Una década siguiendo al conejo blanco

Créanlo o no, chicos, The Matrix cumple hoy diez años de estrenada. El 31 de marzo de 1999, los hermanos Larry y Andy Wachowski estaban por demostrarle al mundo que su segundo esfuerzo (habían debutado con Bound en 1996) sería el que los cimentara como auténticos visionarios del mundo del cine. Se los digo así: en el mundo de nosotros los geeks, hay un antes y un después de The Matrix.

¿En realidad hay algún chamo de 20 años que no haya visto esta película? Con todas las imitaciones, burlas e ideas que ha traído (para 2002 eran al menos 20 películas que habían hecho alguna burla), y respetando distancias, esta es la Godfather del siglo XXI, pues hay escenas que todo el mundo sabe que viene de ella aunque nunca la hayan visto. Y es que creo que ninguna película ha roto el molde de tal manera con efectos especiales, historia, filosofía y, sobre todo, el juntar tres medios para, más que mostrar una película, crear toda una experiencia.

“Nadie puede decirte lo que es la Matrix. Sólo podemos mostrarte”, dice el enigmático Morfeo (Laurence Fishburne) a Neo (Keanu Reeves). Así, el programador de nombre Thomas Anderson descubre que el mundo que él conoce no es tal, sino una construcción de computadoras que se han apoderado del mundo verdadero, y sólo él tiene la clave para revertir el control de vuelta a los humanos. En el camino lo ayudarán Morfeo y Trinity (Carrie-Ann Moss), mientras los programas llamados “agentes”, encabezados por Smith (Hugo Weaving). Y nosotros fuimos llevados a un camino donde hay filosofía Tao, artes marciales, referencias bíblicas, mitología griega, literatura infantil, la cultura cyber-punk y demás.

Los Wachowski básicamente buscaban convertir un animé japonés a la vida, pero en el proceso hicieron mucho más. Si ustedes realmente querían drenarse en el mundo de Matrix, no bastaba con ver las tres películas (Matrix Reloaded y Matrix Revolutions salieron ambas en 2003), sino además comprar juegos (Enter The Matrix), DVD’s (The Animatrix, nueve cortos animados), jugar en línea (The Matrix Online) o comprar los cómics. Era tal que habían pistas para los juegos dentro de las película, y secuencias que entrelazaban los cortos con las películas. Por eso, cuando llegaron las secuelas, daban por sentados detalles que el público desconocía, pues no todo el mundo tenía el tiempo o el dinero para invertir en todos los medios. Por ejemplo, al principio de Revolutions, el intercambio entre Neo y el chico sólo se entiende si primero han visto The Animatrix.

A pesar de lo confuso, una pléyade de estrellas fueron preseleccionadas para los papeles principales. Jean Reno dejó el papel de Morfeo para Godzilla; Sean Connery lo rechazó por no entender el guón; Gary Oldman y Samuel L. Jackson fueron considerados. Para Neo, se pensó originalmente en Johnny Depp, Tom Cruise, Brad Pitt, Leonardo di Caprio o Val Kilmer; se le ofreció a Ewan MacGregor, pero lo rechazó para estar en Star Wars: Episodio I; Nicholas Cage tuvo que rechazarlo por cuestiones familiares; e incluso Will Smith, quien lo rechazó y ha tenido tiempo para lamentarlo. Pero a estas alturas, nadie puede imaginarse a nadie más diciendo “Sé kung fu”; o diciendo “hay campos enteros donde los humanos no nacemos; somos cultivados”.

Y claro, ninguna discusión de The Matrix sería completa sin hablar del tiempo bala. Se tomó el mismo concepto que la animación –tomar una foto a un dibujo, alterarlo, volverla a tomar, y así—se usó para crear las increíbles secuencias de acción, con cientos de cámaras tomando una foto en secuencia, para luego enviarlas a una computadora que juntara todas las imágenes en una sola. Ahora que ha sido tan recontra-imitada, uno lo olvida, pero esa escena de Trinity en la sala oscura, o Neo en el techo, aún se ve sumamente arrecha.

Nada como The Matrix o sus secuelas ha salido desde entocnes, y quizá nada tan complejo y dinámico vuelva a salir jamás. De hecho, es muy probable que, hasta que llegue Avatar este noviembre, esta bien puede que haya sido lo mejor que veamos este siglo. No hay cuchara...

Disfruten ahora de algunos videos de la trilogía. Y bueno, cuando quieran armamos un dia para ver las tres seguidas. :)

The Matrix

 

The Matrix Reloaded

 

The Matrix Revolutions

 

The Animatrix

 

Tiempo bala

 

Neo vs. Morpheus

 

Cuéntenme de sus recuerdos/experiencias en el mundo de The Matrix. ¿Cuándo la vieron? ¿Qué recuerdan haber sentido? ¿La entienden? ¿Qué les parecieron las secuelas, y The Animatrix? ¿Jugaron los juegos? ¿Cuánto de su vida perdieron?

In Memoriam: Sydney Pollack

No es un año fácil para Hollywood, si sus más queridos representantes se empiezan a ir así. Primero fue el impacto de la muerte de Heath Ledger; luego la sorpresa de la muerte del director Anthony Minghella (¿cómo rayos se me pasó ponerla aquí?); después el descanso eterno de la leyenda CharltoN heston; y ahora, uno de los más reconocidos y sinceramente subestimados directores de cine, cede al cáncer del estómago y se va al otro plano. Sydney Pollack falleció a los 73 años de edad este lunes 26 de marzo.

Para los más jóvenes, el nombre quizá no les suene mucho, y para ser justos, el hombre no había dirigido nada importante en cierto tiempo. Pero en los setenta y ochenta, Pollack era un director de renombre que dirigió algunos de los mayores clásicos de esa época. En 1973 dirigió el romance The Way we Were, con Robert Redford y Barbara Streisand, como una pareja que se ama con pasión pero tiene conflictos por sus posiciones políticas (cualqueir parecido con la realidad...)

Y en 1982 dirigió y actuó en un hito de la comedia, Tootsie, la historia de un actor (Dustin Hoffman) que debe disfrazarse de mujer para trabajar. También actuó en ella donde mostraba talento para la comedia igual que para dirigir. Su mayor triunfo fue en 1985, cuando su magna opera Fuera de Africa, con Meryl Strepp y su amigo Robert Redford, ganó premios Oscar a Dirección y Película. Después de eso, Pollack más que nada se dedicó a producir, donde también tuvo un gran éxito, donde ayudó a llevar piezas como El talentoso Señor Ripley (1999) y Regreso a Cold Mountain (2002). También actuó en unas cuantas obras, siendo fiel a sus inicios como actor. Apareció en cuatro episodios de Will & Grace como el papá de Will, y tuvo papeles en Michael Clayton (2007) y la última de Stanley Kubrick, Ojos Bien Cerrados (1999), entre otras. Su última actuación es en la comedia romántica Quiero Robarme a la Novia (2008), donde interpreta al padre de Patrick Dempsey.

Pollack no tenía imagen endiosada como Steven Spielberg o George Lucas, ni siquiera como Ridley Scott o Martin Scorsese. No, lo de él eran películas más "sencillas" (pues no se puede llamar a Fuera de África sencilla) que tocaban el espíritu humano. Incluso su fallida versión de Sabrina (1995) toca una vena sensible. Su última película como director, El Intérprete (2005), con Nicole Kidman y Sean Penn, aunque era un thriller, también tocaba el tema de las relaciones humanas (de hecho se las recomiendo). No es coincidencia que de la lista de los 100 mejores romances sea el único que tiene dos películas (Fuera de África y The Way We Were). Pollack siempre será recordado como uno de esos que son imposibles de no querer, simplemente por su sencilla apariencia y su talento para sacar lo mejor de los actores con los que trabajaba. ¿O quién creen que descubrió la vena divertida de Dustin Hoffman?

Pollack en celuloide.net:

La Intérprete: El trabajo de Silvia Broome (Nicole Kidman) es traducirle a su delegado asignado los complejos temas que se tratan en las Naciones Unidas. Pero el reto diario de la intérprete se hace épico cuando escucha accidentalmente los detalles de un complot para asesinar a un alto funcionario del gobierno. Repentinamente su existencia se ve oscurecida por el peligro, y Silvia debe descifrar una compleja maraña de intriga con la ayuda de Tobin Keller (Sean Penn), un agente del FBI, para poder salvar su vida.

Tootsie: Michael Dorsey (Dustin Hoffman) es un brillante pero problemático actor neoyorquino que ha logrado alienar a todos los productores de ambas costas de los Estados Unidos. Su agente George Fields (Sydney Pollack) ni siquiera puede conseguirle un comercial desde que Michael se quejó de que el tomate que interpretaba no tenía la motivación correcta. "¡Eras un tomate!" le grita George con desesperación, añadiendo que Michael es tan irritante que probablemente no volverá a trabajar jamás. Dorsey no está de acuerdo; cuando se entera de que hay un papel disponible en una telenovela de éxito, aplica para el trabajo — aunque el papel es para una mujer. Haciéndose pasar por "Dorothy Michaels," Michael obtiene el rol y se convierte en una popular actriz. Sin embargo, las cosas se complican cuando Michael se enamora de su colega Julie (Jessica Lange, en una interpretación que le valió el Oscar), y a la vez, como Dorothy, se ve cortejada por Les, el padre viudo de la chica (Charles Durning). En última instancia, Michael se da cuenta de que su disfraz de mujer lo ha convertido en un hombre mejor. Una de las comedias clásicas de los 1980.

Michael Clayton: Ópera prima de Tony Gilroy, guionista de las tres entregas de la saga Bourne. Michael Clayton (George Clooney) trabaja para un famoso bufete de Nueva York, donde se encarga de "arreglar" las cosas de la manera más limpia y rápida posible. Clayton es el tipo al cual acudir cuando hace falta barrer los desastres bajo la alfombra, pero ahora se enfrenta a una crisis que quizás ni él mismo pueda resolver. Cuando su colega Arthur Edens (Tom Wilkinson), lleno de culpa y remordimientos, amenaza con descarrilar un acuerdo en un caso multimillonario, Clayton debe tratar de deshacer el daño, pero mientras más lo intenta, más se topa con fuerzas que anteponen la supervivencia corporativa a la vida humana — incluyendo la suya propia.

"No valoro una película que haya disfrutado haciendo. Si es buena, es trabajo duro de verdad."

Sydney Pollack
01/07/1934 - 26/05/2008

Día Universal del Jedi

Para una gran parte de la población allá afuera, quizá este sea el post más inútil que voy a escribir en mucho tiempo. Esa gente tiene severos problemas. Hoy, hace 31 años, un joven estudiante de cine estaba en Hawaii rezándole a todos los dioses de todas las religiones que su fantasiosa película le devolviera algo de dinero. Cuando le llegaron las primeras noticias, no lo podía creer. Veinticinco años después, se dio el gusto de rehacerla como quería verla de verdad, habiendo creado ya no una historia, sino un imperio que rivalizaba con el que él imaginó en su magna opera.

Sí, chicos, hoy, en 1977, George Lucas estrenó La Guerra de las Galaxias Episodio IV: Una Nueva Esperanza. Y desde el año apsado, se declaró Día Universal del Jedi.

Olvídense de que sean efectos especiales crudos. Qué importa si las actuaciones quizá no estén a la altura de las mejores del mundo (excepto quizá por el venerable Sir Alec Guinness). No hay un niño de esa era que no haya jugado a pelea con sable de luz con un palo de escoba. Que haya tenido pesadillas con Darth Vader. Que no haya tenido un termo, lonchera, sábana, gorro, franela, suéter, pantuflas, peluche y miles y miles de figuras de acción. Lucas creó más que una película, creo una mitología que ha sido estudiada, expandida, reeditada y revivida por varias generaciones. Explicarles por qué La Guerra de las Galaxias tiene una importancia parecida para nuestra generación a la que tuvo La Ilíada o La Odisea de Homero es algo en lo que creo firmemente y estoy dispuesto a discutir seriamente con quien tenga la paciencia de escucharme. Sirva por el momento decirles que, gracias a Una Nueva Esperanza, la ciencia ficción sería algo divertido una vez más. Les presento mi opinión sobre las seis películas, pero en el orden que deberían haber salido (NO en el orden que deberían verlas...).

Episodio I: La Amenaza Fantasma. Si esta hubiera sido la que salió hace 31 años, quizá no estaríamos hablando ahora. Es sin dudas la más floja de las seis, aún a pesar de darnos un primer asomo de cómo Obi-Wan Kenobi (Ewan MacGregor) conoce a Anakin Skywalker (Jake Loyd). Se concentró demasiado en los efectos especiales (que se ven espectaculares eso sí), aunque lamentablemente uno de esos efectos especiales camina y se llama Jar Jar Binks. Su mayor falla no es esa sin embargo: los mejores personajes, Qui-Gonn Jinn (Liam Neeson) y Darth Maul (Ray Parks), ¡mueren!

Episodio II: Ataque de los Clones. Ahora Anakin (el novato Hayden Christensen) está crecidito y dándole dolores de cabeza a su maestro Obi-Wan, pero es peor cuando tiene que cuidar a la reina Amidala (Natalie Portman) y se enamora de ella, un "no che hache" entre los Jedi. Mientras tanto, se está perpearando un ejército de clones para atacar a la República, dirigidos por el misterio Darth Sidious (Ian McDiarmid) y el poderoso Conde Dooku (el magnífico Christopher Lee). Mejoró muchísimo con respecto a la anterior; hasta me pareció convincente esto de Obi-Wan Kenobi de detective privado. Y ver al antiguo maestro Yoda pelear como nadie es digno de un hurra que se oiga hasta Tatooine. Episodio III: La Venganza de los Sith. El senador Palpatine se ha revelado como el misterioso Darth Sidious, y ha seducido a Anakin al lado oscuro de la Fuerza. Sin dudas, la mejor de la nueva trilogía, pues es oscura, espectacular y llena de peleas indescriptibles. Pero realmente no puedo con el acartonamiento de Hayden Christensen; para eso lo hubieran hecho a él también con computadora a ver si mostraba más vida. Episodio IV: Una Nueva Esperanza. El Imperio ha construido una gigantesca estación espacial que puede acabar con un planeta, y con ello pretende acabar con la Alianza Rebelde de una vez. Pero no cuentan con un joven granjero llamado Luke Skywalker (Mark Hamill) que se unirá con un retirado amo Jedi (Alec Guiness) para acabar con la tiranía del Imperio, ayudados por un irreverente contrabandista llamado Han Solo (Harrison Ford). Hay pocas cosas que quedan más grabadas en un niño de siete años que la imagen de una gigantesca nave persiguiendo a una menor, o una ominosa respiración mecánica que señala la presencia de uno de los mayores villanos de la historia del cine: Darth Vader (David Prowse, voz de James Earl Jones).

Episodio V: El Imperio Contraataca. El tiempo confirma que ésta es sin duda la mejor de todas, y es por el factor de absoluta sorpresa que nos deja. Darth Vader está decidido a encontrar al joven jedi en entrenamiento, Luke Skywalker, quien ahora entrena en secreto con el maestro Jedi Yoda, mientras se prepara para un enfrentamiento que cambiará toda su vida. Si ustedes buscan uno de los mayores shocks en la historia del cine, hay pocos momentos que podrán superar cuando escucharon esa profunda voz que dijo: No. I am your father.

Episodio VI: El Retorno del Jedi. Han Solo ha quedado atrapado en carbonita y prisionero de Jabba el Hutt. La Estrella de la Muerte ha sido destruida, pero hay rumores que el Imperio se prepara a reconstruirla, así que los Rebeldes se preparan a darle el golpe definitivo. Y mientars tanto, Luke se enfrenta al desafío supremo: resistirse a ser convertido al Lado Oscuro por parte del malvado Emperador. Sin duda alguna, una extraordinaria manera de terminar la saga. Quizá por el inmenso sentimiento de alivio, es mi favorita de las tres, aún cuando considere que Imperio es mejor película.

Así que celebren esta saga que le trajo tanta felicidad a tanta gente durante más de 30 años. Y con el estreno este agosto de la animada Guerras de los Clones, por lo visto seguirá haciéndolo por un tiempo más. Bienvenido sea. Si quieren de verdad celebrarlo, alguien tuvo la genial idea de poner imágenes de toda la saga en un solo afiche y corrí a ponerlo como fondo de pantalla. También, si tienen la paciencia, hay modelos de Yoda en origami en la red, como el modelo del maestro Fumiaki Kawahata doblado por la artista Shaya Goldberg que muestro aquí. Y bueno, si tienen los reales, la página ThinkGeek tiene docenas de artefactos que tienen que ver con la saga.

Que la Fuerza esté... Nah, demasiado fácil.

A mamá... con cotufas

Hoy es Día de la Madre. Ese día en que los más ingratos "matan" a su mamá con unas flores, un collar o algo. Pena les debería dar. Hablando en serio, ¿quién no le ha hecho algún homenaje a su madre en estos días, ya sea llevarle el desayuno a la cama o hacerle un almuerzo o llevarla a ver su obra favorita? A ver, ¿alguien ha llevado a su madre al cine en un día como este? Sí, eso pensé. ¿Quién va a querer salir a calarse eso? Pero la gran pantalla no se ha detenido en eso, y nos ha traído algunas madres imborrables de nuestra memoria. Lástima que yo me acuerde en este momento sino de cinco, pero espero que esto sirva de pequeño homenaje a mi propia madre, Dios la guarde. ¡Feliz día de las madres!

5.- Sharon Warren. Ray.
¿Cómo? ¿Que ni idea de quién es ésta? Lo sé, y muchos actuarán igual Sin embargo, Warren dio una de las mejores actuaciones en Ray (2005, Taylor Hackford), pero como todo el mundo se concentró en cómo Jamie Foxx se transformó en Ray Charles, pasó debajo del radar. En caso de que por más que traten de ubicarla no pueden recordarlo, Warren interpretó a Aretha Robinson, la madre de Ray Charles y su hermano George. Uno puede ver agotamiento saliendo de cada poro del cuerpo de Aretha, pero también una determinación a que sus hijos no van a llevar la vida que lleva ella. Cuando se entera que su único hijo se está quedando ciego, no se lamenta y lo sobreprotege; lo entrena como un sargento entrena a un soldado para defenderse del mundo. De entre las muejres de esta película, es quizá ella la que más se destacó --y nadie la recuerda.

4.- Kathy Bates. Dolores Claiborne.
Kathy Bates necesita buscar más personajes con Stephen King. Su actuación en Misery no sólo le ganó un Oscar a mejor actriz, sino que impresionó al amo del terror tanto que escribió su siguente novela pensando en ella. Y le valió otra nominación al Oscar gracias a esta pieza de 1995 también dirigida por Taylor Hackford que, aunque no es demasiado fiel al libro (ni tan buena), nos brinda una actuación impresionante pro parte de Bates. Además, si estaban pensando en ti a la hora de escribir el libro, ¿cómo no ibas a actuar en la película? Es la historia de una mujer acusada de asesinar a la anciana inválida para la que trabajaba, pero también es una madre que hizo uno de los mayores sacrificios para proteger a una hija que no hacía sino pelear con ella: su propia felicidad y bienestar. Al mismo tiempo, Bates les partirá el alma y los matará de la risa. Es increíble que una mujer capaz de proyectar tal fuerza de carácter tenga también una sonrisa tan dulce. Supongo que eso es lo que la hace toda una madre.

3.- Sally Field. Forrest Gump.
Quizá su elevado tonito de voz moleste a más de uno, pero Sally Field siempre ha sido una institución americana, tan absurdamente gringa como el pie de manzana, para usar un cliché. Ya había hecho de una madre desesperada por rescatar a su hija de la sociedad iraní en Sin Mi Hija No, pero si de papeles de madre hablamos todos la recordaremos por la joya de 1994 que le dio a Tom Hanks su segundo Oscar consecutivo. En Forrest Gump, Field hace de una madre que ha tenido que criar sola a un hijo de inteligencia limitada decidida a que tenga una vida normal --así sea tener que hacerle favores al decano de una escuela para que Forrest sea aceptado. A medida que crece, su mamá hace un esfuerzo por no sobreprotegerlo, pues también está conciente (como la mamá de Ray) que el mundo es un sitio duro y que ella no siempre estará ahí para protegerlo, algo que la mata. Que el "hijo" sea sólo 10 años menor que ella en la vida real no importa; la química entre Hanks y Field es perfecta. Es una madre ejemplar: tierna, estricta, y siempre con una perla de sabiduría para su hijo. ¿O es que vamos a decir que no creemos que la vida es una caja de chocolates?

2.- Jodie Foster. Plan de Vuelo.

Mientras las actrices empiezan a madurar, sus papeles se van hacia lo familiar, lo tranquilo, lo calmado. Madres cocinando, limpiando, cuidando al niño. Pero eso no va con Jodie Foster, oh no. Primero hizo una madre que está acosada por un trío de ladrones en su propia casa en La Habitación del Pánico (2002), y ahora ha perdido su hija en un avión. En un avión. Que está volando. ¿Dónde está? Peter Schwentke ha tomado dos miedos y ha creado una película francamente incómoda de ver: el terror que tenemos de tener a alguien que cree un incidente en el avión (que ya de por sí hace nerviosos a muchos), y la angustia de una madre de perder a un hijo en un centro comercial multiplicada de por mil. Nadie quiere estar en esta posición; quizá ninguna madre merece estar en esta posición.


1.- Holly Hunter. Los Increíbles.
Reto a cualquiera a que me diga que este no es el reflejo de una verdadera madre moderna hecho literal. Todas las madres son capaces de hacer actos heroicos o sobre-humanos día a día --y Elasitichica además combate el crimen. Helen Parr tiene que lidiar con criar tres hijos, mantener la casa limpia y animar a un esposo que está pasando por una crisis personal mientras trata de hacerles entender que el mundo es un sitio duro para gente como ellos. Sí, Helen tiene superpoderes, pero es primero madre, segundo madre, tercero madre y después mujer. Y sin embargo, sabe cuándo tiene que dejar que sus muchachitos se cuiden solos.



MENCIONES HONORÍFICAS

• La mamá de Bambi
• Peg Boggs (Diane Wiest, Edward Scissorhands)
• Kala (Glenn Close, Tarzan)
• Sarah Connor (Linda Hamilton, Terminator II: Judgement Day)

¿Quién me faltó? ¿Cuál es su madre favorita del cine?

In Memoriam: Heath Ledger

Hay ciertas noticias que uno siente de cerca aunque sean cosas que no podrían estar más lejos físicamente, gracias a la globalización. Supongo que si es en un campo que uno quiere tanto, como es mi caso con el cine, puede que le afecte aún más. En ese aspecto, la noticia de la muerte de Heath Ledger me ha pegado como si fuera un amigo cercano el que se ha ido.

Ledger fue encontrado por su ama de llaves y masajista, desnudo y boca abajo, al pie de su cama en el apartamento de SoHo, en Nueva York, ayer en la noche. Se encontró una botella de pastillas para dormir cerca, pero hasta que los resultados de la autopsia salgan hoy, el suicidio es sólo una hipótesis. Lo cierto es que la noticia cayó como un enorme balde de agua fría en la comunidad hollywoodense, pues Ledger se une a ese grupo de estrellas en ascenso como James Dean y River Phoenix cuya luz se apagó muy tempranamente.

Su nombre completo era Heathcliff Andrew Ledger, y nació el 4 de abril de 1979, en Perth, Australia, de Sally y Kim Ledger, el único varón de 4 hermanos. Sus padres se divorciaron cuando él cumplió 10 años, y casualmente ese mismo año obtuvo su primer papel actoral, en una producción de Peter Pan en su colegio. A los 16 dejó el colegio y se mudó a Sydney para enseriarse como actor, consiguiendo su primer trabajo en una serie de televisión llamada Roar en 1997.

Su primer papel en Hollywood fue en la comedia 10 Cosas Que Odio De Ti, una versión de adolescentes de la obra La Fierecilla Domada de William Shakespeare, como un rebelde que es pagado para conquistar a la indómita Julia Stiles. Como era de esperarse, por sus apuestas facciones, le llovieron los papeles para más películas de este estilo, pero Ledger prefirió esperar. Pagó un precio alto, pues dejó de trabajar por tanto tiempo que tuvo que pedirle prestado a su agente por un bien tiempo.

La redención le llegó cuando audicionó para El Patriota, la épica cinta de la Guerra de Independencia de Estados Unidos donde interpretó al hijo de Mel Gibson. El trabajo le llamó la atención a muchos, y en seguida Ledger se encontró protagonizando A Knight's Tale (Corazón de Caballero), una mezcla de acción y comedia que resultó un éxito de taquilla. Luego vendría su papel en el drama Monster's Ball (El Pasado Nos Condena), donde hacía del atormentado hijo de Billy Bob Thornton. Después su actuación siempre encontró un buen lugar con la crítica, aún cuando sus películas no: The Four Feathers, Ned Kelly, The Order, The Lords Of Dogtown y The Brothers Grimm (ésta última dirigida por Terry Gilliam y coprotagonizada por Matt Damon) no fueron bien recibidas en la taquilla.

Pero el verdadero momento de gloria fue cuando se metió en la piel y alma de Ennis Delmar, el atormentado vaquero de Brokeback Mountain, de Ang Lee. Ledger describió a su personaje como"un hombre homofóbico que está enamorado de otro hombre", y ese conflicto interno logró hacer ver su talento. Las críticas positivas le llovieron encima, y si Phillip Seymour Hoffman no se hubiera transformado en Truman Capote, Ledger habría ganado ese OScar al que estuvo nominado en 2005.

Como prueba de que seguiría trazando su propio camino, Ledger interpretó en 2006 a un poeta adicto a la heroína en el drama romántico Candy, y fue una de las siete versiones de Bob Dylan (junto a Cate Blanchett, Richard Gere, Christian Bale, Ben Whishaw y el niño Marcus Carl Franklin) en el extraño fim I'm Not There. Y todos (bueno, al menos yo) estábamos esperando con ansias ver cómo Ledger no tuvo miedo de asumir una figura tan icónica como el Guasón para alejarse completamente del personaje redescubierto por Jack Nicholson y convertirlo en un auténtico demonio, si lo que se ve en el trailer de Dark Knight es verdad. Ledger habría descrito al personaje como "un payaso sicópata, asesino en serie y esquizofrénico con cero empatía" y le costaba dormir por interpretarlo. Ahora, aunque aguardo la película con las mismas ansias, razón tiene el amigo John Manuel Silva al decir que será bien triste verla y saber que (si su nueva película no es estrenada) será la última vez que veremos a Ledger en pantalla.

Para el momento de su muerte, Ledger estaba trabajando en otra película dirigida por Terry Gilliam llamada The Imaginarium of Doctor Parnassus, pautada para su estreno en 2009. Obviamente no se sabe el destino de la película, pero espero que sea más al estilo de lo que hicieron para El Cuervo luego de la muerte de Brandon Lee que lo que trataron de hacer con Wagons East cuando murió John Candy y era evidente cuándo usaban otro actor.

Ledger era, por lo que he leído de las reacciones de sus vecinos en el artículo del New York Times, un tipo sencillo, amable y cálido pero que comandaba una silenciosa autoridad en su trabajo. Muchos lo veían caminando cargando a su hija Matilda, producto de su relación con la también actriz Michelle Williams, a quien conoció durante el rodaje de Brokeback Mountain. Cuando se llevaron su cadáver, ya había un buen grupo de personas parados en silencio para presentar sus respetos al actor. Las últimas informaciones inidcan que la autopsia no fue concluyente y se necesitarían más pruebas; tendrán más noticias en diez días.

Es una tragedia cuando un joven talento se pierde, más aún si en efecto se confirma que fue por su propia mano. Uno simplemente quiere lanzarle una botella, por haberse muerto como un pendejo. Pero la realidad es que nadie sabía que Heath Ledger estaba pasando por problemas --su propio padre llama la muerte "accidental". Por lo visto, Ledger estaba solo en el apartamento y no hay señales de pelea ni nada. Sea lo que sea, el hecho es que nosotros los cinéfilos nos hemos quedado sin un gran talento, su familia y amigos se han quedado sin una buena persona, y Matilda se ha quedado sin su pare. Es una tragedia, pura y sencilla, y desde aquí le mando mis condolencias a todos los involucrados.

Y a ti, Heath, espero que en muerte consigas la paz que no conseguiste en vida. Descansa en paz.

Ledger en celuloide.net:

Brokeback Mountain: La helada soledad que permea Brokeback Mountain, el western épico de Ang Lee, es tan profunda como la desoladora historia de estos dos vaqueros que se enamoran casi por accidente. Una noche la fogata de su campamento se apaga y el frío mordiente los lleva a acurrucarse juntos en la misma carpa, donde una chispa repentina surge entre Ennis Del Mar (Ledger) y Jack Twist (Jake Gyllenhaal) y se convierte en una llama eterna. 

I'm Not There: La cultura mediática moderna se nutre del tráfico de identidades falsas. En ese mundo, el mejor artista también será, casi como un axioma, el fraude más grande. Y repasando los últimos 50 años, es difícil encontrar a nadie con una mayor habilidad para sintetizar la autenticidad — para darle a sus identidades en serie el timbre de la verdad revelada y esotérica — que Bob Dylan. Entre sus muchos logros, I'm Not There explota como con una bomba Molotov la fachada de la fábrica de biópicas de Hollywood, desmontado los supuestos literales y anti-intelectuales que guían hasta la más admirativa exploración cinematográfica de la vida de los artistas. 

Heath Ledger

(1979 -2008)

Fuentes: Internet Movie Database, The New York Times, Wikipedia, Yahoo! News