calling him Shirley?


Ese quizá sea el problema para una audiencia latina, que algunos de los más clásicos chistes son intraducibles, pero de resto esta le da a Monty Python and The Holy Grail la gran competencia en risas por minuto. Está escrita y dirigida por un equipo que luego crearía varias de las más divertidas parodias del cine en la historia, como fueron The Naked Gun (¿Y Dónde Está El Policía?) y Top Secret!, con Val Kilmer. El equipo de Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker eran expertos en esta clase de humor (un toque que han perdido un poco en estos años), y esta fue sin duda el pico de esos esfuerzos, una burla de las películas de desastre de la época, como Terremoto y Aeropuerto. Como tantas otras que han venido después de ella, una película Zucker/Abrahams recompensa múltiples visitas, precisamente porque mientras estás concentrándote en lo que ocurre en primer plano hay un mundo de absurdidades ocurriendo detrás. Uno no sabe cuándo ni de dónde vienen los chistes, pero vienen, y con creces.


También ayuda que los actores principales son famosos por sus papeles de seriedad, lo que los hace aún más convincentes. Aquí hay leyendas del tamaño de Lloyd Bridges, el papá de Jeff y Beau, haciendo de un estresado jefe de control aéreo, o Robert Stack como el antiguo comandante de Ted Striker. Insólito, esta fue la primera vez que Leslie Nielsen, quien se haría famoso como el teniente de policía Frank Drebin, hacía un papel cómico. Hasta Hays, quien ahora está perdido en el limbo actoral (su último trabajo fue la voz de Superman en su última serie animada), logra sacar unas buenas carcajadas.


Al igual que Monty Python, este es un conjunto de escenas memorables más que una historia como tal. Podemos recordar las locuras de Otto el piloto automático, la extraña pregunta a un niño: “¿Has estado alguna vez en una prisión turca?”. La sola presencia de Kareem Abdul Jabbar, una leyenda del básquet en la que fue su segunda aparición como actor y es bastante divertido. ¿Para qué contarle más? Búsquenla y ya y olvídense de los problemas por un ratico de los problemas.

 


NOTAS CURIOSAS

• Abrahams y los Zucker buscaron actores como Bridges, Nielsen, Stack y Hays porque eran famosos por ser "cero bulla" y, como ya dije, estos son los debuts en comedia de todos excepto Hays (quien estaba en una comedia televisiva llamada Angie en ese entonces). Sus actuaciones tan serias en medio de tanta absurdidad hacen la comedia aún más divertida. Bridges incluso estaba renuente a aceptar el papel, pero sus hijos lo convencieron.
• Última película de la divertida Ethel Merman.
• El papel de Kareem Abdul Jabbar fue ofrecido originalmente al pelotero Pete Rose, pero su compromiso con el béisbol se lo impidió. Se le ofreció a Abdul Jabbar 30.000 dólares para el rol, pero pidió 35.000 para poder comprar una alfombra persa.
• El animador David Letterman audicionó para el papel de Ted Striker. El cantante Barry Manilow también fue considerado antes de contratar a Robert Hays.
• Christopher Lee rechazó el papel del doctor Rumack, que terminó con Leslie Nielsen. (Mi cabeza explota de imaginar a Lee en un papel así de cómico, con su atronadora voz pidiendo "Stop calling me Shirley".) Nielsen estaba encantado de que el papel se le haya ofrecido, pensando que estaba volviéndose demasiado viejo para papeles que no fueran "de abuelo". De hecho, su único rol dramático después de esto fue en Me Quieren Volver Loca con Barbra Streisand.
• Peter Graves dijo una vez en 2008 que estuvo inicialmente ofendido por el guión, pero sus amigos y colegas lo convencieron de tomar el papel.

Me encanta cuando todos los factores se conjugan para hacer una película extraordinaria. Tomen una novela exitosa de Dennis Lehane, cuyas historias anteriores, Mystic River y Gone Baby Gone, ya han sido convertidos en películas críticamente aclamadas. Dejen que el protagonista sea Leonardo di Caprio, quien ha estado elevando el nivel de sus papeles desde hace ya un par de años. Y pongan a Martin Scorsese detrás de la cámara. Ya nada más con eso, hasta olvidas que quien adapta la más reciente novela de Lehane sea Laeta Kalogridis, quien antes ha escrito cosas como Drácula 2000 o algunos episodios de la fallecida serie Birds of Prey. El resultado es una de las más deceptivamente efectivas películas de años recientes: Shutter Island.

Di Caprio interpreta a Teddy Daniels, un agente del FBI que llega a la isla Shutter de Boston en 1954 (sí, el año es importante) con su compañero Chuck (Mark Ruffalo) a resolver un misterio: en el intrigante hospital psiquiátrico que hay allí, donde sólo se alojan a los más peligrosos pacientes, una en particular ha desaparecido de manera inexplicable. Los directores del hospital (Sir Ben Kingsley y Max von Sydow) parecen estarle ocultando algo. A medida que avanza la investigación, Teddy descubre cosas que le están indicando que hay cosas sucediendo en el hospital… cosas que pueden estar relacionadas la muerte de su esposa (Michelle Williams). De repente, Teddy se pregunta si se irá de la isla con su sanidad intacta, o siquiera vivo.

Es ridículamente difícil hablar de Shutter Island sin entrar en spoilers, así que esta reseña va a ser inusualmente escueta para una película tan buena. Scorsese hace un magnífico trabajo estirando el músculo del suspenso, algo que ya había hecho genialmente en Cabo de Miedo, explorando el ámbito del trauma y cómo lidiamos con él. Apunta su cámara de tal manera que tengamos que hacer un esfuerzo para ver qué hay oculto tras un sofá, o una columna, o tras una puerta semiabierta. Añadan eso a la fotografía de Robert Richardson (quien acaba de salir de trabajar en Bastardos Sin Gloria) y el diseño de producción del legendario Dante Ferreti (Casino, Sweeney Todd) y la sensación de claustrofobia te terminará por cuestionar todo lo que estás viendo y temer todo lo que no puedes ver.

Además, el hombre sabe sacar buenas actuaciones de cualquier actor con el que trabaje, aunque con este elenco no es que le haya hecho falta mucho trabajo. Incluso dos geniales actores que tienen cada uno una sola escena ofrecen algunas actuaciones de su vida, como son Jackie Earl Haley y Elias Kotteas. Sydow es toda tenebrosa actividad (¿exactamente cuántos años tiene este hombre? ¡Ha hecho el papel del “gran sabio” por al menos quince años!), y Sir Ben demuestra su increíble versatilidad una vez más; logra ser dignificado y tenebroso a la vez sin ningún esfuerzo aparente. Y la única razón por la que Ruffalo, un actor absolutamente genial y subestimado, no se ve mejor aquí es porque tiene que ir de tú a tú con di Caprio en una batalla por atención que debe perder.

¿Es este el mejor papel del otrora Leo? No lo creo, pero es muy bueno. Esa distinción creo que se la seguiré dejando para su rol en The Departed, donde creo que tenía más donde hincar los dientes. Eso no quiere decir que Teddy Daniels no se convierte en uno de sus más complejos personajes, en especial cuando descubrimos cuáles son sus verdaderas motivaciones. Scorsese ya conoce a di Caprio y lo sabe trabajar, algo que creo que Tim Burton no sabe hacer con Johnny Depp, como dije en Alice in Wonderland. Burton y Depp ya son demasiado amigos, y sus colaboraciones sólo funcionan porque Depp tiene el talento; en cambio Scorsese y Di Caprio sacan lo mejor del otro con facilidad, se retan constantemente.

Una última acotación: si ustedes son bien habilidosos, ustedes descubrirán el giro de esta historia con tan sólo ver el trailer, o lo adivinarán pasada la media hora. Con un cineasta menor, esto sería un problema. Pero Scorsese te deja adivinando hasta el último climáctico momento donde todo se aclara, y aún así no estás seguro qué están decidiendo hacer los personajes, si por voluntad propia o no. Shutter Island no es la mejor de las películas de su amplio listado de grandes, pero está en su tope, y una película mediana de Martin Scorsese es mejor que las mejores películas de muchos directores menores. Esto es un twist como debe ser. Aprende algo, M. Night Shyamalan…

Ver la filmografía de Tim Burton es contemplar al mundo a través de un delicado cristal de ácido. Retorcidos escenarios, fuertes colores, estrafalarios vestuarios y Johnny Depp. Ya sea que produzca o dirija, una película de Burton es inmediatamente reconocible (quizá con excepción de Planeta de los Simios), y su asociación con Depp los ha convertido en una de las duplas más lucrativas del cine.

De modo que cuando se anunció que Burton haría su propia versión del clásico de Lewis Carrol, Alicia en el País de las Maravillas, el abuelito de todos los viajes de ácido, y que Depp haría el papel del Sombrerero Loco, ¿cómo no emocionarse?

¿Entonces qué salió mal?

La historia no es la que los que estamos familiarizados con la película animada de 1952 de Disney, sino más bien una continuación. Alicia (Mia Wasikowska, de la serie In Treatment) ahora está por cumplir 20 años, desilusionada con el mundo que la rodea y con constantes memorias de un sueño que la atormenta aún despierta, de un mundo demasiado fantástico para ser cierto. Tiene que enfrentarse a un matrimonio arreglado con un duque (Leo Bill) que es el retrato de la ladilla y la arrogancia, además de las prtesiones de sus hermanas, tías, primas y “amigas”. Las presiones de la vida común la están agobiando —hasta que cree que ve un conejo correr por el jardín… y cae por la conejera.

Pronto Alicia está encontrándose de nuevo con el Conejo Blanco (Michael Sheen), la Oruga (Alan Rickman), el Gato Chesire (Stephen Fry) y los gemelos Twiddle Dum y Twiddle Dee (Matt Lucas) que la llevan a ver al Sombrerero (Depp). Quien le suelta esta perla: ella debe estar lista para el Día “Frapuloso”, donde se enfrentará al terrible Jabberwocky (con la extraordinaria voz de Christopher Lee) para terminar el reinado de la Reina Roja (Helena Bonham Carter) y su Caballero de Corazones (Crispin Glover) y reestablecer a la Reina Blanca (Anne Hathaway). Sí muchachos, Alicia es… La Elegida. ¡La saga de The Matrix ha cumplido su círculo al fin!

Lamento informarles que me rehusé a ver esta película en 3D, así que busquen otra opinión para ese aspecto. Ya que el 3D va a ser lo “in” a partir de ahora (al menos si Martin Scorsese consigue lo suyo), yo al menos pido que sea bien hecho. Léase, que una película sea filmada de manera regular y luego transferida a 3D es un “no-no”. Y eso fue lo que hicieron aquí. Ya he escuchado que se ve innecesariamente opaco, y para una película de Tim Burton que se concentra tanto en el diseño de escenario… Paso. Lo mismo para la nueva versión de Furia de Titanes; el 3D debe estar presente desde su concepción, no desde la adolescencia.

La historia (con guión de Linda Woolverton, quien antes escribió Mulan y El Rey León) está tomada del segundo libro de Carrol, Through The Looking Glass, y Burton le da sus toques especiales para convertirla en cómo una niña se convierte en mujer, a aceptar responsabilidades sin importar lo extrañas que sean, y (en uno de los pocos aspectos en los que funciona completamente) como una excelente alegoría al apoderamiento femenino en la era victoriana. Washikowska es muy natural en el papel, pero pareciera que no le hubieran dado mucho que hacer aquí. Sin embargo le aplaudo que aún cuando acepta lo que debe hacer nunca pierde esa cara de susto y preocupación de quien no puede creer que lo que creía era un sueño se ha convertido en realidad. Claro, parece toda una novata al estar al lado de Depp y Carter, quienes nacieron para hacer sus respectivos papeles. Carter tiene una cabeza tres veces mayor a lo normal gracias a la magia del cine, pero la lleva con una demencial dignidad que nadie se lo creería. Es una caricatura, por supuesto que sí, pero Carter lo lleva tan bien que nunca recuerdas que así no es como se debería ver un ser humano real.

Pero a pesar del título, la película pertenece a Johnny Depp. Su maquillaje es genial, haciéndolo parecer como un payaso luego de un viaje de ácido. Y en vez de ser todo estrafalario y escandaloso, como el Sombrerero de Disney, su personaje tiene sutiles toques de locura, como la manera de hablar incoherencias que no son tales y cambia a un acento escocés cuando está hablando en serio. Como casi todos sus personajes, él está disfrutando ser así de extraño, y está cómodo siguiéndole instrucciones a Burton (esta es su séptima colaboración juntos), lo que obviamente le da un cierto rango de libertad de movimiento. Y a la vez, ése pueda que sea también un problema: están demasiado cómodos trabajando juntos, ya se han dejado de retar el uno al otro. Espero que esta sea la última película que hagan juntos en un rato.

Mi mayor problema con la película es que, saben… es Alicia en el País de las Maravillas. Uno espera un mundo medio caótico, con un aire de diversión probable. Aquí el mundo está demasiado contenido, como si Burton estuviera presionado para no asustar demasiado a los más chamos. Una prueba es que aquí está Crispin Glover, uno de los más inquietantes actores que existen, y no lo están dejando ser él mismo. Su papel parecía más adecuado a alguien como Billy Zane o quizá hasta Jackie Earl Haley, de modo que está como desperdiciado aquí. Igual pasa con Hathaway, quien sí está haciendo una caricatura de una reina con sus brazos abiertos. ¿Exactamente qué hace la señora de Jaycer en esta película? Ni idea.

Al final, la película es lo suficientemente entretenida, pero está muy lejos de ser una de las mejores que Burton ha hecho. Y he ahí algo que hace tiempo que no sucede, Burton haciendo una película realmente buena y memorable (en serio, Sweeney Todd era buena, ¿pero hay algo que ustedes recuerden aparte del aspecto de los dos protagonistas?). Este director necesita un cambio para refrescar su perspectiva, dejar de trabajar siempre con la misma gente y volver a tomar riesgos al filmar. Este esfuerzo suyo me gustó y sí creo que está apropiada para niños —sólo hay un par de escenas un poquito perturbadoras, pero nada para el cinismo de los niños actuales— pero termina resolviéndose de manera demasiado simplista y da demasiadas vueltas. No es mala, pero no la llamaría la mejor opción del momento.

Eso de ser una estrella infantil o juvenil es duro para muchos actores, como ya hemos visto con casos como todos los de Arnold (en inglés, Diff'rent Strokes), Lindsey Lohan, Macaulay Culkin y Danny Bonaducce (La Familia Partridge). El estar expuesto a fama constantemente desde tan chiquitos es una presión a la que no están preparados mentalmente para lidiar. No todos pueden convertirse en un Jackie Earl Haley para lograr éxito también como adulto. Demasiados casos hay como el de Dana Plato, quien no supo encontrar éxito después de Diff'rent Strokes, cayó en las drogas y murió a los 34 años. Anoche añadimos otra víctima de esa lista: de acuerdo con People Magazine, Corey Haim (arriba a la derecha, con su eterno compañero Corey Feldman), fue declarado muerto a las 3:30 de la mañana en el Centro Médico de Providence Saint Joseph en Burbank, California, víctima de una sobredosis accidental. Habría cumplido 39 años el 23 de diciembre. Estaba en el apartamento de su madre.

Muchos de ustedes seguramente nunca han oído hablar de Haim, pero para ki generación, él era como el Justin Long o el pequeño Tom Hanks de la época, famoso por una serie de comedias y películas de aventura juveniles que lo establecieron como uno de los más divertidos jóvenes actores de los 80 y 90. Al igual que Ralph Macchio (Karate Kid) y hasta cierto punto Matt Damon, tenía una eterna cara de niñito y una chispa en su actitud que encantaba a las niñas y hacía que los chamos quisieran comprarle un trago. Imaginen un Shia LaBeouf menos hiperactivo.
La dupla que hizo con Corey Feldman era comparable a lo que Chris Farley y David Spade lograron para adultos: una pareja que parece totalmente opuesta pero logra funcionar. Feldman siempre era el chico malo que creía saber todo del mundo, mientras que Haim era el sobreentusiasta pero ligeramente ingenuo boy scout. Dos películas suyas se destacan: la comedia License To Drive, que aún me saca muchas risas casi veinte años después, y el clásico de "terror", Los Muchachos Perdidos, donde hace de un adolescente fanático de los cómics cuyo hermano mayor se convierte en un vampiro.

Después de eso, casi toda su carrera se limitó al mercado de video, con la excepción de un par de comedias de poca monta y un reality que protagonizó con el propio Feldman llamada The Two Coreys. Su hábito de drogas eventualmente preocupó a su amigo lo suficiente como para que Feldman se rehusara a volver a hablarle hasta que Haim lo eliminara. Entró en rehabilitación después de eso, y se había quedado limpio... hasta ahora.
Según People, el reporte preliminar está calificando la muerte de Haim como "una sobredosis accidental". Eso no lo hace menos triste. Es simplemente otro actor juvenil que sucumbió al lado oscuro del entretenimiento. Ojalá ahora encuentre la paz que no tuvo en vida.

Hubo hace poco un evento en Estados Unidos donde la gente tuvo la oportunidad de ver el teaser de la muy demorada y anticipada secuela del clásico de culto de Disney de 1982, Tron, ahora llamada Tron Legacy. El video que se mostró en la Comic-Con de 2007 era en realidad pietaje que el equipo armó para convencer a Disney que una secuela era viable en este momento, pero ahora este es un teaser de la película como tal, y debutó en frente de Alicia en el País de las Maravillas este fin de semana. Anoche debutó en línea (me entero cortesía de Screen Rant) mediante program-glitch-esc.net, parte del juego en línea de mercadeo para promocionar la película. Pueden pasar por ahí y descargar el trailer en toda su gloriosa alta definición (y no uso ese término de gratis), o pueden disfrutarlo aquí mismo.



Ok, eso se ve genial. Y por supuesto, esta va a ser en 3D y IMAX. Los efectos visuales, la música de Daft Punk, y el genial Jeff Bridges, recién estrenando su Oscar como mejor actor en su casa, volviendo a uno de los papeles de tantos éxitos de culto (Big Lebowski, ¿recuerdan?). Esto sigue la historia de Sam Flynn (Garret Hendlund), hijo del programador Kevin Flynn (Bridges), quien ha desaparecido hace 25 años. Tratando de averiguar qué le pasó a su padre, Sam llega a la antigua sala de maquinitas que hizo famoso --y así entrará en un mundo virtual a donde Flynn ha tenido que sobrevivir a punta de competencias de gladiadores virtuales.

Junto a Hendlund y Bridges, esta brutalidad computarizada (y lo digo en el buen sentido) tiene en su elenco a Olivia Wilde (Trece en House), Michael Sheen (Underworld, la Reina), John Hurt (demasiadas películas para destacar una sola) y Bruce Boxleitner (el original Tron de la primera), y es dirigida por el debutante director Joseph Kocinski. El 17 de diciembre habrá otro evento en 3D en los cines, muchachos; ¡allá estaremos!

Con la entrega de los Oscar de anoche, termina la temporada de premios. Así llega otra oportunidad para reflexionar sobre el cine de calidad, sobre lo merecido de la premiación, sobre cómo finalmente este año pareciera que la calidad venció sobre la popularidad.

Y justo después de la entrega, durante el show de Jimmy Kimmel, se estrena el nuevo trailer de Iron Man 2 y nos acordamos que la temporada de verano está a escasos dos meses, cuando nuestro cerebro podrá descansar. OH YEAH!

En palabras de mucho de Internet, awesome trailer is awesome. El director Jon Favreau pareciera haber aplicado una de “si no está roto no lo arregles” y se fue más o menos con la misma fórmula que funcionó tan bien en la primera: el irevocable carisma de Tony Stark (Robert Downey, Jr.), la tensión sexual entre él y Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y un traje absolutamente genial. Y además tenemos nuevas añadiduras: un tenebroso Ivan Vanko (un tenebroso Mickey Rourke) que se convertirá en Whiplash, una espectacular Viuda Negra (una espectacular Scarlett Johansson), un vil Justin Hammer (un genial Sam Rockwell… de él jamás se hablará mal), un traje especial de maletín y, oh sí, War Machine, o como se le conoce formalmente, el coronel Jim “Rhodey” Rhoads (Don Cheadle reemplazando a Terrence Howard). Y para ponerle el toque cool que no le falta, Samuel L. Jackson haciendo de Nick Fury. WOW.

El Ferrari con un alma se estrena el 7 de mayo en Estados Unidos y espero que una semana después en Venezuela. Acabo de leer en la página de estrenos de Cines Unidos y está pautado su estreno nacional UNA SEMANA ANTES, para el 30 de abril. ¡¡¡ESTO ES UN WIN!!! I. Can’t. WAIT!!!

Sí, está bien, hubo una notable sorpresa y una menor en la 82ª entrega de los Premios de la Academia, que se entregaron anoche. Pero de resto, si yo hubiera escrito un guión de anoche, no creo que habría estado demasiado distante a lo que sucedió. Y ojo, no quiere decir que quienes hayan ganado no lo merezcan —no puedo decir que haya habido una ganada que me haya hecho molestar—, pero eran tan predecibles que daba rabia lo seguro que jugó la Academia esta vez.

Poner dos anfitriones resultó buena idea hasta un punto. Steve Martin y Alec Baldwin tienen talento cómico hasta las ñángaras, y sus comentarios tenían un excelente balance entre lo ácido y lo cómico, pero hubo muy poca irreverencia en sus actuaciones. Otra señal que este año decidieron “play it safe”. Pero lo hicieron con mucha naturalidad y carisma, así que fue aceptable.

Los premios en actuación de reparto no pueden haber tenido demasiada competencia: Christoph Waltz había tenido “Oscar” tatuado en su frente desde que Inglourious Basterds se estrenó en Cannes, creando uno de los más perfectos villanos de la historia del cine en Hans Landa, y Mo’Nique, al transformarse por completo para interpretar a la terrible madre from hell en Precious, no había dejado competencia a nadie, ni siquiera a Penélope Cruz o dos brillantes actuaciones salidas de Up In The Air (Anna Kendrick y Vera Farmiga). Estos premios no fueron una señal que la Academia quería hacer una declaración o redimirse de alguna manera; estos premios fueron de los más merecidos en una noche en que sólo uno podría ser cuestionable. Seguir las carreras de estos dos en su etapa post-Oscar —en especial la de Waltz, con todo el respeto a Mo’Nique— será muy emocionante a partir de ahora.

En cuanto a actuación principal, yo quiero pensar que había un poco más de competencia. Por el lados de los hombres, Jeff Bridges demostró que no hay quinto malo, luego de una carrera llena de geniales actuaciones donde el tipo exudaba lo cool que es. Su discurso de aceptación demostró que estaba genuinamente emocionado por recibir el premio, que se le reconociera su esfuerzo, pero nunca perdió la humildad que un Sean Penn podría haber mostrado (aunque debo reconocer que su discurso el año pasado estuvo bien adecuado). Mucha gente aspiraba a George Clooney (que por cierto; ¿cuál era la vaina que tenías tú con el camarógrafo, pana?) en Up In The Air o, aún más, Colin Firth en su elegante trabajo como un homosexual de closet que está lidiando con la pérdida (he ahí un premio que hubiera sido subversivo), ¿pero cómo quejarse de que alguien como Bridges haya ganado?

La parte de las damas es donde tiene que haber estado muy, muy cerca, pues todas merecían haber ganado. El problema de Helen Mirren es que The Last Station (un retrato de la vida de León Tolstoy, interpretado por el también nominado Christopher Plummer) no fue vista por mucha gente, y quizá la juventud de Gabby Sidibe y Carey Mulligan actuaron en su contra. Eso sólo dejaba a Meryl Streep y Sandra Bullock, quien fue la que finalmente ganó. Y este fue el único premio que podría someterse a discusión. No he visto The Blind Side, pero consideren que apenas 24 horas antes Bullock había recibido (e ido a recoger) un Razzie como PEOR actriz por All About Steve. ¿De verdad su actuación en el drama de fútbol es así de convincente que derrotó a una mujer que ha sido nominada 16 veces, cuta interpretación de la famosa chef Julia Childs fue casi perfecta? Por lo visto sí, pero a menos que ahora le suceda algo tipo Cuba Gooding Jr., cuya carrera está a un paso de volver a ser mesonero, es probable que esto sea lo que Bullock necesita para avanzar como actriz.

La parte de Mejor Dirección creo que nunca estaba realmente cuestionada. Con la excepción de Lee Daniels, quien no tenía ninguna oportunidad, sin importar lo bien que lo hizo en Precious (creo que mucho más se merecía la nominación Where The Wild Things Are), todos los nominados tenían razones de sobra para estar tranquilos. Pero al final, se quiso convertir en un drama entre ex esposos del que estoy seguro que Kathryn Bigelow y James Cameron se burlaban cada vez que medio escuchaban. Su divorcio fue muy amigable y se han apoyado mutuamente a lo largo de los años; de hecho, Cameron fue quien le dijo a Bigelow que dirigiera The Hurt Locker y la llenó de elogios, incluso durante los Globos de Oro. Así que Bigelow fue a su cita con el destino lista con todo, celebrando que al fin, cinco nominadas y 83 años después, una mujer era reconocida como mejor directora. Muy apropiado considerando que fue apenas minutos antes del Día Internacional de la Mujer. Excelente por Bigelow en realidad; ojalá esto de verdad despierte su carrera como es debido.

Ahora las sorpresas de la noche. La primera fue el premio a Mejor Guión Adaptado otorgado a Precious. Basado en una novela que su autora, la poetisa Sapphire, había rechazado convertir en una película hace muchos años, ciertamente fue un guión fuerte, pero venció todas las expectativas que tenía Jason Reitman de seguir el éxito de Up In The Air (que al final no ganó ningún premio). La mayor, y la que realmente causó alegría en este blog por el amor a lo latino, fue el triunfo de la película argentina El Secreto de sus Ojos por encima del vendaval casi perfecto que había sido La Cinta Blanca de Michael Hanneke. Sí lamento que el chiste del director Juan José Campanella (“Quiero agradecerle a la Academia que no haya considerado el Na’Vi un idioma extranjero”) no haya agarrado como es, pero de resto creo que fue muy justo que haya mencionado a la gente de Chile en su discurso. Muy bien hecho.

Por último, no puedo decir que me quejo del resultado de Mejor Película. Como dije ya en mi reseña, The Hurt Locker es mucho mejor película que Avatar. Pero dos cosas: el premio a Mejor Guión Original yo no lo calificaría como un chiste, pero creo que es el premio por el que estoy más en desacuerdo. No hay una historia como tal en The Hurt Locker, más bien optando por ser un estudio de personajes y mostrar una serie de secuencias de acción. Allí es donde más cojeó la que al final se llevó el premio máximo. Mi favorita personal —Inglourious Basterds— debió conformarse con el merecidísimo Mejor Actor de Reparto, pues ni siquiera en su segunda categoría más fuerte (guión original) lo logró. Pero Quentin dejaría de ser Quentin el día que la Academia lo llene de premios sin duda; y de todos modos, Basterds será estudiada y disecada por años después que Locker sea olvidada.

En resumen, la ceremonia recibe un 6 de 10. No estuvo particularmente entretenida, aunque los anfitriones hicieron un buen trabajo para mantener el ambiente light. Y el hecho de ampliar a diez la categoría de Mejor Película no creo que hizo ninguna diferencia notable y profunda, aunque fue muy bueno ver películas menores como Sector 9 y A Serious Man recibir las atenciones que recibieron. Sólo dos preguntas me cupieron en mi cabeza:

1. Yo entiendo que era más una actriz de televisión, pero... ¿de verdad Farrah Fawcett no merecía estar entre los que perdimos el año pasado? ¿Menos que Michael Jackson?
2. ¿En serio era preferible que volvieran los bailarines interpretativos a que pudiéramos escuchar las canciones nominadas?

Hasta el año que viene, pues...