Edgar Ramírez tendrá manos de piedra

No oculto que soy gran fan de Edgar Ramírez por acá, y creo que nadie me lo puede discutir, pues el pana no sólo ha demostrado ser excelente actor más allá de sus papeles en las telenovelas de acá como Cosita Rica, sino que poquito a poco se ha metido tanto en Hollywood como el cine europeo (acaba de protagonizar A Couer Overt con Juliette Binoche). De hecho, Edgar tiene cierto reconocimiento al otro lado del Atlántico, en especial por su trabajo en Carlos de Olivier Assayas, y su próximo papel podría darle el respeto que se merece de este lado.

 

Deadline acaba de anunciar (lo leo en Ain’t It Cool News) que Edgar acaba de agarrar un papel que originalmente estaba para Gael García Bernal en Hands Of Stone, la biografía del legendario boxeador panameño Roberto “Mano ‘E Piedra” Durán, dirigida por el también venezolano Jonathan Jakubowicz (Secuestro Express). Obviamente el papel es de Mano ‘E Piedra, un boxeador que se retiró en 2002 a la edad de 50 años, habiendo ganado 103 de sus 119 peleas, 70 de ellas por nocaut, y considerado uno de los mejores boxeadores de peso liviano de todos los tiempos. No creo que sea sorpresa que el gobierno panameño aportó unos tres millones de dólares a la producción.

 

Compartiendo con Edgar será un tal Robert De Niro, quien hará del entrenador de Durán, Ray Arcel. La película, que Jakubowicz también escribió, se enfocará en cómo Arcel y Durán se cambiaron la vida uno al otro, así como la extraordinaria rivalidad que Durán tuvo con otro grande, Sugar Ray Leonard, que culminó en la infame pelea “No Más”. Jakubowicz le dijo a Deadline que la película “responderá ese enigma, con el mejor talento que un director pueda soñar”.

 

Esa era la época (finales de los 80) en que yo veía el boxeo fijo, y la verdad las peleas eran emocionantes, sin el peso de la corrupción que vuela encima del deporte hoy en día. Marvin Hagler, Tommy “The Hitman” Hearns y sí, “Mano ‘E Piedra” Durán y Sugar Ray… esos eran grandes comparables con Rocky, mi gente. Por supuesto me queda la duda sobre Jonathan, pues este sería su primer ingreso en Hollywood, pero la inclusión de De Niro ayuda a levantar interés.

 

Por cierto, no es que Edgar no sea tremendo actor, pero no se puede dudar que Gael García Bernal es mucho más conocido en el norte. ¿Qué pasó? Originalmente Gael tuvo que retirarse de la producción por compromisos adquiridos posteriormente, pero el propio Durán le dijo al canal Telemetro de Panamá que al actor de Y Tu Mamá También “se le subieron los humos” cuando su película No fue nominada a Mejor Película Extranjera. Quién sabe, pero con sus 60 años Durán puede dar un buen coñazo todavía, y no voy a ser yo quien le lleve la contraria…

 

Ah y para rematar el festival de amor por Edgar, Latino Review acaba de anunciar que el pana estará en un thriller sobrenatural llamado Beware The Night, donde interpretará a un sacerdote que se junta con un policía (Eric Bana) para resolver un caso y enfrentarse a las fuerzas sobrenaturales involucradas. ¡Si así llueve que no escampe, gocho!

Plasma de Miércoles E84: The Doors (1991)

Para alguien que esté acostumbrado a la superficialidad y predictibilidad de la letras de la mayoría de las canciones de hoy en día, es difícil entender el grado de importancia que tuvo Jim Morrison, el vocalista del grupo The Doors. El hombre era todo un poeta en el sentido literal del asunto, y se nota al leer cualquiera de las canciones que hicieron a su grupo famoso, como “The End”, “Hello, I Love You”, “Riders on the Storm” o “Light My Fire”. Pero también era el  emblema del exceso, un símbolo del lado oscuro del rock de los 60, que inexorablemente llevó, al igual que sus colegas de la época Janis Joplin y Jimi Hendrix, a su muerte, de la que se conmemoraron 40 años el pasado 3 de julio.

Oliver Stone es un hijo de los 60 como pocos, y al principio de su carrera hizo frecuentes homenajes a la época; todas sus películas tienen un toque autobiográfico en ese sentido. Curiosamente, su homenaje a la banda de Morrison, llamada simplemente The Doors, prácticamente cae en ese aspecto tanto como mostrar la vida de su mítico líder, apersonado (porque no es una simple interpretación) por Val Kilmer aquí. Stone estaba pasando por una fuerte dependencia a las drogas en esa época; es sólo por suerte que no siguió el destino de Morrison. Quizá por eso es que su biopic se siente tan real y cruda –y es para mí su segunda mejor película después de JFK y Platoon.

Considerando lo extravagante de su persona en vivo, es difícil pensar que Morrison empezó siendo un tímido estudiante de cine en UCLA. Ahí conoce al tecladista Ray Manzarek (Kyle MacLachlan), quien considera que Morrison está haciendo algo que ningún músico está haciendo. Uniéndose a Robby Krieger (Frank Whaley) en la guitarra y John Densmore (Kevin Dillon) en la batería, deciden formar un grupo que les “abriría las puertas de la mente” al público –así que se llamarían The Doors.

Aunque al principio no podía ni mirar al público de frente, tal era su timidez, Morrison no sólo cede a los excesos del mundo del rock, más allá de la supuesta lucidez que le daba el LSD, sino que viene a convertirse en su símbolo más abierto, muchas veces al disgusto de los demás miembros de la banda y de su esposa Pamela Coulson (Meg Ryan). Como Van Gogh, como Hemingway, Morrison es un genio torturado, autodestructivo, que vive en un mundo que lo ama en la misma medida que no lo comprende. No que le importe mucho, claro…

A estas alturas, los miembros sobrevivientes de The Doors dicen que no distinguen entre la voz del verdadero Morrison y la de Kilmer, quien da una actuación para todos los tiempos. Es duro verlo hoy en día, con esos cauchos extra alrededor de la cintura, y verlo hace 20 años convertirse en el “Rey Largarto”, ágil, todo un dios del rock, la persona de la sexualidad y la vida, aún a poco de morir. Cada movimiento, cada canción, cada nota –Kilmer lo capturó perfectamente. No es sólo porque la película gira alrededor de su figura; es que Kilmer la agarra y no permite más nadie verla.

Más que una simple biopic, The Doors es el gran reflejo de los 60, mostrando un país –y en realidad, un mundo— perdiendo la inocencia. EE.UU. estaba marchando a la guerra de Vietnam, la política de “haz el amor, no la guerra” estaba matando a los jóvenes, pero a la vez descubría su sexualidad y el rock despertó a las masas. En medio de todo, un grupo ponía a la gente a volar y a reflexionar, mientras su figura central lentamente iba a su destrucción. Su muerte fue quizá la llamada de alerta final –quietos, muchachos, que tanto exceso los va a matar. Pero con apenas seis discos, nos dejó un tesoro de música grandiosa –y Stone nos dejó una película de rock para los siglos.

The Doors = trailer

NOTAS CURIOSAS

• Antes de la audición con Stone, Val Kilmer memorizó las letras de todas las canciones que Jim Morrison escribió, y le envió al director un video interpretándolas. Ese video, sin embargo, dañó la imagen de Kilmer como Morrison, dijo Stone.
• A pesar de todas sus solicitudes, Ray Manzarek se rehusó a ayudar a Stone con la película, y dice que es un relato horrible de la historia de la banda.
• Las tomas en close-up son la voz de Kilmer; las tomas largas son la de Morrison.
• El ingeniero de sonido en la sesión solista de Morrison es el baterista John Desmore.
• Antes de la producción, Kilmer se convirtió en Morrison por casi un año, vistiendo su ropa y quedándose por donde el cantante se la pasaba en el Sunset Strip de Los Ángeles. El biógrafo de Morrison Jerry Hopkins dice que un día lo vio cuando se iba a reunir con Stone en un restaurant, usando un teléfono público, y estuvo tan convencido por la imagen que Kilmer proyectó que lo primero que pensó fue, “Me había olvidado lo alto que Jim era”.
• Tom Cruise, Jason Patric (Speed II, Sleepers) y John Travolta fueron considerados al principio para interpretar a Morrison, en los veinte años que la película tardó en entrar en producción. Travolta incluso se reunió con la banda (que al principio sí estaban muy involucrados) y hasta consideraron reunirse y hacer una gira con Travolta cantando. Al final, consideraron que el actor de Pulp Fiction era demasiado buena gente para llenar los zapatos del Rey Lagarto.
• Ian Astbury, cantante del grupo The Cult, fue también considerado para el papel, incluso reuniéndose con Stone una vez. Al final no le gustó el guión, pero Astbury sí salió de gira con el resto de The Doors entre 2002 y 2007.
• Robby Krieger insiste en que la escena que muestra a la banda ensayando "Light My Fire" aclara que fue él y no Morrison quien compuso la canción.
• Tal como sale en la película, después de desafiar al anfitrión Ed Sullivan y en efecto usar la palabra "higher" (más alto) en su canción "Light My Fire" (cualquier referencia a drogas en televisión era tabú), The Doors nunca volvieron a tocar en Toast of The Town (el equivalente a, salvando la enorme distancia, Sábado Sensacional en esa época). (Eso sí, la actuación en sí del grupo fue mucho menos dramática que en la película.) Morrison dijo que estaba tan nervioso por actuar en televisión que olvidó cambiar la letra; en la película, uno no se lo cree.
• Como la película está filmada fuera de secuencia, Val Kilmer tuvo que tener cuidado cómo engordaba para representar los años posteriores de Morrison, para que la grasa sólo se acumulara en su barriga y no se viera en el resto de su cuerpo cuando representaba al Morrison más joven.

La Red Social: Querrás hacerte amigo de esta película

Hay un problema inherente a todas las películas que están “basadas en hechos reales”, como ya dije en una ocasión: no hay manera de saber hasta qué punto la ficción y la realidad se diluyen en una sola, y de qué manera el guionista se pueda haber tomado ciertas libertades para hacer la historia un poco más dinámica. En el caso de Red Social, Aaron Sorkin dijo libremente que, a la hora de escribir su guión, nunca habló con Mark Zuckerberg, nunca lo conoció siquiera, sólo se basó en lo que leyó en el libro The Accidental Billionaires del periodista Ben Mezrich, y se supuso la clase de persona que tendría que ser un chamo de 23 años que en menos de un lustro fundó un fenómeno de Internet que no deja de crecer y lo ha convertido en el multimillonario más joven del mundo. El mismo Mezrich ha admitido que se tomó mínimas libertades a la hora de escribir el libro, pero jura que la gran mayoría es verdad. Honestamente, no importa: de la mano del director David Fincher (Seven, El Curioso Caso de Benjamin Button, Zodiac) y del productor Kevin Spacey (sí, el actor), Red Social es una fascinante, aunque a veces lenta, mirada dentro de la psique de un joven socialmente torpe que, como no pudo adaptarse al mundo, decidió crear un mundo propio.

La película abre con Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg) teniendo su corazón arrancado del pecho y arrojado por la poceta por Erica Albright (Rooney Mara). En realidad nadie puede culparla –bueno, YO no puedo culparla— pues el tipo es un patán. En medio de un despecho, muchas cervezas y rabia, decide, con la ayuda de su amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield, futuro Hombre Araña) crear un sitio web nuevo donde se evaluarán todas las mujeres de la universidad. En poco tiempo, hay 21.000 estudiantes metidos en la red de Harvard a punto de volverla añicos.

Eso llama la atención de los hermanos Tyler y Cameron Winklevoss (ambos interpretados por Armie Hammer) y Divya Narendra (Max Minghella), ricos niños estudiantes de Harvard, que quieren que les diseñe un sitio web que sea como una especie de club de amigos, tipo los clubes exclusivos de Harvard a donde Mark quiere pertenecer desesperadamente.

Corten al futuro: los Winklevoss y Narendra están demandando a Mark porque dicen que les robó la idea de su página y la usó para crear Facebook. Eduardo lo está demandando porque dice que Mark se dejó deslumbrar por Sean Parker (Justin Timberlake), creador del sitio de intercambio de mp3 Napster, y lo sacó del negocio. Como dice la promoción, no puedes tener 500 millones de amigos sin crear unos enemigos.
Puedo decir de una vez que, aunque es casi seguro que reciba una nominación a mejor película en los Oscar, le tengo muchísima más fe a que reciba un guión, pues muy al estilo de Aaron Sorkin, este es un guión extraordinariamente bien escrito. Los diálogos pueden ser a veces un poco rápidos –de hecho, a veces demasiado rápidos— pero sin duda lógicos y bien estructurados, y, oh gran placer para mí, no siempre contado de una manera lineal.

Y un buen diálogo tiene que salir de buenas actuaciones, y ellas abundan aquí. Hammer tiene sin duda el mayor reto, al tener que interpretar dos papeles sutilmente distintos “a la vez”, pero son Garfield y Eisenberg los que se llevan la torta sin ninguna duda. El segundo, quien muchas veces ha sido comparado con el más popular Michael Cera, sin duda pone esas comparaciones a dormir aquí, mostrando una determinación y una seguridad de sí mismo que yo ni sospeché existía cuando lo vi en comedias como Zombieland  o Aventureland (aunque fue muy bueno en ambas). Su retrato de Zuckerberg, suponiendo que sea cierto, muestra a un chamo que, a pesar que logró el mundo, siempre termina en la parte de atrás de la fiesta, sin ningún amigo verdadero. Aquí es donde ves que Garfield tiene muchas más oportunidades de lucirse, quizá porque su personaje es el más complejo. Eduardo Saverin fue el único amigo de un tipo que parecía no ser capaz de tener amigos, y no sabía exactamente qué hacer con su vida, quizá un poco intimidado por los millones que se le estaban prometiendo.

Timberlake, por su parte… De verdad que aún no sé qué pensar de este pana como actor. Lo veo en Saturday Night Live y me mata de la risa, pero cuando tiene que hacer trabajo más serio es variable. Hizo un trabajo decente en Black Snake Moan, pero aquí me parece que está demasiado consciente de que está interpretando un papel. Muchas veces me parece que está actuando como un adolescente, otras simplemente como un bolsa. Los momentos en que lo hace mejor es cuando trata de hacerlo natural, sin fingir angustia o ser chico malo.

Lo que sí le critico a Fincher es que, al igual que le pasó en Zodíaco, se vuelve demasiado meticuloso y se para en demasiados detalles, lo que hace que la película más bien pareciera asistir a clases de negocios o algo. Eso sí, el hombre sabe crear tensión en una escena como pocos, y cuando su cámara y los diálogos de Sorkin se integran hay verdadera magia: las competencias de remos, la furiosa noche de blogueo y escritura de código, las reuniones de negocios…

Peter Travers de Rolling Stone llama a The Social Network “la película que refleja una generación” en su reseña, y es difícil discutir con él. Hay demasiado en ella que refleja cómo estamos actualmente obsesionados con estar permanentemente conectados y hemos hecho de nuestras vidas un club privado, donde pensamos que cualquier cosa que digamos o hagamos es lo bastante interesante para regarse al mundo. Si hay algo que Fincher logró, es plasmar esa obsesión efectivamente y hacerlo lo suficientemente interesante. Ahora no puedo esperar a que hagan la película sobre Twitter…

(O mejor no…)

Julie & Julia: ¡Ahora tengo hambre!

Atención blogueros y afines: aplíquense en sus blogs e incluso sus cuentas Twitter, pues hay una posibilidad de que no sólo se conviertan en escritores en el sentido tradicional de la palabra, sino que pueden convertirse en una comedia para televisión o de una vez saltar y ser adaptado a una película. Y si tienen suerte, en una buena película.

En 2002, Julie Powell estaba frustrada con su vida, así que para superarlo decidió que dedicaría un año de su vida a cocinar todas las 524 recetas del libro Dominando El Arte de la Cocina Francesa, de la aclamada chef Julia Childs. Documentó toda la experiencia en el blog The Julie/Julia Project, que se convirtió en tal éxito que le ofrecieron convertirlo en un libro, que a su vez fue tal éxito que Nora Ephron, guionista de la madre de todas las comedias románticas, Cuando Harry Conoció a Sally, y directora además de Sleepless In Seattle (también de Hechizada, por desgracia), decidió adaptarla al cine.

La genial idea de Ephrom, sin embargo, es que además decidió no sólo adaptar el libro de Powell, sino también la autobiografía de la propia Child, Mi Vida en Francia, coescrita con Alex Prud’homme. Así, las dos mujeres llevan vidas paralelas en una película que es tan encantadora como original, con un excelente elenco y un estilo distinto al que nos tienen acostumbradas las biopics.

Por un lado tenemos a Child (la magnífica Meryl Streep), quien acaba de casarse en los años 50 a los 37 años con Paul (Stanley Tucci), un diplomático norteamericano residenciado en París. Es el primer hombre de su vida, y están profundamente enamorados. Julia había tenido una vida muy cómoda y nunca había aprendido a cocinar, pero quiere cuidar de Paul, así que decide meterse en una escuela de cocina para poder alimentar a su marido.

Por el otro lado tenemos a Powell (la encantadora Amy Adams), quien vive con su esposo Eric (Chris Messina) en un pequeño apartamento en Long Island, Nueva York, y trabaja en la Corporación de Desarollo del Bajo Manhattan (la compañía encargada de reconstruir la parte baja de Manhattan luego de los ataques del 11 de septiembre). Se siente frustrada con su vida y el constante regaño de su mamá no la ayuda. Fue Eric el que le propuso que buscara un proyecto para distraerse, y ahí fue cuando decidió arrancar con el blog. Pequeño spoiler: logró completar la tarea, y la última entrada está fechada el 13 de agosto de 2004 –al día siguiente de la muerte de Julia Childs.

Creo que el único problema de esta película es que es demasiado rosa. Algo que la verdad agradezco, pues no sigue la misma línea de muchas de las biografías filmadas que he visto (Ray, Walk The Line, La Bamba), que es mostrar al personaje salir de la pobreza para lograr el éxito, para luego caer y volver a alzarse. La vida de Julia Child no careció de durezas, pero en general era una mujer querida por cuanta persona entrara en contacto con ella, con la sola excepción de la directora de la academia de cocina a la que atendió (Joan Juliet Buck). El único momento en que la vemos realmente golpeada es cuando se entera que su hermana Dorothy (Jane Lynch), recién casada, está embarazada, cuando ella ya no puede tener hijos. De resto, sólo algunas angustias cuando está tratando de vender su libro a las editoriales. No digo que necesitábamos que tuviera un problema con el alcohol, pero entre el marido perfecto y su triunfo en el mundo de la cocina, fue una vida interesante pero no fascinante.

Curiosamente, me pude identificar más con al vida de Powell. Nunca se rindió, aún en los momentos más difíciles de su proyecto, y se volvió tan obsesionada con su blog que descuidaba sus matrimonio, al punto que en algún momento el divorcio parece una posibilidad. Sin embargo, estas dos mujeres comparten el hecho de que sus maridos son tan pacientes como amorosos. Ya quisieran ustedes, mis lectoras, tener hombres así. Y están basados en personas reales. No digan que no existen.

¿Es menester decir que Meryl Streep es el centro de este particular Universo? A estas alturas creo que podría aparecer leyendo la guía telefónica y sería suficiente para nominarla a un Oscar. Hay pocos personajes que yo puedo decir son devorados por sus actores –Andy Kauffman por Jim Carrey, Malcolm X por Denzel Washington, Peter Sellers por Geoffrey Rush— y en este caso esa frase es particularmente apropiada. Si ven los videos de la verdadera Child pueden ver el parecido que logra Streep sin una gota de maquillaje, sólo con una (¿peluca? ¿pelo pintado?), cuidando cada gesto, cada expresión, y esa extraña voz entre melodiosa y gutural. Aburre decir que es casi seguro que la veremos nombrada en febrero como nominada, pero cómo hacemos, la mujer es así de buena.

Adams, por su parte, ha elevado la calidad de su actuación notablemente desde Encantada, siendo ya una actriz que ha recibido dos nominaciones al Oscar (una por La Duda, y la primera por Junebug). Este papel no parece ser muy exigente, pues tiene ese aura de inocencia y buena persona que Adams ya es, pero aún así lo lleva bastante bien, y su química con Messina se ve muy auténtica. Sus momentos de angustia hacen que uno quiera abrazarla y decirle que todo está bien, y cuando se porta “mal” uno está rápidamente dispuesto a perdonarla (bueno, ni tan rápido).

Es el elenco de apoyo que me encanta en particular, empezando pro Stanley Tucci, un actor que puede ser encantador o detestable con la facilidad con la que yo digo esa frase. Paul jamás se cansa, jamás se abure y jamás deja de apoyar a Julia, y Tucci hace que desees fuera tu papá (o te recuerda a él, en mi caso). Jane Lynch sale por cinco minutos y no hace gran cosa, pero ella es tan genial como actriz que me veo obligado a mencionarla. Y Messina –bue. Como ya dije, logra buena química con Adams, pero este papel pudo haber sido de cualquiera. Sólo agradezco que no se lo hayan dado a Patrick Dempsey.

Por supuesto, la comida es un personaje más en Julie & Julia. Les garantizo que cualquier cosa que coman después de verla no les sabrá de la misma manera, más que nada por lo extraordinariamente presentada que está. Requiere un cuidado especial lograr que la comida quede así, y me da envidia no saber cocinar para poder hacer platos así (aunque si Julia pudo, y Julie también)… Esta es la propia película para ver en pareja, acompañada de una rica cena. Así que les acabo de dar su plan de fin de semana. De nada.

In Memoriam: Dom deLuise

2008 fue un año horroroso en cuanto a muertes y pérdidas en Hollywood, desde Heath Ledger hasta Paul Newman. Hasta ahora, este año nos ha tratado bien en cuanto a pérdidas --hasta hoy.

La página de chismes TMZ (cállense, que me enteré por Twitter) reporta que Dom deLuise, uno de los más divertidos comediantes de los '80, falleció pacíficamente en su sueño en un hospital de Los Ángeles a los 75 años de edad. Le sobreviven su esposa, Carol Arthur, y sus tres hijos, también actores, Peter, Michael y David deLuise.

Para nosotros los adultos contemporáneos, era un placer ver a DeLuise aparecer junto a su amigo Burt Reynolds en clásicos como Cannonball Run o Smokey and the Bandit, o en excelentes papeles en películas de Mel Brooks como Blazing Saddles o Robin Hood: Men In Tights. También prestó su voz en varias comiquitas, como Todos Los Perros Van Al Cielo (junto con Reynolds). DeLuise también era un mago apasionado y un excelente chef, la versión gringa de Ángel Lozano.

DeLuise era uno de esos gorditos que uno no puede sino querer. Era divertido, amable, como el tío que siempre llega jodiendo el día de la fiesta. Mientras Reynolds tuvo su desastroso divorcio con la también actriz Loni Anderson, DeLuise se mantuvo cuidadosamente aparte y nunca perdió su amistad con el otrora duro de la comedia. De hecho, Reynolds le acaba de decir a ET que "nunca lo oyó decirle una palabra grosera a nadie". Su hijo David, en particular, parece que heredó su habilidad para la comedia, habiendo aparecido como personaje regular en series de televisión como 3rd Rock From The Sun.

Definitivamente un tipo como pocos. Q.E.P.D. Aquí les dejo un video para que se rían del hombre.



"En realidad soy un tipo flaquito. Interpreto al gordo gracioso, pero sólo en pantalla".

In Memoriam: Paul Newman

Bueno, y el año continúa siendo trágico para Hollywood, pues se ha llevado algunas de sus más grandes estrellas. Primero fue Heath Ledger, luego Charlton Heston, después el director y actor Sydney Pollack y el mago de los efectos especiales Stan Winston. Luego, con un día de diferencia, Bernie Mac y Isaac Hayes, y a principios de septiembre se apagó la voz de los trailers Don LaFontaine. Y ahora, anoche, los ojos azules más famosos de Hollywood se cerraron para siempre: finalmente el cáncer de pulmón se llevó a Paul Newman.

Nacido en 1925 en Cleveland, Ohio, Newman pareció nacido para actuar, participando en obras en primaria y bachillerato. Cuando se le dio de baja en la Armada en 1946, se enroló en el Kenyon College de Ohio para agfinar su arte, antes de mudarse a Nueva York donde entró al legendario Actor's Studio de Lee Strasberg. Su primer papel fue en un drama de 1954 llamado The Silver Chalice, y casi fue el último: se sintió tan mal por ese papel que compró un anuncio a página completa en la revista Variety pidiéndole perdón a cualquiera que lo haya visto.

Eso demostró una cualidad clásica de Newman: su gran filantropía. Además de su carrera como actor, también era dueño de una línea de alimentos llamada Newman's Own que ha recaudado casi 200 millones de dólares en ventas desde 1982, y cada centavo fue donado a caridad. También rompió récord al convertirse en el piloto de Fórmula Uno más viejo del mundo en 1995 al ganar una carrera en Daytona a los 70 años de edad.

Pero sobre todo, Newman era hombre de familia. Se casó dos veces, una con Jackie Wittie en 1949, con la que tuvo tres hijos (el único varón murió de una sobredosis de drogas en 1978) y la segunda y última vez con la actriz Joanne Woodward en 1958. Tantas veces le preguntaron cuál era el secreto de un matrimonio tan largo, que la última vez que lo hicieron Newman, famoso por su sentido del humor, contestó: "Nunca sé qué me pone en la comida."

Fue uno de los actores más nominados al Oscar de la historia, y recibió ese honor al menos una vez en cada década desde los 50. Sólo ganó una vez, por El Color del Dinero en 1986, donde volvió a interpretar el papel del apostador Fast Eddie Felson, por el que también había recibido una nominación en The Hustler, de 1961. También se hizo famoso y fue nominado por sus roles en Un Gato en el Tejado Caliente (1958), Hud (1963), Cool Hand Luke (1967), Ausencia de Malicia (1981), una magistral actuación en El Veredicto (1982), una divertidísima como un viejo co un cambio de suerte en Nobody's Fool (1994) (en mi opinión, sólo perdió porque Tom Hanks lo hizo tan bien en Forrest Gump) y una inquietante interpretación de un jefe de la mafia en Camino a la Perdición (2002).

Pero todos lo recordarán junto a Robert Redford en Butch Cassidy & The Sundance Kid (1969), una de las mejores parejas en pantalla de la historia. Sólo repitieron otra vez en The Sting (1973), pero por alguna razón siempre se les asociaba. Era evidente que eran buenos amigos, pues una vez Redford dijo de Newman: "Dice los peores chistes; eso no fuera tan malo si no los repitiera tanto." Incluso, el papel de Frank Galvin en El Veredicto había sido ofrecido a Redford primero, pero éste le exigió al director Sidney Lumet que cambiara el guión pues no quería que el personaje fuera "un perdedor tan grande". Lumet se lo ofreció a Newman, y se ganó su nominación al Oscar.

Lee Strasberg una vez dijo que Newman podría ser tan buen actor como Marlon Brando, pero era demasiado buenmozo. Igualmente, el talento de Newman trascendía su elegancia; de hecho, tener esa cantidad de nominaciones al Oscar sólo son un pequeño reflejo de su talento. Su última actuación lo pone junto con Jimmy Stewart, Orson Welles y Charlton Heston, pues al igual que todos ellos fue prestando su voz en una película animada, al interpretar a Doc Hudson en Cars (2002). Estaba preparado para retormar el papel en la secuela (pautada para 2011) pero el cáncer de pulmón le ganó la carrera.

Paul Newman --padrino de Jake Gyllenhaal, admirador de Jim Carrey, actor, director-- murió en su casa de Conneticut el viernes en la noche. Creo que las palabras del mismo Redford l programa Entertainment Tonight lo resumen mejor: "Hay momentos en los cuales los sentimientos no pueden traducirse en palabras. He perdido a un verdadero amigo. Con su presencia, él mejoró mi vida y a este país". Que en paz descanse.

Newman en celuloide.net:

La Gata Sobre el Tejado de Zinc: Los miembros de una codiciosa familia sureña se dan empellones para obtener el favor del patriarca del clan, el riquísimo pero enfermo de muerte "Big Daddy" (Burl Ives). Newman interpreta a Brick Pollitt, uno de los hijos, un ex-atleta alcohólico cuya lástima de sí mismo y borracheras maliciosas ponen en peligro no solo su herencia, sino también su matrimonio con la seductora Maggie (Elizabeth Taylor). Basada en la obra de teatro de Tennessee Williams.

Cool Hand Luke: Su crimen: la inconformidad. La sentencia: la cuadrilla de trabajos forzados. La historia de un hombre solitario que no quiere — o no puede — ajustarse a las reglas arbitrarias de su cautiverio. Lucas Jackson es un hombre a quien le gusta hacer las cosas a su manera. Esto conduce a un mundo de sufrimiento cuando termina sentenciado a una dantesca temporada de trabajos forzados, donde se ve enfrentado a un guardia sádico y autoritario (Strother Martin) que lo quiere doblegar. George Kennedy es Dragline, un compañero prisionero que intenta quebrar a Luke, y termina por reverenciarlo.

El Veredicto: Un abogado ve la oportunidad de salvar su carrera y recuperar el respeto por sí mismo al tomar un caso de mala praxis médica y llevarlo a juicio en vez de transarse con el hospital.

"Yo siempre fui un actor de carácter. Simplemente parecía Caperucita Roja."

Paul Leonard Newman

1925 - 2008

Detrás de la cámara: Kevin Smith

Hubo una pequeña entrada en la página de estrenos por venir de Cines Unidos, que me dejó, por falta de un término mejor, loco: Clerks II, el 31 de octubre. Yo les nombro esta película y ustedes seguramente dirán, "¿Huh?", pero cuando sepan la historia de su escritor, director y actor, Kevin Smith, y sepan que este pana es uno de los más alejados del mainstream en Estados Unidos (especialmente si han leído este blog antes), entenderán mi sorpresa.

Kevin Smith nació el 2 de agosto de 1970 en Red Bank, New Jersey, un hecho que lo enorgullece tanto que trata de que todas sus historias sean ambientadas o tengan alguna ocurrencia en New Jersey. Mientras trabajaba en un abasto, Smith vendió su colección de preciados cómics para poder financiar su primera película, Clerks, en 1994, la que filmó en la misma tienda.Sólo podía filmar después que habían cerrado, y la envió al festival de Sundance de 1995, donde recibió el primer premio. De hecho, fue un éxito en taquilla independiente tal que le dio suficiente dinero a Smith para volver a comprar su colección y hacer una segunda película, Mallrats (1995), que lo terminó de asentar como un amigo de los geeks, pues sus películas (que también escribe) tiene personajes que hacen muchísimas referencias a películas como La Guerra de las Galaxias y cómics como Batman y El Hombre Araña. Smith hasta nombró su hija Harley Quinn Smith por un personaje en la serie animada de Batman.

Las películas de Smith parecen una que tú harías con tus panas: muchos amigos hablando de temas profundos disfrazados de extraños. Pero de hecho, es una escritura inteligente y divertidísima, aunque Smith no se mide a la hora de decir lo más profano y vulgar que se le pueda ocurrir (¿ya leyeron mi reseña de Dogma?), con muchas groserías que parecen puestas sólo porque sí. (Y ustedes creen que una película venezolana está llena de groserías...), ha ganado premios por sus guiones e incluso por su trabajo en una serie del cómic Daredevil (que creo que habría sido mucho mejor que la película).

De ahí que me sorprenda tanto que Clerks II, una película donde el más conocido del elenco (Ben Affleck) aparece por cinco minutos, y es hecha por la fracción del presupuesto de, digamos, Tropic Thunder, vaya a aparecer en cartelera nacional. Hasta ahora la única película de Smith que ha aparecido en cartelera que yo sepa es Jersey Girl, con Ben Affleck como un padre soltero, y en video Jay and Silent Bob Strike Back. Yo no he visto la primera Clerks (algo que pretendo correfir este fin de semana) pero si ustedes tampoco la han visto entiendo que podrán disfrutar de la segunda parte sin problemas. ¿Será que los cines locales están pensando también en los cinéfilos y no en el público normal y corriente? ¿O hay algo aquí que no he agarrado?

Detrás de la cámara: Darren Aronofsky

Bienvenidos a una nueva sección en este, su humilde rinconcito del cine acá en Venezuela, donde les presentaremos al talento que las cámaras y los actores no dejan ver por una u otra manera. Directores, guionistas y quizá hasta productores desfilarán por aquí. Para empezar, quiero empezar con un director que recientemente hizo noticias por su resurrección de una antigua franquicia.

Darren Aronofsky nació el 12 de febrero de 1969, y entre los jóvenes directores ya tiene una fama de artístico y "diferente". Era grafitero cuando adolescente, y espero que entiendan que quiere decir que era un artista del grafiti y no un tipo que escribía "TQQJ" en las paredes. Estudió cine en la escuela de Harvard, tanto animación como acción en vivo, y ganó varios prenmios con la que fue su tesis, Supermarket Sweep. Su primera película reconocida se llama Pi: Fe en el Caos (1998), pero su trabajo más destacado es Réquiem por un Sueño (2000), seguida por La Fuente de la Juventud (2006). Por si fuera poco, vive desde hace cuatro años con la actriz Rachel Weisz.

Aronofsy escribe, produce y dirige todas sus películas, y es la raya entre lo independiente y lo comercial. De una les digo, sus películas no son para sentarse con un paquete de cotufas; en muchos sentidos son un tanto difíciles de ver. Pi, por ejemplo, está completamente filmada en blanco y negro; Réquiem muestra escenas muy perturbadoras de drogadicción; y La Fuente tiene diversas imágenes psicodélicas. Sus libretos son complejos y tienen una profunda exploración de personajes y angustias. Vean una película suya y estarán constante preguntándose si de verdad sucedió o si está en la mente de los protagonistas. Dicho así, estas películas son para gente que aprecia el cine como un arte y no solamente como entretenimiento. Son duras de digerir, pero son ciertamente hermosas e intrigantes. De todos los directores recientes, este es uno de los pocos con un estilo visual único.

Sin embargo, Aronofsky ha estado relacionado con proyectos más grandes y ciertamente comerciales. Entre 2001 y 2002, estaba trabajando en un guión junto a Frank Miller para Batman: Year One (juro que no fue por eso que lo escogí para esta primera sección). Incluso rechazó dirigir Batman Begins. También estaba trabajando para adaptar la serie japonesa de acción Lone Wolf and Cub, y eso también se cayó.

Pero ahora Aronofsky se está preparando para volver de la mejor manera: resucitando Robocop. Eso asusta, realmente. Más comercial que Robocop, muy difícil, en especial si recuerdan la tercera entrega (yo no, y sé que la vi; debo haberla bloqueado). Sin embargo, la gente tembló cuiando se supo que el genio de Memento haría un seguimiento a Batman y Robin, y miren cómo terminó eso. Puede ser interesante.

Mientras tanto, Aronofsky tiene dos películas en producción: The Wrestler, sobre la vida de un luchador profesional retirado, con Mickey Rourke y Marisa Tomei; y The Fighter, con Mark Wahlbereg y Brad Pitt, que habla sobre los primeros años de vida del boxeador "Irish" Micky Ward y su medio hermano y entrenador Dicky. Ambas están pautadas para estrenarse el año que viene; la versión de Robocop (que se anuncia que será una secuela ambientada 20 años después de la última) estará lista en 2010.

In Memoriam: Charlton Heston (1924-2008)

Miguel Ángel. Moisés. Ben-Hur. El Cid Campeador. Marco Antonio. Billy The Kid. Juan el Bautista. Todos grandes personajes históricos, lo que en inglés se conocen como "larger than life". Todos ejecutados a la perfección por un hombre que nació como John Charles Carter, pero que dejó una firme marca en Hollywod tomando el apellido de soltera de su madre y el apellido de su padrastro. Así nació Charlton Heston.

La muerte del joven Heath Ledger fue un shock precisamente porque fue tan inesperada y --en vista de lo que sabe ahora-- tan absurda, si se quiere. La muerte de Heston este sábado pasado no era inesperada --el actor no había aparecido en público desde 2003 cuando se le diagnosticó Alzheimer's-- pero igualmente nos debemos entristecer. Más allá de su controversial rol como presidente de la Asociación Nacional de Rifles, Heston personificó la época dorada de Hollywood, junto a leyendas como Gregory Peck, John Wayne y Elizabeth Taylor.

Tres roles marcaron para siempre a Heston durante su carrera. El primero fue en la super-producción del legendario Cecil B. DeMille por al que todas las otras películas épicas serían medidas. Una de las más famosas historias bíblicas contadas, Heston hizo del prínicpe egipcio que, al conocer su verdadero origen, se enfrenta al faraón que consideró su hermano, encarnado por un no menos majestuoso Yul Brynner, y brama por la libertad del pueblo judío: "Rameses! Let my people go!" Además, está la partición del Mar Rojo, la columna de fuego, el arbusto que arde, y las tablas de la Ley que dieron nombre a la ley de Dios y a una película que era tan grande que casi llegó al absurdo: Los Diez Mandamientos (1956). Televén la pasa en cada Semana Santa, si se animan.

El siguiente fue en la película más premiada de los Premios de la Academia durante casi 50 años, hasta que Titanic llegó. Fue nominada en 12 categorías y ganó en 11, uno de los cuales fue para Heston, por su interpretación como un príncipe judío que fue traicionado y vendido a la esclavitud que regresa para su venganza. Una carrera de carruajes que rivaliza cualquier carrera de Fórmula Uno hizo de esta producción de 1959 un clásico instantáneo: Ben-Hur.

Nueve años pasarían , durante los cuales Heston tuvo otras grandes participaciones (kncluyenod sus roles como Juan El Bautista, Miguel Ángel, El Cid Campeador y Thomas Jefferson), pero cuando terminaron Heston se ganó una nueva legión de fanáticos, quizá hasta más apasionados: los "geeks" de ciencia ficción. Heston interpretó a George Taylor, un astronauta que por algún extraño accidente es proyectado 10.000 años en el futuro y cae en un extraño planeta que después le resulta demasiado familiar. Aunque fue, en sus palabras, el rol más exigente físicamente hablando que haya tenido, lo repitió en una película más, y tuvo un pequeño cameo en la versión de 2001. Pero no había nada en esa versión que superara las frases "Get your stinking paws off me, you damn dirty ape!" (¡Quítame las zarpas encima, maldito simio sucio!) o "They burned it! Damn them! Damn them all to hell!" (¡La quemaron! ¡Malditos sean! ¡Malditos sean todos, al Infierno!). Planeta de los Simios (1968) y Debajo del Planeta de los Simios (1970), junto con The Omega Man (1971) (que también fue rehecha el año apsado como Soy Leyenda) Soylent Green (1973) cimentó a Heston en el imaginario popular de ciencia ficción.

Pero a pesar de su tendencia de tener roles tan grandilocuentes y su increíble presencia autoritaria, Heston no tenía ningún problema en divertirse. Aceptó maquillarse de mono para la nueva Planeta de los Simios (2001), fue presentador de Saturday Night Live en dos ocasiones, prestó su voz para la versión animada de Ben-Hur (2003), para Hércules (1997) de Disney y para Perros y Gatos (2001). Tuvo una breve aparición en El Mundo Según Wayne (1993) y salió en episodios de varias comedias de TV, incluyendo uno de Friends. Y en más de una ocasión, se prestó para la guasa en los MTV Movie Awards.

Sin duda alguna, Charlton Heston era un actor consumado aunque su posición política conservadora lo conviertiera en una figura polémica. Sin duda, representó lo bueno y lo malo de Hollywood. Malo, porque su actitud y creencias no siempre iban con la corriente pública. Bueno, porque representaba un mundo de sueños que sólo algunos pueden alcanzar. Para los cinéfilos del mundo, más allá del breve homenaje que es seguro le harán en el próximo Oscar, cada vez que una estrella de este tamaño se apaga nos rcordamos de cuán pocas son las que aún nos quedan. Charlton Heston, descansa en paz.

Heston en celuloide.net:

A Touch Of Evil: Esta pesadilla barroca de misterio al sur de la frontera estadounidense es considerada como una de las grandes películas de Orson Welles, quien la dirigió y protagonizó. De luna de miel en México con su esposa Susan (Janet Leigh), el policía Mike Vargas (Heston) accede a investigar una explosión. Esto desata la ira del jefe de la policía local, Hank Quinlan (Welles), un corrupto y amenazador gigante con un récord perfecto de arrestos. Vargas sospecha que Quinlan ha plantado evidencia para lograr sus condenas anteriores, y no está dispuesto a dejar que se le pase la aplanadora al sospechoso del presente caso. Quinlan, obsesionado con su propia clase de justicia, está igualmente decidido a quitarse a Vargas de encima, y negocia con un capo criminal local para incriminar a Susan en un caso de drogas. 

Charlton Heston
Evanston, Illinois, EE UU (04/10/24) - Beverly Hills, California, EE UU (05/04/2008)

In Memoriam: Heath Ledger

Hay ciertas noticias que uno siente de cerca aunque sean cosas que no podrían estar más lejos físicamente, gracias a la globalización. Supongo que si es en un campo que uno quiere tanto, como es mi caso con el cine, puede que le afecte aún más. En ese aspecto, la noticia de la muerte de Heath Ledger me ha pegado como si fuera un amigo cercano el que se ha ido.

Ledger fue encontrado por su ama de llaves y masajista, desnudo y boca abajo, al pie de su cama en el apartamento de SoHo, en Nueva York, ayer en la noche. Se encontró una botella de pastillas para dormir cerca, pero hasta que los resultados de la autopsia salgan hoy, el suicidio es sólo una hipótesis. Lo cierto es que la noticia cayó como un enorme balde de agua fría en la comunidad hollywoodense, pues Ledger se une a ese grupo de estrellas en ascenso como James Dean y River Phoenix cuya luz se apagó muy tempranamente.

Su nombre completo era Heathcliff Andrew Ledger, y nació el 4 de abril de 1979, en Perth, Australia, de Sally y Kim Ledger, el único varón de 4 hermanos. Sus padres se divorciaron cuando él cumplió 10 años, y casualmente ese mismo año obtuvo su primer papel actoral, en una producción de Peter Pan en su colegio. A los 16 dejó el colegio y se mudó a Sydney para enseriarse como actor, consiguiendo su primer trabajo en una serie de televisión llamada Roar en 1997.

Su primer papel en Hollywood fue en la comedia 10 Cosas Que Odio De Ti, una versión de adolescentes de la obra La Fierecilla Domada de William Shakespeare, como un rebelde que es pagado para conquistar a la indómita Julia Stiles. Como era de esperarse, por sus apuestas facciones, le llovieron los papeles para más películas de este estilo, pero Ledger prefirió esperar. Pagó un precio alto, pues dejó de trabajar por tanto tiempo que tuvo que pedirle prestado a su agente por un bien tiempo.

La redención le llegó cuando audicionó para El Patriota, la épica cinta de la Guerra de Independencia de Estados Unidos donde interpretó al hijo de Mel Gibson. El trabajo le llamó la atención a muchos, y en seguida Ledger se encontró protagonizando A Knight's Tale (Corazón de Caballero), una mezcla de acción y comedia que resultó un éxito de taquilla. Luego vendría su papel en el drama Monster's Ball (El Pasado Nos Condena), donde hacía del atormentado hijo de Billy Bob Thornton. Después su actuación siempre encontró un buen lugar con la crítica, aún cuando sus películas no: The Four Feathers, Ned Kelly, The Order, The Lords Of Dogtown y The Brothers Grimm (ésta última dirigida por Terry Gilliam y coprotagonizada por Matt Damon) no fueron bien recibidas en la taquilla.

Pero el verdadero momento de gloria fue cuando se metió en la piel y alma de Ennis Delmar, el atormentado vaquero de Brokeback Mountain, de Ang Lee. Ledger describió a su personaje como"un hombre homofóbico que está enamorado de otro hombre", y ese conflicto interno logró hacer ver su talento. Las críticas positivas le llovieron encima, y si Phillip Seymour Hoffman no se hubiera transformado en Truman Capote, Ledger habría ganado ese OScar al que estuvo nominado en 2005.

Como prueba de que seguiría trazando su propio camino, Ledger interpretó en 2006 a un poeta adicto a la heroína en el drama romántico Candy, y fue una de las siete versiones de Bob Dylan (junto a Cate Blanchett, Richard Gere, Christian Bale, Ben Whishaw y el niño Marcus Carl Franklin) en el extraño fim I'm Not There. Y todos (bueno, al menos yo) estábamos esperando con ansias ver cómo Ledger no tuvo miedo de asumir una figura tan icónica como el Guasón para alejarse completamente del personaje redescubierto por Jack Nicholson y convertirlo en un auténtico demonio, si lo que se ve en el trailer de Dark Knight es verdad. Ledger habría descrito al personaje como "un payaso sicópata, asesino en serie y esquizofrénico con cero empatía" y le costaba dormir por interpretarlo. Ahora, aunque aguardo la película con las mismas ansias, razón tiene el amigo John Manuel Silva al decir que será bien triste verla y saber que (si su nueva película no es estrenada) será la última vez que veremos a Ledger en pantalla.

Para el momento de su muerte, Ledger estaba trabajando en otra película dirigida por Terry Gilliam llamada The Imaginarium of Doctor Parnassus, pautada para su estreno en 2009. Obviamente no se sabe el destino de la película, pero espero que sea más al estilo de lo que hicieron para El Cuervo luego de la muerte de Brandon Lee que lo que trataron de hacer con Wagons East cuando murió John Candy y era evidente cuándo usaban otro actor.

Ledger era, por lo que he leído de las reacciones de sus vecinos en el artículo del New York Times, un tipo sencillo, amable y cálido pero que comandaba una silenciosa autoridad en su trabajo. Muchos lo veían caminando cargando a su hija Matilda, producto de su relación con la también actriz Michelle Williams, a quien conoció durante el rodaje de Brokeback Mountain. Cuando se llevaron su cadáver, ya había un buen grupo de personas parados en silencio para presentar sus respetos al actor. Las últimas informaciones inidcan que la autopsia no fue concluyente y se necesitarían más pruebas; tendrán más noticias en diez días.

Es una tragedia cuando un joven talento se pierde, más aún si en efecto se confirma que fue por su propia mano. Uno simplemente quiere lanzarle una botella, por haberse muerto como un pendejo. Pero la realidad es que nadie sabía que Heath Ledger estaba pasando por problemas --su propio padre llama la muerte "accidental". Por lo visto, Ledger estaba solo en el apartamento y no hay señales de pelea ni nada. Sea lo que sea, el hecho es que nosotros los cinéfilos nos hemos quedado sin un gran talento, su familia y amigos se han quedado sin una buena persona, y Matilda se ha quedado sin su pare. Es una tragedia, pura y sencilla, y desde aquí le mando mis condolencias a todos los involucrados.

Y a ti, Heath, espero que en muerte consigas la paz que no conseguiste en vida. Descansa en paz.

Ledger en celuloide.net:

Brokeback Mountain: La helada soledad que permea Brokeback Mountain, el western épico de Ang Lee, es tan profunda como la desoladora historia de estos dos vaqueros que se enamoran casi por accidente. Una noche la fogata de su campamento se apaga y el frío mordiente los lleva a acurrucarse juntos en la misma carpa, donde una chispa repentina surge entre Ennis Del Mar (Ledger) y Jack Twist (Jake Gyllenhaal) y se convierte en una llama eterna. 

I'm Not There: La cultura mediática moderna se nutre del tráfico de identidades falsas. En ese mundo, el mejor artista también será, casi como un axioma, el fraude más grande. Y repasando los últimos 50 años, es difícil encontrar a nadie con una mayor habilidad para sintetizar la autenticidad — para darle a sus identidades en serie el timbre de la verdad revelada y esotérica — que Bob Dylan. Entre sus muchos logros, I'm Not There explota como con una bomba Molotov la fachada de la fábrica de biópicas de Hollywood, desmontado los supuestos literales y anti-intelectuales que guían hasta la más admirativa exploración cinematográfica de la vida de los artistas. 

Heath Ledger

(1979 -2008)

Fuentes: Internet Movie Database, The New York Times, Wikipedia, Yahoo! News

Sir Sean Connery

Acabo de chequear mi "tal día como hoy" de Britannica, y no pude evitar comentar al respecto.

Hoy es el 77º cumpleaños de uno de mis héroes del cine, tanto que convencí a dos amigos míos de la universidad que, para un proyecto de la materia de Diseño Gráfico, hiciéramos un ficticio festival de cine en su homenaje. Me refiero a Sir Sean Connery.

Nació en Edimburgo, Escocia como Thomas Sean Connery, hijo de Joseph Connery, un obrero de fábrica, católico romano de origen irlandés, y Euphamia "Effie" Maclean, una protestante. Desde niño lo llamaban por su segundo nombre, por un amigo irlandés suyo llamado Seamus, ya que todo el mundo lo llamaba Sean cuando estaba con él.

Empezó la vida laboral como un lechero, para después ser camionero, modelo de artista, soldado en la Marina (fue dado de baja por una úlcera), pulidor de ataúd, y salvavida. La palestra lo recibió por primera vez cuando quedó de tercero en la división de hombre alto del concurso Mr. Universo de 1953, bajo el nombre Thom Connery. Un compañero, Johnny Isaacs, le sugirió que buscara actuar en una produción de Pacífico Sur, que aceptó, y le abrió la puerta. Estuvo en varias películas de televisión y cine, incluyendo un episodio del show de Jack Benny donde hacía de portero y un rol en la película de Disney D'arby O'Gill and The Little People (1956).

Su gran triunfo llegaría en 1962, cuando los productores Harry Saltzman y Albert R. Brocolli empezaron a eliminar estrellas conocidas como James Mason y Cary Grant para hacer una película con presupuesto relativamente bajo sobre un suave y seductor espía británico, basado en las novelas de Ian Fleming. Decidieron arriesgarse con Connery, ante las protestas iniciales del ismo Fleming de que Connery "era poco refinado". Pero el autor dejó de protestar cuando Dr. No (1962) resultó todo un éxito. Fleming quedó tan impresionado con la interpretación del musculoso actor de 1,85 m. que ahora le dio unos orígenes mitad escoceses, mitad suizos a su creación literaria: el agente 007, James Bond.

Mucha veces considerado el mejor Bond, aún después del éxito de la reciente Casino Royale (2006), Connery actuó en siete películas más sobre el legendario espía: De Rusia Con Amor (1963), Goldfinger (1964) (considerada la mejor de la serie), Thunderball (1965), Sólo Vives Dos Veces (1967), Los Diamantes Son Eternos (1971) y Nunca Digas Nunca Jamás (1983). Esta última se filmó después que Connery rechazara repetir el rol luego de Diamantes, para evitar ser encasillado en el rol; el título es una ironía al respecto. Además, Connery prestó su voz para la adaptación a juego de video de Desde Rusia Con Amor.

Connery se ha movido mucho dentro de diversos géneros, desde comedia y acción hasta dramas y fantasías. Su sempiterno acento escocés sin importar de dónde es el personaje lo han hecho legendario en Hollywood, y hoy llega a los 77 años en mejor forma que muchos de nosotros. Cuando el American Film Institute le dio el Premio a Logros en la Vida en junio de 2006, el mundo se entristeció que este notable actor confirmara su retiro, rompiéndole el corazón a todos los que esperaban volverlo a ver como Henry Jones, Sr., en la continuación de Cazadores del Arca Perdida junto a Harrison Ford.

Personalmente siempre lo he admirado porque me parece un tipo íntegro, que ha sabido envejecer muy bien. Coño, ya quisiera yo verme así a los 70 años... Y cada rol que hace lo llena. He aquí una lista de mis esenciales películas "no Bondianas" de Sir Sean Connery:

10.- The League Of Extraordinary Gentleman. Resultó un fracaso en taquilla, pero les confieso que a mí me gustó. Su rol del cazador Alan Quatermain fue el último que haría en el cine. Al menos por ahora.

9.- Just Cause. Un abogado debe defender a un negro acusado de asesinar a una adolescente en el sur de los Estados Unidos. Con mucho suspenso, y es divertido ver a Connery hacer de vulnerable.

8.- Dragonheart. No le verás la cara en toda la película, pero esa voz es suficiente para comandar cualquier escena. En este caso, sale de la garganta del último de los dragones, que se une a un caballero (Dennis Quaid) que busca liberar a un reino.

7.- Indiana Jones and The Last Crusade. Todos esperaban que éste sería el único rol que repetería después de James Bond: como el padre de Henry "Indiana" Jones, Jr. Nada que ver. Véanlo aquí, como el arqueólogo obsesionado con el Santo Brial, y disfrútenlo.

6.- Time Bandits. Esta es una película del director Terry Gilliam sobre un grupo de enanos que viaja por el tiempo robando artefactos históricos. Connery tiene una notable actuación como el rey Agamenón de Grecia.

5.- The Rock. Es brutal para el ego propio ver a un hombre de casi 70 años buceando con tanque y hacer otras piruetas. Su papel es el de un ex espía británico que fue el único prisionero que logró escapar de Alcatraz, y ahora debe ayudar a un agente de la CIA (Nicholas Cage) a entrar y detener a un grupo de terroristas que han secuestrado la antigua prisión.

4.- Finding Forrester. Si quieren encontrar una película donde Sean Connery demuestra que es un verdadero actor, más allá de sus historias de acción, es ésta. Connery es un escritor ermitaño que entabla amistad con un joven aspirante a las letras (Rob Brown). Fue un insulto que no lo nominaran al Oscar por esta; sin duda fue su mejor trabajo actoral desde Los Intocables.

3.- The Hunt For Red October. Es quizá uno de los roles por el que más se le recuerda, el capitán lituano Marco Ramius, que secuestra al más importante submarino nuclear de Rusia y pretende "saltar la talanquera" a los Estados Unidos.

2.-The Name Of The Rose. Basada en la novela de Umberto Eco, Connery se ganó un BAFTA (el Oscar inglés) por su papel de un monje metido a detective. Absolutamente brillante.

1.- The Untouchables. Esta fue la película que finalmente le trajo a Connery el reconocimiento que se merecía, representando a Jimmy Malone, el policía irlandés que ayudó a Elliot Ness (Kevin Costner) poner preso al legendario Al Capone (Robert de Niro). Le valió a Connery su único Oscar -- el de Mejor actor Secundario.

Busquen estas películas, no se arrepentirán. Feliz cumpleaños, Sir Connery. Se le recuerda.