El Cine Tuyo, Mío y Vuestro

Estemos claros: los venezolanos no estamos acostumbrados a ver documentales. Cuantimenos en el cine. (Y veo la ironía que estoy escribiendo esto cuando hay un documental propio en la cartelera sobre el maestro Billo Frómeta, Swing con Son, de Rafael Marziano Tinoco). Pero creo que la última vez que ha habido un documental extranjero en cartelera con algún éxito fue La Marcha de los Pingüinos (2005). ¿Por qué, si tanto nos fascinan los reality shows, o si en efecto hay un documental en cartelera con cierto público, nos cuesta ver la realidad plasmada en el cine? ¿Demasiada realidad diaria, quizá?

Man on Wire

• El cable que se usó pesaba 202,5 kilos y cubrió la separación de 43 metros entre las dos torres. Petit usó una vara de equilibrio de 8 metros para, bueno, equilibrio.
• Al ser procesados por la policía, para describir el incidente, uno de los oficiales escribió “hombre en un cable” (“man on wire”) para describir el incidente.
• El hombre que describe el incidente desde un helicóptero aún trabaja para la emisora WCBS de Nueva York y se llama Neil Bush.

Lo maravilloso de Internet 2.0 es que cualquiera puede convertirse en lo que quiera, si de escribir hablamos. Yo admito que no tengo estudios esenciales de cine; yo simplemente dejo que mi pasión por el cine me guíe. Es uno de los grandes problemas que enfrentan los críticos impresos hoy en día, como Anne Thompson de Variety ya escribió hace un año.

Pero una de las cosas que lo hacen a uno mejorar su estilo es aprender de los que ya han trazado el camino. Hay varios críticos de cine sin los cuales yo sencillamente no podría informarme y, a la vez, comentarles a ustedes. Es por eso que les quiero pasar una lista de críticos –nacionales e internacionales, de Internet e impresos (aunque esa es una línea borrosa)— que creo que ustedes, los auténticos cinéfilos, deberían leer de vez en cuando para informarse un poquito antes de pagar sus reales para ver una película.

VENEZOLANOS

• Nerea Dolara, El Nacional

Hay que empezar por la casa, ¿no? La ven (y nunca lo harán, si ella se lo propone) y dirán sí, esta mujer tiene que tener algo que ver con escritura. Y sus reseñas son todo lo serias que ella no pareciera ser: incisivas, directas y claras, y tienen la informalidad de su juventud pero la seriedad de su profesionalidad. Está bien pendiente de la movida nacional en cuanto a corto- y largometrajes, y sus reseñas son tanto de cine como televisión, junto con el ocasional reportaje sobre el mundo del espectáculo.

• Alfonso Molina, Noticiero Digital

No hay muchas razones para entrar en “el foro del odio” en el que se ha convertido ND, pero el blog de Molina es una de peso. Molina también salió de El Nacional, y ahora coordina el blog del circuito Gran Cine, además de su espacio en ND. Cálido, abierto, pero claro, es como el Roger Ebert de la movida nacional. También reseña libros y gastronomía. Veinte años no son nada; tendré un enorme gusto de sentarme a conversar con él.

• Gonzalo Jiménez, Contrabando

Cuando El Universal se estrenó como el primer medio en admitir blogs, obvio que abrieron uno de cine. Jiménez fue el afortunado. Y más que usarlo para criticar películas (hombre, ¿no somos demasiados ya?) decidió usar el espacio para hablar de cine, presentar curiosidades y demás. Jiménez tuvo que dejar el espacio incompleto (aún me recuerdo su columna de los diez mejores finales de las películas) pues se atrevió a escribir la columna de cine para la revista Contrabando. Además, editó un libro en la colección Debate de Alfa-Guara llamado Insólito y un confeso fanático de la ciencia-ficción.

• John Manuel Silva, Desde La Butaca

Sí, lo sé, es hacerle publicidad a otro bloguero, ergo la competencia. Pero no puedo evitarlo; John Manuel merece que lo lean tanto como a los críticos profesionales. Es infrecuente como un cometa, pero sus crítcias son siempre agradables de leer, e incluso acertadas, además que siempre que lo leo descubro alguna joya alternativa que no he podido ver aún.

INTERNACIONALES

A. O. Scott, The New York Times

Ocho años en el trabajo, es de notar que, a pesar de estar asociado con el más antiguo periódico de Nueva York, A.O. Scott no ha perdido su frescura a la hoar de reseñar películas (también reseña libros para el periódico y su equivalente a Todo en Domingo). Es un crítico que amo odiar, pues aunque admiro su estilo de escribir, rara vez estoy de acuerdo con sus reseñas de películas nuevas (odió watchmen). Lo recomiendo pues nada como un buen debate.

Devin Faraci, CHUD.com

Devin Faraci me recuerda a cierto amigo 2.0 que tengo en el sentido que no tiene ningún escrúpulo en lo absoluta, la lengua más la,piña que se puedan imaginar y talento saliéndole por las encías. Parece ser un tipo lo suficientemente agradable, pero no le tiene paciencia a los hipócrotas (según él). Aún así, sus críticas son de las mejor construídas, mejor investigadas y mejor redactadas que ustedes podrían leer. Tiene una columna, “The Devin’s Advocate”, donde toca diversos temas sobre el cine, al televisión y los cómics de manera a menudo bien controversial (creo que ningún otro crítico se hubiera atrevido a decir que Wall-E era un violador de citas, pero él lo hizo). Tiene una cuenta en Twitter, ¡y por lo visto alguien lo considera lo bastante importante para crear una falsa cuenta twitter suya!

Peter Travers, Rolling Stone

Sin lugar a dudas, mi crítico favorito y uno que lentamente está aprendiendo a usar la web 2.0 como pocos de sus contemporáneos. Además de la versión impresa de la legendaria revista, lleva un blog en su sitio web, “The Traver’s Take”, donde además tiene un videocast con minireseñas, y también tiene una cuenta de Twitter. Es divertido y entusiasta, pero no le cuesta nada decir “esto es una mierda”. Así tal cual, pero diría “garbage” en vez de “shit”.

Roger Ebert, Chicago Sun Times

Es raro que un crítico sea tan conocido como un actor, pero Roger Ebert lo ha logrado. Tenía un programa de televisión llamado “At The Movies” con Gene Siskel que revolucionó la forma de hacer críticas de cine. Ganador del premio Pulitzer, ah escrito varios libros y es parte del Ebertfest, el festival de títulos ignorados del que ya les he hablado antes. Pocos críticos demuestran tal amor por el cine como Ebert, pues siempre logra, de alguna forma, conseguir el lado positivo de  muchas películas que darían pena. (Claro, eso no lo detiene cuando tiene que destrozar a un bodrio que lo merezca). Tiene un blog (en donde escribe largo y tendido) que en momentos tranquilos le pueden dar 500 comentarios que leer (y responder).

¿Saben de algún buen crítico de cine que yo no haya incluído? (Yo sí; tengo cualquier cantidad de blogs que no he incluído.)

• Los abrazos rotos, Pedro Almodóvar, España
• Fish Tank, Andrea Arnold, Gran Bretaña
• Un prophete, Jacques Audiard, Francia
• Vincere, Marco Bellocchio, Italia
• Bright Star, Jane Campion, Nueva Zelanda
• Mapa de los Sonidos de Tokio, Isabel Coixet, España
• A l'origine, Xavier Giannoli, Francia
• Das weisse band, Michael Haneke, Austria
• Taking Woodstock, Ang Lee, nacido en Taiwán
• Looking for Eric, Ken Loach, Gran Bretaña
• Chun Feng Chen Zui De Ye Wan, Lou Ye, China
• Kinatay, Brillante Mendoza, Filipinas
• Enter the Void, Gaspar Noé, Francia
• Bak-Jwi (Sed), Park Chan-wook, Corea del Sur
• Les herbes folles, Alain Resnais, Francia
• The Time That Remains, Elia Suleiman, Israel
• Inglourious Basterds, Quentin Tarantino, Estados Unidos
• Vengeance, Johnnie To, China
• Visage, Tsai Ming-liang, Malasia
• Antichrist, Lars von Trier, Dinamarca

• The Imaginarium of Doctor Parnassus, Terry Gilliam, Francia-Canadá
• The Army of Crime, Robert Guediguian, Francia
• Ágora, Alejandro Amenábar, España

• Drag Me To Hell, Sam Raimi, EE UU
• Ne Te Retourne Pas, Marina de Van, Francia-Italia-Luxemburgo-Bélgica
• A Town Called Panic, Stephane Aubier y Vincent Patar, Bélgica

• Samson & Delilah, Warwick Thornton, Australia
• Ë Deriva, Heitor Dalia, Brazil
• Los Viajes del Viento, Ciro Guerra, Colombia
• Demain des L'aube, Denis Dercourt, Francia
• Irene, Alain Cavalier, Francia
• Independance, Raya Martín, Filipinas-Francia-Alemania
• Le Pere de Mes Enfants, Mia Hansen-Love, Francia-Alemania
• Dogtooth, Yorgos Lanthimos, Grecia
• Nobody Knows About the Persian Cats, Bahman Ghobadi, Irán
• Eyes Wide Open, Haim Tabakman, Israel
• Mother, Bong Joon-ho, Corea del Sur
• The Silent Army, Jean van de Velde, Holanda
• "To Die Like a Man, Joao Pedro Rodrigues, Portugal
• Police, Adjective, Corneliu Porumboiu, Romania,
• Tales from the Golden Age, Hanno Hofer, Razvan Marculescu, Cristian Mungiu, Constantin Popescu, Ioana Uricaru, Romania,
• Tale in the Darkness, Nikolay Khomeriki, Rusia
• Tzar, Pavel Lounguine, Rusia-Francia
• Nymph, Pen-ek Ratanaruang, Tailandia
• Precious, Lee Daniels, EE UU

• Petition, Zhao Liang, China
• L'epine Dans le Coeur, Michel Gondry, Francia
• Min Ye, Souleyumane Cisse, France-Mali
• Jaffa, Keren Yedaya, Israel-France-Germany
• Manila, Adolfo Alix Jr. & Raya Martin, Filipinas
• My Neighbor, My Killer, Anne Aghion, EE UU

No, no es un error en el título. Esto es un hito en este blog: el momento en el que declaro que una versión es casi tan buena como el original que salió a imitar. Esto puede ser una blasfemia considerando que la original es uno de los mejores dramas legales de la historia, protagonizada por una de las más queridas leyendas del celuloide, pero considero que ambas tienen tales encantos que creo que me atreveré a tratarlas como una sola.

La primera fue dirigida por el conocido director del anti-Hollywood, Sidney Lumet, quien a sus 84 años aún está activo, y fue protagonizada por Henry Fonda (padre de Jane y Peter), junto con otro gran grupo de actores de la época como Jack Klugman, Jack Warden, John Fielder, Ed Begley, E.G. Marshall, Robert Webber, George Voskovec y Lee J. Cobb. El remake para televisión fue dirigido por otro director de lujo, William Friedkin (El Exorcista) y tuvo un elenco igualmente impresionante con Jack Lemmon, George C. Scott, Mikelti Williamson, Tony Danza, Edward James Olmos, Hume Cromyn, Dorian Harewood, James Gandolfini (Tony Soprano), Armin Mueller-Stahl, Ozzie Davis y William Petersen (síp, el futuro Gil Grissom).

La historia transcurre casi en un 90% en un apretado salón de jurado donde los doce integrantes buscan condenar a un joven latino acusado de matar a su padre. Once están convencidos de su culpabilidad, pero uno (Fonda/Lemmon) no está tan seguro, y convence a los demás de al menos discutir el asunto un rato más. El guión de Reginald Rose es un interesante estudio psicológico de cómo los distintos personajes lidian con la presión de acuerdo con su propia educación y sus prejuicios, además de excelentes comentarios y un muy lógico desenvolvimiento de la trama.

Por si fuera poco, no es únicamente el hecho de que la acción transcurre en un solo cuarto, sino que Lumet filmó muchas escenas sin corte alguno y en tiempo real, lo que requería una intensa preparación por parte de los actores y contribuía al muy realista ambiente de tensión constante que se siente en la película.

Una de mis cosas favoritas del guión de Rose es que, aunque 43 años tuvo que diversificarlo racialmente, las personalidades se mantienen casi igual. El jurado #11 (Voskovec/Olmos) es un inmigrante humilde y responsable, que contrasta con el número 1 (Begley/Williamson), un arrogante y abrasivo empresario. El número 5 (Klugman/Harewood) es pobre y se siento un poco avergonzado de su condición, mientras el 7 (Warden/Danza) sólo quiere terminar para irse a ver su juego de béisbol. Y el número 4 (Marshall/Stahl) se considera superior a los demás y quiere aplicar la más contundente lógica para probar su visión.

Los principales antagonistas son, claro, el número 8 (Fonda/Lemmon) y el número 3 (Cobb/Scott): el primero simplemente está viendo algo que los demás no ven y quiere mostrárselo a los demás, mientras que el segundo ve una terrible injusticia y está decidido a corregirla cueste lo que cueste. Aquí es donde decidir entre una y otra versión se me hace cuesta arriba. Fonda es el eterno héroe minoritario, y proyecta un aura de compasión y determinación difícil de superar, pero Lemmon, quien siempre será uno de mis actores más admirados, no sólo logra un aire casi paternal, sino una incontrolable sensación de corrección que pocos se atreverían a discutirle.

Por su parte, Cobb, un constante actor de carácter por más de 30 años hasta su muerte en 1976, parece un toro bramando en cada escena que hay, y uno no sabe si en efecto va a saltarle encima a Fonda, quien se ve físicamente más frágil, y estrangularlo. Pero a pesar de ello nunca parece ser una amenaza mental para Fonda, por lo que es Scott quien se lleva mi actuación favorita del grupo. El espíritu de Patton nunca abandonó a este veterano actor, y su callada dignidad va cediendo paso a una enorme furia a medida que el tiempo pasa y siente que su justicia (¿venganza?) se le escapa.

A medida que las horas pasan y el calor aumenta, las tensiones empiezan a volar, y no me refiero nada más entre los actores. Uno se siente desesperado de saber si todos van a votar culpable o no, sobre todo que en un momento dado la cantidad de votos a favor o en contra se mantiene estancado. Si les gustan los dramas en la corte, tipo cualquier novela de John Grisham, mucho les recomiendo cualquiera de estas dos excelentes películas.

12 Hombres en Pugna (1957)

Escena inicial de 12 ANGRY MEN (1997)

NOTAS CURIOSAS

• Los ensayos para la primera duraron dos semanas para minimizar los errores de los actores. Se logró terminar la filmación en apenas 21 días con un presupuesto de 350.000 dólares.
• Sólo Jack Klugman sobrevive del elenco original. Jack Warden fue el último en morir, en 2006.
• Para acentuar la sensación de claustrofobia, Sidney Lumet cambió los lentes a algunos que tuvieran mayor distancia focal, que daba la sensación de que los fondos se acercaban a los personajes.
• A Henry Fonda no le gustaba verse a sí mismo en la pantalla, así que no vio la película completa en la sala de estreno. Pero antes de salir, le susurró a Lumet: “Sidney, es magnífica”. Fonda la consideraba su mejor película.
• La segunda fue rodada en secuencia, es decir, en el orden que se ve en pantalla. Se podría decir que fue una precursora de las series y películas en tiempo real.
• Cuando Rose fue entrevistado por su actualizado guión, le preguntaron por qué no incluyó mujeres en la nueva versión. “Entonces el título tendría que ser 12 Personas en Pugna, y no sería tan efectivo”, contestó. Pero sí incluyó a una mujer (Mary McDonnell) como la juez. Tiene sólo dos minutos de presencia.
• Esta fue la segunda vez que George C. Scott tenía un papel originalmente interpretado por Lee J. Cobb. La primera fue en El Exorcista III (1989), donde Scott interpretó al teniente Kinderman, un papel que Cobb interpretó en la original de 1973.

• La producción simultánea de esta película y otro clásico enteramente distinto, Godzilla (1954), casi quebró a los estudios Toho. De hecho, el estudio muchas veces canceló el proyecto cuando se pasaba del presupuesto, lo que obligaba a Kurosawa ir muchas veces a la junta directiva a convencerlos de que no estaban produciendo un fracaso. Y sin embargo, la filmación se tuvo que detener varias veces por falta de caballos para la batalla final.
• Seis de los siete samurai están ligeramente basados en verdaderas figuras históricas (Kyuzo, por ejemplo, está basado en el espadachín Miyamoto Musashi). Pero necesitaban un personaje con el que el público pudiera identificarse, y así nació el personaje de Toshiro Mifune (quien se suponía sería Kyuzo, de hecho). Y así nació Kikuchiyo, quien, al no tener base histórica, permitió a Mifune tener mucha improvisación en su interpretación.
• La idea original de Kurosawa era filmar un día en la vida de un samurai, empezando con su salida de la cama y terminando con un error fatal que lo obliga a cometer suicidio para salvar su honor (seppuku o harakiri). A pesar de una amplia investigación, Kurosawa sentía que no tenía suficiente información factual para contar esta historia, pero se consiguió con una anécdota verdadera de un pueblo que contrata samurai para defenderlos, así que decidió hacer esa historia. Escribió un dossier completo de cada personaje que tuviera diálogo, incluyendo detalles sobre su comida favorita, qué ropa usaba, cómo hablaba, cualquier mínimo detalle que se le ocurriera --algo que ningún director japonés había hecho antes.
• Primera película en la que Kurosawa usó múltiples cámaras para no interrumpir el flujo de la historia y poder editar como él quisiera.
• Seiji Miyaguchi (Kyuzo) jamás había siquiera tocado una espada en su vida antes de filmar Los Siete Samurai. Una excelente edición y una cuidadosa cinematografía lo hacen parecer el maestro que es.
• Kikuchiyo es un nombre compuesto de mujer en japonés, como Ana María en español. Es por eso que los samurai se ríen tan fuertemente al escucharlo. Se traduce como "crisantemo de mil generaciones" (kiku = cristantemo, chiyo = mil generaciones). Obviamente el personaje de Mifune es analfabeta.
• Muchas de las películas de Kurosawa fueron versionadas en occidente como western. En 1960, el director John Sturges convirtió Los Siete Samurai en un western que es un clásico por su propia cuenta, Los Siete Magníficos, con Yul Brynner, Eli Wallach, Charles Bronson, Robert Vaughn, Brad Dexter y James Coburn.
  
• SPOILER ENORME. (Si lo quieres ver, resalta con el mouse.) Heihachi es el primero de los samurai en morir, mientras que el actor que lo interpreta, Minoru Chiaki, fue el último del elenco principal en fallecer en la vida real (1999); contrariamente, los que interpretaron a los únicos tres que sobreviven, Shichiroji, Katsushiro y Kambei, fueron los primeros en fallecer: Daisuke Kato (Shichiroji) en 1975, Isao Kimura (Katsushiro) en 1981 y Takashi Shimura (Kambei) en 1982.

Ralph Fiennes saldrá de su personaje de Voldemort en la serie de Harry Potter para hacer de Hades, el dios del Inframundo que busca tumbar a su hermano Zeus, quien será interpretado por Liam Neeson, quien además es el padre de Perseo (Worthington). Suenan un poco obvios para los papeles, ¿verdad? Pero realmente, ¿qué importa? 

Fiennes y Neeson se unen a un elenco que ya parece ser señal de aquí no nos vamos a concentrar en los monstruos y  ya. Primero está Gemma Arterton, quien tuvo un breve pero significativo rol en Quantum of Solace, quien hará de Io, una ninfa seducida por Zeus (que no estaba en la original) antes de ser transformada en una vaca. En el filme ayuda a Perseo a conseguir al caballo alado Pegaso.

Luego está Mads Mikkelsen, el actor danés quien, además de un papel en El Rey Arturo junto a Clive Owen, se hizo famoso como Le Chiffre en Casino Royale (muchos ex de Bond metidos aquí). Su personaje es Draco, un hábil luchador y el líder de la guardia pretoriana que acompaña a Perseo en su viaje.

Y la última adición es Alexa Davalos, quien, entre otras cosas, estuvo en La Niebla y Las Crónicas de Riddick, y aquí hará de Andrómeda, la princesa en problemas que Perseo buscará rescatar. Hay una parte de mí que ansía ver esos enormes ojos verdes en una toga..

Para los que no sepan el mito, Perseo nació hijo de una mortal, Dánae, y Zeus, el rey de los dioses. Oye de Andrómeda, una princesa que va a ser sacrificada a Cetus, un terrible monstruo marino. Para derrotar al monstruo, Perseo debe encontrar a Medusa, la gorgona, cuya mirada convierte a los seres vivos en piedra, cortar su cabeza y con ella derrotar a Cetus.

Cierto, la original Furia de Titanes de 1982 varió la historia un poco, pero hizo de Harry Hamlin una estrella y fue la última película del legendario maestro de efectos especiales Ray Harryhausen (hasta que se estrena War Eagles, también en 2010). Y esa contó con el honorable Sir Laurence Olivier en el papel de Zeus, así que Neeson tiene unos zapatos que llenar. Estoy particularmente feliz por él, pues este será su primer papel desde que perdiera a su esposa Natasha Richardson hace tan poco tiempo. 

La película empieza a filmarse a finales de este mes con miras a estrenarse el 23 de marzo de 2010. El guión es de nada más y nada menos de Lawrence Kasdan, quien escribió dos peliculitas llamadas El Imperio Contraataca, El Retorno del Jedi y Cazadores del Arca Perdida, entre otras. Únanlo con el talento único de Leterrier para la acción (piensen en El Transportador 1 y 2, El Increíble Hulk) y bueno... De verdad que entre esta, War of the Gods y War Eagles, más las de superhéroes que vienen, el año que viene va a ser un año increíble de películas. ¡Que llegue ya!

Durante los ‘50 y luego otra vez en los ‘80, había un amor por crear estas películas de gigantescos mutantes de la naturaleza que aterrorizaban a los pueblos más pequeños de Estados Unidos y se convirtieron en enormes éxitos, bien sea de taquilla o de culto. De particular y agradable memoria para mi eran las películas sobre arañas, mantis, hormigas, ratas o incluso conejos gigantes que arrastraban todo a su paso. Cada cierto tiempo hay un “homenaje” que Hollywood le busca rendir a estas películas en su eterno constreñimiento de imaginación con resultados variados. Con Eight-Legged Freaks (2002) no funcionó tan bien; ¿quizá si de una vez usamos una comiquita? Bueno, sí va.

No hay mucha historia que digamos, pero es lo suficientemente entretenida. El día de su boda con Derek (Paul Rudd), la linda Susan (Reese Witherspoon) recibe la suprema señal de que era un error: le cae un meteorito encima que la agranda hasta llegar a los 14,98 metros (si hubiera llegado a los 15 se metían con el copyright).

El ejército llega prontamente y junta a Susan, ahora llamada Ginormica, en una base secreta junto con otros monstruos que han sido reunidos a lo largo de los años: el Eslabón Perdido (Will Arnett, de Arrested Development), un hombre pez de 2.000 años que no está tan forma como cree; el doctor Cucaracha (el inconfundible Dr. House Hugh Laurie), un brillante científico que accidentalmente se transformó en una cucaracha humanoide;  B.O.B. (Seth Rogen), una indestructible masa gelatinosa de un solo ojo que sólo sabe comer; y el Insectosaurio, una larva bañada por la lluvia radioactiva que creció hasta tener 30 metros de altura.

Se supone que los cinco se quedarían en su base presos bajo el control del general W. R. Monger (Kiefer Sutherland), pero la aparición de un gigantesco robot, cortesía de un estresado y engreído alienígena llamado Galaxhar (el genial Rainn Wilson, e The Office). Se habla con el Presidente (Stephen Colbert), se abren las puertas, y los cinco monstruos han de salvar la Tierra.

A diferencia del éxito anterior de DreamWorks, Kung Fu Panda, el atractivo de Mosntruos vs. Aliens consiste casi puramente en situaciones jocosas más que en historia, amén de dos escenas de intensa acción bastante bien animadas. Con un ocasional guiño a los adultos (el homenaje a Encuentros Cercanos del Tercer Tipo es sencillamente genial), esta puede que sea la más infantil de todas las películas de DreamWorks, pues va evidentemente dirigida a los niños jóvenes que mejor podrían aprovechar el mensaje de camaradería y trabajo en equipo que contiene.

Y ahí está su mayor debilidad: uno ha sabido identificar DreamWorks con películas ligeras que toda la familia disfruta pues encuentra algo para cada quien. En Monsters vs. Aliens, son los chicos que tienen más para gozar, mientras los adultos, aunque somos entretenidos, no estamos tan ansiosos para volverla a ver como en otras ocasiones. Y sobre todo, cuando el estudio se esfuerza tanto en conseguir un elenco estelar para sus voces (y aquí todas sí tienen oportunidad de brillar), al verla traducida pierde parte de esa fuerza.

Claro, esta es una rara ocasión en que tenemos la oportunidad de ver una película en tres versiones distintas, en español, subtitulada o en español y en 3D, en las salas del Sambil, El Recreo y El Tolón. Así que, entre las increíbles animaciones, un novedoso sistema 3D y suficientes gags visuales para mantener hasta al más serio riéndose, pareciera que una historia más compleja sólo habría estado atravesada. Es una buena opción mientras se espera el inicio del verano cinematográfico.

Hay algo atractivo en películas de bajo presupuesto, en particular las que se notan que lo son. Tienen un encanto casi adolescente, y en la mayoría de los casos, por contar con un presupuesto bajo hay que enfocarse en el guión, lo que casi siempre da para una entretenida e interesante experiencia. Por ejemplo, Robert Rodríguez, antes de irse con la brillante locura que fue Sin City (2005), hizo su debut con El Mariachi (1992), una película que despliega con orgullo todos sus 7.000 dólares de presupuesto para convertirse en un éxito de crítica.

Claro, Rodríguez luego pasó firmemente al “mainstream”; Kevin Smith, por su parte, aún no ha calado tan firmemente en el colectivo, y aún cuando ya puede tener a estrellas como Matt Damon y Ben Affleck (Dogma en 2000) o Seth Rogen y Elizabeth Banks en sus películas (como hizo el año pasado con Zack y Miri Make A Porno) se mantiene como “alternativo” rajado. La prueba es que quizá se vean mejor, pero el estilo de su primera película, Clerks (1994), está bien presente en todas sus películas.

No hay nadie en el mundo, creo yo, que pueda dejar de identificarse con Dante Hicks (Brian O’Halloran). Tiene un trabajo que detesta como empleado en un abasto en New Jersey, y ha tenido que venir a trabajar en su día libre. Así que tendrá que pasar las horas peleando con los clientes, resolviendo problemas emocionales y discutiendo sobre lo que sea con su mejor amigo Randal (Jeff Anderson), quien “trabaja” en la tienda de alquiler de películas al lado, y lidiar con los dos jíbaros que se la pasan enfrente de la tienda, Jay (Jason Mewes) y Silent Bob (el mismo Kevin Smith).

Todos los actores eran amigos de Smith (quien también escribió el guión) y en muchos casos se nota, pero aunque ese detalle en otras películas distrae, en esta pequeña de joya de 27.000 dólares es como si estuviéramos viendo el video de un amigo. Y el diálogo es las más serias discusiones sobre cosas mundanas como cómics o La Guerra de Las Galaxias que uno pueda imaginar. ¡Y funciona! ¿o es que ustedes nunca se imaginaron que el Imperio contrataría obreros independientes para trabajar en la segunda Estrella de la Muerte?

Más aún, cada encuentro con los clientes es como una prueba de psicología. Habiendo trabajado en atención al cliente durante cinco años, les puedo decir que esto es tanto un trabajo como un arte, en el que Dante es demasiado bueno en ello (¿cómo se logra ser tan paciente?) y Randal es sumamente malo, aunque dice exactamente tantas cosas que cualquiera en esa posición desea decirles a sus clientes. Estos son trabajos ladilla, ingratos y sin ninguna recompensa personal, y creo que Clerks salva a los pobres que necesitan de ellos para no volverse locos.

Clerks define hoy en día lo que es una película de culto, pues con su mínimo costo, su filmación a blanco y negro y absolutos desconocidos en el elenco, ganó el primer premio en el festival de Sundance de 1995 y convirtió a Smith en un nombre estable en el universo geek.

NOTAS CURIOSAS

• Aunque no lo crean, esta película está muy sutilmente basada en La Divina Comedia de Dante Alighieri. Hay nueve cortes en la película, lo que representa los nueve anillos del Infierno.
• El dueño del abasto le dijo a Smith que sólo podía filmar en horas en que no estuviera abierto, y Smith no tenía el dinero para equipo de iluminación decente, así que tuvo la idea de que alguien le metió un chicle al candado para justificar que la santamaría estuviese siempre abajo.
• La película se rodó en 21 noches seguidas. Smith entraba a trabajar a las 6 de la mañana hasta las 11 de la noche. Luego filmarían hasta las 4 de la mañana, y Smith trataría de dormir una hora antes de volver al trabajo.
• Para financiar la película, Kevin Smith pidió prestados 3.000 dólares a sus padres, maximizó sus tarjetas de crédito y vendió su colección de cómics. Luego, cuando la película fue un éxito, los ha estado tratando de comprar de vuelta. Hasta tiene su propia tienda de cómics.
• Smith pretendía darse a sí mismo el papel de Randal, que es la razón por la que las mejores líneas de diálogo son suyas.
• La tienda de video donde Randal trabaja es también donde Smith y Scott Mosier editaron la película.
• Jason Mewes era tan tímido frente a las cámaras que durante una escena de baile, todo el mundo tenía que irse y dejar la cámara rodando. 14 años después, en Zack And Miri Make a Porno, Mewes aparece completamente desnudo y teniendo intensas escenas de sexo con la actriz porno Katie Morgan y sale completamente desnudo al final de la película. Supongo que superó su timidez...
• Jason Reitman, director de Gracias por Fumar (2005) y Juno (2007), dijo que esta película fue la le reveló su deseo de ser un cineasta. Cuando se lo dijo a Kevin Smith, éste le respondió: “Eres el hijo de Ivan Reitman. Creciste en el plató de Los Cazafantasmas (1984) y Stripes (1981). ¡¿Y fui YO el que te hizo saber que querías ser un director?!”