El Cine Tuyo, Mío y Vuestro

Hasta sin muchas sorpresas, Oscar dejó sorpresas

2012-01-25T16:47:00.001-04:30

El sueño que había en la voz de Jennifer Lawrenceno delataba las sorpresas que las nominaciones para la 84ta entrega de los Premios de la Academia iba a dejar. Y lo más divertido de todo es que en realidad no hubo tantas sorpresas así; ¿quién dudaba que The Artist iba a tener cualquier cantidad de nominaciones? Pero es alguans de las que sí estuvieron --y en particular algunos que NO estuvieron-- las que destacan aquí.

Quizá la mayor sorpresa es que Extremely Loud and Incredibly Close, el festival de lágrimas dirigido pro Stephen Daldry que sigue a un niño tratando de conseguir sentido en su vida luego que su padre (Tom Hanks) muere el 11 de septiembre, haya sido nominada a Mejor Película a pesar de su mediocre recepción entre los críticos y su aún menor aceptación en taquilla. El hecho que Daldry, quien puede presumir que sus cuatro películas han obtenido el supremo homenaje, repite lo que hizo con The Reader en 2009 no es tan impactante; es el hecho de que la Academia ve en Extremly algo que nadie más vio, ignorando películas que los críticos amaron como Drive o Martha Marcy May Marlene. Y al menos The Reader tenía una puntuación "fresca" en Rotten Tomatoes.

La que me dejó loco fue la ausencia de Steven Spielberg en toda la ceremonia, con la sola excepción que War Horse consiguiendo también una nominación a Mejor Película. Más allá de que le hicieron lo mismo que a Barbra Streisand cuando le negaron una nominación por The Prince of Tides en 1991 y a Christopher Nolan por, bueno, cualquier cosa que haya creado pero en particular por Inception en 2010... sabes, estamos hablando de Steven Spielberg. El hombre es una institución, más allá de una leyenda es un ícono. Y tuvo no una sino dos buenas películas este año: la mencionada War Horse y la animada Las Aventuras de Tintín (¡que tampoco competirá como Mejor Largometraje Animado!).

En cuanto a actuación, bueno, Newsweek no la pegó tanto en su mesa redonda del Oscar anual, pues tres de sus invitados no tuvieron nominaciones este año: ni Michael Fassbender, quien tiene quizá la actuación más descarnada del año en Shame; Charlzie Theron, quien nunca ha sido tan divertidamente odiosa Young Adult (la nueva de Jason Reitman, otro que debió haber recibido un cariñito pero nanay); y Tilda "no soy la hermana de David Bowie" Swinton. De los tres, Fassbender es quizá el que recibe mayor exposición por su mezcla de papeles --en un momento es un guerrero griego en 300 o un joven Magneto en X-Men: First Class, en otro es un osado soldado inglés en Inglourious Basterds o un prisionero político en huelga de hambre en Hunger--, pero es Swinton la que me sorprende más. Su interpretación de una frígida madre cuyo hijo ha cometido un acto terrible en We Need To Talk About Kevin es de lo más desgarrador del año, dicen las críticas, y ella es indiscutiblemente una fuerza a reconocer en el mundo actoral (y una de las pocas que nunca ha recibido entrenamiento formal); sólo me queda asumir que (a) no mucha gente vio la película, y (b) los que sí la vieron decidieron que era demasiado deprimente para recompensar.

Creo que la mayor sorpresa aún cuando se sabía que era poco probable fue la exclusión de Albert Brooks por su increíble villano en Drive. Brooks es del panteón del humor, y normalmente es el adorable tipo clase media que se desespera de manera divertida (no se lo pierdan en Lost In America). En la película del danés Nicholas Winding Refn, Brooks es, sin guardarme las palabras, un monstruo --y el consenso en general es que es increíble como tal. La Academia siempre recompensa actors veteranos que se reinventan a sí mismos; ¿qué sólo había espacio para uno (léase Christopher Plummer)?

Aquí tienen todas las nominadas, chicos. A armar las quinielas. Mi comentario en las principales, y mi predicción en todas.

Mejor Película

El Artista
Los Descendientes
Tan Fuerte y Tan Cerca
Vidas Cruzadas
Hugo
Medianoche en París
Moneyball
El Árbol de la Vida
Caballo de Guerra

Todas excepto Tan Fuerte... eran seguras, aunque yo aún tenía dudas que la super filosófica de Terrence Malick tuviera chance. Lo que sí me gusta es que, con la probable excecpión de la de Spielberg, ninguna se antañe al concepto de "carnada de Oscar". Mucha gente cree que The Descendants es la competencia más cercana que tiene El Artista para llevarse el premio, pero Hugo se creció con sus múltiples nominaciones (aunque casi todas en el campo técnico). Podría dar una sorpresa, pero El Artista es tal celebración al homenaje al cine (al igual que Hugo) que dudo mucho que las críticas que la señalan como un "gimmick" sean suficiente para que no gane.

Mejor Actriz Principal

Glenn Close, Albert Nobbs
Viola Davis, Vidas Cruzadas
Rooney Mara, La Chica del Dragón Tatuado
Meryl Streep, La Dama de Hierro
Michelle Williams, Mi Semana con Marilyn

Esta tiene que ser la carrera más cerrada del año, y quizá de la historia. Swinton, no entró no porque su papel sea malo, sino porque habían demasiadas de dónde escoger. (Aunque igual, ¿en serio ni Elizabeth Olsen, quien dejó a todos boquiabiertos por su desgarrador papel en Martha Marcy May Marlene?) Hasta Demi Moore se ganó algunos apluasos por su papel en la pequeña Margin Call, una historia sobre el inicio de la crisis financiera de Wall Street. Además que se hace historia con Meryl Streep consiguiendo su decimoséptima nominación, su sexta por utilizar un acento y su cuarta por interpretar a una persona real. ¿Irá a ganar? No, por favor. Meryl Streep es una fuerza del bien, una institución, pero, por majestuosa que sea su interpretación dde Margaret Thatcher en La Dama de Hierro, ¿hasta cuándo recompensar las imitaciones que se hacen de otros personajes? sin mencionar que la película ha sido alternativamente detestada e ignorada, y no sólo en Gran Bretaña. Lo mismo diría de Michelle Williams y su transformación en Marilyn Monroe. Yo amé a Mara en La Chica, y creo que es una de las actuaciones más valerosas del año, pero esa clase de actuación es ignorada en la Academia. Y por excelente que haya sido Close haciendo de mujer haciendo de hombre, nadie vio Albert Nobbs. Mi voto es para Davis, quien hace una actuación tan llena de humanidad y de majestad que es la única competencia seria de Streep, y estoy seguro que será quien gane.

Mejor Actor Principal

Demián Bichir, Una Vida Mejor
George Clooney, Los Descendientes
Jean DuJardin, El Artista
Gary Oldman, Tinker Tailor Soldier Spy
Brad Pitt, Moneyball

Quizá no tan cerrada como la de las actrices, pero sin embargo todas muy buenas y con dos grandes sorpresas. Mientras superamos que Ryan Gosling, a pesar de haberse lucido en tres películas este año, no se haya ganado una nominación, al igual que Fassbender, aplaudamos al mexicano Bichir, quien venía cosechando muchos laudos haciendo de un padre ilegal tratando de evitar que su hijo se una a una pandilla, y como ya dijo en una entrevista, considera ya un honor la nominación. Oldman, un actor que siempre es de los más admirados, también sorprendió con su callada interpretación de un espía mestro en la adaptación de la obra de LeCarré, precisamente porque va en contra de la imagen que normalmente proyecta, más acostumbrado a villanos como en El Profesional. Pero, más allá de lo bien que también lo hizo Pitt en Moneyball, la competencia se reduce entre los dos más carismáticos: Clooney actuando, también, en contra de su imagen, como un abogado que está lidiando con la venta de un terreno familiar como el coma de su esposa, y el estrenado DuJArdin, quien se ha ganado corazones de tirios y troyanos como la estrella del cine mudo que debe lidiar con un mundo cambiante. Si fuera a apostar, diría que DuJardin, por aquello de montar la ola.

(Comentario al margen: Andy Serkis fue robado.)

Mejor Actriz de Reparto

Berenice Bejo, El Artista
Jessica Chastain, Vidas Cruzadas
Melissa McCarthy, Damas en Guerra
Janet McTeer, Albert Nobbs
Octavia Spencer, Vidas Cruzadas

Que Melissa McCarthy, la encantadora estrella de Mike & Molly, se haya coleado aquí por su hilarantísimo papel que es tanto en una comedia como totalmente crudo (¿o es que ustedes me van a decir que van a olvidar la escena del baño en Bridesmaids?) es un shock que aún no puedo superar ni dejar de aplaudir. ¿Seguirá la suerte de Helen Hunt, quien se ganó su Oscar de Mejor Imposible mientras actuaba en Mad About You? A ver. Que Chastain haya logrado esta nominación luego de estar en casi todas las películas en el año (en especial en El Árbol de la Vida y el increíble drama Take Shelter) es una prueba que la mujer está lista para grandes cosas. Bejo es lo menos mencionado de El Artista, lo que no desdice lo excelente de su actuación, y McTeer tiene el mismo problema de Glenn Close, así que estamos en presencia de algo insólito: las tres nominaciones más fuertes en el Oscar este año son por papeles cómicos. Spencer agarra cada escena en la que está en Vidas Cruzadas y sale corriendo con ella, y su triunfo en los Globos de Oro dice mucho de qué tan buena es. Te la tengo a ella en primer lugar y McCarthy a placé.

Mejor Actor de Reparto

Kenneth Branagh, My Week with Marilyn
Jonah Hill, Moneyball
Nick Nolte, Warrior
Christopher Plummer, Beginners
Max von Sydow, Tan Fuerte y Tan Cerca

Sí, señores, vivimos en un mundo donde Jonah Hill, del clan Apatow, puede conseguir una nominación al Oscar, y totalmente merecida. Pero la sorpresa aquí fueron Nolte, con su papel de rudo patriarca en la película de artes marciales mezcladas Warrior, y el veterano von Sydow, como un mudo anciano en Tan Fuerte y tan cerca, la única nominación que todos concuerdan que la película sí merece. Pero muchos habrían cambiado la interpretación que Brannagh hizo de Sir Laurence Olivier por la tenebrosa imagen de un líder de un culto que John Hawkes hizo en Martha Marcy May Marlene. Yo me limito a decir: Plummer tiene ese Oscar en la mano, por su conmovedor papel de un anciano que sale del closet al final de su vida en Beginners, una película que aún lamento no haber visto. El hombre ha actuado en ma´s de 60 películas y se ha lucido en todas, sin excepción; ¿no es hora de reconocérselo?

Mejor Director

Michel Hazanavicius, El Artista
Alexander Payne, Los Descendientes
Martin Scorsese, Hugo
Woody Allen, Medianoche en París
Terrence Malick, El Árbol de la Vida

Sigo sin superar que Spielberg no esté aquí, y muchos de sus fans reclaman que Nicholas Winding Refn no esté aquí luego de la genialidad que fue Drive. Ídem para el debutante Sean Durkin, que impresionó a todos con su debut, el drama independiente Martha Marcy May Marlene. De resto, están los sospechosos habituales, y como ya dije, el hecho que Scorsese haya sorprendido ganando el Globo de Oro dice que jamás debe subestimarse al maestro. Es my posible que Hazanavicius tenga la suerte del debutante, pero yo le pongo mi dinero a Marty.

Mejor Película Extranjera

Roundskop, Bélgica
Shkolnik Ha'ben, Israel
W ciemnosci, Polonia
Monsieur Lazhar, Canadá
La Separación', Irán

Cuando se habla de películas extranjeras este año, hay una sola que destaca, y es la iraní, un drama sobre una pareja que busca su divorcio. No hay más nada que decir o hacer. A China le digo: ¿ven lo que pasa cuando maltratas a la estrella de tu película?

Mejor Guión Adaptado

Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash, Los Descendientes
John Logan, Hugo
George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon, Los Idus de Marzo
Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin, Moneyball
Bridget O'Connor y Peter Straughan, Tinker Tailor Soldier Spy

Adaptar un libro de la complejidad de TTSS no puede haber sido fácil, y Zaillian, Sorkin y Chervin lograron hacer las estadísticas entretenidas, pero yo le voy a la humanidad de Payne y compañía.

Mejor Guión Original

Michel Hazanavicius, El Artista
Annie Mumolo y Kristen Wiig, Damas en Guerra
J.C. Chandor, Margin Call
Woody Allen, Medianoche en París
Asghar Farhadi, Una Separación

Prueba de que Damas en Guerra es una película auténticamente buena es que su guión está recibiendo la consolación a los que no reciben nominación a Mejor Película. Mucha gente ha hablado maravillas del drama financiero Margin Call, y lo que hizo Hazanavicius con El Artista es digno de aplauso, pero en serio, Woody ha sacado una joya de un sombrero que estaba casi seco; ¿por qué no se lo dan y ya?

Mejor Largometraje Animado

A Cat in Paris
Chico & Rita
Kung Fu Panda 2
El Gato con Botas
Rango

Por primera vez desde que se abrió la categoría en 2001, Pixar no tiene una nominada aquí. Esa vaina tiene que doler. Y también por primera vez, España tiene una película animada entre las grandes. Y de la mano nada menos de Fernando Trueba. Claro, cuando estás compitiendo con monstruos como Kung Fu Panda 2, El gato con Botas (¿en serio? Yo me habría ido con Las Aventuras de Tintín) y Rango (mi apuesta, aunque creo que irá con KFP2), ya ser nominado es un honor, ¿no?

Mejor Dirección de Arte

El Artista (*)
Harry Potter y las Reliquias de la Muerte
Hugo
Medianoche en París
Caballo de Guerra

Mejor Fotografía

El Artista
La Chica del Dragón Tatuado
Hugo
El Árbol de la Vida
Caballo de Guerra

El Árbol de la Vida la tiene fija; el solo trailer parece un cuadro. La única que se lo podría quitar es Hugo.

Mejor Mezcla de Sonido

La Chica del Dragón Tatuado
Hugo
Moneyball
Transformers: El Lado Oscuro de la Luna (*)
Caballo de Guerra

Mejor Edición de Sonido

Drive
La Chica del Dragón Tatuado
Hugo
Transformers: El Lado Oscuro de la Luna (*)
Caballo de Guerra

Mejor Banda Sonora

John Williams, Las Aventuras de Tintín
Ludovic Bource, El Artista
Howard Shore, Hugo
Alberto Iglesias, Tinker Tailor Soldier Spy
John Williams, Caballo de Guerra

La banda sonora de El Artista tiene una polémica porque adapta parte de la banda sonora de Vértigo; si gana sería una primera vez. Yo creo que prefiero la de Hugo; cada vez que la oigo me siento transportado.

Mejor Canción Original

"Man or Muppet'', de Los Muppets, por Bret McKenzie
"Real in Rio", de Rio, Sergio Mendes, Carlinhos Brown y Siedah Garrett

¡¿DOS nominadas y ya?! ¿Qué pasó con Mary J.Blige? ¡¿Qué pasó con Madonna?! Bueno... A los Muppets voy, tan fácil como eso.

Mejor vestuario

Anonymous
El Artista(*)
Hugo
Jane Eyre
W.E.

Mejor Largometraje Documental

Hell and Back Again
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
Paradise Lost 3: Purgatory (*)
Pina
Undefeated

Mejor Cortometraje Documental

The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement (*)
God Is the Bigger Elvis
Incident in New Baghdad
Saving Face
The Tsunami and the Cherry Blossom

Mejor Edición

El Artista
Los Descendientes
La Chica del Dragón Tatuado(*)
Hugo
Moneyball

Mejor Maquillaje

Albert Nobbs (*)
Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 2
La Dama de Hierro

Mejor Cortometraje Animado

Dimanche/Sunday
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
La Luna (*)
A Morning Stroll
Wild Life

El consuelo de Pixar para este año será en la categoría de cortos, una donde siempre se han ido bien parados.

Mejor Cortometraje

Pentecost
Raju
The Shore (*)
Time Freak
Tuba Atlantic

Mejores Efectos Visuales

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte 2
Hugo
Gigantes de Acero
El Planeta de los Simios: El Origen
Transformers: El Lado Oscuro de la Luna

Este será el consuelo para los que esperábamos ver a Andy Serkis nominado a Mejor Actor.

Capitán América: El Primer Vengador: Más vale tarde que nunca

2012-01-24T05:57:00.001-04:30

¿Saben qué debe haber sido difícil? En esta época que los Estados Unidos no tienen la mejor imagen ante el mundo (thank you, Dubya), poder vender una película basada en un superhéroe cuyo uniforme es la bandera estadounidense. ¿Cuánta gente que considera al Norte “el imperio mismo”, “el gran demonio de occidente” y demás va a ver esta vaina?

Si hay algo que hay que aplaudirle a Marvel, es que al hacer Captain America: The First Avenger, se aseguraron de hacerla, no sobre un héroe que defiende los valores estadounidenses, sino que defiende los valores que los Estados Unidos quizá alguna vez representó: el honor, la lealtad, la decencia y el apoyo a la libertad, una encarnación del personaje luego del final de la Segunda Guerra Mundial (donde el amor a los EEUU sí existía) que lo hizo ser llamado la “conciencia” del país. Así que bravo por el director Joe Johnston y su equipo en hacer una película, no sólo divertida, sino apta para todo público en el mundo, sin importar su ideología. Sólo los más rancios antiestadounidenses no disfrutarían de esta película.

Basada en el clásico cómic de 1941, en pleno conflicto y unos meses antes que EEUU entrara en ella, en la historia vemos a Steve Rogers (Chris Evans) intentar por cuarta vez enrolarse en el ejército. Bajito, enclenque y enfermizo, tiene sin embargo un gran corazón y una determinación a no rendirse nunca, que un científico alemán, el doctor Abraham Erskine (Stanley Tucci), considera apropiado para probar un suero que realza las habilidades físicas. Con sólo el deseo de servir a su país, Rogers se presta para el experimento, y su enclenque cuerpo de 45 kilos es transformado en una masa de músculos y súper habilidades que se transformaría en el Capitán América… símbolo de propaganda de guerra. (Muy históricamente, preciso, como verán si buscan Google.)

Bajo el mando del coronel Chester Phillips (Tommy lee Jones) y asistido por una hermosa pero ruda agente británica (Hayley Atwell) y un grupo de rudos soldados dirigidos por su viejo amigo Bucky Barnes (Sebastian Stan), sin mencionar un multimillonario y genio de la ingeniería llamado Howard Stark (Dominic Cooper), Rogers debe enfrentar algo peor que el propio nazismo: la rama científica del partido alemán, una agrupación llamada Hydra, está en alza, liderada por Johann Schmidt (Hugo Weaving), conocido como el Cráneo Rojo por razones obvias, y su asistente el doctor Zola (Tobey Jones), que se han hecho con un misterioso artefacto que le puede dar el poder de superar al Tercer Reich –y conquistar el mundo. (Oh sorpresa.)

Joe Johnston tenía mucho mal sabor que eliminar debido al fracaso crítico y público que fue su adaptación de The Wolfman de 2010, pero se nota que aquí se está moviendo en terreno cómodo para él. Habiendo trabajado como asistente de Steven Spielberg en Raiders of the Lost Ark, además de habiendo trabajado el tema de los superhéroes con la criminalmente subestimada The Rocketeer de 2003, trabajar una cinta de aventura ambientada en la Segunda Guerra le vino al pelo, y le logra invertir una sensación de diversión que abundaba en Iron Man, haciendo una buena pareja para empezar y terminar la serie de películas que preceden The Avengers.

Otro que está cómodo aquí es Tommy Lee Jones, sin duda el mejor actor de la película, haciendo su papel de rudo pero noble viejo lobo del ejército a la perfección. Tucci, por su parte, es todo nobleza pero a la vez mucho corazón, proveyendo al héroe la conciencia que lo terminaría de formar. Atwell hace su papel de “no soy ninguna damisela en peligro” bastante bien, pero más allá del interés romántico no le vi mayor contribución. Cooper está canalizando a Robert Downey, Jr.; de verdad me creo que este hombre tiene los genes del futuro Iron Man, con toda su arrogancia escondiendo su buen corazón. Stan se supone que primero cuida y luego sigue a Rogers, pero me parece que lo sub-usaron… Y Jones siempre parecerá un ratoncito asustado, pero su cara de terror cuando su jefe hace algo malvado es priceless.

Hablando de su jefe, Weaving es básicamente el agente Smith de The Matrix con acento alemán, pero este es un actor que disfruta muchísimo hacer esta clase de papeles. Schmidt sisea sus líneas en vez de decirlas, y eso, que en cualquier otro actor sería un cliché, en Weaving se oye genial.

Por último, Evans empieza a ser de esa serie de actores que está logrando que la gente olvide lo buenmozo que es para demostrar que tiene rango. Acostumbrado a ser el tipo arrogante y carismático, como hizo en las dos películas de Los 4 Fantásticos y, de manera comiquísima, en Scott Pilgrim vs. The World, aquí es el noble guerrero, que sólo quiere hacer lo correcto, por su país y por sus amigos. A diferencia de Ryan Reynolds en Linterna Verde, que no supo dejar su usual persona en lo que terminó siendo la desilusión del año, Evans demostró ser, al igual que Downey para Iron Man y Chris Hemsworth para Thor, la perfecta escogencia para representar al supremo héroe norteamericano.

El Primer Vengador es sin duda una película entretenida, suave con los efectos especiales y grande en acción. Ahora sólo falta confirmar que en efecto estos cinco años preparándonos para The Avengers valieron la pena.

The Girl with The Dragon Tattoo: En Fincher creemos

2012-01-19T09:30:00.000-04:30

Los Hombres que No Amaban a Las Mujeres no fue ningún fenómeno, y su éxito vino en gran parte por ser la adaptación cinematográfica de una novela que hasta las abuelitas leyeron (y chamo, sus abuelas leen unas vainas sumamente retorcidas…). Sin embargo, la película de Nilds Arden Oplev tiene mucho méritos, logrando un ambiente frío y desolado con un suspenso latente, junto con una extraordinaria actuación por parte de Noomi Rapace.

Pasa que Oplev no es David Fincher, Michael Nyqvist no es Daniel Craig, y La Chica del Dragón Tatuado sólo es comparable a LHQNAALM en que vienen del mismo material. Comparar a las dos películas más allá de eso es como comparar a una Machito con un Corolla: sabes que vienen del mismo sitio, pero no fueron hechos con la misma mano o quizá ni la misma intención.

La historia se mantiene la misma: el periodista y coeditor de la revista Millenium, Mikael Blomkvist (Daniel Craig), mientras lidia con una demanda por libelo de parte de un poderoso empresario (Ulf Friberg), es contratado por el anciano fundador de una enorme empresa (Christopher Plummer) para resolver el misterio de la desaparición de su sobrina Harriet. Para ello requiere los servicios de una misteriosa pero brillante investigadora, una retraída chica gótica llamada Lisbeth Salander (Rooney Mara).

Desde el instante en que empiezan los créditos (de forma casi brutal después de una breve conversación entre el Henrik Vanger de Plummer y el viejo policía Morell, interpretado por Donald Sumpter, el maestre Luwin de Game of Thrones), con la versión de Trent Reznor y Karen O de “Inmigrant Song” explotando esas cornetas a todo dar, sabes que estás viendo una película muy distinta a la original. Fincher no ha lidiado con una película sobre un asesino en serie de forma tan dramática y cruda desde Seven (sí, lidió con el tema en Zodiac, pero eso era menos sobre conseguir al asesino que mostrar la obsesión humana). Puedes ver la obsesiva atención a detalles del director en cada encuadre, cómo no tiene pena de mostrar aún lo más oscuro del alma humana en una brutal escena de violación, cómo logra que escenas de investigación en una computadora o en una sala mantengan nuestro interés. Ayuda también que el guión de Steve Zaillian se mantiene bastante fiel al libro de Stieg Larsson con ligeros cambios aquí y allá (y uno muy grande) pero sigue el estilo del escritor en una detallada construcción de personajes: tú sales sabiendo muy bien quiénes Mikael Blomkqvist, Lisbeth Salander y demás, por detalles que Zaillian riega a lo largo de la historia (algo que el hombre bien sabe hacer, qué con su Oscar por La Lista de Schindler, su pequeña película Searching for Bobby Fischer y su colaboración con Aaron Sorkin en Moneyball).

La mayor mejora respecto a la película sueca es descubrir que Michael Nyquist no tiene el carisma o la fuerza de carácter que tiene Daniel Craig, con el que considero es uno de sus mejores papeles en años recientes. Este no es James Bond; este es un profesional que hace su vida escribiendo y conversando, y Craig se adapta para parecerlo. La expresividad en sus ojos, el asombro cuando descubre un detalle importante, y joder, su sola presencia ya hacen de esta una mejor película.

Plummer está teniendo un resurgimiento en los últimos dos años que viene muy, muy retrasado y merecido, empezando con su interpretación del escritor León Tolstoi en The Last Station, y estoy seguro finalmente recibirá su Oscar por un anciano que sale del closet a los 74 años en Beginners. Aquí es el alma y conciencia de la película, representando un personaje muy raro en el cine serio: el ejecutivo millonario con un corazón y un alma. La angustia y emoción en su voz y en su rostro cuando habla de su desaparecida sobrina son seguidas por un pícaro brillo en el ojo cuando obtiene la más pequeña de las victorias.

El hermano de la desaparecida, Martin, es interpretado por Stellan Skargard, el único actor sueco en una producción ambientada en Suecia, quien nunca ha estado mejor. No quiero hablar mucho de su personaje, más allá de esto: hace que el climax de la película sea absurda y frígidamente aterradora sólo por una tranquila sonrisa y estar sentado con las piernas cruzadas.

En cuanto a Mara, las comparaciones entre ella y la interpretación que hizo a Noomi Rapace una estrella internacional (véanla pronto en Sherlock Holmes 2: Game of Shadows y en Prometheus de Ridley Scott) son válidas, en especial por lo icónico que se ha vuelto el personaje, pero creo que ambos tienen la misma validez. Rapace es de facciones más rudas y presenta a Lisbeth como más tosca en su trato con otros seres humanos; Mara la pone como indiferente al mundo que la ha tratado tan mal, lista para reaccionar violenta y cruelmente si no la dejan en paz. Y para ser sincero, Mara se atiene más a la imagen que tenía de Lisbeth luego de leer el libro: delgada, pequeña, inexpresiva, poco femenina. Creo que sí hay que aplaudirle que es absolutamente irreconocible luego de su papel en Red Social como la ex de Zuckerberg; además, cualquier actriz que haya tenido que pasar por lo que Fincher la puso a pasar filmando “esa” escena merece, no te digo un Oscar, sino una estatua.

Sí, hay que mencionar la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross –pero sólo porque no tiene nada que ver con la que ofrecieron en la última colaboración con Fincher. Aparte de la asombrosa colaboración con Karen O en los créditos, no puedo decir que haya nada en la banda sonora que recuerde de inmediato, aunque sí cumple con la eterna idea que algo espantoso está por ocurrir, que unido al rápido estilo de edición de Fincher hace que dos horas y media de película se vayan volando sin que te des cuenta que ni has volteado a verle la cara a tu pareja.

En esencia, The Girl With The Dragon Tattoo no es tanto sobre resolver un crimen sino demostrar que aquellos que controlan los datos controlan al mundo. Blomkqvist trata de revelar las malas andanzas de un millonario, falla, y triunfa porque se alía con alguien que sabe secretos que él desconoce. Que Fincher y compañía hayan hecho de largas sesiones de búsqueda en libros, revistas, computadoras y Google algo tenso y escalofriante –así como hicieron horas de programación interesantes en Red Social— confirma una vez más que estamos en presencia de un maestro, un director que, junto con Christopher Nolan, han dominado el arte del “blockbuster” inteligente: una película diseñada para las masas que además es una obra de arte y, aunque no siempre fácil de digerir, eternamente dejan mucho para reflexionar.

Mucha gente no sabe qué hacer con los Globos de Oro de anoche

2012-01-16T15:31:00.001-04:30

La 69a. entrega de los Globos de Oro sólo tuvo una cosa clara: la gente se tomó muy en serio el significado erótico de ese número. La cantidad de chistes fálicos debe haber tenido a los censores de NBC bien nerviosos –y la mayoría (o el más incómodamente cómico) ni siquiera salió de la boca de Ricky Gervais.

De resto, a diferencia de otros años, los resultados no dejaron ningún claro favorito que sirva predecir con precisión la entrega del Oscar en febrero. Sí, hay algunos claros favoritos (por aquello de que Meryl Streep es ETERNA favorita), pero por primera vez en mucho tiempo, la entrega de premios reflejó adecuadamente (en su mayor parte) lo que ha sido este año: lleno de buenas películas, sin una que se destaque por encima de los demás.

Antes de entrar de lleno en los ganadores del cine, quiero hacer mención a estos premios en televisión que fueron algunas de las sorpresas más agradables que he visto.

Kelsey Grammer, mejor actor, serie dramática, The Boss. ¿Sabes qué es difícil? Que un actor logre superar el personaje que lo hizo famoso. ¿Sabes qué es más difícil? Que triunfe después de dicho personaje. Todo el mundo ha hablado maravillas del nuevo papel del adorado Frasier, un amoral alcalde de Chicago que está lidiando con una enfermedad degenerativa decidido a mantenerse en el poder (¿el cable de aquí cuando, a ver? ¿O tengo que seguir confiando en torrents y Netflix?). Considerando todo por lo que Grammer ha pasado en su vida, es genial que el hombre esté triunfando otra vez.
Claire Danes, mejor actriz, serie dramática, Homeland. Más que por la actriz o por el programa (un intenso thriller de los mismos productores de 24, sobre una agente de la CIA que investiga a un veterano de Irak que podría o no ser un doble agente), que ya con este triunfo se consolida como el mejor show nuevo de 2011, me alero porque confirma que mi amiga Carmen tiene razón. :)
Peter Dinklage, Mejor Actor Secundario, serie dramática, por Game of Thrones. Lo mejor en una serie que tiene todo de lo mejor, Dinklage bien puede ser uno de los premios más obvios sin dejar de ser merecidos de la noche. De por sí que el personaje de Tyrion Lannister es uno de los mejores creados en la literatura, en mi humilde opinión, Dinklage le inyecta una humanidad y un sentido del humor tan único que es razón suficiente para ver el programa. Aunque como ya dije, Game of Thrones tiene tantas cosas buenas que no necesitas una razón: vela y ya. Abril, llega pronto.

(Mención especial a Matt LeBlanc que ganó en el renglón de serie cómica por interpretar a una versión de él mismo en la comedia Episodes. Los años le han caído bien, y también está superando a Joey.)

Mejor Película Comedia o Musical: The Artist. Desde que se estrenó en Cannes, esta podría ser el único premio obvio de la noche (lo siento, Medianoche en París). ¿Que la nostalgia no juega siempre un papel en los premios? ¿Qué puede ser más nostálgico que una película muda homenaje a las películas mudas? De paso, con tres ganadas (Actor, Película y Banda Sonora) Y premios extra por (a) una conmovedora historia del productor Thomas Langmann sobre cómo su padre, Claude Berri, no pudo costearse el viaje a los EEUU cuando el Oscar a Mejor Cortometraje en 1965, y (b) un adorable Jack Russell que hizo cabriolas en el escenario y babeó a más de uno.

Mejor Película Dramática: The Descendants. La única contendiente seria para The Artist (por mucho que me gustó Moneyball, por mucho que amaré Hugo, por mucho que War Horse sea obvia a ser nominada) es la nueva de Alexander Payne, sobre un abogado (George Clooney) que debe lidiar tanto con la venta de unos terrenos de la familia como con su propia situación familiar. Dudo mucho que le gane a la muda, pero esto la pone a la par de la última de Payne, Sideways: una “indie” de calidad que merece estar entre las grandes. ¿Pero cómo competir con ese perrito?

De izq. a derecha: los productores Jim Taylor y Jim Burke y el director y productor Alexander Payne

Mejor Actor, comedia: Jean Dujardin, The Artist. Estamos hablando de un actor absolutamente desconocido el año pasado fuera de Francia, hasta que ganó en Cannes como mejor actor. ¿Tenemos a otro Christoph Waltz en nuestras manos? Su discurso fue absolutamente encantador y divertido, y hasta inspirador. Si la cosa va entre él y Clooney, hay una pelea cuerpo a cuerpo por el actor más carismático que vaya a ganar. El único que podría medio darle una pelea es Michael Fassbender por, bueno, cualquier vaina que el tipo haga; el problema es que a Shame no la vio nadie.

Mejor Actor, Drama: George Clooney, The Descendants. ¿Ven lo que les digo? Aprovecho un comentario para comparar el paralelismo entre Clooney y su amigo Brad Pitt: son tan miserablemente buenmozos que la gente se olvida que son auténticamente talentosos. Clooney quizá no la ha tenido tan difícil, quizá por su trabajo en ER, quizá porque es imposible que el tipo te caiga mal. Pero en un año en que Leo DiCaprio no convenció imitado a J. Edgar Hoover, en que Michael Fassbender se destaca es en películas que nadie ve (Shame, A Dangerous Method) o que la Academia no se toma en serio (X-Men: First Class) y Ryan Gosling es nominado por la que no es (y dudo que Oscar corrija eso), la cosa va a quedar entre él y Dujardin el 26 de febrero.

Mejor Actriz, Drama: Meryl Streep, The Iron Lady. Este fue uno de esos premios con los que, por mucho que amo a la Streep, no estoy de acuerdo. Digo, esta mujer es una institución, y puede ser lo único salvable en muchas películas, incluso un desastre como esta historia sobre Margaret Thatcher. Pero esto suena a algo que la Asociación de Prensa Extranjera hace mucho: premia o al obvio o al que está de moda. Sí, Streep nunca ha hecho una mala actuación en su vida. ¿Pero que Viola Davis no se merece un premio de una buena vez? ¿O Tilda Swinton, con su extraña imitación de David Bowie de anoche? ¿O hasta Rooney Mara, la nueva Lisbeth Salander? El hecho que Streep y Davis son obviamente muy amigas va a hacer la carrera hacia el Oscar aún mejor que del lado de los hombres. Eso sí: el intento en vano en llevarle a la gran dama sus lentes para que leyera su discurso de aceptación –que terminó siendo muy bueno igual— fue uno de los puntos altos de la noche.

Mejor Actriz, Comedia: Michelle Williams, My Weekend with Marilyn. Otra que era cantada, aún a pesar del “meh” que la película en sí logró entre la crítica y el público. Williams ciertamente se ha consagrado como una de las mejores de su generación. Sin embargo, a diferencia de Meryl Streep, Williams se destaca porque le logró ganar a dos pesos pesadas como son Jodie Foster y Kate Winslet, quienes hacen un trabajo genial en la nueva de Roman Polanski, Carnage. Evidentemente emocionada, le dio las gracias a su hija por “mandarme a este trabajo todos los días con un abrazo y un beso” y a la Prensa Extranjera por “poner en mis manos el mismo premio que Marilyn Monroe en persona ganó hace 50 años”.

Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer, Beginners. El primer premio de la noche fue quizá el que más satisfacción me dio ver. Plummer es uno de esos actores regios que nunca en su vida ha dado una mala actuación y jamás en su vida había sido nominado a un Oscar hasta el año pasado, donde interpretó al escritor León Tolstoi en The Last Station. Y este es un papel que, para alguien de su edad, es particularmente valiente: un hombre de 74 años que, luego de perder a su esposa, decide salir del closet. Es un papel que igual te saca una lágrima que una carcajada, y Plummer además le trae una gran clase. (¿Se imaginan que haya sido Jonah Hill el que hubiera ganado?). ¿Cómo puede dejar de pasarle algo bueno a un hombre que, además, le diga a su esposa que su “valentía y belleza aún me hechizan”?

Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer, The Help. Tú a lo mejor la conoces como la negrita bajita y rechoncha de ojos saltones. Luego de ver The Help, la conocerás como la que se ganó el Oscar, y lo siento por Berenice Bejo y la omnipresente Jessica Chastain. Spencer y Davis son lo que más se comenta de the Help, la segunda por su callada dignidad y el poder de su actuación, Spencer porque se roba cada escena en la que está. Además, recibe el premio a dar uno de los mejores comentarios de la noche: “Respecto a las domésticas en este país ahora y entonces, creo que el doctor [Martin Luther] King lo dijo mejor: Toda labor que eleve la humanidad tiene dignidad e importancia, y les agradezco que reconozcan eso con nuestra película”.

Mejor Director: Martin Scorsese, Hugo. El hecho que una leyenda como “Marty” gane y yo me sorprenda indica, creo yo, la clase de año que tuvimos y cómo todas las premiaciones han tratado al venerable director. Yo estaba seguro que Michel Hazanavicius se lo llevaba por The Artist, o a lo mejor el mundo terminaba por recordar que Woody Allen aún existe. Pero entre más lo pienso, más inevitable era que Scorsese se lo llevara. Con Hugo, su adaptación del libro infantil The Invention of Hugo Cabret, Marty le envió la más grande carta de amor al cine desde El Viaje a la Luna de Melié y un uso al 3D que hasta hizo a Avatar parecer una atracción de segunda. Es increíble que aún a su edad, Scorsese pueda demostrar que no sólo sabe manejar la tecnología moderna, sino que hace lo mejor que se puede hacer con ella. Muy bien, Prensa Extranjera; muy bien.

Mejor guión: Woody Allen, Medianoche en París. No puedo pensar en un director al que le interese menos los premios que a Woody. Nadie esperaba que el director estuviera allí, a pesar de que su serenata a la Ciudad Luz tenía muy buenas oportunidades en todas las categorías en las que estaba nominada. Pero quién necesita que el hombre esté allí: todo el mundo sabe que Allen aún lo tiene. Y en verdad, el suyo era el guión más fuerte del grupo, siendo sólo The Artist quien le podía dar alguna competencia. Sus chances de ganarse su primer Oscar como guionista desde Hannah y Sus Hermanas en 1987 acaban de aumentar considerablemente.

Mejor Banda Sonora: Ludovic Bource, The Artist. ¿Qué? ¿Esperaban ver a Trent Reznor tener otra ganada como el año pasado? (Sí, yo tampoco.) La banda de The Girl With The Dragon Tattoo es Trent completica, pero no tiene la originalidad de la de The Social Network, y las demás eran demasiado parecidas entre sí. The Artist completó con este premio su tripleta de victorias que la hizo la gran ganadora de la noche y a la que hay que vencer –pero no podrán— el 26 de febrero.

Mejor Canción: “The Masterpiece”, Madonna, W.E. Este fue el único premio que abiertamente rechacé. Sí, Madonna tiene talento de sobra; sí, la canción tiene toda la grandiosidad que Madonna, como directora, quiso inyectarle a este drama sobre el romance verdadero entre el rey Jorge de Inglaterra y una plebeya estadounidense; pero no se compara con la belleza del tema de Mary J. Blige para “The Help”. Esto casi me suena a los Globos adulando al grandote para que les deje entrar a sus fiestas, y si no fuera porque estoy tan de acuerdo con las demás ganadoras lo denunciaría como tal (sí, yo, con mi influencia en Hollywood..)

Mejor Película Animada: Las Aventuras de Tintín. Había que echarle aunque sea una jaladita al rey Midas de Hollywood, ¿no? Pero muy merecida: la primera incursión de Steven Spielberg al mundo de la animación es aún más Indiana Jones que la última de Indiana Jones y tan emocionante como cualquiera con actores de carne y hueso. Yo habría preferido que ganara Rango, sencillamente por lo único de esa película, pero estoy bastante de acuerdo que Steven haya ganado.

Mejor Película Extranjera: A Separation (Irán). ¿Y ese “fuck you” a China, qué? A China y al público en general, qué con los rollos que Mahmud Ahmadinejad y compañía tienen con Estados Unidos. (Mal por Almodóvar y su Piel Que Habito, pero bueno.) Pero esta dolorosa historia sobre una pareja que quiere terminar su matrimonio, mientras lidian con variados problemas personales, ha estado ganándose corazones desde hace mucho tiempo. El director Asghar Farhadi dio un discurso muy puntual y ciertamente importante: “Cuando estaba subiendo al escenario, estaba pensando qué debía decir. ¿Debía hablar de mis amigos, mi amable esposa, mis queridos amigos? (…) Pero no, sólo prefiero decir algo sobre mi pueblo. Creo que son una gente que realmente ama la paz. Muchas gracias”. En eso “elqueteconté” tiene razón; que las autoridades de ese país no lo sepan es otra cosa.

¿Cuál fue el mejor momento de la noche? Te tengo tres nominados: el discurso inicial del anfitrión Ricky Gervais (menos coñemadre que años anteriores, pero no menos ácido); George Clooney sugiriéndole a Michael Fassbender que trate de jugar golf con las manos detrás de su espalda (y anteriormente aplaudir a su amigo Brad Pitt por su trabajo humanitario); y Seth Rogen, saliendo con una espectacular Kate Beckinsale, diciendo: “Hola, soy Seth Rogen y estoy tratando de esconder una enorme erección”. Kate de casualidad puede aguantarse la risa.

Y así, nos vemos el 24 de enero para las nominaciones… y el 26 de febrero con la entrega del premio Oscar.

Hay magia en el set de Burt Wonderstone

2012-01-15T13:09:00.001-04:30

Sepan esto, niños y niñas: habíase una vez en que Jim Carrey era el poderoso señor de la comedia, y todo lo que tocara era oro. ¿Ace Ventura Pet Detective? Caricaturesca pero divertidísima. ¿La Máscara? Aún me río a carcajadas. ¿Dumb and Dumber? Me hago pipí. Mentiroso Mentiroso… su participación como El Acertijo en Batman Forever… hasta sus actuaciones en Eternal Sunshine of the Spotless Mind, The Truman Show y Man on The Moon… Y creo que hasta le puedo incluir Me, Myself and Irene, y me considero uno de los defensores de The Cable Guy. Sí, niños, Jim Carrey era el Dios de la comedia, y nosotros éramos su Rebaño.

Hasta que empezaron a salir cosas como Las Locuras de Dick y Jane, la asquerosidad que fue El Número 23 y lo equis de Yes Man, Carrey aún no ha seguido los pasos de Eddie Murphy (Horton Hears a Who y Lemony Snicket’s A Series Of Misfortunate Events lo salvan), pero ciertamente no está a la altura que solía estar.

Eso podría cambiar, y no estoy hablando de que el hombre ya se animó a hacer secuelas de Dumb and Dumber y Bruce Almighty (a ver si terminamos de enterrar a Evan Almighty). Si el elenco y las primeras fotos que salen de su próximo película son un indicativo, las cosas podrían mejorar para Carrey el año que viene.

ComingSoon.net tiene las fotos del set de Burt Wonderstone, donde se une con Steve Carrell otra vez desde Bruce Almighty y la temporada anterior de The Office, en la cual los dos Steves hacen de magos rivales en Las Vegas.

El titular es Carrell, quien se separa de su compañero de magia y ahora debe enfrentar a Steve Haines (Carrey), un mago callejero. También actúan James Gandolfini, Jay Mohr, Olivia Wilde (rrrr), Alan Arkin y Brad Garrett, y es el debut en el cine del director de comedias como 30 Rock, Don Scardino.

Aquí les traigo las fotos de parte del elenco.

Carrell es el propio Siegfried y Roy, y si Carrey no está imitando a Criss Angel, y el elenco de apoyo me da siquiera alguna esperanza que esta será mejor que, al menos, Mr. Popper’s Penguins. Está pautada para 2013. ¿Qué opinan?

Lo que destacó en 2011 (bueno y malo)

2012-01-10T12:27:00.001-04:30

Este no fue un año prolífico para mí como cinéfilo. Qué va, demasiadas otras prioridades en mi vida, el hecho que contraje matrimonio primero que nada. Y lo digo con una mezcla de orgullo y dolor, pues claro, una vida sin cine es una vida incompleta. Pero ciertamente fue un buen año, aún en ese aspecto, pues aún ahora que estamos con el Oscar encima no hay una película que vaya a arrasar en los premios (y eso es algo bueno).

Este año decidí que he visto relativamente tan pocas películas que no quiero poner las diez que más me gustaron en ningún orden particular, pues todas merecieron de una forma u otra un gran lugar en mi vida. Todas ellas son películas por las que usaría parte de mi cupo para tener en flamante DVD o Blu Ray original. Eso sí, igualmente destacaré mi película favorita del año, la película que más quiero ver y ver y ver. e la misma manera, hubo películas que consideré malas este año, pero sólo llamaré a una la peor película que vi en este 2011 que se fue.

Bridesmaids

La película más cómica de este año, y lo ratifico luego de haber visto muchas pates de ella de nuevo. Un excelente elenco (que lamenté no ver más tiempo juntas), un divertido guión y el robo del año en cada escena por parte de Melissa McCarthy, aunado a un auténtico corazón en medio de las situaciones más absurdas la hacen una ganadora.

Fast Five

Algo insólito ocurrió este año: las dos mejores películas de acción no se estrenaron en el verano “per se”. Mission Impossible 4: Ghost Protocol se estrenó en diciembre y se llevó el título sin ningún esfuerzo (aquí se estrena en febrero), y la quinta entrega en Rápido Y Furioso vino en abril, al final de la primavera, y al igual que la de Tom Cruise, demostró que esta franquicia se pone es mejor con el tiempo, no peor. Aunque sigue siendo Point Break con carros en vez de surfeo, el director Justin Lin entendió que ya le sacó todo el jugo que podía a las carreras ilegales y la transformó en una película de robos, una de las mejores ideas que un director ha tenido. Ah, y añadir a la Roca no fue mala idea.

X-Men: First Class

X-Men: First Class

Para todo lo que tenía en su contra (la huelga de los escritores de 2010, dos predecesoras que fueron una desilusión), se convirtió en una de las mejores películas de superhéroes del año. El par de Michael Fassbender y James McAvoy lo llamó Cris en su reseña “el mejor bromance del año”, y eso junto con muy buenos efectos especiales y una muy buena integración con eventos reales. Se sintió más como James Bond que como Bruce Wayne.

Medianoche en París

¿Puede un hombre que era grande en los 70 y saca una película al año sin excepción aún producir una película brillante? Pero por supuesto que sí. A la vez una crítica a la superficialidad, una carta de amor tanto a París como al amor y toda Woody, es divertida, inteligente y, a pesar de sus extraños giros, absolutamente creíble. Te hará mejor persona verla. Sí, en serio.

Attack The Block

Esta fue una que vi hace muy poco, y no tuve chance de incluir una reseña, pero es imposible que no la incluya entre mis favoritas del año. Es una película sencilla, pero está muy lejos de ser simple. Es la historia de un grupo de chamos que tienen que pelear contra unos aterrorizantes alienígenas para defender sus bloques de apartamentos en Londres (al estilo de lo que veríamos en Coche en Caracas) que es mil veces más entretenida que el bodrio que fue el remake de El Día Que La Tierra Se Detuvo de 2009. En especial la aplaudo porque, mientras que es juy fácil tomar personajes simpáticos y transformarlos en monstruos en las películas (piensen en Hans Landa), es mucho más difícil hacer que un personaje te caiga muy mal al principio y termines vitoreando su triunfo.

Reverón

Aunque no hubo tanta calidad en nuestro cine nacional como en 2010, hubo un par de películas criollas que me dejaron muy emocionado de ver. Mi favorita de las dos fue la mirada a la vida de uno de nuestros artistas de más renombre y, como buen artista, más incomprendidos. Luigi Sciamanna se mete en la piel del hombre como los mejores del mundo, en una actuación que, si hubiera justicia, sería una de las nombradas este 24 de enero cuando anuncien las nominaciones al Oscar. Además, hermosos paisajes y un guión que, aunque flojo, igual muestra ese descenso a la locura de una manera respetuosa.

El Rumor de las Piedras

Una vez más, nuestro cine se enfoca en lo duro de la pobreza, esta vez usando la tragedia del estado Vargas de 1999 como marco. Pero está llena de buenas actuaciones, empezando por la del niño Juan Carlos Núñez, y no deja de tocar una realidad tras otra. Si les gustó Precious, y a pesar de todo en esa película hay muchas cosas para gustar, les tiene que gustar esta.

Rango

La mejor película animada del año. Punto. Ninguna otra logró tanta belleza en algo tan feo, y manejar tanta locura con tanta diversión. Que exista una película como Rango, tan extraña y, a falta de otro calificativo, loca, que evade cada cliché de una película animada y se debe comparar más con un western, es una maravilla que debe seguir por los siglos de los siglos. Tanto Gore Verbinski como Wes Anderson (con su The Fantastic Mr. Fox de 2010) lograron hacer una película animada tan buena como su cánon normal, algo que Robert Zemeckis aún está intentando hacer.

Kung Fu Panda 2

Lo que no quiere decir que no tuvo una digna competencia. Esta fue la película de Dreamworks que mejor lo hizo este año (sin quitarle méritos al Gato con Botas), sin ser mejor que su predecesora aunque no fue por no intentarlo. Le doy premios no sólo por una increíble animación y escenas de acción alucinantes, sino por uno de los villanos más complejos y hasta atemorizantes que se presentó este año. ¡Y fue un pavorreal!

Rise of The Planet of The Apes

Mi película favorita del año, sin lugar a ninguna duda en lo absoluto. Una excelente historia, unas escenas de acción alucinantes, unos increíbles efectos especiales y una actuación central por Andy Serkis que es lo más entregado que he visto en una actuación desde Daniel-Day Lewis en Mi Pie Izquierdo. Esto es lo que muchas precuelas sueñan ser y jamás están ni cerca de lograr. Y además metió, aunque sea brevemente, una frase en el colectivo popular. Brillante, simplemente brillante.

Menciones honoríficas

Thor: Fue la única de Marvel que pude ver este año, y sin duda, a pesar de algunas fallas a nivel de guión, entregó todo lo que prometió.
Crazy Stupid Love: Para una comedia romántica, fue bastante conmovedora. Y bastante, bastante cómica. Ryan Gosling y Emma Stone son lo máximo.
Harry Potter And The Deathly Hollows, part 2: No fui tan fanático de ella como el resto del mundo, pero sin duda fue el mejor cierre para una excelente serie.

Estaría aquí si las hubiera visto

Super 8
The Tree of Life
13 Assassins
The Artist
50/50
Another Earth
Cave of Forgotten Dreams
Project NIM
The Adventures of Tintin
First Avenger: Captain America
Mission Imposible: Ghost Protocol
Beginners
Drive(*)

Las mayores decepciones del año

Green Lantern: No fue mala. Pero para ese director, ese protagonista y esa cantidad de efectos especiales, debió ser brillante.
The Hangover Part II: Me reí de lo lindo, pero luego me sentí mal por haberlo hecho. Les aplaudo los riesgos que tomaron, pero la copia al carbón me dio arrechera.
Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides: Ian McShane debió salvar esta película. Al final, la película fue tan normal que dio pena.
Priest: Limítense a ver el prólogo animado y luego busquen el manga. De resto, aburrida, aburrida, aburrida.

Peor película del año

Red Riding Hood. Y sabía que iba a serlo en el momento que supe que la iba a ver. Catherine Hardwicke no puede seguir haciendo películas. Si este es el futuro del drama para adolescentes y fantasía, yo necesito irme de este planeta. Hasta las pocas cosas buenas que tiene (un twist que de verdad no me esperaba) son malas en el contexto. Gary Oldman merece más que esto. Mala. Malaza. M-A-L-I-S-I-M-A.

(*) Recordar que iba a ver Drive en una función especial en el Centro de Arte Los Galpones, y que no llegué porque me enredé con la dirección, fue sin duda la mayor decepción de este año.

¿Cuál fue la mejor para ustedes?

Los Muppets: ♫It's time to hit the music...♫

2012-01-07T09:57:00.001-04:30

Jason Segel es un hombre valiente. O lo son los estudios Disney. El actor conocido por la comedia How I Met Your Mother y la über-exitosa película Forgetting Sarah Marshall osó ir a la Casa del Ratón diciendo que tenía un guión para una nueva película de los Muppets. ¿Y qué hizo Disney? “Bueno he aquí un tipo que salió desnudo en una película con muchas groserías, cinismo, dobles sentido y mucho, mucho sexo… Ok, dale”.

Fuera de todo juego, Los Muppets, la primera película de las creaciones de Jim Henson desde la fallida Muppets From Space de 1999, muestra sólo enormes containers de amor de parte de Segel y su compañero de escritura Nick Stoller. Esta es una película de los Muppets de la que Jim Henson se sentiría orgulloso. Y ese, curiosamente, es su mayor defecto y su mayor fortaleza.

Segel interpreta a Gary,un hombre que ha pasado demasiado tiempo cuidando a su hermano, Walter (quien da la casualidad que es un Muppet) y no suficiente a su muy paciente novia Mary (Amy Adams). Cuando planean un viaje a Los Ángeles para celebrar sus diez años de noviazgo (yikes!), Garyu invita a Walter para que conozca el estudio de los Muppets, sólo para descubrir que está clausurado y a punto de ser derribado por un malvado barín del petróleo llamado Tex Richman (Chris Cooper), a menos que logren reunir 10 millones de dólares para recuperarlo. Así que hacen lo que es lógico: hay que buscar a Kermit (sí, ya no le dicen René), a Fozzie, Gonzo, Scooter, la banda Electric Mayhem, Rowlf y a Miss Piggy para hacer un show más, o perder el estudio que tanta historia tiene.

Ver Los Muppets es sin duda un viaje a tu infancia, pues representan una época donde el humor era mucho menos cínico que hoy en día. Uno veía El Show de los Muppets y se daba cuenta que uno podía reírse de cosas gafas (peces búmeran, un chef al que no se le entiende nada, Beaker constantemente explotando o electrocutándose) y estaba bien. Supongo que por eso era tan difícil traer a los Muppets a esta época de nuevo, donde las películas para todo público necesitan algo de cinismo (ver Shrek). Que haya hecho tan bien como hizo en la taquilla me da esperanzas en la humanidad. Porque en serio, ¿cuántos chistes de penes y mierda puede alguien soportar?

Por otro lado, no es que hayan traído a los Muppets a la era actual, sino que celebraron su legado: casi toda la película es sobre lo populares que los Muppets fueron, recreando partes del show de televisión y hasta recordando su primera película. ¿Es que de verdad no tienen cabida en el mundo actual? Duro que creer, dado el éxito que tuvo su parodia de “Bohemian Rhapsody”.

Los actores humanos casi no destacan, como debe ser (Segel casi ni aparece, ahora que lo pienso) pero igualmente Chris Cooper merece miles de aplausos. Este es un tipo con una cara que parece esculpida en piedra, y no sólo toma eso a su ventaja, sino que no tiene miedo de ponerse en serio al nivel de los Muppets en cuanto a tonterías. Adams, por su parte, parece hecha para esta clase de películas (y sin embargo ha demostrado ampliamente que puede hacer más) con su carita de princesa y su decente habilidad para cantar.

Ah las canciones… casi todas escritas por Brett mcKenzie, de Flight Of The Concords, son apropiadamente pegajosas y sentimentales cuando pueden. Eso sí, si odian los musicales esta es la parte que más le va a dar rabia, pero saben… traten de meterse en el asunto y ríanse de las gafedades que cantan. Es más, vayan y sepan que saldrán sintiéndose mejor consigo mismos. Y cantando “Mana-maná”.

Corto pero Grueso: Alma (2008)

2011-12-22T09:10:00.000-04:30

Llegamos al jueves, y eso significa otro cortometraje para que tengan algo que ver durante un puntico de su vida. Estoy abierto a sugerencias, si saben de uno que quieran mostrar por acá.

Del animador español Rodrigo Blaas, quien tiene rato trabajando en Pixar, nos llega una encantadora historia de una niña que se lleva una pequeña sorpresita por estas fiestas. Y de paso, feliz Navidad, mi gente.

Alma from Rodrigo Blaas on Vimeo.

Agreden a Christian Bale en China. Y no fue un técnico

2011-12-16T11:47:00.001-04:30

Entonces, ¿qué pasa cuando protagonizas la que podría ser la película más cara en la historia de China, dirigida por su más apreciado director, mostrando un doloroso capítulo de su historia?

La guardia te impide visitar uno de tus héroes.

Eso le pasó a Christian Bale ayer cuando, mientras está promocionando Flowers of War, el drama histórico dirigido por Zhang Yimou (Héroe) que costó un estimado de 94 millones de dólares, quiso ir a la aldea de Dongshigu, a ocho horas de la capital Beijing, para visitar a Chen Guangcheng, un abogado ciego conocido por su disidencia al gobierno chino y que está en arresto domiciliario desde septiembre de 2010, luego de pasar cuatro años en la cárcel.

El video de CNN muestra lo que pasó.

Bale pregunta repetidas veces “¿Por qué no puedo visitar a este hombre libre?” antes de tranquilamente dar la vuelta e irse (lo que contrasta fuertemente con lo que su personalidad demostró en "aquel" incidente), en comparación con el nerviosismo que muestran los guardias chinos que en repetidas ocasiones le gritan “Váyanse, váyanse” y empujan al actor y a los periodistas de CNN para que lo hagan. Y por si fuera poco, el vehículo en el que iban fue perseguido durante 40 minutos.

“Todo lo que quería hacer era conocerlo, darle la mano y decirle cuánto me ha inspirado”, dijo Bale luego.

El New York Times dice que el incidente “promete convertirse en una debacle de relaciones públicas para China, que ha estado promocionando [Flowers of War] con entusiasmo”. La película “fue parcialmente financiada con préstamos de un banco estatal [aunque en su mayor parte recibió su dinero de manos privadas] y es la selección oficial del país para los Premios de la Academia”. (De hecho ya recibió una nominación a los Globos de Oro como Mejor Película Extranjera.) La promoción es parte de una campaña gubernamental para aupar el llamado “poder blando” del país.

Difiero un poco con el Times, considerando el historial de cómo el gobierno chino ha reaccionado frente a cómo trata sus disidentes y cómo ha respondido a sus críticas, algo que aún no ha hecho en este caso. Recuerden cuando se le otorgó el Premio Nobel de la Paz a Liu Xiaobo, en el que el gobierno chino amenazó a Noruega con romper relaciones y sólo se echó para atrás cuando el canciller noruego les recordó que la Comisión del Premio Nobel es independiente del gobierno. Igualmente dijeron que Liu fue arrestado y juzgado de acuerdo con las leyes chinas y encontrado culpable, por consiguiente estaban actuando de acuerdo a su legislatura.

Si el Comité del Nobel, los principales gobiernos y, en efecto, el mundo entero no fueron suficientes para que el gobierno chino liberara a Liu, ¿de verdad creen que unos empujoncitos que reciba un conocido actor va a ser suficiente para que liberen a Chen?

Chen perdió la vista a los dos años por una enfermedad, y se enseñó a sí mismo abogacía para defender las injusticias en su pueblo. Su principal labor fue en contra de los abortos forzados y esterilizaciones como parte de la política del Hijo Único en muchas zonas rurales de China, en especial en su provincia natal de Shangdong. Fue arrestado y condenado a cuatro años y siete meses de cárcel por “dañar intencionadamente la propiedad y reunir a una multitud para interrumpir el tráfico”, según reportó el diario ABC de España en noviembre del año pasado cuando cumplió 40 años.

Y lo más irónico es que Bale ha defendido Flowers of War con pasión ante los que la han llamado demasiado propagandística. El día de la premier en Beijing, respondiendo preguntas sobre los que dicen que la película demoniza a los japoneses en exceso, Bale consideró que era “una reacción automática. No están viendo a la película con detenimiento”.

Viendo el trailer, ciertamente la película merece ser vista con detenimiento, muy al estilo visual de Zhang. Por la sinopsis parece ser una versión de La Lista de Schindler en chino (lo que no es necesariamente malo):

Un mortuario estadounidense (Bale) llega a la ciudad de Nanjing para enterrar a un sacerdote, justo durante la invasión japonesa de 1937. Se hace pasar por un sacerdote para salvar al grupo de estudiantes del convento local y a las prostitutas de las brutalidades japonesas.

El estreno en China es este viernes, y en EEUU y Europa el viernes 23. Aquí les dejo el trailer.

Estos Globos suenan a gnomos, tatuajes y rock

2011-12-15T16:51:00.001-04:30

Viendo la lista de nominados a Mejor Banda Sonora y Mejor Canción para los Globos de Oro, noto una sana combinación con moderno y tradicional, algo que no acostumbramos a ver con los Globos de Oro. Aquí les dejo los audios y videos.

Mejor Banda Sonora

Ludovic Bource, The Artist
Majestuosa, absolutamente evocativa de la era dorada de Hollywood. Como todo de esta película, va a ser difícil de vencer. YouTube no está permitiendo embeber los videos, pero aquí tienen una muestra.

Abel Korzeniowski, W.E.

Yo ni sabía que esta película existía, y de ver el trailer (que les incluyo) nunca adivinarían quién la dirigió (se los digo más adelante). No pude encontrar una pieza de la banda sonora, pero Korzeniowski tiene experiencia en esto, recibiendo una nominación por su trabajo de A Single Man. Debe tener buenos chances.

Trent Reznor y Atticus Ross, The Girl With The Dragon Tattoo

Please Take Your Hand Away by Trent Reznor and Atticus Ross on Grooveshark

La gran sorpresa del año pasado fue que el fundador de Nine Inch Nails también tenía talento para componer para películas, ¿qué tal? Este año David Fincher lo volvió a contratar, yo sé si es porque la película se supone que debe ser toda deprimente y oscura, pero esta banda sonora no me mueve tanto como la de La Red Social. Sin embargo, sigue siendo Reznor, y sólo por ser tan distinto a los demás tiene mi voto.

Howard Shore, Hugo

Shore es uno de esos compositores con los que uno siempre puede contar: sus composiciones pueden ir desde lo majestuoso de El Señor de los Anillos hasta lo callado y mágico de Hugo.

John Williams, War Horse

The Charge and Capture by John Williams on Grooveshark

¿Tú quieres una apuesta segura? ¿Qué más que John Wiliams? Y lo que me divierte es que el hombre sigue siendo inconfundible. Díganme que no oyen las primeras tonadas y no piensan en Superman.

Mejor Canción

“Hello Hello”, Elton John y Lady Gaga

Si él no fuera gay, sería una pareja hecha en el cielo: Lady Gaga y Elton John cantan la canción de amor de la tristemente fallida versión del clásico de Shakespeare, Gnomeo y Julieta. Tan dulce y tierna que me provoca vomitar.

“The Keeper”, Chris Cornell

Soundgarden está de vuelta, pero su cantante de vez en cuando sigue consiguiendo el tiempo para componer algo por su cuenta. Esta vez fue una estilo country para “Machine Gun Preacher”, con Gerald Butler. Muy buena, como casi todo lo que hace Cornell, pero si ignoraron la de Bruce Springsteen para El Luchador, dudo que esta tenga chance.

“Lay Your Head Down”, Sinead O’Connor

Otra que resucitó este año. La propia Glenn Close escribió la letra para esta canción para Albert Nobbs, donde interpreta a una mujer que se hace pasar por hombre en la Gran Bretaña del siglo XIX. O’Connor aún tiene una voz espléndida, y la canción es sencilla y hermosa. Tiene buen chance.

“The Living Proof”, Mary J. Blige

La voz de esta mujer me transporta –creo que hay pocas que mezclan lo clásico del soul con las sensibilidades modernas-- y la letra es muy adecuada para “The Help”. Creo que esta es por la que votaré para ganar.

“The Masterpiece”, Madonna

Síp, W.E. es dirigida por Madonna. ESA Madonna. La película se ve muy bien, pero la canción es muy al estilo de la cantante –lo que no quiere decir que sea mala. Algo me dice que quedará entre esta y “The Living Proof”, y honestamente prefiero que gane la segunda, pero debo aplaudir a la Ciccone por un proyecto tan ambicioso como W.E.: escribió el guión, la dirigió y compuso esta canción para la banda sonora.

¡Nos vemos el 15 de enero!

Llenen sus Globos de Oro de aire y empecemos a especular

2011-12-15T15:13:00.001-04:30

Por qué a estas alturas los Globos de Oro se siguen tomando como la medida de los premios de la Academia es algo que sigue intrigándome. La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood otorga estos premios básicamente para jalarle a los estudios que más regalos le dieron, no necesariamente qué película o programa o serie les gustó más (y mostraré ejemplos de esto durante las nominaciones). Sin embargo, son de los pocos que separan drama y comedia en sus categorías, así que como que no me quejo demasiado. Y hablando en serio, hay algunas nominaciones bien dignas, sin mencionar que el volver a contratar a Ricky Gervais como anfitrión, y por tercera vez, ciertamente muestra cojones.

Mejor Película (Drama)

The Descendants
The Help
Hugo
The Ides of March
Moneyball
War Horse

Casi todas esperadas, para ser sincero, en especial War Horse y Moneyball. Me sorprendió ver a Hugo ahí, aunque dado el amor que está recibiendo la película de Scorsese debía esperarse. No veo The Help recibiendo el equivalente a un Oscar como mejor Película sobre cualquiera de las otras, pero más allá de la evidente fuerza de las producciones de Spielberg y demás, la humilde cinta de Tate Taylor podría agarrar confianza y dar una sorpresa.

Mejor Película (Comedia o Musical)

50/50
The Artist
Bridesmaids
Midnight in Paris
My Week With Marilyn

Genial que la “comedia del cáncer” de Jonathan Levine tenga una justa nominación, al igual que la genial película de Kristen Wiig y compañía. Y nadie dudaba que Woody traería lo suyo para acá. Pero el amor que se le ha dado a The Artist, la película francesa muda que es a la vez una carta de amor a esa época y un extraordinario logro técnico y artístico, es tan grande, viniendo desde Cannes, que dudo mucho que no sea la que gane aquí.

Mejor Actriz (Drama)

Glenn Close, Albert Nobbs
Viola Davis, The Help
Rooney Mara, The Girl With the Dragon Tattoo
Meryl Streep, The Iron Lady
Tilda Swinton, We Need To Talk About Kevin

Básicamente las mismas que para los SAG, con la excepción de Rooney Mara que desde hace rato da de qué hablar con su versión de Lisbeth Salander. Así que repito lo anterior: si la Prensa Extranjera tiene cojones, se lo daría a Tilda Swinton por su visceral interpretación en We Need To Talk About Kevin; si son los jalabolas que muchos los acusan ser, se lo darán a Glen Close sólo por ser una mujer que finge ser un hombre para poder trabajar (eso sí, una extraordinaria actuación).

Mejor Actriz (Musical o Comedia)

Jodie Foster, Carnage
Charlize Theron, Young Adult
Kristen Wiig, Bridesmaids
Michelle Williams, My Week With Marilyn
Kate Winselt, Carnage

Doble amor para Carnage, la nueva de Roman Polanski que yo necesito ver como que ya: la sola presencia de Foster y Winslet en el trailer es suficiente para darle la nominación. Winslet debe estar aburrida de recibir nominaciones, eso sí, y a Foster estoy seguro que ni le interesa. Theron nuevamente hace una actuación que uno no esperaría de ella en la nueva de la dupla de Juno (el director Jason Reitman con un guión de Diablo Cody). Y Wiig tenía que recibir una nominación por la maravilla que hizo en Bridesmaids. Pero si he de seguir la costumbre de los Globos, lo más probable es que Williams finalmente vea su talento recompensado por su interpretación de Marilyn Monroe.

Mejor Actor (Drama)

George Clooney, The Descendants
Leonardo DiCaprio, J. Edgar
Michael Fassbender, Shame
Ryan Gosling, The Ides of March
Brad Pitt, Moneyball

Es bueno que Ryan Gosling haya recibido una nominación; este sin duda ha sido su año. ¿Pero que sea por The Ides of March y no por Drive? Pol Diox. Todas las demás me las esperaba, y a todas las aplaudo, con la excepción de la de Leo, pero la verdadera sorpresa es que la prensa Extranjera haya reconocido que la cruda y hasta inquietante interpretación de un adicto al sexo que hace Michael Fassbender –una actuación basada muy poco en diálogo y más en actitudes—es algo que debe aplaudirse. Dudo mucho que gane –es más probable que sea Pitt, que igualmente lo merece—pero es señal que este pana tiene talento que no se limita a lo buenmozo que pueda ser.

Mejor Actor (Musical o Comedia)

Jean DuJardin, The Artist
Brendan Gleeson, The Guard
Joseph Gordon-Levitt, 50/50
Ryan Gosling, Crazy, Stupid, Love
Owen Wilson, Midnight in Paris

No digo que lo haya hecho mal, y de hecho demostró tener talento para la comedia, pero darle una nominación a Ryan Gosling por Loco Estúpido Amor es eso, loco y estúpido. Jaladera completa. Las otras sí es verdad que las aplaudo a rabiar, en especial por Gleeson, quien da una actuación de su vida como un desconfiado y maleducado policía irlandés, y por JoGo, quien sigue creciendo año a año. De corazoncito quisiera que ganara Wilson, pero DuJardin es el Christoph Waltz de este año, sin duda.

Mejor Actriz Secundaria

Berenice Bejo, The Artist
Jessica Chastain, The Help
Janet McTeer, Albert Nobbs
Octavia Spencer, The Help
Shailene Woodley, The Descendants

Me alegra que aquí sí le den su apreciación a la debutante Shailene Woodley, quien mucha gente dice incluso supera a Clooney haciendo de su hija mayor. Este es el año de Chastain, sin duda, recibiendo halagaos por cada película que hace, pero The Artist parciera tener un toque mágico y eso puede ayudar a Bejo.

Mejor Actor Secundario

Kenneth Branagh, My Week With Marilyn
Albert Brooks, Drive
Jonah Hill, Moneyball
Viggo Mortensen, A Dangerous Method
Christopher Plummer, Beginners

Dos actores cómicos sorprendieron por su trabajo dramático este año: Jonah Hill, quien da una callada pero my convincente actuación en Moneyball, yendo de tú a tú con Brad Pitt, y Albert Brooks, quien es francamente bien perturbador como el villano en Drive. Y siempre es bueno ver a Viggo nominado a lo que sea, aunque me da dolor escuchar que la película no es tan buena (igual la pienso ver). Aquí repito: si hay alguna justicia, Christopher Plummer finalmente recibirá el premio que desde hace tanto tiempo se merece.

Mejor Película Animada

The Adventures of Tintin
Arthur Christmas
Cars 2
Puss in Boots
Rango

Histórico: por primera vez en no sé cuánto tiempo, ni Pixar ni DreamWorks tienen asegurado el premio a mejor película animada, principalmente porque Cars 2 fue una desilusión y Puss In Boots no fue la sexta maravilla del mundo. Añadan que Arthur Christmas no ha dejado enamorado a nadie, y la cosa queda entre los debuts en animación de dos grandes: Spielberg con Tintin y Gore Verbinski con Rango. Para mí no habría discusión, siendo que Rango sigue siendo una de mis favoritas del año, pero Tintin se ve tan espectacular que creo que es difícil de vencer.

Mejor Director

Woody Allen, Midnight in Paris
George Clooney, The Ides of March
Michel Hazanvicius, The Artist
Alexander Payne, The Descendants
Martin Scorsese, Hugo

Woody Allen no había sido nominado al Globo desde 2005 (Matchpoint) y no lo ha ganado desde 1986 (La Rosa Púrpura del Cairo), de hecho la única vez que lo ha ganado. ¿Será esta la segunda? Qué más quisiera yo, pero dudo mucho. La carta de amor al cine que es Hugo pesa bastante –y el hecho que sea Marty ayuda— y Payne hace rato que merece un premio de estos, pero lo que Hazanvicius ha hecho con The Artist es quizá algo que nunca podrá ser repetido. Dénselo y ya. Y el Oscar también.

Mejor Guión

Woody Allen, Midnight in Paris
George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon, The Ides of March
Michel Hazanavicius, The Artist
Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash, The Descendants
Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Moneyball

Todos estos guiones tienen muchísimo corazón y están excelentemente construidos, pero me voy a atrever a ser repetitivo y decir que el mayor reto fue para The Artist. Si no va para él, que sea para Midnight In Paris.

Mejor Película Extranjera

The Flowers of War (China)
In the Land of Blood and Honey (EEUU)
The Kid With A Bike (Bélgica)
A Separation (Irán)
La Piel Que Habito (España)

(Los enlaces son a los respectivos trailers.) ¿De verdad el debut de Angelina Jolie como directora merece una nominación al Globo de Oro? Bueno, si tú lo dices… Y me da risa que tres tienen a alguien de Hollywood involucrado (además de la Jolie, The Flowers of War tiene a Christian Bale, y bueno, ya a estas alturas Antonio Banderas es más de Hollywood que de España). Los hermanos Dardénne son sinónimo de prestigio, así que siempre hay que pensar en ellos, pero estos son los Globos; lo más probable es que vaya para Angelina o para Pedro.

Me faltan Mejor Canción y Mejor Banda Sonora, pero a eso me dedicaré en un post aparte.

La SAGa de la temporada de premios comienza: nominados a los Premios del Sindicato de Actores

2011-12-15T11:58:00.001-04:30

¿Huelen eso? ¿Lo sienten? Es esa época mágica del año, en que las familias se reúnen, la plata fluye y fluye en regalos y las cenas abundan. No sólo es Navidad; empieza la temporada de premios en Hollywood, y comienzan con el anuncio de las nominaciones al Sindicato de Actores (Screen Actors Guild), pautados para entregarse el 29 de enero (y supongo que serán transmitidos por TNT).

Salvo una excepción, no hay ninguna película que se haya destacado ciegamente este año a la hora de los premios, así que los que tenemos como hobby tratar de predecir la vamos a tener divertida. La excepción de la que hablo es The Artist, una oda al cine mudo que tiene a medio mundo llorando de emoción por su novedosa ejecución y su hasta ahora indiscutible belleza. Y con todo y eso, es la segunda con más nominaciones, con tres, luego de The Help, el drama de una joven escritora en los años 50 que quiere revelar el drama de las sirvientas negras en el sur de los EEUU, que tiene cuatro.

Mejor Actriz

Viola Davis, The Help
Glenn Close, Albert Nobbs
Meryl Streep, The Iron Lady
Tilda Swinton, We Need To Talk About Kevin
Michelle Williams, My Weekend With Marilyn

La categoría de las damas principales está muy, muy fuerte, con dos veteranas que me hacen pensar que están allí ya para darle clase a la categoría. Y además, dos interpretaciones de figuras históricas: Streep haciendo de Margaret Thatcher y Williams en la piel de Marilyn Monroe. Quizá sea demasiado fácil otorgarle el premio a una imitación (aunque en el caso de ellas dos es más transformación), así que quedan Davis y Swinton. Davis es majestuosa y humilde a la vez en el papel de una sirvienta que ya ha tenido suficiente, pero el papel de Swinton de una madre cuyo hijo ha cometido algo terrible es de lo más desgarrador y visceral que se haya visto; yo votaría por ella o por Davis.

Mejor Actor

Demián Bichir, A Better Life
Jean Dujardin, The Artist
George Clooney, The Descendants
Leonardo DiCaprio, J. Edgar
Brad Pitt, Moneyball

Otra categoría bastante fuerte, con una excepción: Leo. Su interpretación como el fundador del FBI, J. Edgar Hoover, en la biopic dirigida por Clint Eastwood, tenía demasiado de Leo y muy poco de J.E., en una película que tampoco convenció del todo. Bichir es el triunfo para los latinos: un veterano actor que da una sentimental interpretación como un padre indocumentado en Los Ángeles, y se da duro contra la perfecta mezcla de comedia y drama que trajo Clooney y la sutil interpretación del manager Billy Beane de Pitt. Pero Dujardin no ha dejado de montar la ola que le dio el triunfo en Cannes por su brillante interpretación de un afamado actor del cine mudo que no logra adaptarse con la llegada del sonido, y dudo que lo haga ahora; sería bien arriesgado votar en su contra.

Mejor Actriz Secundaria

Jessica Chastain, The Help
Octavia Spencer, The Help
Bérénice Bejo, The Artist
Melissa McCarthy, Bridesmaids
Janet McTeer, Albert Nobbs

El estar en la película “in” le da a Bejo la ventaja, sin mencionar que su actuación como una novel actriz del cine mudo que hace una exitosa transición al sonoro, es de las más dulces y divertidas del año. Pero este ha sido el año de Chastain desde que salió de la nada en The Tree of Life, destacándose una y otra vez en cada papel que interpreta. Y aplaudo infinitamente que la genial actuación de McCarthy en Bridesmaids sea reconocido. Yo quiero inclinarme por Bejo, pero no descuiden a Chastain. (¿Y qué pasó con Shailene Woodley, que tanto dio que hablar por su papel en The Descendants?)

Mejor Actor Secundario

Kenneth Brannagh, My Weekend with Marilyn
Armie Hammer, J. Edgar
Jonah Hill, Moneyball
Nick Nolte, Warrior
Christopher Plummer, Beginners

Dos novatos compiten con tres peso pesados. Hammer ya se había destacado por su doble papel como los Winklevoss en La Red Social, y de hecho si no recibió reconocimiento en aquel entonces no ganará ahora. Es una enorme sorpresa que Hill haya recibido una nominación, pero sin duda se lo merece por su rol tan distinto a lo que nos tiene acostumbrados en Moneyball. Brannagh y Nolte están ahí porque sí, el primero por su imitación del legendario Sir Lawrence Olivier y el segundo como el rudo padre de dos luchadores de artes marciales mezcladas. Pero mi voto tiene que ir para Christopher Plummer: este hombre nunca ha dado un mal papel en su vida, y ahora al final de ella está empezando a tomar riesgos, como este papel de un hombre de 72 años que, luego de la muerte de su esposa, le declara a su hijo su deseo de explorar su homosexualidad. Es una actuación a la vez tierna y muy humana, y yo le exijo al Sindicato que se la recompense.

Mejor Elenco

Bridesmaids
The Help
The Descendants
The Artist
Midnight In Paris

El gran premio de la noche premia el colectivo, y es aquí donde Bridesmaids tiene su mayor fortaleza; todo el mundo en ese elenco servía, así tuviera sólo unos minutos en pantalla. Lo mismo puedo decir para Midnight In Paris, algo muy típico de Woody Allen, que logra sacar lo mejor de sus conjuntos consistentemente. La más floja que veo es The Descendants, que a pesar de muchas buenas críticas todas se han enfocado en Clooney y Woodley. Las dos favoritas tienen, sin duda, muchísimo peso: The Artist muestra todas las distintas aristas de la fuerte transición que debió suponer lo mudo al sonoro en el cine, mientras que no hay una pata floja entre las mujeres de The Help en captar el ámbito psicológico del sur de los EEUU en los 50. Mi favorita personal es la de Woody, pero yo creo que va a ser difícil ganarle a The Help.

Pendientes de la noche del 29 de enero, pues, a ver cuánto termino de equivocarme.

Corto Pero Grueso: Vincent (1982)

2011-12-15T09:56:00.000-04:30

Los jueves son días de cortometraje, ese estilo que tanto se ha beneficiado de Internet y la cultura de los celulares inteligentes. ¿Saben de uno? Avisen vale, no sean malos.

Antes de soñar con A Nightmare Before Christmas, Tim Burton ya tenía la magia de la animación “stop-motion” en sus manos. Si no vean, esta colaboración con el inigualable Vincent Price en Vincent.

Plasma de Miércoles E89: The Breakfast Club (1985)

2011-12-14T09:02:00.000-04:30

Algunos de los clichés más usados para algunas películas hacen que la importancia de ellas quede diluida. Cuando una película “marca una generación” o “un hito” o narra “la historia de una vida”, lo primero que debe venir a la cabeza es “hipérbole”. Pero The Breakfast Club –traducida en algunas partes como El Club de los Cinco—se atiene a la primera de esas descripciones y en realidad mucho más, pues como tantas películas del director John Hughes, se considera que ninguna ha capturado tan adecuadamente al típico adolescente norteamericano de los 80 –y en realidad, a cualquier adolescente, punto.

Es sábado, y cinco muchachos han sido llamados a castigo por un director (Paul Gleason) quizá demasiado estricto. Todos representan estereotipos que aún hoy se ven en los colegios: está Claire, la princesita (Molly Ringwald); Andrew, el atleta (Emilio Estévez); Brian, el “nerd” (Anthony Michael Hall); Allison, la friqui (Ally Sheedy); y John Bender, el malandro (Judd Nelson). No podrían ser más distintos –y sin embargo, a medida que va pasando el día descubren que tienen mucho más en común de lo que pueden pensar.

Quizá se pueda pecar de idealista, más aún esta época que “película para adolescentes” es mostrar cuanto sexo y borrachera se pueda mostrar, pero The Breakfast Club hizo algo que no se hace hoy en día cuando Jersey Shore es el triste rey: trata a los adolescentes como gente pensante y tratante. Aquí no es que haya diálogo filosófico digno de Platón, o conversaciones de la altura y velocidad que podemos ver en The Social Network, pero es del diálogo más sincero que se puede ver en una película. A medida que uno ve por lo que pasa un chamo de 16, 17 años en la escuela, sin importar qué tan grande, malo o bonito eres, la escuela para muchos era una época difícil. Pero, citando a Anna Karenina (wow, de verdad me puso literario, ¿no?), así como “cada familia infeliz es infeliz a su propio manera”, cada uno experimenta el sufrimiento de la escuela a su propia manera. “Tienes que ser excelente estudiante, tienes que destacarte en deportes, tienes que lucirte ante un público”. O mira sabes, “¿para qué me molesto en criarte? ¿O para qué vienes, si lo que vas a terminar es en un sanatorio o la cárcel?” Y a pesar de ello, no hay la angustia melodramática que se pueda ver en Crepúsculo. Aún a pesar de las fallas personales que tiene cada personaje, no tienes ningún problema en aceptarlos

El mayor contraste que veo entre The Breakfast Club y cualquier película de su estilo en la actualidad es que sus protagonistas no son escogidos tanto por cómo se ven sino por su evidente talento. Aunque claro, en promedio están pujando la edad de colegiales, en particular Nelson, pero al final realmente no importa. Nelson tiene una presencia única con su distintiva cara que algo tiene; es una lástima que hoy en día no esté en ninguna parte importante, básicamente. Igual con Ringwald y Sheedy, y me divierte que Hall hoy en día se haya convertido en un tipo rudo después de sus orígenes. Pero este fue el pico para todos: Ringwald puede ir de encantadora a indignante en un parpadeo, y Estévez, como buen miembro de su familia, puede ser intenso o divertido con facilidad y credibilidad. Hall repite su papel de otro clásico de Hughes, Sweet Sixteen, quizá con un poco más de profundidad y sentimiento, proveyendo del tradicional elemento de comedia. Sheedy es la única que actuó en contra de su tipo: realmente tú la ves y te preguntas, ¿esta pana está loca?

Visto como un clásico de los 80, The Breakfast Club puede verse también como una versión superficial de El Ángel Exterminador de Luis Buñuel: ¿qué pasa cuando un grupo de personas no puede salir de una habitación? Puede descender el caos, pero después de ello invariablemente sale el orden. Sin duda es entretenida, bien escrita y excelentemente actuada, los tres elementos básicos para una buena película, pero es también una mirada nostálgica a una época donde no necesitabas mostrar una chama apenas vestida o cincuenta millones de chistes de vómito para atraer a un público joven. Cómo te extraño, John Hughes.

NOTAS CURIOSAS

Emilio Estévez iba a interpretar a Bender, pero John Hughes no consiguió a nadie que interpretara a Clarke, así que Estévez aceptó hacerlo. Igualmente, Molly Ringwald tenía muchas ganas de interpretar a Allison, pero ya le habían prometido el papel a Ally Sheedy.
Se consideró a Jodie Foster para Claire y Brooke Shields para Allison. (Shileds y Nelson luego actuarían juntos en la serie cómica Suddenly Susan).
La hermana y mamá de BRian son la hermana y mamá de Anthony Michael Hall. Su padre, quien lo pasa buscando al final de la película, es el propio John Hughes.
La biblioteca donde tiene lugar la película fue construida para ella en el gimnasio de la escuela Maine North High School, la que había cerrado dos años antes que la filmación empezara. (Hoy en día es una estación de policía estatal de Illinois.)
Hughes insistió en que el elenco y el eqipo comieran en la cafetería de la escuela.
Se consideró a Nicolas Cage como Bender al principio, pero no se podía pagar su salario. Luego iba a ser John Cusack, pero Hughes lo reemplazó antes de empezar a filmar.
Todo el elenco ensayó la película como si fuera una obra de teatro antes de empezar a filmarla. Luego de su éxito, se le pidió a Hughes que reescribiera el guión como tal para que grupos teatrales colegiales pudieran interpretarla. (Aquí tienen el guión, si les interesa.)
La escena donde todos se sientan en un círculo y dicen por qué los castigaron es completamente improvisada.
John Hughes casi despide a Judd Nelson por lo mal que trataba a Molly Ringwald. Paul Gleason convenció a Hughs que Nelson simplemente era un buen actor y estaba tratando de mantenerse en personaje.
Se había propuesto que habrían varias secuelas, donde los personajes se reunieran cada diez años. Pero dada la volátil relación entre John Hughes y Judd Nelson (el director juró nunca volver a trabajar con Nelson de nuevo), y cómo Ringwald dejó el género de películas adolescentes para siempre, esas esperanzas se eliminaron.
Nelson, Sheedy y Estévez interpretan estudiantes de bachillerato el mismo año que interpretaron graduados universitarios en St. Elmo’s Fire. De hecho, los únicos con edades para bachilleres eran Ringwald (17 años) y Hall (17 también). Nelson tenía 26, y Estévez y Sheedy tenían 23.
John Kapelos, quien tiene un pequeño papel como Carl el conserje, jugó con los actores que no exageraran la intensidad recordando que a Martin Sheen le dio un infarto mientras filmaba Apocalipsis Ahora. Esto enfureció a Emilio Estévez, el hijo de Martin Sheen, lo que dejó a Kapelos en el sitio (y no entiendo cómo, si Estévez y Sheen son idénticos). Se disculpó con Estévez, éste la aceptó y la película siguió como si nada, pero la conciencia de Kapelos lo tenía mal duranet muchos años. Cuando tuvo un pequeño papel en The West Wing en 1999, le contó a Sheen la historia, al que le pareció graciosísima, y le dio un poco de paz a Kapelos.
El tema para la película, “(Don’t You) Forget About Me”, fue escrito para la película por Keith Forsey, quien luego produciría las bandas sonoras de Flashdance y Un Policía en Beverly Hills II, y Steve Schiff, y fue ofrecido a Brian Ferry, Billy Idol y la banda The Pretenders. Ferry la rechazó, Idol también (aunque incluyó una versión como una pista extra en su disco de grandes éxitos de 2001) hasta que Chrissie Hynde, cantante de The Pretenders, la propuso para la banda de su esposo en aquel entonces, Jim Kerr. Se convirtió en el mayor éxito de Simple Minds, y aquí se las incluyo.

Pa' La Casa: 13 de diciembre de 2011

2011-12-13T09:24:00.000-04:30

¿Aún sin nada que regalar al fan de las películas en tu vida? Esta es la última semana antes de Navidad –apúrate. También incluiré las de la semana próxima, si eres así de procastinador.

Rise of The Planet of The Apes

Sinopsis: Obsesionado con encontrar una cura para el Alzheimer’s, un joven científico (James Franco) aplica una droga experimental a un chimpancé inusualmente brillante (Andy Serkis) –e inicia lo que puede ser el fin de la humanidad.

Sin duda el éxito sorpresa de este verano, esta precuela/nuevo arranque de la clásica cinta de ciencia ficción es hasta ahora mi película favorita del año, con una extraordinaria puesta en escena y un guión hasta inteligente, con una impresionante actuación de Andy Serkis como el más realista personaje animado hecho hasta ahora.

Veredicto: Digna de comprarse. A menos que seas un mono. Pensándolo bien, un mono estaría fascinado.

Para coleccionistas/puristas: Hay una edición especial de dos discos combo Blu Ray/DVD/copia digital que escenas borradas, un programa con la mitología del Planeta, Andy Serkis preparándose, una galería de arte conceptual, la creación de César, un documental sobre los grandes simios del mundo, un comentario del director Rupert Wyatt y otro con los guionistas Rick Jaffa y Amanda Silver y más.

Kung Fu Panda 2

Sinopsis: El gordo Po (con la voz de Jack Black) vive la vida de4 lo lindo ahora como el Guerrero Dragón, hasta que su maestro (Dustin Hoffman) le advierte que el malvado pavo real Lord Shen (Gary Oldman) se ha apoderado de un arma que podría acabar con el kung fu.

Aunque no tan divertida como la primera, esta secuela tiene mucho corazón y unas escenas de animación impresionantes, sin mencionar que Gary Oldman logró hacer un pavo real atemorizante, además de un villano curiosamente complejo para ser una película animada.

Veredicto: El camino es claro, pequeño saltamontes: has de comprarla.

Para coleccionistas/puristas: El ya tradicional combo viene bien cargado de extras: un corto llamado Secretos de los Maestros, un vistazo a la nueva serie animada Kung Fu Panda: Legends of Awesomness, comentarios de los realizadores y más. También puedes comprar el combo con las dos películas y el nuevo corto.

The Rocketeer

Sinopsis: Cliff Secord (Bill Campbell) consigue un jet-pack secreto que le permite volar con la velocidad de un rayo, que un ambicioso actor (Timothy Dalton) busca con ahinco --para entregarlo a los Nazis.

Esta fue la película de cómics hecha antes de la fiebre por la película de cómics, y es la que todos debimos ver cuando nos enteramos que Joe Johnston iba a ser el director de Capitán América. Aún estoy por verla, pero desde su estreno se ha convertido en algo así como un hit de culto.

Veredicto: Si te atreviste a comprar Linterna Verde, el colmo sería que no te compraras esta.

Para coleccionistas/puristas: No tengo la lista de extras que incluye, pero sabes, si es la edición por el 20° aniversario, debe tener varios.

Medianoche en París

Sinopsis: Mientras de vacaciones en la Ciudad Luz, un escritor (Owen Wilson) obsesionado con el París de los años 20' tiene un muy cercano encuentro con los héroes de su pasado que lo hace reevaluar su presente.

Recién acabo de ver lo más reciente de Woody Allen y creo que sin duda es lo mejor del año. Causalmente romántica, sutilmente divertida y sorprendentemente conmovedora, es de esas películas que te ponen a reflexionar sobre ti y la vida en general a la vez que te entretiene de lo lindo.

Veredicto: Es posible que no valga más de dos o tres re-visiones, pero ciertamente vale que la vean.

Para coleccionistas/puristas: Muy típico de Allen, este amigo viene peladito en cuanto extras, con un especial sobre la presentación en Cannes de la película y una galería de fotos. ¿Woody? ¿Hacer un comentario? Sí vale…

Fright Night

Sinopsis: Un adolescente (William Ragsdale/Anton Yelchin) descubre que su vecino (Chris Sarandon/Colin Farrell) es un vampiro, y le pide ayuda a un ilusionista (Roddy MacDowall/David Tennant) a que lo ayude a destruirlo.

La original es una querida de mi juventud, y la nueva demuestra que no todos los remakes son tan malos. Claro, nadie puede superar a Roddy MacDowall en nada, pero eso no impidió a David Tennant robarse varias de las escenas en las que apareció. Y esta es sin duda la mejor interpretación que Colin Farrell ha tenido en muchos años.

Veredicto: La original es de muerte lenta, la nueva vale la pena al menos una visita.

Para coleccionistas/puristas: La original debuta en Blu-Ray pero de vaina y tiene dos trailers y la banda sonora aislada. ¿Qué pasó, me van a decir que no había nada veintypico de años después? Ni mod, igual esta es digna de tener en la colección.

La nueva, en cambio, tiene varios: pelones, el video de Kid Cudi para el tema "No One Believes Me", un enfoque al personaje Peter Vincent, cinco escenas borradas y algunos datos sobre vampiros, entre otras.

The Expendables

Sinopsis: El soldado de fortuna Barney Ross (Sylvester Stallone) reúne a su equipo (Jason Statham, Jet Li, Terry Crewes y Randy Couture) para derrocar a un malvado dictador (David Zayas) quien de paso está ayudado por un ex CIA (Eric Roberts) con un duro guardaespaldas ("Stone Cold" Steve Austin).

Creo que lo único más de machos que esta película es el solo afiche de su secuela, pero sin duda poca gente puede discutir queesta fue la mejor reunión de testosterona de la que se tenga noticias. No es que haya sido el granm éxito de taquilla, pero es tal la cantidad de ridícula película de acción que nadie va a discutir con ella. Además de los tya mencionados, no se pierdan que incluye a Mickey Rourke y Dolph LundgrenYo estoy que me pico por verla.

Veredicto: Si eres hombre, tienes que tenerla. Si eres mujer, tienes que ganarte el respeto de tu novio y tenerla. Si no tienes novio, esta película lo atraerá.

Para coleccionistas/puristas: El nuevo Blu-Ray, además de ser la versión extendida del director, incluye una copia digital, una introducción a la película por Stallone, un enfoque en el hombre y su carrera como director, un documental de casi dos horas de detrás de escenas, un programa de Spike TV dedicada a la película y el video musical de la película con Sully Erna de Godsmack.

Trilogía Transformers

Sinopsis: Una raza de robots en guerra que pueden transformarse en vehículos trae su pleito a la Tierra en medio de inseguros adolescentes, las mamis más hermosas del planeta y muchas, muchas explosiones.

Si The Expendables es para hombres, Transformers es para universitarios que sueñan con serlo. Las tres películas de la saga inspirada en los muñecos de Hasbro --y Michael Bay, después de decir que no lo haría, está pensando en dirigir la cuarta-- han recaudado la bicoca de casi 3 billones de dólares en taquilla, demostrando que los críticos --que dijeron "bueh" a la primera, aborrecieron la segunda y dijeron "meh" con la tercera-- y el público definitivamente no están viendo las mismas vainas.

Veredicto: ¿De verdad qué te importa lo que yo voy a decir? Yo quedé agotado luego de ver las dos primeras, y sí, las veo cada vez que las ponen en el cable, pero no creo que las compre y menos las tres juntas.

Para coleccionistas/puristas: Estoy seguro que más de uno que compró las películas originales de primero deben estar mentando madre, porque esas de vaina tenían la película. No hay listas de extras para esta edición triple, pero si en serio creen que no vana estar cargaditos como debe ser, no han estado prestando atención.

Dolphin Tale

Sinospsis: La verdadera historia de cómo un niño (Nathan Gamble) rescató a un pequeño delfín que perdió su cola en una trampa para cangrejos, y convence a un equipo de hacerle una cola prostética.

La más Disney de las películas que no fueron de Disney este año, ciertamente ofrecerá una linda historia para compartir en familia.

Veredicto: A tus hijos les encantará.

MENCIONES ESPECIALES:

Seven Chances: Un clásico de Buster Keaton hace su debut en un hermoso Blu-Ray de colección.
Heavenly Creatures: El siniestro debut de un tal Peter Jackson en la dirección.
Five Element Ninjas: Artes marciales clásicas de los 80, con los doblajes malos y los increíbles saltos.

El Gato con Botas: Te hacen falta más que las botas, amiguito

2011-12-10T21:54:00.002-04:30

El spin-off: esa extraña costumbre de agarrar a un personaje secundario de una popular película y convertirlo en principal. En televisión es oro: funcionó con Cheers, que nos dio Frasier; no funcionó con Friends, que nos dio Joey. En el cine, bueno… Miren todas las películas basadas en personajes de Saturday Night Live, miren cómo salió X-Men Origins: Wolverine luego de X-Men. Evan Almighty. La Caravana del Valor: Una Aventura Ewok. Catwoman. Así que hay que ver con aprensión cómo toman a un personaje ni siquiera secundario, sino terciario de la franquicia de Shrek y le dan su propia película.

Para ser absolutamente sinceros, no está mal. La estoy olvidando en este instante que salí del cine de verla, pero no está mal.

Varios años antes que cruzara el camino de nuestro ogro verde favorito, el Gato con Botas (Antonio Banderas) es un fugitivo perseguido por un crimen que no cometió. Finalmente oye de las habichuelas mágicas, que los ladrones Jack (Billy Bob Thorton) y Jill (Amy Sedaris) tienen en su poder. Pero justo cuando las va a agarrar, se cruza con la sensual Kitty Patas Suaves (Salma Hayek), que lo lleva a cruzar caminos con un viejo amigo/enemigo, Humpty Dumpty (Zach Galifianakis), quien lo convence de buscar las habichuelas juntos –lo que podría redimir su nombre.

Ciertamente los temores que esto iba a ser Shrek 5 no son infundados, pues esa serie de películas no es nombrada en ningún momento. No, el Gato con Botas debe pararse solito en sus dos patitas, y en general lo logra, pero la magia de sus predecesoras no está allí. No sé si es la ausencia de las muy justificadas referencias culturales, o que los personajes de los cuentos de hada no son tan bien usados, o es que sencillamente el guión no tiene tanta fuerza como las anteriores. O es que ya lo hemos visto todo: la desilusión de no encajar, la envidia, la redención, y es como pesado verlo todo junto en una película animada.

Pero vaya una película animada del punto de vista técnico. A estas alturas Dreamworks se sabe manejar en un área que Pixar aún no agarra: crear personajes tan grotescos que son divertidos (aunque ese premio se lo está llevando Rango este año). Aquí hay estudios serios del comportamiento felino, y los gatos protagonistas se mueven tan naturalmente como se espera lo haga un felino ligeramente antropomorfo. Y claro, están las actuaciones que lo complementan: Banderas goza un mundo haciendo su imitación de “er gato Jinx” y, aunque su exagerado acento andaluz a veces hasta distrae, el joie de vivre que le inyecta al Gato con Botas hace que entendamos por qué no se quiso dejar morir el personaje. Hayek, que a estas alturas actúa junto a Banderas como si nada, es tal cual la chica que no necesita ayuda, pero reboza sensualidad. Galifianakis, por su parte, es una versión callada y traumatizada (más) del Alan de The Hangover; no es gran cosota.

Y eso mismo es lo que puedo decir de El Gato con Botas. Mientras es una divertida aventura sin más pretensiones que entretener, ya Shrek es parte de la cultura popular. Creo que hacer un spinoff de una de las franquicias más exitosas de la historia se merecía un esfuercito adicional.

Medianoche en París: Liberté, creativité, et l'amour

2011-12-09T10:57:00.004-04:30

Que a los 76 años Woody Allen aún pueda trabajar al ritmo que lo hace, sacando una película al año consistentemente, revela lo que bien puede ser una combinación de su complejo obsesivo-compulsivo con un incontrolable amor al cine. Y supongo que esa combinación le permite crear lo que sólo puedo llamar las más maravillosas cartas de amor a las ciudades y a la gente que lo inspira. Cada ciudad donde sus películas se desarrollan es un personaje más. ¿O qué más esperarían ustedes de una película llamada Manhattan? Y díganme que no empezaron a planificar su próxima visita a España luego de ver Vicky Cristina Barcelona.

En Medianoche en París, el director hace mucho más que presentar una hermosa postal de la Ciudad Luz –es una oda a cada brochazo, cada letra, cada impulso artístico que lo ha empujado a crear cada expresión, sea musical, fílmica o escrita, en toda su carrera. Allen ha mirado hacia adelante, piensa que no lo pueden quedar muchas películas más por hacer, y ha dicho “gracias”.

Gil (Owen Wilson) e Inez (Rachel MacAdams) aprovechan que los padres de ella (Kurt Fuller y Mimi Kennedy) están de viaje de negocios en París y van con ellas en una pre-luna de miel. Gil es un exitoso guionista de Hollywood pero está desencantado con el trabajo, y París lo enamora, en particular la histórica escena artística que se dio allí en los años 20. Quiere mudarse y dedicarse a escribir su novela, pero Inez no quiere dejar la vida en Malibú.

Una noche, mientras Inez sale con una pareja que él no soporta, Gil decide dar una caminata por París antes de la medianoche, para pensar mejor sobre su vida y su pasión. De repente un Plackard de 1922 se detiene, y sus pasajeros lo invitan a subir (claro, ¿por qué no?) y Gil decide darle (una vez más, ¿quién no se montaría en un carro con extraños en un país extranjero?). Cuando viene a darse cuenta, está en un local donde hay una fiesta, y la voz del que toca el piano suena mucho a Cole Porter (Yves Heck), y le presentan Zelda (Alison Pill) y Scott… ¡¿Fitzgerald (Tom Hiddleston)?! Como si fuera poco, Scott lo lleva a otro café donde conoce a… Ernest Hemingway (Corey Stoll)… que le dice después de cinco minutos que le dará su novela a… Gertrude Stein (Kathy Bates)… que está en su casa discutiendo con… Pablo Picasso (Marcial Di Finzo Bo)… sobre el retrato que le hiciese a Adriana (Marion Cotillard), una joven estudiante de diseño de modas. Esto no puede ser real… ¿o sí? Ciertamente Adriana se ve tan… hermosa… tan verdadera…

La verdad, Allen nunca explica si lo que le pasó a Gil está en su cabeza o no (aunque lo que le pasa a un personaje secundario más adelante da una clave), y no hace falta. En vez de eso, nos lleva con Gil a una odisea que es a la vez la respuesta a todas sus preguntas y una lección a vivir de ilusiones y verdaderamente buscarlas. ¿Qué es mejor, seguir añorando porque una época pasada fue mejor que la actual –un adagio tan conocido que ya es un cliché—o trabajar por hacer que la época actual sea igualmente buena? Y no sólo es una pregunta que Gil se hace, o que Allen que nosotros nos hagamos, sino que pareciera que el propio Allen se estuviera haciendo la misma pregunta (por algo es su primera película que fue coloreada digitalmente en vez de la tradicional manera fotoquímica –el hombre quiere aún experimentar a ver qué tal).

Owen Wilson nunca ha estado mejor, acostumbrados como estamos a sus papeles un poco alocados como en Zoolander, The Life Aquatic with Steve Zissou o, Dios nos libre, Hall Pass. Es sin duda el personaje de Woody Allen que hay en todas las películas de Allen –idealista, nervioso, nunca particularmente cómodo en su entorno actual. Su química tanto con MacAdams como con Cotillard es palpable, aún con un personaje tan insoportable como el de Inez. MacAdams la hace la propia niñita rica, malcriada y ligeramente avergonzada por su prometido el artista. No, ella prefiere estar con Paul, el pseudointelectual, interpretado genialmente por Michael Sheen. De verdad quieres abofetearlos a ambos, en particular en una escena donde Paul discute sobre la obra de Rodin con una guía turística, quien da la casualidad es interpretada por la Primera Dama de Francia, Carla Bruni. (Es tal que esperaba que Sarkozy apareciera como un concierge.)

Cotillard a estas alturas debe ser considerada un tesoro universal, con sus enormes ojazos y su encantadora cara que la hacen ver tan vulnerable y a la vez tan segura de sí misma, que nos hizo desgarrar el alma en La Vie En Rose y la hizo tan trágica y tan tenebrosa en Inception. El resto del elenco brilla en sus pequeños papeles, en particular Adrien Brody quien se nota gozó un mundo interpretando a Salvador Dalí. Stoll quizá lleva la imagen de macho machísimo de Ernest Hemingway demasiado lejos, y Kathy Bates es Kathy Bates en casi cualquier papel, Annie Wilkes de Misery exceptuada (lo que nunca es malo, esa mujer es genial). Hiddleston sí muestra mucha versatilidad, y después de verlo como Loki se está convirtiendo en uno de mis actores ingleses favoritos.

Curiosamente, al sacar el debate sobre si el pasado es mejor, Woody Allen nos ha dado con Medianoche en París la promesa de que su futuro luce mejor que nunca. Esta ha sido amplia y quizá justificadamente llamada su mejor película desde al menos Hannah & Her Sisters, así que quién sabe qué tienen aún que ofrecernos. Mientras tanto, mucho les pido me recomienden un buen agente de viajes que cobre bien barato.

El productor de la nueva Oldboy promete causarte un trauma permanente con el nuevo final

2011-11-28T17:19:00.003-04:30

Un grupo de blogueros y periodistas estadounidenses se sentaron con Roy Lee, el productor de la venidera 7500, en el set de esa película, incluyendo a la gente de Collider (lo leo en Screen Rant) y le sacaron información de otro film que lo tiene ocupado, como es la nueva versión de Oldboy, dirigida por Spike Lee. Digamos que el hombre hizo su trabajo de emocionar a la gente respecto a ella –al punto que si de verdad cumple, va a haber gente suicidándose en las calles después de la película, convencidos que la vida es una mierda y nada vale la pena.

Joda aparte, Lee (que como verán en las fotos no es familia de Spike) ya ha producido varios remakes de manera exitosa, en especial de cine asiático: tiene en su haber las versiones estadounidenses de The Ring, The Grudge e Infernal Affairs (esta última como la oscarizada The Departed, de Martin Scorsese), o sea que el hombre sabe qué buscar. En el caso de Oldboy –quizá uno de los remakes más rechazados de todos-- dijo que la pre-producción empieza en enero de 2012 (o sea ya) y las cámaras empiezan a rodar dos meses después. Así describió la narrativa de la nueva película (con guión del mismo de Thor y Soy Leyenda, Mark Protosevich), según cita Screen Rant:

Es muy similar [a la original de Park Chan-wook) pero hemos añadido nuevos elementos. O, Mark Protosevich ha inventado nuevos elementos para ella que desconcertarán a la audiencia porque hay nuevos personajes y nuevas situaciones que se presentan a sí mismos en una forma que cambia la historia pero eventualmente van en la misma dirección.

Ay coño. “Nuevos personajes”. “Nuevas situaciones”. “Desconcertarán a la audiencia”. Ya estas son palabras que inquieta a fanáticos (incluyéndome). Pero claro, si la historia se está mudando a los Estados Unidos (supongo que la Nueva York que Spike Lee tanto ama) es de esperarse, ¿no?

De paso, Lee el productor dice que hay una nueva versión de la más famosa escena de la película (y no me refiero a la de los pulpos) “en una forma que nunca se ha visto en una película de acción”. (Ojo: ver esa escena podría ser considerado un ligero spoiler para algunos.) Y bueno, sí hay que admitir que Lee el director se sabe poner creativo con las cámaras: sino miren el video que Screen Rant enlaza de una escena de Inside Man.

La cita que de verdad me llamó la atención es respecto al final, que cuando hablamos de Oldboy tiene que ser uno de los mayores shocks en la historia del cine. Yo ni soñaría en contarles lo que es, pero demuestra que tanto Park Chang-wook es un genio enfermizo, retorcido y brillante, sin duda alguna. (Las negritas son mías.)

[El nuevo final] será que todo el público estará… especialmente los fanáticos de la primera estarán muy felices. De hecho, algunos podrían considerarlo un poco más oscuro.

Un poco más oscuro. Que el final de la original. Uno de los más retorcidos y angustiantes (y geniales) finales de todos. ¿Y lo van a hacer más oscuro? Mier…

Honestamente eso me suena a hipérbole, pero no hay forma de saberlo sin verla antes, ¿no? Manquesea, yo estoy bien intrigado. Spike Lee será una ladilla con su eterno bla bla bla sobre racismo y tal (en especial todo ese asunto con Clint Eastwood), pero como dije antes, el tipo tiene un talento que a veces sus visiones radicales ocultan un verdadero talento como cineasta. Añadan a eso que el papel que Choi Min-sik hizo legendario será tomado por el muy versátil Josh Brolin en esta nueva versión, y el papel del villano ofrecido tanto a Christian Bale (quien lo rechazó) como a Colin Firth (que todavía está en discusiones), es muy posible que esta siga el camino de The Departed como una nueva versión que puede pararse en sus dos pies ella sola en vez de ser comparada con la original.

O es una mierda y esta gente me hizo perder mi tiempo. Ya veremos.

Corto Pero Grueso: Maniac (2011)

2011-11-24T09:24:00.000-04:30

Otro jueves, otra muestra del género que más se ha beneficiado de Internet: el cortometraje. No olviden compartir conmigo cualquier corto interesante que encuentren por ahí.

Diez minutos de tensión componen Maniac, la historia de un equipo de filmación que siguen a dos asesinos en serie en una noche de locura. ¿Y qué tal? Es dirigido por Shia LaBeouf.

Source Code: Si al principio te mueres, dale, dale otra vez

2011-11-22T21:26:00.002-04:30

Siempre es aplaudible cuando un director novato recibe una oportunidad de continuar con su visión. Lo malo es que, al darle más dinero, eventualmente se va a notar la intervención del estudio.

Eso es lo que le pasó a Duncan Jones, hijo de un tal David Bowie, que hace dos años hizo un genial impacto en el circuito de festivales y entre la crítica con su excelente película de ciencia ficción de bajo presupuesto llamada Moon, un inteligente estudio de lo que es ser humano que mereció un público mucho más grande que el que recibió. Dos años después, tiene más dinero y un gran estudio respaldándolo y nos trae Source Code (aquí terriblemente titulada Ocho Minutos Antes de Morir), creando cierta expectativa tanto entre el público que no lo conoce y se pregunta si será algo original y bueno y entre la crítica que quiere ver si Jones va a dejar que un presupuesto se meta con su visión.

¿La verdad? Sí y no.

Source Code arranca con un hombre (Jake Gyllenhaal) que se despierta en un tren con dirección a Chicago. La muchacha que está enfrente (Michelle Monaghan) evidentemente lo conoce, quizá hasta lo quiere. La cosa es que él no la conoce, ni la ha visto nunca. Confundido, se tambalea hacia el baño –y el reflejo en el espejo no es el de su cara. Sale aterrado del baño, ella le dice que todo estará bien… y una explosión destroza el tren y los mata a todos.

Pero el hombre, que ahora sabemos es el capitán Colter Stevens, despierta en lo que parece ser una cápsula, con una pantalla delante y una mujer (Vera Farmiga) hablándole. Cada cierto tiempo, aparece un hombre mayor (Jeffrey Wright) como dándole órdenes. Poco a poco, Stevens se entera que está en el programa Código Fuente (¿ven que no es tan difícil de titular?), en el que su conciencia entra en el cuerpo de otro hombre durante ocho minutos, y ese es el tiempo que tiene para encontrar quién puso esa bomba en el tren antes que cometa otro acto terrorista.

Jones demostró que tiene lo que se necesita para mostrar la desesperación humana al mostrar a un Sam Rockwell absolutamente aislado y solo en la Luna en su anterior película; aquí demuestra que también puede manejar suspenso adecuadamente. La película parece estar en tiempo real, y sabes que cada vez que esos ocho minutos se acaban, si Stevens no ha encontrado al asesino, va a morir y tiene que empezar desde cero. La explicación de cómo es esto posible es dada, sí, pero tampoco es que sea demasiado necesaria. Lo que quizá sirva de prueba para decir que el guión, por Ben Riley (cuyos créditos anteriores no es que sean gran cosa, como son Especies III y IV), está inteligentemente construido y, en su extraño mundo, no carece de lógica. El problema es que la mano del estudio está evidente al final, cuando el que habría sido un excelente final tiene una extensión de cinco minutos que es al estilo de “ay que lindo”, que hay que amarrarlo todo con un lacito. No digo que no funcione, pero el otro habría resultado más.

Mientras tanto, la química entre Gyllenhaal y Monaghan sale de la pantalla como burbujas. Ambos siempre me han parecido actores sumamente naturales, con un encanto particular que los hace fáciles de querer. Gyllenhaal, además, tiene esos enormes ojos de conejo que pone su confusión y sufrimiento tan evidentes, pero tiene la actitud de un tipo que está en control. Farmiga, quien tan bien representara a la mujer trabajadora y desprendida en Up In The Air, aquí es una soldado que está desesperadamente tratando de no mostrar corazón. El único que me pareció caricaturezco es Wright, normalmente tan buen actor, que aquí parece una mezcla de Jack Palance y el Arquitecto de The Matrix. ¿De verdad hacía falta parecer tan villano?

Pongo a Source Code junto con Inception en las películas de verano para pensadores, pues hay que prestar atención para seguir la trama, porque si no te duermes. Con tanta basura cotufera que pueden encontrar, eso es un club bastante reducido.

Corto Pero Grueso: ROSA (2011)

2011-11-17T08:42:00.000-04:30

Todos los jueves destaco el género cinematográfico más beneficiado por Internet: el cortometraje. ¿Sabes de un corto que valga la pena destacar por aquí? Deja un comentario, avisa por Twitter o manda un correo.

De la mano del animador español Jesús Orellana nos llega ROSA, la historia de una cyborg que ha despertado en un futuro donde toda vida natural ha desaparecido, y ella es la última esperanza de la humanidad para restaurarla –sólo que no es el único ente que ha despertado.

ROSA from Jesús Orellana on Vimeo.

Los Oscar serán claros como un Crystal otra vez

2011-11-10T20:38:00.001-04:30

"Guess who's coming back!"

Al fin el lío con la ceremonia del Oscar se ha resuelto. Aunque eso es un eufemismo: creo que ni los más optimistas esperábamos que se resolviera de esta manera.

Había un enorme rollo sobre la producción de los Oscar desde que el productor y director de la ceremonia, Brett Ratner, dijo en una rueda de prensa, respecto a ensayar con actores, “ensayar era para maricos”. Ah bien bueno. Así que el hombre calladito decidió renunciar a la ceremonia mediante un comunicado.

Lo malo es que, al renunciar Ratner, también lo hizo el que iba a ser el anfitrión de la ceremonia, un muy necesitado de ser popular otra vez Eddie Murphy. “Realmente quería ser parte del show”, dijo el actor en otro comunicado.

Y de repente, hoy en la tarde, apareció esto:

“Estoy haciendo los Oscar para que la joven en la farmacia deje de preguntar mi nombre cuando recoja mis prescripciones. Espero con ansias el show”.

Ah sí… ¿Que Eddie Murphy iba a qué?

Síp, Billy Crystal volverá a animar la ceremonia de los premios de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas, algo que sin duda alegrará a muchos (como yo) que no estuvieron muy de acuerdo con las decisiones de anfitrión de la Academia (como yo). Crystal es un actor increíblemente querido, y creo que sólo ha sido superado por el mítico Bob Hope en cuanto a popularidad de anfitriones de la ceremonia: Hope lo fue en 18 ocasiones, mientras que Crystal lo ha sido en ocho (1990, 1991, 1992, 1993, 1997, 1998, 2000 y 2004). Muchos clamaban porque el hombre regresara, y por lo visto al fin lo convencieron.

Hay que aclarar, la Academia no se ha pronunciado oficialmente, limitándose a retwittear el mensaje de Crystal. Pero en esta era, ¿necesitamos algo más? Veremos a Crystal (y el nuevo productor de la ceremonia, Brian Grazer, en marzo de 2012, con el anuncio de las nominaciones el 24 de enero.

Para los que no se acuerden tanto del asunto, este es el monólogo de apertura de Crystal en la 76a entrega de los Oscars en 2004.

Mucho King viene por nuestro camino

2011-11-08T15:56:00.001-04:30

Mi admiración por Stephen King siempre ha sido algo extraño. El hecho que el más macabro de los autores de terror sea mi autor favorito, mientras que el cine de terror no llena mis expectativas, es una ironía que no se me escapa. Pero hela allí, y de hecho estoy redescubriendo algunos de sus libros, empezando por The Stand. Lo irónico es que, con sus excepciones, las adaptaciones de sus obras no cumplen las expectativas (las excepciones: Carrie, Christine, Pet Sematary, The Mist, The Shawshank Redemption, The Shining, Stand By Me, Apt Pupil, 1408 y Misery –también excluiría la miniserie adaptada de The Stand).

Este año vimos la adaptación de su masiva obra de siete tomos The Dark Tower irse en picada cuando Universal decidió no hacer la masiva producción que Ron Howard y el productor Brian Grazer tenían planeada (tres películas acompañadas de dos miniseries, con Javier Bardem protagonizando). Era la segunda vez que se intentaba adaptar (la primera vez fue de la mano de JJ Abrams)… ¿Cuándo o cuando? (De acuerdo con los productores, en lo que consigan real.)

Sin embargo, este año no han faltado noticias del Rey del Terror, algo que tiene a los fanáticos bien felices. Primero, el hombre anunció una secuela para El Resplandor (la novela, no la película, aunque dudo que no suceda así), hasta incluso leyendo un extracto de la novela –llamada Dr. Sleep—en la ceremonia de los Premios George Mason en septiembre. Luego, su nueva novela, 11/12/63, centrada en un hombre que viaja al pasado cerca del día del asesinato de John F. Kennedy, sale a la venta hoy en Estados Unidos,. Y por último, también hoy me he enterado que vamos a ver mucho de Stephen King en un futuro cercano, tanto en televisión como en el cine.

Ambas noticias me llegan por Slashfilm, quien primero reporta que el libro de King de 2009, Under The Dome, será convertido en una serie de televisión para Showtime (Californication, Dexter, la nueva Homeland) de la mano del guionista de tercera, cuarta y quinta temporada de Lost, Brian K. Vaughan y bajo la producción de Steven Spielberg. Tremendo elenco detrás de escenas (Vaughan, además, es un excelente autor de cómics, creador del exitoso Y: The Last Man), con el propio King además sirviendo como productor ejecutivo. Para los que no lo saben, Under The Dome narra las incidencias de un pequeño pueblo de Maine que está, sin aviso o explicación, encerrado en un misterioso campo de fuerza.

Luego, leí que Slashfilm también informaba que otra novela de Stephen King menos conocida iba a lanzarse a la gran pantalla: El Retrato de Rose Madder, de 1995. Este es más el estilo que conocemos de King, mezclando elementos de terror tanto real como fantasioso: una mujer brutalmente maltratada por su esposo finalmente escapa de él y se trata de instalar en una nueva comunidad ayudada por un centro de ayuda para la mujer, y se vuelve obsesionada con una pintura donde puede desaparecer a otro mundo… literalmente.

Esta adaptación llega a la casa productora Palomar Pictures, encargada del excelente drama Brothers y la película de acción Killer Elite, con un guión de Naomi Sheridan, quien co-escribió la miniserie In America con su padre y, coincidencialmente, director de Brothers, Jim Sheridan. Más allá del elemento fantasioso, esto suena hecho a la medida para Sheridan padre, siendo como es experto en dramas familiares con complejidades psicológicas (también dirigió In The Name of the Father y My Left Foot), así que estoy de acuerdo con Slashfilm cuando dicen que es muy probable que el director irlandés termine siendo quien dirija.

Mientras sigo esperando por la miniserie The Talisman (que IMDB me dice que está en pre-producción) y espero poder ver la adaptación de mi novela favorita de King, The Talisman (será una película hecha para televisión protagonizada por Pierce Brosnan y Jason Priestley), estas dos adaptaciones se oyen de mucha calidad. Mientras, si alguien me quiere regalar Under The Dome (en físico por favor, aún no tengo un aparato para leerlo electrónicamente con comodidad y ni de vaina voy a imprimir mil y pico de páginas), bueno, ya viene Navidad, ¿no?

¿Son fanáticos de Stephen King? ¿Cuál es su nove a favorita suya? ¿Cuál película basada en sus novelas es la que más le gusta?

Corran al Infinito y vean I'm Still Here

2011-11-07T15:37:00.002-04:30

Lo que más le aplaudo a Joaquin Phoenix en su extraño experimento que fue el “documental” I’m Not Here es que haya mantenido la imagen por tanto tiempo. “Me retiré de la actuación y quiero ser un rapero ahora”, dijo, y todo el mundo dijo “¿Ah?” Cuando salió el documental, fue una de las vainas más divisivas que se puedan imaginar. ¿Valió la pena? Bueno, ya tienen la oportunidad de verlo por ustedes mismos. Aquí la nota de prensa.

El aclamado actor Joaquín Phoenix, nominado al Oscar gracias a su trabajo en Gladiador y Pasión y Locura, anunció en el otoño de 2008 que abandonaría su carrera para dedicarse a otra de sus pasiones: cantar música hip hop. Esta sorpresiva declaración revolucionó a la prensa internacional y a las celebridades, y generó cierta incredulidad en la opinión pública y en los medios de comunicación. Su cuñado Casey Affleck, hermano del actor Ben Affleck, lo seguiría de cerca en esta nueva etapa para filmar ese giro artístico y recoger en un documental su incipiente carrera musical.

Sólo un año después, cuando el film se presentó en el Festival de Venecia, se develó el misterio: todo se trataba de una broma, de un experimento en el que los protagonistas intentaban explorar la libertad y la relación entre los medios de comunicación, sus consumidores y las propias celebridades. En noviembre, Infinito, el canal donde la realidad supera a la ficción, presenta en Infinito Docs “I’M STILL HERE”, este documental que revolucionó al mundo artístico, la prensa y la opinión pública. Podrá verse en la madrugada del miércoles 09, a las 12:30 a.m. y se repetirá el domingo 20 alas 09:30 p.m.

“I’M STILL HERE” mostrará cómo el protagonista de esta historia sostuvo públicamente su decisión y se fue transformando, paulatinamente, en un ser humano extraño y autista, llegando, inclusive, al punto de verse involucrado en líos con prostitutas, drogas y alcohol. A esto se le sumó su descuidada apariencia física: tupida barba, gordo, lentes oscuros y actitud muy distraída, situación que pudo apreciarse en toda su dimensión cuando fue invitado a The Late Show with David Letterman.

En “I’M STILL HERE” nos sorprenderemos con un Joaquín Phoenix desafiante y fascinante. Lo veremos en medio de una encrucijada en la que hizo caso omiso a los rumores y teorías de la prensa sobre la veracidad de sus acciones, duda que se instaló para siempre, ya que nunca pudo ser confirmada. “I’M STILL HERE” se podrá ver en la madrugada del miércoles 9 de noviembre, a las 12:30 a.m., con una repetición el domingo 20, a las 09:30 p.m.

Infinito es el canal de Turner Latin América, con base en el género documental y la investigación, diseñado para fomentar la inspiración, el asombro, el entretenimiento desafiando los límites de la mente de la audiencia. Pensado para hombres y mujeres de 18 a 49 años, el canal ofrece en su programación documentales originales de alta calidad, films éxitos de taquilla basados en historias reales, series sorprendentes y realities con una mirada inteligente. Infinito Docs, Infinito Crimen, Infinito Asombro, Infinito Inspiración, Infinito Films, Infinito Complot, Infinito Good for you son algunos de los ciclos del nuevo Infinito. Infinito está disponible en Venezuela a través de los siguientes canales:

748 de DIRECTV, 84 de Supercable, 15 de Inter y 356 de TV Digital MoviStar

I.Sat te tiene una oferta que no podrás rechazar

2011-11-04T12:29:00.001-04:30

Hay una razón por la que a todos nos gustan las películas para mafiosos. No es sólo porque tienen un aire de extraño romanticismo, y que muchas hacen muchos esfuerzos por hacernos creer que sí hay honor entre ladrones, y que a veces son una simple alegoría al capitalismo. Es porque casi todas son geniales. I.Sat tiene un ciclo por noviembre donde donde verás algunas de las mejores películas del género, en distintas culturas. Ve. Te hará bien. ¿Va bene? He aquí la nota de prensa.

“Que yo recuerde, desde que tuve uso de razón, siempre quise ser un gánster”, nadie lo podría decir mejor que Ray Liotta. Ésta y muchas otras frases clásicas de la mafia se escucharán, en tu televisor, los lunes de noviembre a las 11.30 p.m. por la pantalla de I.Sat.

El primer acercamiento con la “Cosa Nostra” será el lunes 7 con Buenos muchachos (Goodfellas) (1990). Corren los años 50 y Henry (Ray Liotta), un muchacho de Brooklyn, tiene un gran sueño: llegar a ser mafioso. Decidido a alcanzar su meta, se vincula con un capo de la mafia, James Conway (Robert de Niro). Con el tiempo, la determinación de Henry rinde sus frutos y lo lleva a escalar en la organización, ganando la confianza de los jefes. Pero la mafia también tiene una cara oscura: después del poder, llegan la cárcel, la traición y quienes dijeron ser sus amigos, lo buscarán para matarlo. Dirigida por Martin Scorsese.

El lunes 14 nos embarcaremos hacia Brasil con Journey to the End of the Night (2006) dirigida por Eric Eason. En una decadente zona de la ciudad de Sao Paulo, dos estadounidenses, padre (Scott Glenn) e hijo (Brendan Fraser), luchan por el control de su negocio, un viejo burdel en el que tienen lugar escenas de corrupción y delincuencia. La aparición de un maletín de cocaína parece ser la oportunidad que estaban buscando.

El lunes 21 conoceremos Londres en Promesas del Este (Eastern Promises) (2007), cuando una adolescente rusa muere tras dar a luz, dejando un diario que cae en manos de la partera, Anna (Naomi Watts). En un intento de encontrar datos sobre la familia, Anna busca quién le traduzca el diario y recurre a un restaurante ruso, sede de renombrados personajes de una de sus mafias. El chofer y confidente del líder (Armin Mueller-Stahl), Nikolai (Viggo Mortensen), intentará mantener a Anna alejada de los oscuros secretos que esas páginas ocultan.

Para el último destino del mes, el lunes 28 nos transportamos hasta Seúl con Bad Guy (2001), dirigida por Kim Ki-Duk. Han-ki, un joven gánster, descubre a Sun-hwa, una estudiante que en una banca espera a su novio. Él hombre la mira y se sienta a su lado, pero ella le rehúye. Cuando llega el novio, Han-ki se levanta y le da un beso a la muchacha. Ella exige una disculpa, pero ante su silencio, ella le da una bofetada y lo escupe. Al otro día, Han-ki sale en búsqueda de Sun-hwa para vengarse y arruinarle la vida.

Los lunes de noviembre a las 11.30 p.m. no te puedes negar a acompañarnos a seguir el Especial Dial M for Mafia. Sólo por I.Sat, ¿capisci?

Corto pero Grueso: Fisher (2011)

2011-11-03T09:17:00.003-04:30

Exiliado por ser diferente, un humilde pescador ve su vida vuelta patas pa'rriba un día en altamar. Ganadora de varios premios en festivales, incluyendo Mejor Animación en el Shorts Fest Atlanta 2011. Encontrado en una Camionetica.

Fisher from One Eyed Robot on Vimeo.

Si Fueras Yo: Mosca con lo que desees

2011-11-02T11:00:00.001-04:30

Erase una vez en que las películas que hablaban de extraños cambios de cuerpo eran toda la moda. Empezó con Freaky Friday (primero de 1976 con Deborah Harris y Jodie Foster, luego en 2003 con Jamie Lee Curtis y Lindsay Lohan), donde una madre y su hija intercambian cuerpos; luego siguieron Like Father Like Son (1987), con un padre y su hijo adolescente, 18 Again (1988), entre un abuelo y su nieto, y Vice Versa (1988), entre un padre y su hijo. Ah y no olvidemos Big (1988), que le valió a Tom Hanks su primera nominación al Oscar. Hasta el remake de Freaky Friday, estas películas estaban olvidadas (y de casualidad puedo contar 17 Again), mientras Hollywood buscaba otras maneras de secar el pozo creativo. Pero, ¿se fijaron? Aún faltaba responder la pregunta: ¿y si dos amigos cambiaban de cuerpo?

Dave (Jason Bateman) es un exitoso abogado con una hermosa esposa (Leslie Mann), tres hijos y una vara de jugar pool insertada en el espinazo; Mitch (Ryan Reynolds) es un aspirante a actor mujeriego, grosero, superficial y parrandero. Dave envidia la libertad que tiene Mitch de hacer lo que le dé la gana todos los días, incluyendo la posibilidad de tirarse a cualquier mujer que quisiera, que en su caso sería su asistente Sabrina (Olivia Wilde); Mitch envidia el hecho que Dave tiene una familia estable que se preocupa por él y un trabajo estable. Luego de una noche de parranda, los dos deciden orinar en una fuente del parque y simultáneamente desean por la vida del otro y… bueno, ahora Dave tiene que lidiar con su carrera de no hacer nada y Mitch tiene que conseguir un importante trato multimillonario. Y ambos tienen que lidiar con las familias del otro. Ay Dios mío, ¿qué hacer?

En papel, esto suena como una comedia brillante, pues además que está protagonizada por dos de los actores que mejor caen en el público, fue dirigida por David Dobkin, quien tuvo una excelente experiencia dirigiendo a otra pareja de cómicos tanto en Los Rompebodas como en Shanghai Knights, y fue escrita por Jon Lucas y Scott Moore, cuya enfermiza imaginación nos trajo la primera ¿Qué Pasó Ayer? Pero aunque Bateman y Reynolds son geniales juntos, el guión está repleto de clichés y cosas previsibles que ellos no siempre logran superar con sus actuaciones. Sin mencionar que hay unas decisiones de dirección que debo admitir que no entiendo: ¿y esa toma final como para qué? Y lo que más me molesta: otra vez se comete el pecado de mostrar algunas de sus escenas más graciosas en el trailer (Leslie Mann en el baño, por ejemplo) sin dejar mucho en la película en sí. Sí hay tres excepciones –dos de la mano de Reynolds y una de la mano de Bateman.

Wilde es absurdamente hermosa, y hace su papel de mujer ideal para hombres con facilidad (supongo porque lo es), pero esta niña necesita trabajar mucho más en comedia antes de tener una fuerte presencia cómica. En cambio, Mann tiene muchas más escenas en donde brillar que Bateman, y es prueba de que la esposa de Judd Apatow tiene el potencial de ser casi tan conocida como Kristen Wiig si le dan el papel perfecto. Aquí es mucho más controlada que su genial papel en Ligeramente Embarazada, pero es genial la combinación de humor físico y de reacciones con las que sale.

Por su lado, recuerdo que cuando hicieron Face/Off, Nicolas Cage y John Travolta pasaron un año viviendo juntos estudiándose el uno al otro, y se evidencia en pantalla, viendo como Travolta trata de canalizar la locura de Cage y éste hacía esfuerzos por capturar la tortura de Travolta. Una idea parecida habría funcionado muy bien para esta comedia, aunque no puedo decir que ni Bateman ni Reynolds tienen estilos particulares de actuación. Pero eso no quiere decir que no lo intentan. Bateman, acostumbrado a siempre ser el “straight man”, tiene la oportunidad de lograr destapar su ordinariez, y demuestra que sabe hacer algo más que exasperarse con los que lo rodean. Reynolds, por su parte, siempre será un favorito mío; aquí está canalizando parte de su personaje de Two Guys, A Girl and a Pizza Place (en serio, busquen episodios de esa serie).

No es una película que tenga demasiadas escenas particularmente memorables, y no se atreve a tanto como una comedia de Apatow (y tiene menos corazón), pero tampoco es una película ofensivamente mala. Solo que, al igual que la acusación de Mitch, se da por vencida demasiado pronto, cuando podría ir un poquito más allá explorando lo que ambos se están perdiendo de sus vidas. Véanla sólo por las actuaciones de Reynolds y Bateman, no por todas las situaciones en las que están.

(Ah: y esas no son las tetas de Mann y Wilde. Son generadas por computadora. Sorry.)

Corto pero Grueso: Portal: No Escape (2010)

2011-10-27T09:14:00.000-04:30

La semana pasada les mostré el trabajo de uno de los anfitriones del genial show de Internet The Totally Rad Show, Alex Albrecht; hoy les doy el trabajo de otro, de hecho el que empezó su carrera como director de comerciales. Portal: No Escape, basado en el mundo del juego Portal, es dirigido por Dan Trachtenberg, cuyos fans estamos muy alegres que acaba de ser contratado pro Universal para dirigir una largometraje de ciencia ficción llamada Crime of the Century, sobre “un robo de alto octanaje con un giro de ciencia ficción”, según Deadline. Sin duda este corto ayudó. Felicitaciones, Dan.

Bridesmaids: El estrés de una boda no le pega nada más a la novia

2011-10-27T08:42:00.004-04:30

Habiendo pasado recientemente por una boda, puedo atestiguar lo estresante que puede ser el paso al altar. Porque más allá de considerar que vas a estar con alguien… POR EL RESTO DE TU VIDA… está el organizar un evento que nunca en tu vida pensaste que tendrías que organizar. Y estoy hablando del lado de los hombres, que supuestamente nos involucramos menos (sí, claro…). Del lado de las damas (no de la novia) siempre se ha dicho que hay además ese conflicto de emociones, entre querer ayudar a una amiga en el día más feliz de su vida, y la terrible pregunta: “¿Cuándo me toca a mí?” Damas en Guerra explora esa pregunta hasta el extremo absurdo pero, temiblemente, no descabellado. Total… estamos hablando de una comedia producida por Judd Apatow (Virgen a los 40, Superbad, Forgetting Sarah Marshall).

Annie (Kristen Wiig) está pasando por eso. Su negocio de pastelería se fue a pique, sus compañeros de cuarto son insufribles, y no está convencida que Ted (Jon Hamm) sea lo mejor para ella. Pero cuando su amiga de toda la vida Lilian (Maya Rudolph) le anuncia que está comprometida y le pide ser la dama de honor (madrina), pues nada –a echarle pichón.

Así que en medio de su crisis existencial, Annie debe tratar de guiar al cortejo de damas por la ceremonia, que incluye a Rita (Wendi McLendon-Covey) y Becca (Ellie Kemper), compañeras de trabajo de Lilian, a Megan (Melissa McCarthy), la marimacha hermana del novio, y a Helen (Rose Byrne) –quien de paso compite por ser la mejor amiga. Sí, ya eso es el colmo… Annie está por descubrir exactamente cuánto estrés una dama de honor puede tolerar. (Resulta que no es demasiado.)

Mucha gente comparaba Damas en Guerra con una versión femenina de ¿Qué Pasó Ayer?, por estar Apatow involucrado, llamadas de despedida de soltera y la firme etiqueta de “para adultos” que tenía. Pero el director Paul Feig (quien trabajó con Apatow en su serie de televisión Freaks & Geeks) tiene una mano más sutil que Todd Philipps, y el guión –escrito por la propia Wiig con su amiga Annie Mumolo— va más hacia el lado de los personajes que de las reacciones a una situación. Ya en ese aspecto es mejor que la segunda parte de The Hangover (ya sólo por ser más original), pero el problema de Damas es que hay menos escenas realmente divertidas y más que exploran el lado sensible de las relaciones humanas bajo estrés (sí, gente, Apatow tiene corazón).

Wiig siempre ha sido mi actriz favorita del reparto de la Radio Rochela gringa que es Saturday Night Live, sobre todo porque con todo y su encanto siempre parece que está al borde de hacer una locura. Pero aquí además demuestra que es una actriz competente, que no sólo es muy capaz de la comedia física, sino de momentos muy emotivos. Su química con Rudolph, quien siempre será otra de las cosas más cómicas de SNL, parece en efecto de años atrás, y no me extrañaría que sí lo fuera. Pero Wiig se luce con todo el mundo del elenco, desde la compleja “relación” que tiene con Hamm (en serio este hombre necesita más comedia… ¿han visto su trabajo en SNL? Hilarante) hasta la más agradable que tiene con un policía (Chris O’Dowd, de la genial The IT Crowd, casi irreconocible en su sensibilidad aquí), hasta la feroz competencia que tiene con Helen (Byrne está canalizando a Amy Yasbeck en cada parpadeo, así que Mel Brooks debe estar feliz). (Por favor no me digas que no sabes quién es Amy Yasbeck.) Creo que Wiig pronto seguirá el camino de Will Ferrell y tantos otros para dedicarse de lleno a su carrera cinematográfica (como si sus pequeños papeles en Adventureland y afines no fueran señal suficiente).

Pero quien se roba cada escena en la que está es McCarthy, y el hecho que está consiguiendo más trabajo es prueba de ello. Grande, ordinaria, escandalosa y ruda, se ve que su trabajo en Mike & Molly no es lo único que sabe hacer. Le da a cada marca de comedia en la nariz con la fuerza de un toro, y yo me reía cada vez que medio abría la boca para decir algo completamente inapropiado. Y mejor ni les cuento de la escena en el lavamanos…

Ahora que termino de escribir la reseña, no le veo tanta falta que Bridesmaids no me hizo reír a carcajadas constantemente como sí hizo The Hangover. Supongo que es porque reveló un lado menos oscuro de mí, que no me río tanto de las desgracias ajenas. No, aquí quien me hizo reír fue Wiig con su evidente talento para la improvisación,su sincronización para la comedia y la química con su elenco. Creo que una segunda visita a la película me haría apreciarla más, así que vayan y disfruten.

Django Unchained lista para arrancar

2011-10-26T16:59:00.002-04:30

Cualquier vaina que tenga las palabras “Quentin Tarantino” pegadas a ella será motivo de interés para mí, porque el tipo siempre estará en esa fina línea de apreciación artística, absoluta rebeldía y aceptación comercial sin meterse de lleno en uno u otro lado. El último proyecto del hombre, un “western espagueti freído en el Sur”, como lo están describiendo, no sólo tiene una interesante premisa, sino que tiene uno de los elencos más de lujo que se pueda uno imaginar.

La película sigue el camino de Django, un esclavo liberado (Jamie Foxx, en un papel originalmente rumorado para Will Smith) que se une a un cazar recompensas alemán (Christoph Waltz) para rescatar a su esposa de un brutal dueño de plantación llamado Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) en cuya propiedad los esclavos son puestos a pelear hasta la muerte en peleas de gallo y las esclavas son sodomizadas consistentemente. Ante este panorama Django además deberá lidiar con el hábil esclavo de la casa, interpretado por el genial Samuel L. Jackson.

Ese elenco ya de por sí es una vaina del más allá, como ya había reportado antes, pero ahora que está completo es absolutamente del más allá. Originalmente, Kevin Costner iba a estar en la película como Ace Woody, la mano derecha de Candie que pone a los esclavos a pelear, pero por conflictos de trabajo debió retirarse –y su lugar lo ocupó Kurt Russell, quien ya había actuado bajo las órdenes de Tarantino en la segunda mitad de Grindhouse llamada Death Proof (la otra era Planet Terror y fue dirigida por Robert Rodríguez). Luego vino Don Johnson, quien fue una de las grandes estrellas de los 80 gracias a Miami VIce y tuvo una especie de retorno en los 90 con Nash Bridges, sin mencionar una actuación destacada aunque breve en Machete el año pasado. Johnson hará de otro dueño de plantación que lleva un cortejo de hermosas esclavas jóvenes que él llama “ponis”. Todo un encanto…

Ahora me llega por Slashfilm que el importante papel de Broomhilda, la esposa de Django, ya tiene rostro, y es uno bellísimo: Kerry Washington. La actriz ya había compartido con Foxx cuando hizo de la esposa de Ray Charles en el biopic Ray, y ha hecho bastante trabajo bien consistente tanto en cine como en televisión, y considerando que el sufrimiento de Broomhilda es el desencadenante para toda la aventura, tiene una enorme responsabilidad en sus manos.

El único que no ha sido confirmado –aunque a estas alturas debería ser un hecho—es Joseph Gordon-Levitt, un actor que en cada cosa que sale se está luciendo cada vez más, en particular desde Inception y ahora con la “comedia del cáncer” 50/50. Aún no está confirmado qué papel va a interpretar, pero todo apunta a que será el primer comprador de Broomhilda.

Es oficial: yo quiero ver esta película y la quiero ver ahora. Empieza a filmarse a principios del año que viene y debería estrenarse en diciembre. Llega ya.

Moneyball: Rompe tus paradigmas y mira lo que logras

2011-10-22T21:25:00.000-04:30

Yo nunca he sido un tipo deportivo. Mientras mi hermanos e fajaba a jugar fútbol, voleibol, básquet, y se dedicaba a entrenar hasta reventar (no reventó, ojo), yo me dedicaba a leer. Sí, tremendo geek. Pero obviamente apreciaba un buen partido. Soy más de fútbol que de béisbol, casi siempre siguiendo a los equipos equivocados (sí, soy del Real Madrid y del Magallanes, cállense la jeta). Y ciertamente he disfrutado algunos de los grandes momentos del béisbol mundial, como la genial temporada de 2004 de los Medias Rojas de Boston.

Es por ello que no me sorprende que me haya perdido los eventos narrados en Moneyball, concernientes a la temporada 2002 de los Atléticos de Oakland, cuando su manager Billy Beane decidió usar una nueva técnica para armar equipos con resultados sorprendentes. Eso me ayudó a concentrarme en la trama, las actuaciones y las emociones que me produciría la película, en vez de ver una recreación de eventos que ya conocía. Y debo decir, creo que aún sabiéndolo habría disfrutado de esta película enormemente.

Beane (Brad Pitt) se enfrentó a un dilema: luego de perder el último juego de la temporada 2001, todos sus mejores jugadores se dejaron llevar por el encanto de los millones de otros equipos como los Yankees y los Medias Rojas, equipos con presupuestos tres veces del tamaño de los Atléticos. Lo tradicional es dejar que los scouts vean las herramientas que pueda poseer un jugador y luego hacerle una oferta --pero Beane sabe que a veces eso no es suficiente, considerando su propio ejemplo de cómo pasó trabajo cuando él era un jugador y todos los scouts le decían lo valioso que era. No, tenía que haber otra forma.

Esa otra forma le llegó de la mano de Peter Brand (Jonah Hill, en un papel que versiona al verdadero personaje, Paul DePodesta), un recién llegado asistente en los Indios de Cleveland que le da una intrigante idea: no compres jugadores, compra resultados. Para no darles muchas vueltas y explicaciones, es básicamente un asunto de ciencia versus corazón: usando estadísticas, fórmulas y ecuaciones, Brand y Beane arman un equipo con jugadores que los scouts ni siquiera habrían considerado pagando un tercio de lo que habrían pagado equipos más grandes, alterando a media humanidad del equipo, incluyendo, hasta cierto punto, el manager Art Howe (Pghilip Seymour Hoffman) --y dio resultados interesantes, por decir algo.

La película --basada en un libro de Michael Lewis, quien ya tuvo éxito con otro libro deportivo convertido en película-- tiene una sola falla, desde mi punto de vista: a veces se estira un poco. Creo que debió buscarse otra manera de entender a Beane de otra manera más allá de los flashbacks de cuando era jugador, pues una media hora menos habría sido excelente para el flujo. Pero no puedo negar que este es un guión que está hecho para una película así: un primer borrador por Aaron Sorkin (The Social Network) dejó excelentes conversaciones, desde Beane con sus scouts y entrenadores hasta Beane con su precoz hija (Kerris Dorsey); y una revisión por Steve Zaillian (Schindler's List) explora a profundidad todos los personajes. Todo bajo la mano de Bennett Miller (Capote), quien sabe captar hasta las emociones humanas más ocultas sin nunca recurrir al melodrama.

Y en medio de todo, algunas de las actuaciones más sutiles y, en uno de los casos, sorprendentes del año. Esa sorpresa viene, claro, de Hill, quien no es su usual persona ordinaria y loca que hemos visto (y veremos) en películas producidas o dirigidas por Judd Apatow. Sí, hay algunos intentos de humor (bien logrados) pero son calladitos, lo que a veces los hace hasta más graciosos. Hoffman está desperdiciado, y lamento decirlo --tanto talento para tan poco tiempo en pantalla (y no es el único que piensa que es un retrato injusto --el verdadero Art Howe está lívido con su interpretación). Con todo y eso, Hoffman es una fuerza de la naturaleza --toma lo poco que le dieron por hacer y hace un excelente trabajo.

Lo que sí puedo decir es que ya es hora de reconocerlo: Brad Pitt es un excelente actor, de cabo a rabo. Ya dejemos de pesnar en él como "niño bonito" Brad; el hombre ya ha dado suficientes buenas actuaciones para demostrar que es mucho más que eso. Aquí es simpático, sin ser encantador, pero es directo y sin exceso de pasiones. Ama el juego pero entiende que también es un negocio, y por eso no ve los juegos de su equipo. Y no quiere que le pase a sus jugadores las desilusiones por las que él pasó, lo que lo lleva a pensar fuera de la caja. "Nada de esto significará nada si no puedo cambiar al juego de verdad", dice en un momento. Y ahí está toda su motivación: quiere hacer una diferencia.

Moneyball será mencionada al menos un par de veces cuando empiece la temporada de premios, acuérdense de mí. Es un sólido guión, una historia inspiradora pero lejos de ser convencional, repleta de actuaciones buenas (quizá no memorables). Esta es una para fanáticos y simples espectadores.

Corto pero Grueso: Voltron: The End

2011-10-20T09:39:00.000-04:30

Si eres lo suficientemente geek, has oído hablar de Alex Albrecht, coanfitrión de dos de los videopodcasts más populares de la red: Diggnation y The Totally Rad Show. Lo que a lo mejor no saben es que de paso está empezando a echarle pichón en el mundo de la dirección (supongo que es una de las razones por las que anunciaron que Diggnation llegará a su final en diciembre). Y a juzgar por este cortometraje, donde narra la historia de un hombre (Timothy Omundson, Psych) que despierta dentro de un león de Voltron –sí, ese Voltron— luego de un accidente, y debe decidir vivir unos minutos más o decirle al mundo qué sucedió. Vamos a ver si, así como Mortal Kombat: Rebirth despertó suficiente interés como para una nueva película, a ver si así termina de despegar esta.

El Rumor de las Piedras: #SufrocomoDelia

2011-10-16T12:25:00.001-04:30

La nueva película de Alejandro Bellame Palacios, la que la Asociación Nacional de Autores Cinematográficos (ANAC) y la Cámara Venezolana de Productores de Largometraje (Caveprol) escogieron a ver si ahora sí Venezuela logra aparecer entre los nominados a Mejor Película Extranjera, me tiene tan lleno de sentimientos encontrados que temo que esta será la reseña más contradictoria que he escrito.

Lo que sí me dejó claro que esta es una película hermosa, profundamente realista y, a pesar del deprimente entorno que la rodea, aún así logra al final levantar tu espíritu y decir “Coño, no estamos tan mal”.

¿Entonces, por qué me dio tanta rabia que me gustara?

Esta es la historia de Delia (Rossana Fernández), una madre soltera que trabaja en una beneficiadora de pollos y vive en una estrecha casita (rancho) cerca del Cementerio General del Sur con su hijo menor Santiago (Juan Carlos Núñez), su hijo mayor William (Christian González) y su mamá Raiza (Aminta de Lara). El recuerdo de la tragedia de Vargas de 1999, donde perdió a su hija, la mantiene triste permanentemente, pero ahora también tiene la angustia que William empieza a andar con malas juntas. Por eso no ve las buenas intenciones del tallador de piedras del cementerio (Alberto Alifa) –sólo está pendiente de conseguir una casa para su familia lejos del peligro del barrio, para lo que está contando con el novio de su amiga Raiza (Aminta de Lara) “que ‘ta conecta’o, a según”.

Destaca en medio de todo la actuación del niño Juan Carlos, ese niñito que tiene que ser grande para ayudar a su mamá a vender la comida para tratar de ayudar en su casa, mientras se trata de destacar en la escuela. El chamo va a ser todo un hombrecito algún día, con esa mezcla de inocencia y ganas de escapar de todo que es típico de un niño que aún no ha conocido una vida verdaderamente tranquila. Hay momentos en que deja atrás a Christian González, quien al final es un chamo que se la da de guapetón pero al final es un carajito que necesita del amor de su mamá.

La historia de Delia me recordó mucho a la de Precious, lo que quiere decir para cualquier pobre. Pero mientras el personaje de Gaby Sibbide enfrentaba su situación incluso con un toque de humor, Fernández se lleva con una callada dignidad, que es como su escudo a todo lo que le pasa. Ni una sonrisita saca en 99% de la película. No es una gran actuación, pero sin duda es convincente.

De verdad recomiendo que vean esta película, pues como todo es un homenaje al espíritu humano, cómo nos enfrentamos a la adversidad sin importar cuántas veces la coña insiste en venir a visitar, y a la familia, que al final es lo más grande que tenemos. Pero a pesar de la calidad de la película, no pudo dejar de molestarme el hecho que casi todas las películas venezolanas que han salido se han enfocado en la dureza del barrio, en la injusticia para el pobre, en la violencia que debe enfrentar. ¿Estamos al punto en que los creadores sólo quieren mostrar esta faceta de nuestra realidad? La Hora Cero, genial como fue, igual glorificaba la vida del malandro, a pesar del triste destino de todos ellos. Lo mismo Cyrano Fernández y Hermano. Y lo triste es que, al salir de esa temática, no es garantía de calidad (Una Abuela Virgen, Amorcito Corazón), aunque ciertamente ha dado buenos resultados (Reverón, DES-autorizados) o mezclados (Habana Eva). Tengo en mente un artículo más largo a este respecto, pero mientras tanto, vean El Rumor de las Piedras y admiren lo bien hecha que está, pero clamen por un cine venezolano de la misma calidad y que explore otras temáticas.

Corto pero Grueso: Slash-in-a-Box (2011)

2011-10-13T10:37:00.001-04:30

Toma talento meter prácticamente cada cliché de las películas de terror clásicas, mezclarlas con un poquito de humor, y aún lograr algo entretenido en menos de cinco minutos. Disfruten de Slash-In-A-Box de Nick Everhart.

¿Quieren más cortometrajes geniales? Revisen la sección “Short Film of the Day” de Film School Rejetcs.

Person of Interest: Ni lo pienses, que te estamos vigilando

2011-10-12T10:30:00.001-04:30

Normalmente, cuando un actor de cine hace la transición a la televisión, o está reconociendo que es el medio del momento, donde la gente está yendo, o está en un estado tal de peladera que prefiere arriesgarse. Miren lo bien que le salió a Kiefer Sutherland, ahora por siempre conocido como Jack Bauer.

Pero cuando una serie atrae múltiples talentos conocidos más por su trabajo en cine –por su buen trabajo en el cine– bueno, este que está aquí espera calidad.

En el caso de Person of Interest, el thriller policíaco que le quitó el puesto en el primetime de CBS que CSI había ocupado por diez años, es una creación de Jonathan Nolan, cuyo hermano Christopher tiene, bueno, digamos unas cuantas buenas películas en su currículum (muchas de las cuales escribió con Jonathan) y es el primer trabajo en televisión de Jim Caviezel, quien, sin ser una superestrella, ciertamente hizo un extraordinario trabajo en el papel central en La Pasión de Cristo de Mel Gibson. Todo bajo la producción de JJ Abrams, que ya a estas alturas es como decir “Spielberg para televisión” (y no podemos quejarnos de su trabajo en el cine), y con un favorito de la otra serie de Abrams como es Michael Emerson, Ben Linus de Lost.

Luego de enfrentarse con éxito a unos patanes en el Metro, un indigente (Caviezel) llamado John Reese (o al menos ese es el nombre que prefiere) que da la casualidad que trabajaba en Fuerzas Especiales del gobierno de EEUU es llamado por un misterioso multimillonario (Emerson) que dice que lo llame señor Finch. Como le explica luego, Finch diseñó una máquina que permite revisar cada ciudadano de los EEUU en búsqueda de actividad terrorista. Pasa que la máquina no sólo veía eso –lo que llama información relevante—sino que sacaba también una segunda lista con números de Seguro Social que no tenían ninguna conexión con muertes masivas. Intrigado, Finch se abre una “puerta trasera” que hace que la máquina le imprima una lista de esos números –y descubre que puede ser gente que sea testigo, víctima o victimario de un crimen, sea asesinato, secuestro, lo que sea. Necesita a Reese que investigue a esas personas y evite el crimen antes que suceda. En el piloto, la primera en la lista es una asistente del fiscal de Distrito de Nueva York (Diane Hanson) quien está en un caso que involucra pandillas y tráfico de drogas. Pero como siempre, ¿va a ser la víctima? ¿Es una simple testigo?

Esta es una serie que definitivamente veré. Sí, suena a una versión más realista de Minority Report, donde toda la premisa era evitar que la gente cometiera crímenes antes que sucedieran –aunque en vez de una máquina era gracias a tres telépatas—pero Nolan (quien además escribió el guión del piloto) lo hace explicar tan bien que tú te crees que de verdad esto es posible. Recordemos la paranoia que hubo –que aún hay—en Estados Unidos después del 11 de septiembre, donde el gobierno de Bush implantó la Ley Patriota para monitorear al mundo, en esencia. Y el piloto deja suficientes preguntas para más adelante que espero que no reduzcan a la serie como “el caso de la semana”: ¿por qué Finch decidió embarcarse en este asunto? ¿Qué fue lo que le pasó a la novia de Reese, Jessica (Susan Misner)? ¿Jugará un papel más grande la detective Carter, interpretada por otra actriz de cine, Taraji P. Henson? Carter se cruza al principio con Reese, y quiere encontrarlo de nuevo. ¿Eso irá a algún lado?

En cuanto a las actuaciones, más allá de una cojeadera, Emerson está canalizando a Linus en cada palpitar –y no hay nada de malo con eso, considerando lo mucho que los fans querían ver más del misterioso personaje de Lost. Caviezel está mandado a hacer para papeles como este, con su acerina mirada que puede suavizarse en un instante. Logra verse simultáneamente invencible y torturado, hasta tierno. Tiene un ligero sentido del humor que no desluce. Por último, casi no se ve en el piloto, pero les recuerdo que Henson hasta tiene una nominación al Oscar por su trabajo en El Curioso Caso de Benjamin Button, así que espero que no me la desperdicien.

Person of Interest estrena el 18 de octubre a las 9 de la noche por Warner Channel (11 en Supercable, 46 en Inter, 206 en DirecTV). Lo que soy yo, me alegra tener mis martes ya ocupados, qué con esto y The Walking Dead por FOX a las 10. Muy recomendada.

Space estará de terror en octubre

2011-10-07T11:42:00.001-04:30

A lo mejor por estos lados no celebramos Noche de Brujas como en el resto del mundo, pero igualito es una buena época para meterse un sustico en las noches. El canal Space preparó una presentación especial de su “Club del Miedo”, presentando una nueva película del género todas las noches del mes de octubre. Esto incluye el estreno de la genial película de Sam Raimi, Drag Me To Hell; en serio, si no la han visto tienen dos oportunidades para verla este mes. También mucho les aconsejo vean la primera de Saw y se olviden de las otras seis, se sienten a ver The Mist y vuelvan a chorrearse con las dos de The Ring. A continuación la nota de prensa.

Octubre y SPACE le dan la bienvenida a Halloween con una programación de pesadilla que ofrecerá escalofriantes, terribles y, por supuesto, divertidas películas de horror. Cada noche a las 10.30p.m el Club del Miedo presentará sin tregua ni piedad una película más horrorosa que la otra.

Cabe destacar que el Especial Octubre de Terror incluirá el estreno de Arrástrame al infierno (Drag Me to Hell) (2009), con Alison Lohman y la dirección de Sam Raimi (saga El hombre araña, Evil Dead). Una cinta demencial, grotesca y maravillosa, a la vez. Tras ser maldecida por una anciana gitana, Christine (Lohman) decide hacerle frente y revertir el hechizo.

Además, este ciclo incluirá películas referentes del género en los últimos años, tales como La llamada, La última casa a la izquierda,La niebla, La profecía, Saw y Sangriento San Valentín.

Durante la primera quincena podrán verse los siguientes títulos: Nine Dead (sábado 1, Melissa Joan Hart); La última casa a la izquierda(domingo 2, Tony Goldwyn); Bahía de sangre (lunes 3, Henry Cavill); El tren de la medianoche (martes 4, Bradley Cooper); The Final(miércoles 5, Marc Donato); Los mensajeros (jueves 6, Norman Reedus); La profecía del no nacido (viernes 7, Odette Annable); La casa de cera (sábado 8, Elisha Cuthbert); Una llamada perdida (domingo 9, Ed Burns); Blade: Trinity (lunes 10, Wesley Snipes); La llamada (martes 11, Naomi Watts); La llamada 2 (miércoles 12, Naomi Watts); El grito 3 (jueves 13, Matthew Knight); Doom (viernes 14, Dwayne “The Rock” Johnson); y Dark Water (sábado 15, Jennifer Connelly).

La segunda parte del mes incluirá: Arrástrame al infierno (domingo 16, Alison Lohman); El barco fantasma (lunes 17, Gabriel Byrne);Asylum (martes 18, Sarah Roemer); Scary Movie 4 (miércoles 19, Anna Faris); El pantano (jueves 20, Gabrielle Anwar); Saw (viernes 21, Leigh Whannell); Saw 3 (sábado 22, Tobin Bell); El juego del terror (domingo 23, Josh Stewart); La tumba del cielo (lunes 24, Cuba Gooding Jr.); Dead Silence (martes 25, Ryan Kwanten); Madhouse (miércoles 26, Joshua Leonard); Prueba de fe (jueves 27, Hilary Swank); Arrástrame al infierno (viernes 28, Alison Lohman); El hombre de la bolsa (sábado 29, Erin Cahill); La niebla(domingo 30, Thomas Jane) y Sangriento San Valentín (lunes 31, Jensen Ackles) (*).

Ya estás advertido. El Especial Octubre de Terror estará al aire cada noche de octubre a las
10.30p.m sólo por la pantalla de SPACE.

Si usan Google Calendar --y deberían— aquí tienen toda la programación en un calendario. Lamento que no haya llegado antes; Midnight Meat Train se ve intensa.

In Memoriam: Steve Jobs (1955-2011)

2011-10-06T12:50:00.001-04:30

El que se extrañe por qué le estamos haciendo un homenaje a Steve Jobs en un blog de cine –segunda vez que hago algo así— no sabe muy bien la historia de Apple (perdonable) o no sabe cuánto contribuyó este pana –nacido fuera del matrimonio de sus padres, dado en adopción, salido de la universidad y transformador del mundo— en la forma en que podemos usar la tecnología para enfatizar nuestra creatividad.

Jobs había dejado a Apple el 13 de septiembre de 1985 tras serias diferencias con el entonces presidente, John Sculley. Al año siguiente, invirtió en una empresa llamada The Graphics Group, una subsidiaria de una tal Lucasfilm que se especializaba en la producción de gráficos por computadora. Luego de El Retorno del Jedi el fracaso de Howard The Duck, la empresa se separa de Lucasfilm y toma un nuevo nombre: Pixar.

Mientras estaba a cargo de Jobs, Pixar vendía un sistema llamado Pixar Image Computer, cuyo principal cliente eran agencias estatales y compañías médicas. Pero también eran compradas por los estudios Disney, que las usaba en los primeros proyectos que combinaban animación a tinta con la computarizada.

Tan contentos estaban con Pixar que Disney se asoció con ella en 1991 para crear largometrajes animados a computadora, y lo que sigue es historia: Toy Story, Bugs, Cars, Monsters, Inc., Buscando a Nemo, Ratatouile, Up, Wall-E… En 2006, Disney compra todas las acciones de Pixar por 7.400 millones de dólares –dejándole a Steve Jobs una participación de 7% en la compañía. ¡Es su mayor accionista!

Detrás de escenas, Jobs y su compañía también contribuyeron muchísimo a la creación de películas. Primero con su programa de edición Final Cut Studio, que ha contribuido a quién sabe cuántas maravillosas ediciones; y luego con iMovie, una aplicación que te permite editar películas en un iPhone o un iPad. De hecho, ya el iPhone es una herramienta que le está permitiendo a jóvenes aspirantes a cineasta desarrollar su potencial de maneras en las cuales simplemente no le era posible a sus predecesores. ¡Si ya hasta hay un Festival de Cine del iPhone!

Todos podemos estar de acuerdo, seas un “fanboy” de Apple o no –y yo no lo soy—en que Jobs era un visionario. Pura y sencillamente. El hombre logró integrar nuestras computadoras al entretenimiento casi indeleblemente, e hizo aparatos que todo el mundo conocía años y años atrás populares de nuevo. (¿O es que crees que el iPad es la primera tableta?) Fue sin duda uno de los grandes genios del siglo XX, y el mundo es más vacío cuando se va gente así.

En nombre de todos los que amamos el entretenimiento, sea música o cine, y a los que nos consideramos creativos de alguna manera, gracias Steve. Descansa en paz.

Y he aquí el discurso que dio en Stanford en 2005, uno de los más inspiradores discursos que ustedes puedan escuchar en su vida. Tiene subtítulos. Las fotos que están arriba son Jobs jurungando los filtros del programa Photo Booth en una oficina en 2006.

Steven Paul Jobs

(24 de febrero de 1955 – 5 de octubre de 2011)

Corto pero Grueso: What Light

2011-10-06T10:04:00.001-04:30

Su inocentemente titulada sección de cortometrajes vuelve con What Light, las aventuras de un rayo de sol que decide explorar una habitación vacía. Dirigido por Sarah Wickens.

Si tienen un cortometraje que quieran destacar por aquí, ¡en serio me hacen falta venezolanos! Avisen en los comentarios o escriban directo a jaycer17@gmail.com.

Cine versus televisión: ¿sí hay guerra o igualito la televisión ganó?

2011-10-05T13:26:00.001-04:30

Es oficial: el verano terminó. Los chamos vuelven a clases, el frío (y las lluvias) vuelven a Caracas y el cerebro volvió a las salas de cine. Ahora tenemos las contendientes para el Oscar listas para llegar, dándonos un respirito de todas esas explosiones y comedias que abundaron las salas de cine.

Según The Hollywood Reporter, este verano vio un aumento de 1% en ganancias: 4,4 billones de dólares que entraron a las arcas de los grandes estudios. Pero ojo: según el blog Inside Movies de Entertainment Weekly, eso quiere decir que en EEUU se vendieron 543 millones de entradas –el número más bajo desde 1997, cuando se vendieron 540 millones. Y no se lo pierdan, es el cuarto verano en fila que bajó la asistencia a los cines.

(El mercado internacional es otra historia: ¡la recaudación aumentó 41% respecto a verano de 2010! 8,2 billones de dólares entraron, en parte gracias a mercados emergentes como China, Rusia y Brasil, en parte gracias a que la gente va más al cine fuera del Norte, y los estudios están ansiosos por invertir en el mundo –con una notable y dolorosa excepción que gracias a Dios parece estarse solventando).

¿A qué se debe, entonces, que haya m+s real pero menos entradas? Dos caracteres: 3-D. Hubo 18 películas proyectas en formato tridimensional este verano (y algunas en IMAX donde estaba disponible), con entradas cerca de tres dólares más caras. ¿Les extraña, entonces, la fiebre de películas 3D que atacó? ¡Y de verdad es a eso que se va a recurrir? (Oh sí.)

Y no es que todas hayan sido de calidad. Por diversas razones (bueno, una sola) no he podido ir al cine tanto este año como he querido, y no he visto todas las grandes películas veraniegas que se estrenaron. Pero lo que veo en los reportes y comentarios de las películas…

Green Lantern fue un fracaso. Transformers 3: Dark Side of The Moon un exitazo en taquilla pero no muy popular entre críticos (para variar). The Hangover II fue un éxito pero después creo que las audiencias salieron sintiéndose sucias. Sólo al final del verano, que aparecieron cosas como Super 8 y Rise of the Planet of the Apes que demuestran que aún hay capacidad de hacer películas “cotuferas” pero inteligentes.

Mientras tanto, ¿quieren comparar con la televisión por cable?

Fíjense en las conversaciones alrededor de lo que era el bebedero antaño, que para mí es lo que se ha convertido Twitter. ¿De qué hablan? ¿De la última película en cines o adquirida a donde su amistoso buhonero de confianza? ¿De Netflix? Sí, Luis.

No, vemos comentarios de series como Mad Men, Breaking Bad, Dexter, True Blood, The Walking Dead, Boardwalk Empire, The Big Bang Theory, The Office, o canceladas como Lost, 24, The Sopranos, The Wire, Gossip Girl (¿esa la cancelaron, verdad? Por favor díganme que sí…), Friends, Seinfeld… Hay tantos programas de calidad para escoger, no sólo por su éxito sino por su alta calidad. The Wire, la serie que seguía a un grupo de policías y los narcotraficantes y criminales que perseguían, incluso ha inspirado clases y cursos en algunas de las mejores universidades de Estados Unidos.

¿Qué ha pasado? ¿De verdad se volvió el cine peor, o la televisión se volvió mucho mejor? La respuesta es, para parafrasear a “alguien”, es la “sensación” de calidad, si he de creerme este artículo del año pasado en The AV Club escrito por Noel Murray. Pasa que, mientras que la demografía clave para las empresas, que son los más jóvenes entre 19 y 30 años, se está quedando cada vez más en casa, qué con el anteriormente mencionado Netflix, iTunes, Redbox y afines, mientras que son los mayores, los que no bajan tanto contenido, que están yendo al cine. Eso parcialmente explica por qué True Grit fue tan exitosa: no sólo por lo excelente que fue, sino que los fans del western, normalmente personas mayores, ayudaron a empujarla.

Murray destaca que en el festival de Sundance de 2010 se compraron más películas que en años anteriores, mientras que The Good Wife, una de las series favoritas de mi más querida teléfila, está entre cancelarse y seguir porque, aunque tiene un promedio de 12 millones de televidentes sólo en EEUU (lo único que por lo visto le importa a esos cabrones, por lo visto), no muchos están en el campo de 18-49 que los anunciantes tanto piden.

Una cosa que sí no se puede discutir es que sitios para ver cine de calidad en Caracas disminuyen (y no me refiero a la UCV, coño) –léase, más allá del cine comercial--. Gracias a Dios por sitios como el Trasnocho Cultural, el Celarg, y las iniciativas de Cinema Garage. Pero estos son nichos –nunca van a tener la aceptación de una Batman o afines. Algo parecido pasa con algunas series excelentes que no duran nada, como Terriers, Party Down, la añorada Arrested Development (aunque ya anunciaron su regreso). (En serio, búsquenlas. Me lo agradecerán.) No puedes hacer una serie para ti y para tus amigos; tiene que tener encanto universal.

Entonces, ¿es mejor ser fan de televisión o de cine? ¿Quien dijo que necesitabas ser sólo de uno un otro? Ya empieza la temporada de otoño de televisión, y yo ya tengo la lista de lo que estaré pendiente. Igual con las películas otoñales, y hay algunas que en serio se ven muy buenas (pendientes de mi lista). No sé si de verdad habrá una guerra entre televisión y cine, pero lo que sí es verdad es que creo que nunca han habido tantas opciones de entretenimiento de calidad con anterioridad.

Rápido y Furioso 6 y 7 podrían ir cabeza a cabeza... ¡¿con Jason Statham?!

2011-10-04T15:32:00.001-04:30

A estas alturas, a nadie se le puede discutir que la fiesta de testosterona y gasolina que es la franquicia de Rápido y Furioso está para quedarse mientras que sus protagonistas todavía sean el ejemplo vivo de machos machotes. La quinta entrega, además, pone la condición que se explore terreno nuevo, como el hecho de pasarla de ser sobre carreras a ser sobre un robo.

Ahora que sale Fast Five en Blu Ray, empiezan nuevos rumores respecto a la siguiente parte de la serie –o más bien, las siguientes partes, plural. El blog Twitch tiene tremendo rumor de dos partes para Rápido y Furioso 6 y 7, que es casi seguro serán dirigidas de nuevo por Justin Lin.

Según le informan “fuentes” al blog (especialista en cine extranjero), las dos siguientes entradas en la franquicia serían filmadas una detrás de la otra, al igual que hicieron The Matrix, Piratas del Caribe y El Señor de los Anillos. No sólo eso, sino que esas mismas fuentes les informan que nada menos que Jason Statham podría unirse al elenco.

Ojo, las conversaciones con Statham acaban de empezar, así que esto está muy lejos de ser una cosa segura. Pero oigan esto: la historia supuestamente tendrá dos partes y tendrá lugar en Europa. Statham es básicamente la versión inglesa de Vin Diesel, con el añadido que el tipo es experto en artes marciales, y ya ha demostrado que se sabe manejar, em, manejando, en las tres de El Transportador y Carrera Mortal. Si no lo escogen a él para esta serie, ¿a quién más podrían agarrar? Lo único que faltaría por saber es si estará en una sola de las dos, o en la dos, si sería un villano u otro antihéroe. En realidad, yo simplemente quiero ver al pana en esta vaina. Entre él, Diesel, “La Roca” Dwayne Johnson, Tyrese Gibson y Paul Walker, esta es básicamente The Expendables para menores de 30 años. (Y fíjate, Statham ya está listo para empezar la segunda parte de The Expendables también.)

Y de paso, las dos secuelas tampoco están oficialmente aprobadas por el estudio, pero dados los números que han traído las últimas dos (Fast and Furious metió más de 363 millones de dólares a nivel mundial en los bolsillos de Universal, mientras que Fast Five recaudó la bicoca de 616 millones), es muy difícil que no lo hagan. Justin Lin dejó Terminator 5 para dedicarse a esta serie, así que esperemos y averiguaremos. Lo único seguro ahorita es que Rápido y Furioso 6 se estrena el 24 de mayo de 2013.

Bloodfare se ve cada vez mejor... literalmente

2011-10-04T12:51:00.001-04:30

Ha sido un largo y detallado viaje para que Bloodfare llegue a los cines, y ahora mi gente Christian Koch (productor) y J. A. Steel (directora) anuncian que Warner Brothers Motion Picture Imaging, la empresa encargada de hacer que películas como El Curioso Caso de Benjamin Button, The Hangover y The Book of Eli y series como The Mentalist se vean correctamente coloridas, ha terminado el trabajo de colorido digital. ¡Un obstáculo menos!

No, no es que Bloodfare esté pasando de blanco y negro a color. Pero la técnica de colorido digital puede hacer maravillas para que una escena se vea iluminada de manera correcta sin tener que volver a filmarla, amén de contribuir a que un determinado color (o todos) se vean de la manera en que ellos quieren que se vea. Y para una película de terror de bajo presupuesto, el aspecto puede que sea importante para impresionar a la audiencia.

Ya de por sí, es asombrosa la cantidad de gente que Koch y Steel han conseguido detrás de cámaras, como son el director de fotografía Michael B. Call, quien ganó un Oscar por su trabajo en 127 Horas y el maquillador Chris Hanson, que trabajó en películas como Hellboy, Spawn y Underworld. Koch me dice que aún tienen un trabajito por delante, pero aspiran a que ya para el año que viene finalmente veremos el producto de tanto amor.

Mientras tanto, aquí tienen el trailer y la sinopsis de Bloodfare para que no se les vaya olvidando.

Bloodfare es una historia de fantasmas de la Guerra Civil con un estilo moderno, por [la directora] J. A. Steel y co-productor Christian Koch. Es la historia del cabo Henry Trout (S. Edward Meek, Wild Stallion), quien luchó valientemente en 1861 en una escaramuza olvidada luego de la primera batalla de Bull Run. 150 años después, estará cara a cara con sus descendientes mientras la batalla por sangre continúa en un campo de batalla embrujado. Tyler (Brandy Lynn Anderson, de la venidera serie de SyFy Zeroes) y su hermano Chad (Adrian West, en su debut), los tátara-tátara-tátara-tátara-tataranietos de Henry, retarán la misma leyenda de Caronte el Barquero, mientras las líneas entre los vivos y los muertos empiezan a borrarse.

Pa' La Casa: 4 de Octubre

2011-10-04T09:38:00.000-04:30

Si les digo que esta es una semana para DVDs y Blu Rays geniales, es porque es una semana para DVDs y Blu Rays geniales. Les tengo una doble dosis de Disney y Tarantino (aunque dado el tamaño de lo que saca Disney, decir “doble” se queda corto), además de una de mis absolutas favoritas llegando a Blu Ray. ¿Qué está en sus planes ver esta semana?

Almost Famous

Sinopsis: En un reflejo de la vida del director Cameron Crowe, un aspirante a periodista (Patrick Fugit) convence a la revista Rolling Stone de aceptarle un trabajo sobre la banda Stillwater, justo en medio de una crisis personal de su guitarrista (Billy Crudup), el hechizo de una diva que acompaña a la banda (Kate Hudson) y el terror de su sobreprotectora pero comprensiva madre (Frances McDormand), en lo que se convertirá en su transición a la madurez.

Yo amo esta película. Pero con pasión y ternura. Excelente música, divertidas escenas, geniales actuaciones (Kate Hudson, prometías tanto…) y mucho, mucho corazón. Que llegue a Blu Ray debería ser razón suficiente para que se animen a añadirla a su colección. Pero ya.

Veredicto: No la compren a menos que les gusten las buenas películas. O sea, compren esta vaina.

Para coleccionistas/puristas: Hay una introducción en audio del director Cameron Crowe y un comentario por él y su madre Alice, quien tiene un pequeño papel, además del clásico “Detrás de Escenas”, una entrevista con Lester Bangs (el periodista que interpreta Phillip Seymour Hoffman en la película), siete artículos escritos por Crowe para Rolling Stone con introducción de audio suya, Los Mejores Álbumes de 1973 de Cameron Crowe, un video para “Fever Dog” de Stillwater (la banda ficticia de la película) y su concierto en Cleveland. Además, debo señalar que esta es la versión “pirata” de la película, que es como el director llamó a la versión extendida de 162 minutos.

Fast Five

Sinopsis: En la quinta entrega de la sorprendentemente exitosa franquicia, Dom Toretto (Vin Diesel) y Brian O’Connor (Paul Walker) ahora están ocultos en Brasil, pendientes de un último trabajo para joder al jefe de la mafia de la zona (Joaquín De Almeida) –con un rudísimo agente del FBI (Dwayne Johnson) detrás de ellos.

Nadie, empezando por mí, esperaba que la quinta entrega de una franquicia que de por sí era sobre testosterona, carros y mujeres sirviera para algo. Pero resulta que para mí fue una de las mejores películas de este verano, cambiándola de una serie sobre carreras a una película sobre un robo. Y añadir a La Roca fue una buena idea.

Veredicto: Si quieres completar la serie, cómprala. Yo la quisiera volver a ver, sí, pero tampoco es que es un clásico para toda la vida.

Para coleccionistas/puristas: La edición de tres discos (Blu Ray, DVD y copia digital) incluye cualquier cantidad de extras: pietaje detrás de escenas, entrevistas y storyboards mientras ves la película, tanto para reproductores como para usuarios de la aplicación pocketBlu para celulares; un comentario con el director Justin Lin; escenas borradas; pelones; la explicación del asalto al tren; cómo se reunió al equipo; detalles de cada nuevo vehículo de la película; la evolución de Brian O’Connor y Dom Toretto y un enfoque en el agente Hobbs, el personaje de La Roca; detalles de la genial pelea entre Dom y Hobbs; una escena cruda que muestra a Lin dirigiendo al equipo en el almacén; la explicación de la escena final con la caja fuerte; y Tyrese entrevista a sus compañeros de elenco.

Pulp Fiction

Sinopsis: Dos matones (John Travolta y Samuel L. Jackson) lidian con el error en un trabajo, un día antes que uno saque a pasear a la esposa (Uma Thurman) de su jefe (Ving Rhames), quien tiene un problema con un boxeador (Bruce Willis) que no quiso perder una pelea arreglada.

Si a estas alturas necesitas que te venda Pulp Fiction, es que nunca en tu vida has visto Pulp Fiction. Cállate y cómprala.

Veredicto: La película que todo fan de cine debe tener. Así que si no la tienes, ahora tienes la razón perfecta. Eso sí, no es que tenga demasiadas diferencias en cuanto a extras con la edición especial en DVD, pero la calidad de audio e imagen mejoradas deberían ser suficientes.

Para puristas/coleccionistas: Nuevas entrevistas con Travolta, Jackson, Amanda Plummer, Tim Roth, Eric Stoltz y Patricia Arquette; una discusión entre cinco críticos de la película; trivia de la película mientras la ves; el documental Pulp Fiction: The Facts; dos entrevistas con Quentin Tarantino, una en los Independent Spirit Awards de 1994, otra con Charlie Rose; el discurso de aceptación en Cannes.

Jackie Brown

Sinopsis: Jackie Brown, una aeromoza (Pam Grier) es atrapada por un agente federal (Michael Keaton) que está detrás de su jefe (Samuel L. Jackson), quien quiere recuperar el medio millón de dólares que Jackie tenía. También actúan Robert de Niro, Robert Forster y Bridget Fonda.

De la película más aclamada de Tarantino vamos a una de sus menos apreciadas. Yo aún no la he podido ver, pero si es Tarantino lo más probable es que le encuentre algo que gustar. Estoy seguro que recibió la tibia recepción que tuvo porque la gente esperaba Pulp Fiction 2 –¿y de cuándo a acá Tarantino se repite a sí mismo?

Veredicto: Trailers, detrás de escenas, otra entrevista con Tarantino, escenas borradas y alternativas, trailers de Pam Grier y Robert Forster, el video “Chicks who Loves Guns” y spots de radio con Grier.

Pee-Wee’s Big Adventure

Sinopsis: Luego que roban su bicicleta, el niño-hombre Pee-Wee Herman (Paul Reubens antes de caer en desgracia y volverse a levantar) se lanza a buscarla por todo el país. Entra la risa.

La primera película de un tal Tim Burton expandió el personaje de Reubens en una divertida comedia familiar que luego se convertiría en un programa para niños. Genialmente bizarra, considerando todo el rollo por el que Reubens se hizo aún más famoso después puede que sea algo morboso ver dónde empezó todo.

Veredicto: Si eres fan de Pee Wee, Tim Burton o la extraña psicodelia, puede que la disfrutes. Si no, alquile o descargue a su discreción.

Para coleccionistas/puristas: Nada nuevo, todo importado del DVD: comentarios de Burton y Reubens; un comentario del compositor Danny Elfman; cuatro escenas borradas, incluyendo una con el Asombroso Larry (un joven Laurence Fishburne), storyboards.

Saló, or the 120 Days of Sodom

Sinopsis: Un grupo de liberales fascistas secuestra a 120 jóvenes de ambos sexos en 1944 y los encierra en un fuerte del pueblo de Saló en Italia, donde los someten a las peores torturas, tanto físicas y sexuales como psicológicas.

Yo sigo diciendo lo que dije una vez: no hay suficiente curiosidad en mi cuerpo para animarme a ver esta película. Brutalmente cruda, con un fortísimo mensaje sobre la sociedad mundial, fue la última obra del torturado y controversial Pier Paolo Passolini y aún causa debates hoy en día. Y ahora Criterion tiene una nueva presentación para fanáticos de fuerte estómago, entre los cuales no me incluyo.

Veredicto: Si su curiosidad es grande, las de Criterion siempre son dignas de comprarse. Yo paso. Lo siento.

Para coleccionistas/puristas: Tres documentales sobre la producción de la película y el pueblo como tal, entrevista con el diseñador Dante Ferreti y el trailer, además de un libro con varios ensayos sobre la película. Y sí, aún así no me convencen.

La Bella y La Bestia

Sinopsis: Para salvar a su padre, una joven inusualmente bien leída (Paige O’Hara) acepta ser prisionera de una Bestia (Robby Benson), quien en realidad es un príncipe hechizado que sólo se curará ante el verdadero amor.

La película que nos hizo recordar que Walt Disney Studios es aún capaz de magia ahora vuelve con una edición especial de cinco discos, que incluye el Blu Ray, el DVD, la copia digital, un Blu Ray en 3D y un disco lleno de bonos. No hay nada de esta película que sea malo o aburrido, y siempre será una añadidura obligatoria a cualquier colección de películas. Sus hijos lo agradecerán.

Veredicto: A lo mejor no les hace falta una edición de cinco discos, pero esta película siempre deberá estar en cualquier hogar, tenga hijos o no.

Para coleccionistas/puristas: Un documental detrás de escenas de casi dos horas, una conversación con el compositor Alan Menken, un enfoque sobre la versión de Broadway, comentarios del co-productor Don Hahn y co-directores Kirk Wise y Gary Trousdale, media hora de escenas borradas y el video de Jordin Sparks de su versión de “Beauty and the Beast”.

El Rey León

Sinopsis: Un joven león (Matthew Broderick) debe regresar a reclamar el reino de su difunto padre (James Earl Jones) de su malvado tío (Jeremy Irons) y sus hienas (Whoopi Goldberg, Cheech Marin y Jim Cummings) con la ayuda de un bonachón jabalí (Ernie Sabella), un pícaro suricato (Nathan Lane) y un nervioso cálao (Rowan Atkinson).

¿En serio necesito decirles algo? Ok, aquí va esto: esta semana no sólo se viene una edición especial de dos discos de esta maravilla animada, sino una edición de cuatro discos con la versión 3D que está por estrenarse en Venezuela y –la joya de la corona— una versión de ocho discos con El Rey León, El Rey León II y El Rey León 1 1/2. Ustedes escojan, pero en serio explíquenme, si ustedes no la han visto aún, qué rayos están esperando.

Veredicto: La segunda parte no fue tan buena (sin ser mala) y aún no he visto la “3” (centrada en Timón y Pumbaa), pero en serio, cualquiera vale la pena. Supongo que terminaré comprándome la edición de ocho discos si puedo, pero mientras, el combo DVD-Blu Ray bastará.

Para coleccionistas/puristas: Si sólo compran la edición doble, incluye cuatro escenas borradas nunca antes vistas, una canción borrada, la extensión de la escena donde Simba conoce a Timón y a Pumbaa, pelones nunca antes vistos, comentario de audio con los directores y productores, un recuerdo de la película por su productor Don Hahn y un mechón de la melena de Simba. (Mentira.) Si compran la monstruosa de ocho discos, además les incluye la réplica de un tambor africano, enciclopedias educativas sobre la fauna africana (1 1/2 y 2), escenas borradas y videos musicales.

Esperen también esta semana:

Friday The 13th: The Ultimate Collection: Las ocho primeras películas en un paquete que incluye la máscara de Jason Voorhees.

Scream IV

Cinema Paradiso (en Blu Ray)

La Vita É Bella (en Blu Ray)

Space Jam (en Blu Ray)

Straw Dogs (en Blu Ray)

El Planeta de los Simios: (R)Evolución: Más mono serás tú

2011-10-03T23:05:00.001-04:30

Dicen que hasta un reloj descompuesto da la hora correcta dos veces al día. Lo mismo se puede decir de la fiebre de los remakes que cunde en un Hollywood que por lo visto nos quiere hacer creer que las ideas originales se acabaron (si tu nombre no es Christopher Nolan): de vez en cuando, habrá una idea para rehacer una película (conocida o no) que lo hará bien.

En el caso de El Planeta de los Simios, tiene dos cosas que jugaban en su contra para cuando se anunció que vendría una nueva versión. La original de 1968, a su vez basada en la novela de Pierre Boullé, es considerada un clásico del cine de ciencia-ficción, y ya tiene un remake en su historial, el de 2001 protagonizado por Mark Wahlberg y dirigido por Tim Burton. Esto de por sí no fuera tan malo si no fuera por el hecho que no mucha gente apreció el esfuerzo de Burton, muy a pesar del increíble trabajo del maquillador Rick Baker. (Conste: yo soy de los que la consideran aceptable.) Entonces, si ya metiste la pata una vez, ¿para qué volver a pisar en terreno fangoso?

Bueno, al diablo. Menos mal que lo hicieron. Rise of the Planet of the Apes es, sencillamente, la mejor película que he visto este verano. Mi película favorita este año. Punto.

Más que basada en la novela de Boullé o en el filme original de Franklin Schaffner, Rise busca empezar una nueva franquicia que explica cómo es que los simios llegaron a ser la especie dominante. Y por supuesto debe usar la medicina y la tecnología moderna, tanto para contar la historia como para hacer la película. Aquí{i, conocemos a Will (James Franco), un ingeniero genético en una empresa que busca elaborar mejores drogas para nuestra salud. Cinco años de experimentación lo han llevado a encontrar una droga que permite al cerebro recomponer sus células –potencialmente curar el mal de Alzheimer.Para Will este es un punto de particular susceptibilidad, pues su padre (un magnífico John Lithgow) está afectado por la enfermedad.

Pero un incidente con la chimpancé Bright Eyes (una de muchas referencias a la película original) hace que todo el proyecto sea echado para atrás, hasta que Will descubre que hay una adición inesperada al laboratorio: un pequeño bebé que él termina adoptando y llamando César (Andy Serkis). Pronto descubre que César ha heredado de su madre –quien recibió el tratamiento anti-Alzheimer—una notable inteligencia, así que decide continuar sus experimentos sin que su jefe Steven Jacobs (David Oyelowo) lo sepa, y ante las críticas de Caroline (Frieda Pinto), la veterinaria que será su enamorada. Otro incidente con el vecino (David Hewlett) y César debe ser llevado a un refugio animal, dirigido por John Landon (Brian Cox) y su cruel hijo Dodge (Tom Felton) –donde el cada vez más inteligente y autoconsciente simio decide que él no se va a calar más esta vaina.

Ruper Wyatt sabe capturar todo el rango de emociones en pantalla. Desde una delicada escena familiar hasta una épica batalla en el puente Golden Gate, el novel director hizo un impresionante trabajo en mostrar el arco de César, el único personaje con más de dos dimensiones. Porque no se equivoquen, esta es su historia al 100%; los humanos sólo son instrumentos de trama genéricos –Malvado Ejecutivo, Sensible Veterinaria, Científico Idealista. Hacen el mejor trabajo que pueden, y no puedo decir que ninguno es particularmente malo --Lithgow en particular es excelente, como siempre-- pero ninguno tiene más de una dimensión. Se ha alabado con creces el trabajo que Andy Serkis aplicó para darle un alma a César, pero no se debe olvidar que es el trabajo de un equipo de animadores que trataron de darle vida a un animal antropoide. En general el trabajo es muy bueno –las escenas entre César y Will, o entre César y su padre son sin costuras, integradas perfectamente-, pero a veces se nota demasiado que estamos viendo un animal generado por computadora, lo que me hizo extrañar el trabajo de Baker, sin mencionar que a veces me pide que estire mi credulidad unpoquito más allá de lo normal (lo siento, chicos, pero ningún simio, a menos que sea un gibón, es así de ágil --cuantimenos un orangután de casi 100 kilos). Más allá de eso, es un acontecimiento tecnológico innegable.

Claro, disminuir el trabajo de Serkis tampoco es justo. Este es un hombre que debió hacer una investigación absurdamente exhaustiva para lograr caminar, gesticular y pararse como un chimpancé sin parecer demasiado andromorfizado. Hay que entender, por supuesto, que estamos hablando de un simio que podría superar la inteligencia de un ser humano, así que va a llegar un momento en que debemos aceptar aún lo físicamente imposible, pero el trabajo de Serkis a nivel actoral no tiene nada que envidarle a cualquier colega del Actor's Studio. Serkis de verdad merece algún reconocimiento por su trabajko --sólo espero que pueda equilibrar roles donde aparezca como sí mismo además de un personaje computarizado. (Mucho recomiendo, para los que hablan inglés, escuchen esta entrevista a Serkis en el programa de la National Public Radio Fresh Air.)

Las expectativas para Rise eran ciertamente bajas, de modo que era muy fácil que las superara. Pero es un producto bien hecho y que además rinde homenaje a la original; hasta Charlton Heston sale indirectamente (amén de al menos 20 referencias más a ella). Sin duda el inicio de una nueva franquicia que espero mantenga la calidad de la primera. Vaya un cierre de verano.

El Llanero Solitario vuelve a cabalgar... parece

2011-09-25T15:04:00.001-04:30

Yo lo siento por los chamos de ahorita que no han crecido con una serie o comiquita que tenga una canción tan arrecha como esta.

Sí, es una versión de la apertura para la ópera de Guillermo Tell de Rossini, pero qué importa, para una generación siempre era el preludio para la aparición de un misterioso enmascarado montado en un caballo blanco disparando balas de plata y justicia (sí, como el Matador, jejejeje). El personaje apareció por primera vez en un programa de radio en 1933, para luego ser una muy popular serie de televisión de 1949 a 1957, una comiquita en los años 80 junto con el Zorro y Tarzán y una tira cómica que inspiraba la imaginación de Felipe el de Mafalda.

Hace unos meses, Walt Disney Studios anunció que el productor Jerry Bruckheimer y el director Gore verbinski –responsables de la saga de los Piratas del Caribe— estaban desarrollando una nueva versión del vaquero enmascarado y su fiel amigo indio Toro. Johnny Depp haría dicho indio (no me vean con esa cara, el hombre tiene raíces Apache) y Arnie Hammer (los gemelos Winklevoss en Red Social) como el Llanero.

Pero así de la nada –o al menos eso se creía— Disney canceló los planes de hacer la película en agosto. A ver: un equipo que les había traído casi 2 billones de dólares con cuatro películas, un actor que siempre atrae y otro joven actor que se está ganando lo suyo… ¡¿y Disney decide pasar?!

Resulta que Disney tenía sus razones. 250 millones de ellas. La condenada película tenía un presupuesto de 250 millones de dólares. Una película sobre vaqueros está costando lo mismo que una sobre alienígenas en el espacio. ¿¡Majomenos?!

Con la épica John Carter a estrenarse el año que viene –una adaptación de historias del creador de Tarzán sobre un soldado de la Guerra Civil estadounidense enviado a Marte— y el fracaso en taquilla de Cowboys & Aliens, se nota que Disney está pensando en costos. El estudio le dijo a Bruckheimer y compañía, así que se pusieron a trabajar para tratar de reducir el presupuesto.

Ahora Screen Rant reporta que, por o visto, eso es exactamente lo que Depp, Bruckheimer y Verbinski lograron hacer, bajándola de 250 a 217 millones. Por lo visto esa es una cifra con la que Disney sí está cómoda, y están por lo visto bien cerca de lograr un trato. Si es así, empezaría la producción en los primeros meses de 2012, aunque dudo que puedan tenerla lista para diciembre de ese mismo año.

Ahora, ¿qué rayos tiene una película sobre un vaquero que sobrevive a una emboscada de un malvado cuatrero, donde muere su hermano (que era un vigilante de Texas), y para luchar por la justicia usa una máscara hecha del chaleco de dicho hermano muerto, que pueda costar más de 200 millones de dólares? La respuesta también la saco de Screen Rant, y se las doy en dos palabras: hombres lobo.

Esta nueva película está escrita por Ted Elliott y Terry Rossio, quienes también escribieron las películas de Piratas. Hace muchas lunas (no me pude resistir), Elliott lo subió a un sitio privado de guionistas, y otro escritor le fue con el chisme de la trama al blog Hollywood-Elsewhere.

Iba a ser siempre una enorme película de Bruckheimer con efectos computarizados con los tradicionales elementos de Bruckheimer (y) un ojo a que fuera una franquicia –totalmente al estilo de Piratas. Iba a ser un show de Toro, principalmente. Toro como el ‘chivo’ y más dominante que el Llanero Solitario. Toro y los espíritu indígenas, como Obi Wan Kenobi y la Fuerza. Lo que impulsaba la trama iba a ser aspectos ocultos nativo-americanos con hombres lobo y efectos especiales, pero condimentado con dosis de espiritualidad nativo-americana en un aspecto serio.

(Pueden hasta leer un pedacito del guión allí.)

Considerando que más gente conoce a Johnny Depp que a Arnie Hammer, eso tiene algo de sentido. ¿Pero hombres lobo entre los Indios americanos? ¿Y esa vaina?

Antes que me citen el bodrio que es Crepúsculo –Jacob Black y Taylor Lautner pueden sentarse en el Obelisco de Altamira y dar vuelticas—sí hay una gran tradición de transformadores entre las tribus Mohawk, Navajo y Hopi, de acuerdo con Werewolf.com.. Entre los Navajo, que me imagino es lo que más se acercaría a los que quieren para esta película, usan la palabra “yeenadlooshi” (el que camina en cuatro) para describir a los llamados “caminadores de piel” (skinwalkers), unos hombres que han caído ante espíritus oscuros y pueden tomar cualquier forma animal, sea águila, cuervo, coyote o, claro, lobo.

A mí me encantó la primera Piratas, la segunda me parece lo máximo, la tercera fue medio desastrosa y la cuarta (que no involucró a Verbinski) no me gustó. Así que, considerando que todo el mundo involucrado en las que me gustaron (además de la genial Rango), es una nueva versión del clásico vaquero, no veo por qué esta película no me debería gustar. Ojalá en efecto se pueda hacer.

El Dilema: Los panas antes que las chamas

2011-09-25T12:16:00.001-04:30

Yo entiendo que aún hasta los directores exitosos tienen que comer. Digo, no es que cada película que haces te va a pagar una casa nueva o un carro nuevo y tal. Pero por qué Ron Howard –luego de haber hecho películas como Apolo 13, The Paper, Una Mente Brillante (que le dio un Oscar, gracias), Frost/Nixon, El Código Da Vinci y su secuela Ángeles y Demonios— nos trae una comedia tan estándar como El Dilema. Sólo puedo decir que espero que disfrutes tu piscina nueva, Ron.

Ronny (Vince Vaughn) y Nick (Kevin James) tienen una pequeña compañía que diseña motores eléctricos que quieren vender a la Chrysler para sus carros que no son “gay” (una frase que le costó un poquito de polémica a la película). Ambos han sido los más íntimos panas desde la universidad, donde Nick además conoció a su esposa Geneva (Winona Ryder), que a su vez le presentó a Ronny su actual novia Beth (Jennifer Connelly). Y esa amistad se pone a prueba cuando Ronny descubre a Geneva besándose con otro hombre (Channing Tatum, de G.I. Joe). Están a pocos días de cerrar el trato con Chrysler y Nick, el más sensible e inseguro de los dos, está al borde; ¿debe Ronny decirle esta terrible verdad, arriesgándose a provocarle una crisis, o callárselo y tratar de resolverlo él –que tiene un secreto propio?

La hago ver como ominosa, pero en realidad The Dilemma va de lo extremo light hasta el absurdo supremo –con bastante tiempo de por medio. El guión, escrito por Allan Loeb (21, Wall Street 2: Money Never Sleeps, Just Go With It), le da largas excesivas a algunos diálogos y extiende otras escenas innecesariamente, lo que me llena de angustia pues este pana escribió el guión para el piloto de una serie que realmente quiero ver, como es Terra Nova.

De modo que cuando el guión es debajo del promedio y el director pareciera que sólo está allí para gritar “corte” y “acción”, quienes tienen que salvar el día son los actores. Y en su mayor parte, lo hacen. Tanto Vaughn como James hacen sus personajes de siempre, con James un poco más centrado que en sus usuales papeles de gordito torpe tipo Paul Blart: Mall Cop o la reciente The Zookeeper. Pero Vaughn parece que más nunca hará un papel distinto al que ya ha hecho en The Breakup, Joe Santa o Four Christmases: el tipo divertido y seguro de sí mismo que tiene una increíble facilidad de palabra a la vez que trata de ocultar un sentimentalismo que de vez en cuando lo traiciona. Eso sí, los dos tienen suficiente química para incendiar un laboratorio, y sí se cree que los dos han sido amigos desde hace muchos años. De hecho, hay más de una escena en que hasta pueden sacar un verdadero sentimentalismo.

Del lado de las mujeres, es bueno ver a la Ryder tener trabajo estable otra vez, y aquí realmente logra que te caiga mal. Pero MAL. Ay sí, estaba sola, me abandonaste… Nada, chica, perra y ya. Pero con todo y eso, al final hasta logra redimirse un poco, y lo hace con una sola mirada de esos enormes ojotes. Conelly, por su parte, está haciendo un papel que no le había visto antes: una mujer normal. No es la atormentada esposa de Una Mente Brillante, ni es la desesperada vecina yendo a una tragedia de La Casa de Arena y Niebla. Nop, aquí es una chef que está feliz y enamorada de un buen tipo. Eso sí, tal vez la química entre ella y Vaughn necesitaba más trabajo; ¿tal vez más escenas juntos? En cambio, la de Ryder y James estaba casi inexistente.

La sorpresa, y lo digo con un poquito de pesar, fue Tatum. El chamo, que normalmente tiene toda la habilidad de un maniquí de vitrina, demuestra algo de vida y hasta un cierto rango de emociones; en serio me reí un rato con él. Queen Latifah, por su parte, en su papel de asesora de la Chrysler… hija, ¿qué hacías tú aquí? ¿Te están dando los papeles de Wanda Sykes ahora? Porque lo siento cariño, tú eres adorable y divertida, pero no eres Wanda Sykes. (La amiga de Julia-Louis “Christine” Dreyfuss en The New Adventures of Old Christine.)

Aunque hay momentos genuinamente divertidos y una auténtica química entre los dos protagonistas, la película se extiende innecesariamente perdiendo mucho del dinamismo que la haría verdaderamente destacarse. Pero sí puedo decir que es una peliculita agradable cuando no hay más nada que ver –que francamente este parece ser el caso—, sin ser ni memorable ni execrable. Oye, al menos no es La Chica de la Caperuza Roja.

Arranca una carrera por toda Latinoamérica: empieza The Amazing Race

2011-09-23T13:59:00.001-04:30

Va a costar mucho que yo me salga de mi zona de cine en este blog. Apoyar a mi país podría ser una. Un buen espectáculo en televisión, puede ser otra.¿Pero un reality? Tiene que ser tremendo reality.

¿Cómo? ¿La tercera temporada de The Amazing Race en Latinoamérica? Bueno… puede ser.

La gente de Turner me invitó (y se los agradezco muchísimo) a la presentación de la tercera temporada de la versión latina del reality que pone a todo el mundo a correr, sudar, asquearse, llorar y correr otra vez, donde conocí a las dos participantes criollas y a su presentador, el periodista Harris Whitbeck.


Verónica (izq) y Gabriela, las participantes criollas de The Amazing Race. Foto mía

¿Qué impulsa a alguien a lanzarse una carrera por todo un continente, donde las pruebas pueden ir de saltar en benji, comer gusanos, bajarse una palangana de dulce o meterse en aguas heladas? “En orden de importancia, la plata, la adrenalina, conocer el mundo, salir en televisión y el masoquismo”, dice Gabriela –“Gaba” para los panas—. Ella y Verónica son el equipo local, dos chamas de 24 años de Maracay que son –ejem— las que buscarán dejar el nombre de Venezuela en alto en esta competencia que el canal Space transmitirá a partir de este domingo a las 7:30 de la noche (el estreno será en simultáneo con TNT).

“Tú crees que puedas trotar, haciendo ejercicios todos los días, metiendo de todo en el bolso para prepararte”, dice Verónica. “Pero esto es algo tan mental como físico”.

Si nunca han visto The Amazing Race –como yo—es una competencia en 11 etapas donde los equipos –que pueden ser familia, esposos, novios, amigos, compañeros de trabajo o, en el caso de los que llegaron de segundos la primera temporada, padrino y ahijado— buscan pistas en distintas ciudades del continente, que implican muchas veces resolver acertijos, saltar de los sitios más extraños y sí, a veces comer vainas que normalmente ni olerías. Este es un resumen del primer capítulo de la primera temporada.

Yo no soy el mayor amigo de los realities, pero este siempre se ha visto un poquito más divertido y más… em… real que el resto. En muchos es el drama de tratar de ver quién se enamora de quién, quién se acuesta con quién, quién traiciona a quién o cómo venden su alma al Diablo. Pero aquí es lo más parecido a un rally de a pie que he visto, y no es siempre el más macho o el que peor te cae quien gana; es el equipo mejor organizado y quien tiene una mezcla de “esto es lo más arrecho que me ha podido pasar”, “yo aquí vine a ganar” y “chamo qué de pinga estoy en Machu Picchu”. Y bueno, te ponen a sudar. Literal y figurativamente hablando.

“Nunca estás preparado para algo así”, dijo Gaba. “Crees que trotando, haciendo ejercicio, corriendo todos los días, teniendo todo lo que necesitas te prepararas. Pero no”.

Harris Whitbeck, anfitrión, entrevista a las muchachas.
Foto mía

Latinos al fin, las dos chamas lograron hacer amistades con gente de los equipos anteriores y armaban un bochinche cada vez que podían. Apoyo en el sufrimiento, como quien dice. “Mi mamá lloró desde que me llevó al aeropuerto hasta que me regresé, mi novio casi se suicidó y perdió veinte kilos… ¡Pero me esperó!” dijo Gaba. “A nosotros nos hacía falta nuestra familia, a ellos les hacía falta la suya, y todos nos fuimos compenetrando así”, dice Vero. Gaba le completa: “Nosotras bailábamos, cantábamos, hicimos de todo para animarlos… venezolanos al final pues”.

En el encuentro también estaban los criollos que estuvieron en la primera temporada latinoamericana, un ingeniero de 24 años llamado David y su padrino Daniel. A pesar de que eran el más viejo y el más joven de la competencia, con todo y eso lograron llegar de segundos. “A cinco minutos de ser millonarios”, dice David.

En ese entonces recorrieron 25 ciudades en nueve países de todo el continente en 23 días. “Te puedes imaginar la presión porque si llegas de último en algunas de las ciudades, no terminas”, dijo Daniel. “Aguantar el quiebre personal es parte de la carrera. Dependiendo cómo tú manejes esa quebrada, es cómo te desarrollas”.

Facilito, pues.

A todas estas, hay un “participante” que está viendo esto desde la comodidad de un hotel: el anfitrión Harris Whitbeck. Síp, el mismo que fuera corresponsal en CNN durante “esos” peos en 2002 acá en Venezuela. Tiene tres temporadas como anfitrión, un largo paso desde que estaba evadiendo lacrimógenas en pleno peo en Caracas.

“Yo tenía rato que quería cambiar de aires, para no estar encasillado”, me dijo. “Entonces abrí una productora propia, donde hacemos nuestros propios realities. Una es una expedición que la hacen personas con discapacidad. Esa es otra forma de comunicar, con diversión”, continuó. “Ciertamente es más entretenida que hablar con políticos”.

Vamos a ver qué tal le va a las muchachas. The Amazing Race se estrena este domingo a las 7:30 de la noche por Space (canal 89 en Supercable, 45 en Inter y 518 en DirecTV) simultáneo con TNT (51, 48 y 501, respectivamente).Después de eso será…

Sólo porrrr… SPAAAAAAACCCCE…

Disfrútate un cortico

2011-09-19T15:55:00.001-04:30

Mientras su sección Corto pero Grueso regresa, tienen dos opciones: ver entradas anteriores (siempre hay tiempo de disfrutar un buen cortometraje) o asistir al Festival Internacional de Cortos de Caracas Chorts 2011, a partir del jueves 22 de septiembre. Cualquiera de las dos estará bien, en serio. Aquí tienen la nota de prensa.

Este jueves 22 de septiembre se inicia la 3ra. Edición CHORTS 2011, quienes ampliaron su convocatoria a otros territorios y este año deja atrás su categoría de nacional para convertirse en el FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOS DE CARACAS. Además estrenan sede tanto para sus actividades académicas como para las exhibiciones. Todas las actividades son de entrada libre para el público. Chorts 2011 es organizado por Bajo La Manga Laboratorio Audiovisual y cuenta con el apoyo de las instituciones y empresas de la industria cinematográfica más importantes del país.

La primera parte de la programación, incluye exposiciones fotográficas, encuentros, charlas y talleres a partir de este 22 de septiembre en La Escuela Foto Arte (Altamira) y es a partir del lunes 26 de septiembre, que se estarán exhibiendo en Cines Unidos Líder los 48 cortometrajes seleccionados, entre nacionales e internacionales de altísima calidad técnica y artística, realizados por profesionales en el área.

Expo Chorts: una mirada fija

La Gran inauguración de Chorts 2011 se hará con la colectiva fotográfica titulada “Expo Chorts: una mirada fija” en la Escuela Foto Arte (Altamira). En esta exposición se mostrará el trabajo que realizaron 11 fotógrafos durante el rodaje de 10 producciones cinematográficas venezolanas, tanto de cortos como de largos. “La muestra es un homenaje a la labor, casi siempre anónima, del fotógrafo o “foto fija” en nuestro cine”, expresa el director del evento Daniel Ruiz Hueck.

Los trabajos a ver son de los siguientes fotógrafos:

Luisa Brillembourg y Tahíta Paredes (Reverón)
Celia Bendelac (El Rumor de las Piedras)
John Márquez (El Chico que Miente / Extremos)
Fernando Pulido y Jenny Woodman (Cenizas Eternas)
Albi de Abreu (Colmillo)
Juan Carlos Solórzano (Blangladesh)
Prakriti Maduro (I Wanna Shine)
Marienna García – Gallo (Lo Que Nunca Pensé Decir)
Cristina Carrasco (Libre)

Durante esta exposición también se proyectarán los trailers correspondientes a los filmes representados a través de sus fotos fijas.

En la Escuela Foto Arte también se llevarán a cabo las charlas y conversatorios donde se conversarán los siguientes temas:

“¿Cómo funcionará la convocatoria permanente del CNAC?: Encuentro con Juan Carlos Lossada (Presidente del CNAC)
“La búsqueda de fondos internacionales” a cargo de Marité Ugás
“Video HD con Cámaras DSLR” por Juan Carlos Solórzano
“Red One o la muerte del celuloide” por Luis Duque
“La industria de la animación en Venezuela” por Jesús Barrios
“La Producción Ejecutiva” con Liz Mago Bosch
“¿Cómo hacer que tu película llegue a la tv?” / “One – to – One Meeting” con Martin Crespo (Argentina)
“Coproducir con la Villa del Cine”
“Conversatorio sobre actuación con Beto Benites

El costo de las Charlas, Encuentros y Talleres es totalmente gratuito, pero los interesados deben escribir a victor@bajolamanga.com con el titulo del taller o encuentro que deseen asistir. El cupo es limitado.

Para más información consultar por: http://www.festivalchorts.com/

Vea cuatro Oscarizables volverse locos en el trailer de Carnage

2011-08-31T13:36:00.002-04:30

Bien, la luna de miel terminó (gracias a Cris y a Andre por cubrirme mientras tanto –no se despidan de ellos aún, eso sí) así que es hora de volver al trabajo. Y me encanta que una de las primeras cosas que veo cuando vuelvo a abrir la computadora es el trailer para la nueva película de Roman Polanski, Carnage, que les traigo cortesía de Screen Rant.

Yo ya había mencionado esta película unos meses atrás cuando The Playlist anunció el elenco, que al final terminó cambiando un poco, de la nueva película del director de tales clásicos como Chinatown y El Bebé de Rosemary. Basada en la obra de teatro God of Carnage de 2006 escrita por Yasmina Reza (quien coescribió el guión con el propio Polanski), sigue la historia de una pareja de clase media (Jodie Foster y John C. Reilly, reemplazando a Matt Dillon) recibe a otra pareja, ejecutivos esta vez (Kate Winslet y Christoph Waltz) luego que el hijo de éstos agrediera al hijo de los primeros. Lo que empieza como una civilizada cena entre adultos decae en una comiquísima pelea por tratar de degradar a los oponentes.

¿Puede una sola película acumular nominaciones al Oscar para todos sus protagonistas? Coño, porque decidir quién lo hace mejor de este grupito está difícil. Reilly, uno de esos actores siempre subestimados pero perennes favoritos, es el único del grupo que no ha ganado un hombrecito dorado (fue nominado a Mejor Actor de Reparto por Chicago) y sigue a los demás a cada paso. Me encanta ver a Foster de vuelta en una comedia (me encantó en Maverick), y es genial ver a Waltz ser el encantador arrogante que le dio la fama en Inglourious Basterds. Para mí, es Winslet quien se la come con todo y la salsa; ese pedacito sobre los hijos le salió del alma. Todo en medio de sutiles críticas sociales y hasta políticas que hacen que esta película se vea genial como pocas –y lo que es mejor, una rarísima comedia de la mano de un director acostumbrado a thrillers y películas de terror (aunque con su habilidad para crear tensión, como que esto le queda al pelo).

Carnage se estrena en Estados Unidos de manera limitada en diciembre, y espero que el circuito Gran Cine la tenga por estos lados al menos en enero.

Horrible Bosses: tus jefes por lo menos son panas

2011-08-22T23:01:00.008-04:30

Primero lo primero: las expectativas estaban altísimas por ver una vez más a Jennifer Aniston en pantalla grande (sí, soy una faniston), por otro lado, en su semana de opening, Horrible Bosses recibió 89% en ‘Fresh’ en la página de crítica Rotten Tomatoes y cuando estaba en la taquilla me llevé un chasco con la cajera porque llamé a la película por su nombre original en vez de usar su alias criollo.

Ahora sí, Quiero Matar A Mi Jefe, como reza su nombre en español, es una comedia que cuenta con las actuaciones principales de Jason Bateman (Nick Hendricks), Jason Sudeikis (Kurt Buckman), Jennifer Aniston (Dr. Julia Harris), Kevin Spacey (Dave Harken), Charlie Day (Dale Arbus), Jamie Foxx (Dean 'MF' Jones), Colin Farrell (Bobby Pellit) y Donald Sutherland (Jack Pellit).

Inicialmente hay una pequeña descripción de la vida de los tres protagonistas en su entorno laboral y precisamente en cómo sus jefes se han aprovechado de su estatus para hacerles la vida miserable. Ahora bien, estos tres tipos normales no es que tienen una relación común con su patrón directo, es que los jefes en verdad son unos locos de carretera y es por ello que deciden que sus vidas serían mucho mejores si ellos no existieran.

Por lo general cuando uno lee que una película tiene persecuciones en auto, disparos, venganza, chantaje y violación piensa en un dramón digno de los mejores efectos especiales de Michael Bay, pero no. Un guión bastante limpio y fresco de John Francis Daley, Jonathan Goldstein y Michael Markowitz, bajo la dirección de Seth Gordon se vuelve una comedia fácil de digerir, con muchísimo sarcasmo y humor de ese hijode***a que le saca lágrimas hasta al más amargado. Las actuaciones son excelentes y dan ese aire de amigos/panitas/casi hermanos a The Hangover, además de que más de uno se va a sentir identificado con la trama y las vivencias de estos arduos trabajadores.

Ahora los jefes, el excelente Kevin Spacey haciendo de malo malote en esta ocasión, le vuelve la vida un yogur a Jason Bateman en su papel de Vicepresidente de la compañía y encargado de ventas, quitándole quizá la única oportunidad de ascenso en la empresa y siendo una constante piedra en el zapato para el pobre asistente. Por otro lado, Jason Sudeikis no la lleva tan mal pues su jefe es un señor de avanzada edad (Donald Sutherland), quién le tiene mucho aprecio y valora su trabajo en la empresa, pero para mala suerte de Sudeikis, el hijo de éste anciano (Colin Farrell –con un excelente maquillaje, además-) termina heredando el timón del negocio familiar y volviéndolo un gallinero con sus extravagantes acciones. Por último, quién diríamos que tiene el trabajo más fácil es Charlie Day, pues su única tranca en la vida es una jefa malvada que lo acosa sexualmente. Jennifer Aniston (¡Grrr!) interpreta a una dentista ninfómana cuya única motivación en la vida es convencer a su asistente de que tenga sexo con ella sin importar la forma en que lo logre, cabe destacar que nuestro chico Day está comprometido a casarse y muy enamorado de su prometida, lo que hace las cosas más difíciles para él.

Encontrar un asesino no es fácil, así que los atribulados empleados acuden con “Motherfucker” Jones (Jamie Foxx) quien gracias a su experiencia en prisión y sus habilidades para negociar se convierte en su consultor de homicidios. Los chicos se emprenden en un trabajo arduo de investigación que implica reconocer un defecto de sus jefes para llevar a cabo el asesinato y hacer que parezca un accidente. Con lo que no contaban era con el “carácter impulsivo” de uno de los jefes, que inclusoaclara el panorama para ellos. El final que salva la patria de esta película viene dado por una situación un tanto exagerada pero que tiene coherencia y en punto climax funciona para atar muchos nudos de una sola vez.

La dirección de esta película la hace Seth Gordon que si bien no es muy reconocido por su trabajo cinematográfico (algunos cortometrajes y uno que otro documental), es uno de los directores de la exitosa serie de la cadena NBC, Parks And Recreation y también de otras series como Modern Family, Community y The Office. Gordon fue citado por la casa New Line Cinema para dirigir este guión y varias fotografías del set empezaron a filtrarse en sitios especializados a mediados de 2010 al mismo tiempo que las revistas faranduleras estadounidenses se enteraron de que Aniston encarnaría a una “dentista acosadora sexual” y empezaron a interesarse por el desarrollo del film.

Horrible Bosses es una comedia que funciona por la química entre el guión y los actores más que por cualquier otra cosa, es un ensamblaje entre una idea sólida y un encanto del cast que traspasa la pantalla. Yo le doy 8/10 y la recomiendo como una de esas películas de comedia que merece el esfuerzo de ser vista en una sala de cine.

Corto pero Grueso: Porcelain Unicorn (2011)

2011-08-21T01:51:00.004-04:30

Su amistoso blog de cine abre un espacio para el género que más se ha visto beneficiado por Internet: el cortometraje. Si tienen un corto que quieran destacar por este lado, háganmelo saber.

Particularmente me encantan los concursos que imponen algunas reglas o condiciones para que los participantes demuestren su talento. En este caso, una compañía de aparatos electrónicos ideó Parallel Lines: 'Tell It Your Way', con unas reglas muy simples. Cortometrajes de 3 minutos en los que se utilicen solo los seis diálogos siguientes: “What is that?” (¿Qué es eso?), “It’s a unicorn” (Es un unicornio), “Never seen one up close before” (Nunca había visto uno tan cerca), “Beautiful” (Hermoso), “Get away, get away” (Escapa, escapa), and “I’m sorry” (Lo siento).

De los 600 videos que recibieron como respuesta, el juez convocado, nada más y nada menos que el director Ridley Scott, escogió Porcelain Unicorn, dirigido por Keegan Wilcox y grabado con una pequeña y muy barata Canon 5D.

Plasma de miércoles E88: Idioterne: sacando el idiota que llevamos dentro

2011-08-17T21:15:00.005-04:30

Hay algo muy raro acerca del cine. El cine es la realidad retratada en video, pero ¿hasta qué punto se “maquilla” esa realidad para hacerla bonita o volverla mainstream? Hubo dos cineastas que se cansaron de tener que buscar y crear sets, armar iluminación y sobre todo, dejarle la magia a la postproducción. Hablo de los daneses Lars Von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Ellos crearon en el año 1995 una especie de “fundación” fílmica con un manifiesto llamado Dogma 95 en el que se comprometían a hacer películas completamente naturales, donde la importancia de la estructura de la película se basara en las actuaciones, improvisaciones y demás herramientas dramáticas de cada personaje.

De este curioso pacto y de la mano del siempre-raro-pero-genial Lars Von Trier, nos llega Idioterne (The Idiots en inglés), un drama acerca de la vida de un colectivo de jóvenes perfectamente saludables que residen juntos en una casa y que están unidos por una condición bastante particular: ellos actúan como retrasados mentales. Ellos siempre están en grupos y organizan paseos, recorridos y visitas a distintos lugares donde puedan hacer su actuación. En una de esos performances, conocen a Karen, una mujer solitaria que se identifica con ellos y decide unirse a la causa, sin saber en realidad qué tan desinhibidos son sus nuevos amigos Stoffer, Susanne, Henrik, Jeppe, Josephine, Ped, Miguel, Axel, Nana y Katrine.

La casa ubicada en un suburbio de Copenhague sirve para que estos chicos suelten su idiota interior, al punto de que es bastante creíble la forma en la que ellos se comportan, es una libertad condicionada por los muros de la casa en la que llegan incluso a tener sexo explícito (con escenas de penetración) frente a las cámaras. Todo esto sucede mientras se desarrollan ligeras historias de amor y sobre todo se devela cómo es realmente la atención culpable y casi lastimera que reciben los idiotas en todo lugar donde van, así como la anarquía que son capaces de desarrollar en cualquier lugar que pisan. Es una película que no está hecha para hacer conciencia y si vamos más allá ni siquiera tiene argumento, pero sí sirve para demostrar que para cada actor existe una utopía que logra liberarte de cualquier presión social y a la cual puedes llegar tras la práctica de una actitud digamos inusual.

Lo único sobre esta película, lo que la hace que no sea una más del montón es que cumple a cabalidad todos los mandamientos del “voto de castidad” del Dogma 95, todos los problemas de guión son resueltos en escena, con cámara en mano, con los actores, cada personaje tiene una psicología diferente y la desarrolla y se encuentra a sí mismo sin necesidad de tener unas líneas específicas. Lo otro es que a pesar de que fue grabada en el 1998, cuenta con la vigencia necesaria para hacernos estremecer, identificarnos y hasta sorprendernos. Esta especie de comuna hippie termina por enganchar hasta al más escéptico y funciona como claro ejemplo de que el mejor cine es el que nace de la sencillez.

Curiosidades:

The Idiots es la segunda parte de una trilogía llamada “Corazón Dorado” y compuesta también por Breaking the Waves y Dancer in the Dark. Esta última cuenta con la participación de Bjork y es otra impelable de la vida.
El guión de The Idiots fue escrito en cuatro días como resolución del manifiesto y no estuvo sujeto a revisión alguna. De hecho ningún actor obtuvo una copia sino hasta el momento de su grabación.
El soundtrack de la película está compuesto por dos canciones: "The Swan" de Camille Saint-Saëns y "Vi Er Dem De Andre Ikke Må lege Med" de Kim Larsen & Erik Clausen y fueron grabadas en escena.
La versión australiana de The Idiots tiene dos segundos menos de escena de penetración, mientras que la versión estadounidense tiene barras negras en los genitales expuestos.
En el documental The Girl Next Door que trata sobre la vida y fama de una actriz porno, hay una escena en la que se puede ver el poster de The Idiots.

X-Men First Class: El mejor bromance del verano

2011-08-16T13:57:00.001-04:30

Mientras mi vida está un poco héctica en estos momentos (eso de casarse e irse de luna de miel absorbe tiempo, qué les puedo decir), le pedí a dos muy queridos amigos --hijos, podría decirse-- que me echaran una mano actualizando el blog hasta que regrese, como son Cristian Hernández y Andrea Guarisma. Esta reseña es su primera colaboración, y creo que estamos de acuerdo que estoy dejando esto en muy buenas manos. Apóyenlos como puedan y síganlos en Twitter (@DynamiteAndre y @FortuneCris).

Bromance: Estrecha relación, pero no sexual entre dos (o más) hombres, una forma de intimidad homosocial.

Debemos admitir que aunque los comentarios sobre X-Men: First Class han sido favorables, (tanto en RottenTomatoes donde tienen un 88%, Metacritic con 65 puntos, y 8.0 en IMDB), y aunque no teníamos la mínima esperanza de que la película fuera buena, debido en parte a lo malas que han sido las anteriores entregas de la saga, como The Last Stand y X-Men Origins: Wolverine, pasamos un muy buen entretenido rato en la sala de cine.

Aunque está dirigida por Matthew Vaughn (Kick Ass, 2010) y contaba con la actuación de uno de los mejores luchadores contra las fuerzas nazis, Michael Fassenbender (Inglourious Basterds, 2009); acudimos a ver el film algo escépticos, así que es nuestro momento de asumir que estabamos equivocados, y les explicaremos por qué.

Afortunadamente para Vaughn, su trabajo tiene una consistencia lineal que insiste en contar paso a paso cómo se forma la relación entre los primeros mutantes que se entrenan con el Profesor X (James McAvoy). Lo que sabemos al principio es que hay un conflicto bélico: en plena guerra fría existe una latente guerra nuclear a la vuelta de la esquina esperando que uno de los dos bandos se coma la luz, los rusos o los norteamericanos; tenemos un presidente famoso: John Fitzgerald Kennedy, ahora ¿qué nos falta? Sí, ubicar ahí a los mutantes.

Érase una vez, en la Polonia ocupada por los nazis (sí, referencia a Inglorious Basterds), un niño judío es separado de su madre y obligado a usar su extraño poder que le permite manipular el metal. Este niño es Erik Lensherr y rápidamente se convierte en el arma de Sebastian Shaw (Kevin Bacon, Apollo 13, Frost/Nixon), quién en ese entonces usa el alias de Dr. Schmidt. Al mismo tiempo, un pequeño Charles Xavier, en la comodidad de su mansión en la segura Inglaterra, consigue en la cocina de su casa a Raven (Jennifer Lawrence) que se disfraza de su madre para robar comida, y tras conocerse desarrollan una profunda amistad que los unirá desde entonces.

En 1962, una vez adultos, y antes de tomar sus identidades como Magneto y el Profesor X, Erik Lensherr utiliza sus habilidades para cumplir su vendetta contra Shaw, rastreando y eliminando uno a uno a los criminales de guerra responsables de su experiencia en el holocausto nazi y a los científicos que jugaron con su vida. Mientras, Charles Xavier presenta su tesis sobre genética en la Universidad de Oxford, y aprovechándose, o no, de sus habilidades telepáticas para coquetear con chicas, conoce a la agente de la CIA Moira MacTaggert (Rose Byrne).

La guapa agente ha descubierto la injerencia de mutantes en las ya complejas relaciones diplomáticas entre Estados Unidos y la Unión Soviética. Liderados por el que resulta ser un espía ruso Sebastian Shaw y la joven telépata Emma Frost (January –chamo, que bella- Jones, Mad Men, Unknown), los conspiradores tendrían planes para desestabilizar al mundo con una tercera guerra mundial en la que se usa un acontecimiento real para ubicar la historia (crisis de los misiles cubanos) y le pide a Charles que ayude al gobierno a detener estos malvados planes.

Charles y la CIA deciden actuar para detener a Shaw, pero en ese momento Erick ya ha logrado dar con el en su lujoso yate. Gracias habilidades de sus secuaces, Frost, Azazel (Jason Flemyng, Clash Of The Titans) y Riptide/Tornado (el actor español Álex González) Shaw logra escapar. Es ahí donde se conocen Erick y Charles, y su meta y sus habilidades en común los ayudarán a desarrollar una fuerte amistad que los hace aliarse para formar un equipo de mutantes para lograr su meta.

Comienzan entonces a reclutar y entrenar varios mutantes que lucharían contra las fuerzas del mal. Es así como Angel Salvadore AKA “Angel” (Zoë Kravitz, la hija del rockero Lenny Kravitz), Sean Cassidy (Banshee), Alex Summers (Havok), Armando Muñoz (Darwin), Raven (Mystique) y Henry "Hank" Philip McCoy (Bestia, interpretado por un crecido Nicholas Hoult, el niño de About a Boy).

Sin embargo, y a pesar de que ambos se ayudan y entrenan mutuamente, el ahora poderoso Magneto y el profesor Xavier tienen un desacuerdo entre sus motivaciones. Erick quiere venganza, y sus experiencias lo llevan a rebelarse no solo contra Shaw, sino también contra los humanos que lo discriminaron durante su niñez. Xavier también debe luchar para controlar al Magneto lleno de ira e intentar encaminar su poder y liderazgo por el bien del mundo.

Xavier aconseja a su equipo la auto-aceptación, que vivan con eso y no traten de ocultarlo o avergonzarse por ser especiales o diferentes. Por el contrario, Magneto tiene en común con Shaw la creencia que los mutantes son razas superiores, el próximo escalón de la evolución y buscan una revolución que terminará en la extinción humana y en el comienzo de una nueva era reinada por mutantes.

De resto, tenemos bastante, una dirección de fotografía bastante precisa y entretenida, una banda sonora que puede pasar desapercibida y un cameo especialísimo a Wolverine (quién lamentablemente no participa en esta historia). Entre los fallos de la película está que algunos personajes no tengan todo el peso que podrían lograr en el guión, es el caso de Emma Frost (una de las actrices abanderadas y con el nombre bien alto en el poster) y los secuaces de Shaw, el prematuro Darwin y la agente MacTaggert. El vestuario estuvo genial, pero los efectos especiales que nos trajeron a Bestia y la apariencia de Mystique no hicieron justicia. El pobre Hank parece Sully, de Monsters Inc; y la apariencia original Mystique no es la misma "jawdropper" que nos entregaran en las primeras películas, y tal cosa no creemos que se deba a diferencias de atributos de la nueva Jennifer Lawrence con la anterior Rebecca Romijn.

Para los no fanáticos de los comics, esta es una gran oportunidad de conocer el universo X-Men, y cómo se forma la escuela de mutantes del profesor Xavier. Además tenemos una relación de amigos que vale la pena analizar, porque el Profesor X pasaba mucho tiempo con Magneto, analizando su historia, su pasado y sus motivaciones, llegaron a conocerse muy bien y hacerse panas tan cercanos que eran casi hermanos. Cabe destacar que este bromance que termina mal, es el inicio de la lucha entre los X Men y la Hermandad de los Mutantes Malvados.

De resto no tenemos sino una Mystique que es una teaser adolescente y un Magneto que no funciona sin el “fingering” del Profesor X, pero a esta altura ya nos ha gustado bastante la película.