Brillante depresión: trailer de The Road ACTUALIZADO

viernes, mayo 29, 2009 |

¿Saben quién es Cormac McCarthy? Es un autor que yo llamo el José Saramago de Estados Unidos. Sus novelas son una fuerte crítica social, con una prosa que realmente fluye sin parar en la página, entre otras cosas porque no pone comillas cuando abre un diálogo, de modo que son verdadera parte de la narración.

Ok, así que no lo conocen. Pero si les digo que una película basada en una de sus novelas ganó un Oscar a Mejor Película, y le dio a Javier Bardem y a los hermanos Coen su primer Oscar, sabrán que hablo del autor de No Country For Old Men. Sí, ese mismo es.

Yo acabo de empezar a leer ese libro en cuestión, pero hace poco terminé de leer el que le siguió, The Road (La Carretera), y el trailer de la versión cinematográfica acaba de estrenarse en línea cortesía de Yahoo! y es todo lo que yo esperaba: oscuro, deprimente... y absolutamente brillante.

Esta es la segunda película del director australiano John Hillcoat, quien anteriormente dirigió una película llamada The Proposition con Guy Pearce (Memento). Esta es la historia de un padre (Viggo Mortensen) y su hijo, interpretado por el debutante Kodi Smit-McPhee, que están en un Estados Unidos desolado y destruido. Es evidente que ha habido una catástrofe mayúsucla, y siguen llegando a casas desoladas llenas de cosas que ya no necesitan. Padre e hijo (ninguno de los personajes tiene nombre) sólo tienen un carrito de supermercado con todas sus pertenencias y una pistola para defenderse de los caníbales y pandilleros que aparecen en la vía, mientras tratan de llegar a la costa. Lo peor es que no saben si una vez que lleguen su situación podrá mejorar.

La película estaba pautada para ser estrenada el año pasado, pero por problemas diversos tuvo que ser retrasada. Ahora está pautada para estrenarse el 16 de octubre de este año. Según la revista Esquire, "es la película más importante del año". Ya veremos, pero yo ciertamente tengo muchas ganas de verla; las películas sobre distopías siempre pueden dar un vistazo de lo peorcito de la humanidad, pero a la vez lo mejor. También cuenta con Charlize Theron, Robert Duvall y el mismo Guy Pearce. Disfruten.


Actualización: ¿Saben esas explosiones y los anuncios y las cosas que salen al principio? Pues resulta que según leo de Screen Rant, son escenas al azar que se incluyeron sólo en el trailer, pues no hay nada en la película (mucho menos en el libro) que siquiera se le parezca a este escenario. Por lo visto, la Weinstein Company añadió esas escenas para atraer más público, por consiguiente desilusionando al público cuando vean que no es una emocionante película de acción pos-apocalíptica, sino un distópico drama. Mal hecho, Harvey.

Al infinito y más allá otra vez: teaser de Toy Story 3

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Consideremos el número 10. Es el máximo puntaje en gimnasia, habiendo sido alcanzado sólo una vez (por Nadia Comaneci, en 1982). Es la manera en que se describió a Bo Derek en La Chica 10. (Devuélvanme la cédula, por favor. Gracias.) Y Up, que se estrena este fin de semana en Estados Unidos, es la décima película de los estudios Pixar, una gente que ha logrado que nos encantemos con cada obra de animación computarizada que sacan. Desde Ratatouille hasta Buscando a Nemo, desde su mini-tropezón-pero-aún-agradable Cars hasta la casi-nominada-al-Oscar Wall-E, la gente de Pixar ha sabido cómo entretener al público con cada una de sus diez entregas (porque, según las primeras críticas, Up es otro triunfo).

Pero para mí lo más asombroso de Pixar es que aún es su primera película la que revolucionó el arte de películas animadas y sigue siendo referencia en el ambiente. Y de hecho, su secuela es rara en que es considerada incluso superior a su antecesora (ambas tienen un 100% en Rotten Tomatoes). Y es por eso que es para mí una enorme felicidad que el teaser para Toy Story 3, que fue presentado junto con Up, haya llegado a las intergüebs, cortesía de Film School Rejects.

Hace mucho sentido que Pixar quiera volver a su franquicia más querida, la única que ha tenido continuación, pues creo que ha apelado a un tema con el que todos podemos identificarnos: el trauma de crecer reflejado en los juguetes que dejamos atrás, cómo descubrirnos a nosotros mismos y cómo lidiar con ese descubrimiento. En esta ocasión, Woody (Tom Hanks), Buzz Lighyear (Tim Allen) y sus amigos son llevados a una guardería después que Andy se va a la universidad. Aquí se los dejo, y se estrena para el 18 de junio de 2010.


Apuesto a que no sabías que necesitarías estas páginas, cinéfilo

miércoles, mayo 27, 2009 | Comments

Mucho más allá de los torrents, la impelable Internet Movie Database y la tristemente difunta celuloide.net, yo consulto muchísimo la Güeb para alimentar este blog. LO que nunca había hecho era recomendar páginas que en efecto nos sirvieran a nosotros los cinéfilos durante nuestra experiencia de película. Pero me he encontrado un par de páginas que son demasiado originales para ignorar.

moviestinger La primera es MovieStinger.com, que soluciona algo que es a la vez sumamente cool e intrínsecamente ladilla de muchas películas hoy en día: la escena sorpresa después de los créditos. ¿Vieron la escena cuando Will regresa al final de Piratas del Caribe 3: Al Final del Mundo? ¿Qué tal la presencia de Samuel L. Jackson en Iron Man? ¿Y cuál escena les tocó a ustedes luego de ver X-Men Origins: Wolverine, la de él en Japón o del tipo que los manda a callar? Ah, ¿no sabían? Bien, en MovieStinger.com tienen una comunidad que comunica si uno debe quedarse o no mientras están los créditos. También especifica si la escena está antes, durante o después. Por ejemplo, no sabía que había una escena extra después de algunos créditos de Monsters Vs. Aliens, y ahora sé para aguantarme después que vea I Love You, Man.

runpee La segunda me parece aún más genial: Runpee.com. Por si acaso, la traducción es “Corremea”. Esta página te dice cuánto tiempo tienes para correr al baño durante la película. Porque estemos claros, eso de aguantar durante más de dos horas un refresco gigante es de machos o masoquistas; sé de más de una (¡y uno, no mientan!) que ya a los 15 minutos necesitan salir corriendo. Y por supuesto te perdiste gran parte de la película en ese interín. Ahora, gracias a Runpee.com, sabrás que aproximadamente a los 50 minutos de Terminator Salvation, cuando Marcus (Sam Worthington) encuentra a la piloto que eyectó, tienes unos tres minutos para ir y venir. Si además quieres un spoiler –sabes, para saber qué sucede mientras te vas— puedes hacer clic en “descramble” para esa descripción también. Adicionalmente, por favor no se pierdan la animación del título.

¿Alguna otra idea para una página web para cinéfilos?

Que SIGA el verano

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Una vez que termina mayo, la temporada veraniega en la cartelera comienza a agarrar fuerza. Este va a ser el mes en que los robots gigantes se asoman, pero lo que a mí me llama la atención es que acá en Venezuela repentinamente se abren las compuertas y llega todo el cine que llegó tarde. Así, mezclado con los grandes estrenos de los que les hablé antes, están éxitos de taquilla en Estados Unidos del año pasado que recién ahora estamos recibiendo. Algunas ya hasta están disponibles para alquiler. Pero qué importa, muchas bien valen la pena para la gran pantalla.

Knowing (Cuenta Regresiva)

Nicholas Cage. Dir.: Alex Proyas. Nicholas Cage, que necesita seriamente volver a clases de actuación (¿han visto esta recopilación de escenas de su película de "terror", The Wicker Man?), al menos escogió un buen guión esta vez: un profesor de astronomía viudo descubre un papel de 50 años donde se predice cada desastre que le ha acontecido a la humanidad desde 1959. Por lo que he leído, el guión desciende a lo extraño, pero la dirección de Proyas (Yo, Robot, Dark City) es emocionante, y plantea unas muy interesantes cuestiones sobre la humanidad. Estreno: 29 de mayo.



Duplicidad

Julia Roberts, Clive Owen, Paul Giamatti, Tom Wilkinson. Dir.: Tony Gilroy. Muchos describieron esta segunda película del director de Michael Clayton "Sr. y Sra. Smith con cerebro". Roberts y Owen son dos ex espías con un pasado juntos que ahora trabajan en el espionaje industrial, y están planeando estafar a sus jefes (Giamatti y Wilkinson) en su nuevo invento. Lo mínimo es irla a ver por el elenco, pero me consta que Gilroy (quien también escribió el guión) sabe mantener nuestros interés. Estreno: 29 de mayo.


Swing Vote (Un Papá Muy Poderoso)

Kevin Costner, Madeline Carroll, Stanley Tucci, Kelsey Grammer, Dennis Hopper. Dir.: Joshua Michael Stern. Esta es la película que yo anoto bajo la categoría "peor es nada". Se supone que es una ligera comedia que habla sobre la responsabilidad y tal, pero hizxo tan pobremente en taquilla que me imagino que algo está fallando. Kevin Costner es un divorciado desempleado que vive con su hija (Carroll) que nunca ha hecho nada con su vida, y ahora por cuestiones extrañísimas, su voto decidirá el próximo Presidente. Y ahora por supuesto todo el mundo está mirándolo de cerca. Suena simpática, así que creo que le daré una oportunidad. Estreno: 29 de mayo.



The Wrestler (El Luchador)

Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood. Dir.: Darren Aronofsky. Finalmente, la justicia se ha hecho. Claro, después que les pedí a mis padres que me compraran el DVD. Pero igualito trataré de verla en el cine. Es la historia de Randy "The Ram" Robinson (Rourke), una estrella de la lucha libre de los '80 que ahora sólo puede participar en exhibiciones en escuelas y espectáculos de tercera. Este fue el papel que debió darle el Oscar a Rourke, y tuvo las más insólitas señales de ignorancia por parte de la Academia (nadie pudo creer que el tema de Bruce Springsteen, "The Wrestler", no recibiera una nominación). Estreno: 12 de junio.



In Bruges (Perdidos en Brujas)

Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes. Dir.: Martin McDonagh. Esta fue la segunda película que recomendé para Plasma de Miércoles. ¡Y eso fue en diciembre! Creo que ningún cinéfilo de la web ha dejado de verla. Y sabe, creo que bien se merece algo de amor de taquilla. La oscura comedia de dos matones a sueldo (Farrell y Gleeson, ambos nominados a un Globo de Oro) que se esconden en el pueblo de Brujas en Bélgica luego de un trabajo que salió mal fue quizá la película independiente más exitosa que nadie vio. Se entiende, porque es difícil de tragar, de tan oscuro que es su humor, pero es uno de los guiones más inteligentes y agudos que he visto en mucho tiempo. Absolutamente imperdible si no la has visto ya; una excelente opción para volver a ver. Estreno: 19 de junio.



Appaloosa

Ed Harris, Viggo Mortensen, Reneé Zellwegger, Jeremy Irons. Dir.: Ed Harris. Luego de 3:10 To Yuma, el western empezó a vivir una interesante resurrección, y este daba un cambio interesante. Harris y Mortensen interpretan a dos pistoleros que llegan a un pueblo para protegerlo de un malévolo ganadero (Irons), pero la llegada de una viuda (Zellwegger) les sacude los planes. Otra que vi hace poco en DVD, y de verdad vale la pena. No creo que la vuelva a ver, pero me agradó como una variante del western. Estreno: 1º de julio.



Push

Dakota Fanning, Chris Evans, Djimon Hounsou. Dir.: Paul McGauguin. "Una versión de Héroes para el cine" es la forma en que se ha descrito esta película, a veces como insulto, a veces como halago. Dos jóvenes con poderes telequinéticos (Fanning y Evans) deben tratar de llegar a Hong Kong y descubrir el secreto de su libertad de una oscura agencia gubernamenmtal que los quiere controlar. Parece que es decente; incluyan esta en la columna de "tómenla o déjenla". Estreno: 10 de julio.


I Love You, Man (Te Quiero, Brother)

Peter Segal, Paul Rudd. Dir.: John Hamburg. Luego de dar excelentes papeles secundarios tanto en TV (Friends) como en cualquier comedia de Judd Apatow, Paul Rudd finalmente es protagonista, haciendo de un tipo que se entrega tanto en complacer a sus novias que no ha desarrollado una amistad seria con ningún hombre; ergo, está sin padrino para su próxima boda. Finalmente, luego de muchas "citas de macho", consigue un alma gemela (Peter Segal, de Forgetting Sarah Marshall), pero ahora su amistad está afectando su noviazgo. La película suena atractiva, hasta que ves que los padres de Rudd son interpretados por Jane Curtain y J.K. Simmons, y para mí se convierte en impelable. Estreno: 10 de julio.



En adición, ya tenemos fecha de estreno para la nueva de Michael Mann, Public Enemies, con Johnny Depp y Christian Bale, de la que les había hablado en mi entrada anterior. Hay algunos cambios de fecha también, y aún espero que estrenen Brüno, The Hurt Locker y Funny People. Pendientes de los amigos de Cines Unidos (y un deseo para la gente de Cienx que tenga su cartelera de próximos estrenos) de nuevos cambios y nuevos estrenos. El verano acaba de ponerse mejor en Venezuela. Para mí, al menos.

Plasma de Miércoles E22: El Veredicto (1982)

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verdict Cuando Paul Newman murió el año pasado, tuvo el raro privilegio de haber vivido una larga vida libre de escándalos y aún casado con su segunda esposa luego de casi 50 años, Joan Woodward. Su imagen era de la fuerza inamovible, una noble estatua de moralidad. Desde Cool Hand Luke y El Hato en el Tejado Caliente hasta Road to Perdition o incluso Cars, el hombre, más allá de su talento, era todo dignidad y altura.

La única vez que Newman hizo un personaje con fallas, de hecho, fue cuando todo el mundo estaba convencido que le darían el Oscar: cuando hizo del abogado Frank Galvin en El Veredicto, del genial Sidney Lumet. No se exagera cuando se dice que esta fue una unión en el cielo: Lumet siempre se ha asociado con el anti-Hollywood (dirigió las clásicas Serpico y Tarde de Perros, ambas con Al Pacino, además de la original 12 Hombres en Pugna) y Newman, con todo su encanto, nunca tuvo el glitz de las estrellas hollywoodenses. Para rematar, el guión, basado en una novela de Barry Reed, fue escrito por David Mamet (escribió El Cartero Llama Dos Veces y Los Intocables), otro que iba en contra del establecimiento. ¿Cómo resistirse?

Frank es un abogado que está raspando fondo. Es alcohólico, y no ha ganado un caso en quién sabe cuánto tiempo. Se ha reducido a perseguir ambulancias, agarrando “aunque sea fallo”. Su amigo y colega Mickey Morrissey (Jack Warden) le ha conseguido un caso más, el último: ayudar en un caso de malapraxis médica donde una mujer ha quedado paralizada de por vida. Y es un hospital bajo la tutela de la arquidiócesis, quien ha contratado a un implacable abogado (Sir James Mason) para su defensa. A pesar de que tiene todo en contra, Galvin no acepta los 210.000 dólares de arreglo que le ofrecen; esta es su última oportunidad para la redención y quiere aprovecharla.

En una época en que las películas y las novelas de John Grisham aún están frescas en nuestra mente, El Veredicto puede parecer predecible y promedio. Aunque esto es lo contrario de un personaje de Grisham: no es un joven abogado recién graduado yendo en contra de una poderosa compañía, es un viejo abogado que va en contra de todo el mundo. Vemos como Frank falla uno a uno: su testigo estrella desaparece, su deposición en el caso se traspapela, el juez (Milo O’Shea) parece sospechosamente al lado del hospital, y puede que vaya a ser traicionado muy pronto. Y a pesar de todo, el hombre sigue intentándolo. Porque sencillamente no tiene otro remedio. Incluso cuando llega al juicio, y da sus declaraciones finales, en una brillante toma donde apenas se distingue del público que lo rodea, es un hombre que se ha arrepentido de todo lo malo que ha hecho, y aunque está convencido que ya es demasiado tarde, lo intenta con una enorme tristeza en su corazón.

Llamar la actuación de Newman “brillante” es, quizá, hacerle una injusticia, pues no tiene ninguna grandilocuencia. Es sutil, desconsoladora y humilde. Pero aún vemos la nobleza detrás de esos famosos ojos azules, algo que ni siquiera el fondo de un vaso puede esconder. Mason está justo detrás de él, toda arrogancia y seguridad sin piedad detrás de una máscara de nobleza. Para quienes no lo sepan, Mason fue famoso por interpretar senadores y emperadores romanos y grandes caballeros ingleses; aquí no es la excepción, haciendo un villano que está convencido que es el héroe, simplemente porque están amenazando a su cliente.

Uno puede temer que el guión no deja muy bien parada a la Iglesia católica, aunque en maneras menos ruines que, digamos, El Código da Vinci o incluso La BRújula Dorada, si uno se preocupara por esas cosas. Y sí, puede ser un tanto predecible a veces. Pero Lumet y Mamet se aseguran que uno dude qué va a suceder hasta le último momento. Y como ya dije, ver a Newman en su mejor momento, al interpretar a alguien que está pasando por el peor de ellos... digo, es algo que nunca se va a repetir.

NOTAS CURIOSAS

  • Robert Redford iba a interpretar a Frank al principio, pero no quería interpretar a alguien que fuera tal tamaño de “loser”. Pidió se hicieran varios cambios al guión luego que Mamet entregara su primer borrador, hasta que finalmente decidió no participar. Cuando se le ofreció la dirección a Lumet, el director estaba convencido que el guión original de Mamet era el que debía filmarse, y Newman aceptó participar. La película resultó nominada para cinoc Oscar, incluyendo Mejor Actor Principal para Newman.
  • Entre el público que asiste al juicio está un joven Bruce Willis. (Tercera fila hacia atrás y a la derecha. Esta es la escena.)
  • El primer borrador del guión de Mamet fue rechazado porque se rehusó a incluir el resultado del juicio al final. Fue Lumet quien lo convenció de cambiarlo.
  • Dustin Hoffman, Roy Schneider, Cary Grant y Frank Sinatra fueron todos considerados o querían papeles en esta película.

Una Noche en el Museo 2: Batalla por el Smithsonian: La risa vs. la historia

lunes, mayo 25, 2009 | Comments

night_at_the_museum_battle_of_the_smithsonian_poster Fue con cierta nostalgia que acudí a ver Una Noche en el Museo 2, pues su predecesora fue una de las primeras películas que reseñé. Esa fue una genial y divertida oda a los museos con el mensaje de “pueden ser divertidos”, amén de un enorme éxito de taquilla.

La secuela se olvida un poquito de esa noción y quiere transmitir más el mensaje de “haz lo que te gusta, no abandones a tus amigos, y mete tantas referencias pop o históricas en dos horas y tanto de película como puedas”.

En algunos casos lo logra, en otros no.

Ben Stiller repite (y es idea mía, ¿o todos sus personajes, con la excepción de Derek Zooalnder, parecen una repetición del anterior?) como Larry Daley, el vigilante nocturno que descubrió que, gracias a una tableta egipcia mágica, todas las exhibiciones en el Museo de Historia Natural de Nueva York cobraban vida. Ahora es un exitoso inventor que tiene su propia compañía, y no ha podido visitar a sus amigos.

Cuando finalmente va, descubre que las mayoría de las exhibiciones están embaladas y van a parar al Archivo Nacional, debajo del Museo Smithsoniano en Washington, pues el de Historia Natural ahora va a tener nuevas exhibiciones interactivas. No hay espacio para los dioramas, las miniaturas ni nada por el estilo. Y mira tú, qué casualidad que el presidente Teddy Roosevelt suena igualito a Robin Williams. ¡Qué loco!

Esa noche, Larry recibe una llamada desesperada de su amigo en miniatura Jedediah (Owen Wilson), algo que no entendí jamás cómo fue posible. Anyway. Resulta que la tableta de Ahkmenrah (Rami Malek) fue robada (¡por uno de los monos?) y su hermano Khamenrah (Hank Azaria) la quiere usar para traer a su ejército desde el Inframundo y conquistar, bueno, este mundo. Y para ayudarlo ha reclutado a Al Capone (Jon Bernthal) (que siempre aparece en blanco negro; buena idea), Napoleón (Alain Chabat) e Iván el Terrible (Christopher Guest –¿dónde estaba metido este pana?), aunque él aclara que la traducción es “Iván el Arrechísimo”. (Sí, la traducción es mía, ¿quieren saber si me gustó o no?)

Larry es ayudado por Jedediah, el general romano Octavio (Steve Coogan) y Amelia Earhart (Amy Adams), amén de una serie de personajes secundarios como el Pensador de Rodin y la estatua de Abraham Lincoln en el monumento a su nombre (ambos con voces de Azaria) que salen tan rápido y tan seguido que no tengo ni tiempo de enlistarlos todos.

No les niego que la película me hizo reír en varios momentos, en especial un breve encuentro que Larry tiene con otro “guachimán” llamado Brondon (el genial Jonah Hill), que tiene que haber sido en un 80% diálogo improvisado. También las interacciones con Azaria, un tipo que puede ser absolutamente hilarante, como aquí, o increíblemente ladilla en otros lados, son de lo mejor que hay. Y Adams es toda dulzura y coraje, algo que sin embargo pareciera que no se correspondiera con la realidad (habrá que esperar la biografía de la verdadera Amelia Earhart de mano de Hillary Swank). Y hay algo simpático de ver a un muñequito de Einstein (voz de Eugene Levy). Ah, y hay una burla a 300 que funcionó sorprendentemente bien.

Sin embargo, hay algo... desordenado en la película. No se toma para nada en serio, como si estuviera apuntando más a los niños que a la familia entera. Supomgo que es por eso que hay tantas referencias a cultura popular sin tomar demasiado en cuenta la precisión histórica (Khamenrah habla más con un acento inglés que egipcio, con referencias del siglo XX; sin embargo, Amelia Earhart sí habla con caló de los años ‘30). Y Bill Hader, a quien tanto quería ver como el general Custer luego de verlo en el trailer, desciende en territorio ladilla con cierta velocidad.

Shawn Levy rechazó dirigir The Flash para concentrarse aquí. ¿Quiere decir que éste era su mejor intento? Mal hecho, Shawn. La primera fue en serio genial; aquí simplemente se perdió el enfoque. Admito que las siguientes de este director (Date Night, con Steve Carrell y Tina Fey) se ven decididamente geniales, pero esta fue un paso en una dirección equivocada. No un tropezón, pero sí un tambaleo.

X-Men Orígenes: Wolverine: Es el mejor en lo que hace... pero no es esto

sábado, mayo 23, 2009 | Comments

Creo que ningún fanático de los cómics puede dejar de admirar a Wolverine (Lobezno,x_men_origins_wolverine Guepardo, ustedes saben a quién me refiero). El feroz canadiense de la habilidad regenerativa ha sido inspiración para más de un joven privado de tamaño para no calarse nada de nadie, pues es de admirarse que un tipo que mide 1,55 m. y su debut sea nada menos que contra los tres metros de pura furia verde que es Hulk (The Incredible Hulk #180).

Eso cambió drásticamente cuando el hasta entonces desconocido australiano Hugh Jackman fue introducido al público mundial cuando interpretó al mutante en la adpatación del cómic X-Men (2000). Fue una sensación instantánea, y el éxitod e las dos secuelas llevaba inevitablemente a una película propia, que finalmente sucedió este año de la mano de Gavin Hood (Tsotsi). A estas alturas Jackman prácticamente es Wolverine, algo con lo que yo no tengo ningún problema.

No, mi problema es un poquito con esta película.

Para que el resto del público que no leía cómics lo entendiera, mucha de la trama de X-Men Origins: Wolverine se basa en la Orígenes de Joe Quesada, Paul Jenkins y Bill Jemas y el artista Andy Kubert. Así que el encanto del “hombre sin pasado” se ha terminado. Ahora sabemos que el hombre conocido como Logan nació como James Howlett a finales del siglo XIX en Canadá, hijo de un rico dueño de plantación. Su amigo es Victor Creed, aunque luego de un altercado donde los padres de ambos chicos mueren, aprendemos que en realidad son medio hermanos. Ahora James y Victor deben huir para vivir, participando en cada guerra que ha sufrido la humanidad, y se han vuelto inseparables, aunque Victor (interpretado con gozo descarado por un magnífico Liev Schreiber) está lentamente asumiendo cada vez más su lado animal, algo que James quiere evitar.

Después de un incidente en Vietnam, un coronel que se identifica como William Stryker (Danny Huston) les invita a participar en un programa secreto llamado Weapon X, donde participan otros mutantes: el poderoso Fred Dukes (Kevin Durand), el telépata John Wraith (Wil.i.Am de los Black Eyed Peas), Bolt (Dominic Monaghan), el Agente Zero (Daniel Henney) y el incallable Wade Wilson (Ryan Reynolds). Pero luego de una misión particularmente difícil, James decide que ha tenido suficiente, y se escapa a Canadá, donde asume el nombre Logan y, después de un tiempo, se enamora de Kayla Silverfox (Lynn Collins).

Pero Victor tiene otros planes. Y en venganza, Logan acepta participar en Weapon X otra vez, esta vez dejándose adherir el indestructible adamantio en su esqueleto, algo sólo posible debido a su habilidad regenerativa. Una vez terminado el proceso, Logan descubre que Stryker le engañó; ahora debe buscar él solo a Victor para cumplir su venganza, y luego terminar con Stryker.

La historia suena lo bastante interesante, y tenían muchísimo material de dónde inspirarse. Entonces, ¿qué salió mal? Porque gente, yo soy un gran fan de Wolverine, pero esta película no causó en mí la mitad de la emoción de X-Men. Gavin Hood, con todo la aclamación crítica que recibió de Tsotsi, ciertamente tiene un ojo para lo visual, y para ser su primera gran produción supo manejarse bien con las explosiones y escenas de acción. Pero el guión de David Benioff (Troya, The Kite Runner) y Skip Woods (Swordfish, Hitman) cae demasiadas veces en lo cliché y elimina personajes que uno quisiera ver más.

Claro, no se puede negar que tiene un corazón estable, que es Jackman. Es increíble cómo un tipo que se ve tan fácil para reír en la vida real pueda verse tan intenso y lleno de furia como Wolverine. Jackman tiene músculos sobre músculos, y me refiero a actorales; aquí también demuestra con todo el lado humano de Logan. Y por su papel como productor en la película, es de reconocerle el trabajón por el que pasó para promocionarla.

Liev Schreiber es una bienvenida sorpresa como Victor Creed, quien más tarde se llamaría Sabretooth. Ya Schreiber tenía una mirada intensa que sabía usar bien en películas como Ransom (1996), The Hurricane (1999) y la infortunada versión de The Manchurian Candidate (2004). Ahora la une con una masa muscular de 35 kilos extra que aumentó para poder equipararse con Jackman. La furia de Victor combinada con su retorcido sentido del humor hicieron de este personaje uno de mis favoritos.

Le siguió la ansiada aparición de Gambito (Taylor Kitsch), el carismático mutante con la habilidad de impregnar los objetos con energía explosiva. Kitsch, quien participa en la serie Friday Night Lights, captura perfectamente el espíritu de Gambito, con la suavidad de mantequilla sobre aceite. Y Ryan Reynolds es quizá la mejor decisión para adoptar un papel que exista. Reynolds se caracteriza por su gracia e inigualable habilidad para la comedia, algo que demostró ampliamente en la serie Two Guys, A Girl & A Pizza Place, y demostró habilidades físicas en Blade: Trinity. Aquí es perfecto como Wade Wilson, quien luego sería conocido como Deadpool. De pana que este personaje siempre me ha encantado y de verdad agradezco que ya haya planes para su propia película en 2012.

¿Mi gran problema con estos dos? Tienen un gran total de dos minutos en escena. Si lo que querían era emocionarnos para una película siguiente, el coño de su madre. Y más con lo que le sigue a Wade en la película, que no revelaré aquí por ser un spoiler. Luego, lo siento pero Wil.i.am es un cantante, no un actor, Pareciera venir de la escuela de teatro de 50 Cent. Ídem para Lynn Collins, quien aunque es dulce y hermosa, a veces dice su diálogo sin ninguna emoción en lo absoluto.

Y luego, el guión en sí tiene algunas debilidades, como desestimar los poderes de Wolverine (ligero spoiler: ¿es que no podría escuchar un corazón latiendo, aunque fuera levemente?), caer en cuanto cliché de película de acción sea posible (¿en serio era necesaria la toma alejándose de una explosión?) y mal usar líneas de diálogo (cuando Wolverine dice “soy el mejor en lo que hago... y lo que hago no es bonito”, ¡no lo va a decir como si fuera sacado de una comedia familiar de los ‘60!). También, algunos efectos especiales son absolutamente patéticos (las garras, o sea), aunque la mayoría compensan. Y debo erconocer que la forma en que introducen a Scott Summers (Tim Pockock) y cómo hacen que no lo recuerde después es, em, creíble.

De cualquier manera,X-Men Origins: Wolverine tenía todo el potencial de ser una gran película. ¿Quizá en manos de un director más orientado a la acción? Y de paso, entiendo que quieran protegerla de la piratería, pero no creo que dar múltiples finales y por consiguiente obligar a ver una película que tiene a muchos desilusionados más de una vez no es una movida inteligente. No me pareció mala, pero considerando el historial tanto del personaje como de la franquicia de los X-Men, esperaba muchísimo más.

Plasma de Miércoles E21: Brick (2005)

miércoles, mayo 20, 2009 | Comments

Una de las eternas rabias de vivir en un país en el que el control de cambios y el mercadeo juegan un papel tan importante en traer películas es que las más pequeñas e interesantes –a menos que sean éxitos de taquilla como Juno o Little Miss Sunshine— jamás verán la parte de adentro de una sala de cine nacional, y lo obliag a uno a rezar a San Blockbuster (¡YO SÍ! ¡Y?) o recurrir a los torrents. Y bueno, se cumple el objetivo final (ver la película) pero la experiencia completa se pierde.

Tal fue el caso con Brick, el debut cinematográfico de Rian Johnson, quien la dirigió y escribió directo a un premio especial del jurado en el festival de Sundance de 2005 por Visión Innovadora. Y lo tiene más que justificado; esta puede ser la película independiente más alabada de todos los tiempos, incluso más allá que cualquiera de las dos nombradas, si acaso con menos premios.

Brick apela a mí pues resucita un viejo género que aprecio muchísimo: el clásico film-noir de detectives, completo con el duro investigador, el asistente cerebrito, el llamativo villano y la femme fatale. Hay varios guiños a grandes películas del género como El Halcón Maltés (1941). La gran diferencia es que todos los protagonistas son chamos de bachillerato. En serio, si el colegio hubiera sido así de intrigante, me hubiera fijado mejor en la gente.

El endurecido detective en este caso es Brendan (un sorprendente Joseph Gordon-Levitt), quien recibe una angustiada llamada de su ex novia, Emily (Emilie de Ravin, la Claire de Lost), quien parece que se ha metido en un paquete. Tres días después, Emily aparece muerta, y Brendan está decidido a descubrir qué pasó. Antes de que pase mucho tiempo, se ve involucrado en un círculo de drogas en su escuela, liderado por el Pin (Lukas Haas), y ahora necesita la ayuda de su brillante amigo Brain (Matt O’Leary) y de una seductora reina de graduación (Nora Zehetner) para averiguar quién mató a Emily y cómo va a salir entero de este desastre.

Esta película lo tiene todo: una interesante y emocionante trama, una fotografía hermosísima, y actuaciones que parecen salidas de lo mejor de una clase de actaución magistral de Hollywood. Empezando por el final, creo que nadie que haya visto 10 Cosas que Odio de Ti o la serie 3rd Rock From The Sun habría podido adivinar que Gordon-Levitt tuviera este talento en sí; puede cambiar de intenso a sarcástico, o adolorido a decidido en el parpadear de un ojo; un tipo así de garcioso no debería ser así de bueno.

Luego está el increíble aspecto en sí de la película. Como Johnson filmó todo en su hogar de San Clemente, California, sabe bien qué lugares usar; pero además, la edición de la película contribuye a que uno tenga que estar realmente concentrado o perderás un gesto, una mirada o algún otro elemento visual que puede ser clave en la historia. Eso y el diálogo un poquito pesado, por sus extrañas referencias, uso de localismos y rápido intercambio, pero es un molesto mosquito que pronto se va luego de un rato.

En serio, si les gustan las historias de detectives, nunca verán una como Brick, tanto en aspecto como en historia. Y liguen conmigo que en algún momento la segunda película de Johnson, The Brothers Bloom, sea estrenada aquí en Venezuela con alguna prontitud.

Brick

 

NOTAS CURIOSAS

  • “Brick” (ladrillo) se refiere a un kilo de heroína preparado en la forma de un ladrillo.
  • Toda la película fue filmada tanto en el pueblo como en la escuela secundaria del director Rian Johnson.
  • Johnson tardó seis años para tener suficientes fondos para esta película, habiéndola escrito en 1997.
  • Las mayores influencias para Johnson para su visualización de esta película son los spaghetti westerns y el anime Cowboy Bebop.
  • En una conversación con el subdirector, Brendan se refiere a un maestro de apellido Kasprzyk que era “duro” pero “justo”. La secundaria de San Clemente sí tenía una profesora de apellido Kasprzyk que era muy exigente pero justa.
  • Toda la película fue editada en una computadora casera.

Elemental un RÁBANO, mi querido Watson

lunes, mayo 18, 2009 | Comments

  Mi generación de infancia claro que conoció a Sherlock Holmes, el legendariosherlock_holmes_poster detective que no podía quedarse sin resolver un caso. Creado por Sir Arthur Conan Doyle, el habitante de la 221B de Baker Street ha sido interpretado en cine, teatro, televisión y radio por 52 actores distintos, incluyendo a Chrisopher Lee, Christopher Plummer, Jonathan Pryce, John Cleese, Peter O’Toole, Roger Moore, Michael Caine y el clásico Basil Rathbone.

El número 52 es ahora Robert Downey, Jr., quien bajo la tutela nada menos de Guy Ritchie (Snatch, Rockanrolla, Lock, Stock & Two Smoking Guns), asume el rol de un Sherlock Holmes que no habíamos visto antes. ¿Qué se puede esperar, si es Guy Ritchie? Esta es una historia basada en un cómic de Sherlock Holmes escrito por Lioenl Wingram, y explota no sólo las habilidades deductorias del legendario detective, sino con grandes habilidades para el combate personal.

Pues bien, el trailer de dicha película, que está pautada como regalo del Niño Jesús pues estrena el 25 de diciembre, apareció en línea hoy cortesía de Yahoo! y me atrevo a decir que esta va a ser la mejor película de Guy Ritchie desde Snatch. Me he reído de tal manera, y las actuaciones y los sets se ven MUY buenos.

Downey está montadísimo en la ola que fueron Iron Man y Tropic Thunder del año pasado, y pareciera que con este rol se va a terminar de cimentar en la cultura popular. Jude Law lo acompaña como el doctor Watson, su inseparable compañero, y también están Rachel MacAdams y el fantástico Mark Strong. Si me estoy basando nada más en el trailer, esta película va a ser sencillamente genial.

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Casi, casi

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Hay algunos roles que son considerados icónicos, por siempre asociados al actor que los interpretó (con la notable excepción de James Bond). Así que es sorprendente saber cuántos actores estuvieron a puntico de recibir el papel de su vida sólo para ver su oportunidad perdida. Aquí les tengo una lista de famosos “casi casi” que fueron a parar a otras manos.

Peter Venkman (Los Cazafantasmas, 1984)

El líder del grupo tenía que ser alguien despreocupado, extrovertido y ligeramente escéptico. Cuando Ivan Reitman se preparaba para filmar, tenía a John Belushi listo para hacer el papel. ¿El problema? Belushi murió de una sobredosis antes de que pudiera empezar a filmar. Se le dio el papel a Bill Murray. Eddie Murphy y John Candy también iban a aparecer en esta película, pero sus papeles quedaron para Ernie Hudson y Rick Moranis, respectivamente.

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Marty McFly (Volver al Futuro, 1985)

Robert Zemeckis sólo tenía un actor en mente para hacer de Marty, pero Michael J. Fox no estaba disponible. Así que se decidió por Eric Stoltz, menos conocido pero con talento parecido. Sin embargo, luego de varios conflictos con otros miembros del elenco, Zemeckis decidió que no convendría para el papel y convenció a Michael J. Fox para que estuviera en su película.

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Indiana Jones (Cazadores del Arca Perdida, 1981)

¿Puede alguien imaginarse a alguna otra persona en este papel? ¿Qué tal Tom Selleck? ¿Quién? De hecho Selleck ya había sido contratado para el rol, pero ya se había comprometido para su serie Magnum P.I.Y lo peor del caso es que la serie entró en producción después que la filmación había concluido. De hecho, Harrison Ford recibió el papel después de que Jack Nicholson, Nick Nolte, Steve Martin y –oh por Dios—Chevy Chase lo hubieran rechazado.

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El Depredador (Depredador, 1987)

Créanlo o no, la primera aparición de uno de los más famosos alienígenas de la historia del cine es obra de un conocido actor de acción, que filmó la escena de “hueco en la jungla” con un traje especial. Ese era nada menos que Jean-Claude Van Damme, dado que el depredador se supondría que sería más ágil, en vez de poderoso. Pero el ego del belga lo hizo renunciar a los dos días de filmación, así que se contrató al enorme Kevin Peter Hall (2,20 metros), quien ya había hecho de Harry el Piegrande en Harry y los Henderson.

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Aragorn (El Señor de los Anillos, 2001)

Stuart Townsend (quien luego sería Dorian Grey en La Liga de Caballeros Extraordinarios, de triste memoria) incluso llegó a filmar varias escenas como el heredero de Isildur en la saga de Tolkien, pero después de algunos días el director Peter Jackson decidió que quería usar a alguien más viejo. Eso es maldad para el pobre Townsend, aunque al final todos los demás salimos ganando que haya sido Viggo Mortensen quien lo aceptó.

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Terminator (1984)

En el pico de su popularidad como jugador de fútbol, Orenthal James Simpson quería arrancar como actor, y le fue ofrecido el papel de villano en una película sobre un robot del futuro que vuelve al pasado para matar al “salvador”. O.J. rechazó el papel porque creía que la gente lo veía demasiado “buena gente” para hacer de malo. Arnold Schwarzenegger sí aceptó, y o demás –incluyendo el “otro” papel de Simpson—quedó para la historia.

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Han Solo (La Guerra de las Galaxias, 1977)

El papel del atrevido contrabandista intergaláctico quiso pasar por muchas manos antes de que arrancara la producción. El más prominente fue el de Kurt Russell, que tenía fama de hacer personajes arrogantes y despreocupados. De hecho uno puede ver a Russell audicionando para el papel en varios documentales sobre Star Wars. También audicionaron Nick Nolte, Christopher Walken, Jack Nicholson, Al Pacino, Chevy Chase, Steve Martin, Bill Murray y Perry King. Harrison Ford leyó el papel para ayudar a George Lucas a encontrar otro actor, pues Lucas no quería trabajar con alguien con quien ya lo hubeira hecho, pero se dio cuenta que Ford sería perfecto. ¡Eso se llama suerte, mano!

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Anakin Skywalker (El Ataque de los Clones, 2002)

No es por nada, pero este es el único caso en que quisiera que se hubieran ido por la alternativa. Lucas consideró brevemente a Ryan Phillippe (ex de Reese Witherspoon) para interpretar al que se convertiría en Darth Vader, pero como quería un actor desconocido escogió a Hayden Christiensen. Vean a Phillippe en la película Breach, y díganme si de verdad escogió bien.

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Neo (Matrix, 1999)

La primera elección de los hermanos Wachowski para el papel principal de su saga era Johnny Depp, pero lso estudios querían a Brad pitt o Val Kilmer, que lo rechazaron. Los Wachowski también le ofrecieron el papel a Will Smith, quien empezaba a convertirse en un héroe de acción gracias a Bad Boys y Día de la Independencia, pero lo rechazó. Mucho tiempo después, se lo ofrecieron a Ewan MacGregor, pero éste ya se había comprometido a actuar en Episodio I: La Amenaza Fantasma. Nicholas Cage (WTF?!) lo rechazó por compromisos familiares. Se consideraron a Tom Cruise y Leonardo di Caprio, pero al final la cosa quedó entre Depp y Keanu Reeves, que tenía el respaldo del estudio. Y así quedó.

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Morpheus (Matrix, 1999)

En Matrix, sólo Carrie-Ann Moss fue la única elección para interpretar su papel. El papel del sabio Morpheus primero tuvo a Gary Oldman y a Samuel L. Jackson en mente. Los Wachowski incluso le dieron el guión a Sean Connery, quien lo rechazó por no entender el guión. Laurence Fishburne tenía grandes zapatos que llenar.

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Randy “The Ram” Robinson (The Wrestler, 2008)

Esto no es un caso de rechazado, es que Nicholas Cage ya estaba contratado para hacer del viejo luchador que busca la gloria. El director Darren Aronofsky, sin embargo, peleó hasta el final por Mickey Rourke para el papel, e incluso le dijo a Cage muy respetuosamente que él no era quien quería. Cage, muy deportivamente, dejó a Rourke la cancha libre.

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Ángeles y Demonios: usar la "Historia" como trama

domingo, mayo 17, 2009 | Comments

angelsanddemonsposter Yo leí El Código Da Vinci de una forma afiebrada y apasionada, no con el apego de un cristiano dudoso, sino con el entusiasmo de un bibliófilo. Las interpretaciones sobre muchas de las cosas de la Iglesia católica siempre son interesantes de leer, y ello no tiene por qué cuestionar tu fe. Pero por supuesto, la novela de Dan Brown causó una enorme polémica que resultó en su éxito. Sin embargo, cuando la versión fílmica apareció finalmente hace tres años, falló en traducir la compleja trama a un medio audiovisual. Pero Ron Howard nos e amilanó, y el director decidió intentarlo de nuevo con la precuela (convertida en secuela) llamada Ángeles y Demonios.

A&D es considerado aún mejor que ELCDV, así que quizá es esperado que la película sea mejor que su predecesora, pues resuelve algunos elementos notables de ella; pero esta no será la maravilla taquillera que los éxitos de los libros podrían sugerir. Pero como leí por ahí, hay peores maneras en las que invertir dos horas.

Tom Hanks vuelve a repetir su papel del profesor Robert Langdon, que ha sido llamado por el Vaticano para resolver una simbología extraña que ha estado apareciendo luego de la muerte del último Papa, y por el secuestro de los preferiti –los cuatro cardenales favoritos a ser nombrados los nuevos Papa—que parecen sugerir que uno de los mayores enemigos de la Iglesia, los Iluminati, han regresado para cobrar venganza por la purga de la que fueron sometidos en el siglo XVII.

Adicionalmente, a Langdon lo acompaña la física Vittoria Vetra (la actriz israelí Ayelet Zurer), una física que trabaja en el laboratorio CERN de Suiza, donde las investigaciones de aceleramiento de partículas han logrado crear antimateria y podrían estar cerca de descubrir la “partícula de Dios” –y la antimateria ha sido robada y amenaza con destruir el Vaticano.

Langdon ya tiene un pique con la Iglesia por los eventos del Código Da Vinci, y eso es algo que el jefe de la Guardia Suiza, el comandante Richter (Stellan Skarsgard) no le deja olvidar, aunque el Camerlengo Patrick McKenna (Ewan MacGregor) parece más abierto, en especial si implica salvar al colegio cardenalicio que debe elegir al próximo Papa, una tarea que el Gran Elector, el cardenal Strauss (Armin Muehler-Stahl) se toma muy en serio.

Mi primera queja es que el Vaticano no le haya otorgado el permiso a la producción de filmar dentro de sus lugares (lo que obligó a los cineastas a construir una réplica de la Plaza San Pedro), pues además de que es evidencia de que muchos no leyeron el libro (por algo llamaron la película “inofensiva”) los escenarios sí se ven un poco artificiales, sin la grandeza de la cosa verdadera (aunque un aplauso para el fotógrafo Salvatore Totino y los directores de arte, pues muchas de las tomas más grandiosas se ven hermosas).

Luego, Zurer está absolutamente desperdiciada, limitándose a acompañar a Hanks a donde quiera que vaya: ¿Ella habrá leído el guión cuando reemplazó a Naomi Watts? ¿Será por eso que Watts no figuró? Tengo entendido que ella es una de las grandes estrellas israelíes; al menos Audrey Tatou tuvo un papel mucho más relevante en Da Vinci.

Y segundo, no sé si será en efecto el libro o si el guión de Akiva Goldsman y David Koeep (dos legendarios guionistas) adolece de esos problemas, pero muchas veces yo estaba pensando que simplemente querían darnos un tour por Roma, una clase de historia o demostrarnos lo inútiles que eran la policía italiana y la Guardia Suiza en detener a un asesino y terrorista.

Pero sea como sea, uno espera que de verdad el conocimiento histórico de Langdon sea suficiente para salvar a la Iglesia. Más que nada por Howard apunta la cámara a personajes que uno quiere de verdad aceptar como auténticos. Debo admitir que Hanks se ve mucho mejor que antes, quizá porque ha perdido peso y no tiene el ridículo peinado que tenía en la anterior película. Pero este papel, aunque quizá lo haga conocido para nuevas generaciones, no es un papel donde el evidente talento del dos veces ganador del Oscar merece.

No, el que brilla aquí, sin ninguna pregunta, es MacGregor. Es en misma medida dulce e imponente, aunque sea sólo un sacerdote en medio de cardenales; sin embargo, MacGregor tiene una respetuosa pero firme posición tanto en el papel como en la película que hace lo más agradable que ver.

La trama es directa, con sólo algunos huecos, y hay un interesante aunque quizá un poco forzado twist al final donde el verdadero villano es revelado. Puede que te haga sentir como un idiota por no deducirlo o puede que admires el trabajo de Brown y los guionistas. En cualquier caso, es una película que aspira mucho más de lo que logra, pero sin duda es un buen entretenimiento “pop”.

Detrás de cámara: Rian Johnson

sábado, mayo 16, 2009 | Comments

Rian Johnson. Imagen cortesía de Collider.com De todos los directores independientes que he escuchado mencionar en distintos blogs y podcasts de cine, hay un nombre que se repite insistentemente como el próximo gran director. Lo cual es algo ambicioso considerando que sólo tiene dos películas en su haber, aunque ciertamente son dos películas que (una) tiene una gran apreciación de culto y (otra) está a punto de estrenarse con unas encantadoras reseñas. Ese es el director y guionista Rian Johnson.

Nacido de una de las zonas menos “Hollywood” que se puedan imaginar, Johnson nació el 17 de diciembre de 1973 en Maryland, al noreste de los Estados Unidos. En algún momento se mudó a San Clemente, California, se graduó de la Escuela de Artes Cinemáticas de la Universidad del Sur de California en 1996. Su familia era de notables cinéfilos, pues recuerda viendo La Strada con su abuelo, Toro Salvaje con su papá y Casablanca con toda la familia. Para cuando se graduó de bachillerato, ya había filmado unos 90 cortometrajes con una cámara que su papá compró, la primera en su cuadra.

En una entrevista con el OC Register, Johnson cuenta que como su escuela no tenía un departamento audiovisual, manejaba tres veces a la semana a una escuela satelital a 20 minutos de distancia sólo para poder afinar su sentido visual, que yo podría describir como “minimalista”. Como todo director aspirante, fue un duro viaje para Johnson poder hacer su primera película, Brick. Terminó el guión en 1997, trabajó en varios puestos durante 6 años para conseguir el dinero para financiarla (la película costó un poquito menos de 500.000 dólares). Cuando lo logró conseguirlo (mucho a través del clásico préstamo de amigos y familia), pasó tres años haciendo la película y tratando de venderla a un distribuidor. Resultó un éxito el esfuerzo, pues Brick se estrenó en 2005 en el festival de Sundance y ganó el Premio Especial del Jurado por Originalidad de Visión. Terminó con una taquilla de 3,9 millones de dólares mundiales (un éxito rotundo considerando lo que costó) y tiene una evaluación de 78% en Rotten Tomatoes.

Digo “minimalista” porque por lo que vi de Brick es una película con un estilo visual único como pocos que demuestra que no necesitas un impactante efecto visual para lograr absorber a tu público, y con una historia directa pero lejos de ser simple. Es sin duda una film-noir (trata de un estudiante de bachillerato que trata de resolver el asesinato de una ex-novia), pero con una variedad de colores y hermosos escenarios que revelan que este es en efecto el pueblo donde Johnson creció, pues sabe bien a dónde enfocar la cámara para conseguir la toma que quiere. Y por lo que he visto de su segunda película, The Brothers Bloom (con Mark Ruffalo, Adrien Brody, Rachel Weisz y Rinko Kikuchi), hecha con 40 veces el presupuesto de Brick, sin embargo puedo decir que aún se siente como una pequeña película independiente con hermosa cinematografía.

Lo mejor de todo es que Johnson ha hecho una comedia cuando su primera película es un tenso thriller de crimen. Y su siguiente, Looper, trata sobre un grupo de asesinos a sueldo que son enviados al pasado para sus víctimas en el futuro. Muchos lo están empezando a comparar con Danny Boyle, que no se queda con un solo tipo de película que crear. ¿Le toca a Johnson un Oscar en algún momento? Quién sabe, pero parece que le está yendo bien en el camino. Mientras, tienen el chance de ver sus trabajos en su página web, observar las cosas que monta en su Tumblr o seguirlo en Twitter.

Plasma de Miércoles E20: Apocalypse Now (1979)

miércoles, mayo 13, 2009 | Comments

apocalypse_now_redux Vietnam fue un gran dolor de cabeza para los estadounidenses, sin duda. Pero mira que fue bueno para Hollywood, pues alguna de las mejores películas han sido basadas en la Guerra Maldita. Full Metal Jacket, de Kubrick, Platoon de Oliver Stone, The Deerhunter de Michael Cimino, Good Morning Vietnam de Barry Levinson... De una forma u otra, Vietnam ha servido de telón de fondo para algunas de las mejores historias para demostrar el horror de la guerra.

Pocas han sido tan duras como Apocalypse Now, que fue con lo que Francis Ford Coppola decidió seguir El Padrino adaptando la novela Hearts of Darkness, de Joseph Conrad. Su odisea para filmarla fue sin duda una de las más terribles experiencias en filmaciones, con un tiempo que no ayudaba, un Marlon Brando que estaba fuera de control y una Naturaleza que tampoco colaboraba. Uno ve el documental Hearts of Darkness, que es básicamente el “making of” de Apocalypse Now, y se da cuenta lo peligrosamente cerca que Coppola estuvo de perder su carrera –hasta su vida.

Por suerte para él, Apocalypse Now trascendió en mostrar el horror de la guerra; mostró el horror de la sociedad en general. Para aquellos que no se conforman con sus estándares, la sociedad termina por expurgarlos como si fueran un tumor, de una forma u otra. Y en vez de mejorar por ello, se va convirtiendo en algo horrible de contemplar, mucho menos vivir en ella.

La historia (y su narración) gira en torno al capitán Ben Willard (Martin Sheen, el padre de Charlie Sheen y Emilio Estévez), a quien se le ha asignado la misión de entrar a Cambodia –país que no está en la guerra— y localizar al coronel Walter Kurtz (Brando), un oficial con una impecable carrera que parece haberse vuelto loco, pues ha matado vietnamitas a diestra y siniestra. Willard, quien ha empezado a perder contacto con la realidad, toma un barco en camino a su presa, aunque aún antes de verlo empieza a tener una extraña influencia sobre él.

Hasta que aparece Brando –que es, sabes, Brando—Sheen domina esta película como un jinete sobre un potro salvaje. Uno lee tortura y cansancio en cada arruga de su cara, el dolor y el cansancio en sus ojos, pero está decidido a cumplir su misión, aún si ello significa llevar a sus compañeros (interpretados por Frederic Forrest, Sam Johnson, Albert Hall y un jovencísimo Laurence Fishburne) a una muerte segura. Claro, cuando sale Brando todos los ojos caen sobre él, por más de una razón; pero no se puede negar que es una visión imponente. ¿En realidad está loco? ¿O simplemente ha aceptado todo y ha decidido adaptarse como tal? Uno puede deducir cualquiera de las dos con sus últimas palabras en la película: “El horror... el horror...”

Pero es Robert Duvall a quien uno recuerda en esta película, como el teniente coronel Bill Kilgore, un arrogante líder de un batallón que está ansioso por la acción y es tan demente que no se le ocurre nada mejor que surfear en medio de un bombardeo. Es Kilgore quien dice la frase más famosa: “Me encanta el olor de napalm en las mañanas. Huele a... victoria”. Kilgore es la otra cara de la moneda de Kurtz; mientras el uno acepta la locura como parte del mundo y se convierte en ella, el otro la considera como parte de un plan para hacerlo a él quedar bien. No sorprende que sea él el que recibió la nominación al Oscar (como mejor actor de reparto). (La película fue nominada a ocho premios de la Academia en total, incluyendo Mejor Película y Mejor Director; sólo ganó Mejor Fotografía y Mejor Sonido.)

Como tantas películas clásicas, es divertido ver las apariciones de estrellas reconocidas cuando aún eran relativamente desconocidas. Esta es la primera película de Laurence Fishburne, mejor conocido como Morpheus (Matrix), cuando tenía sólo 14 años. También sale Harrison Ford como uno de los oficiales que le asigna a Willard su misión. Y el mejor papel breve es el de Dennis Hopper como un reportero gráfico que se une a Kurtz al final; para variar, su personaje parece estar constantemente en una sola nota de marihuana y café.

Esta es una de esas películas que no se aguanta los puños una vez que los empieza a lanzar. Es violenta, deprimente y tenebrosa, aún cuando haya plena luz del día. Su mensaje es tan poderoso como las escenas de violencia. Esta película creo que me recordó al cuadro del Guernica de Picasso; hay un innegable horror plasmado allí, pero está tratando de enviar un mensaje, y de manera tan provocativa que a uno no le queda otro remedio más que pararse y verlo todo con creciente incredulidad. Si encima le añades “The End” de The Doors en el fondo, sólo te queda decir: Qué increíble película.

NOTAS CURIOSAS

  • Steve McQueen fue el primero en rechazar el papel del capitán Willard. Harvey Keitel aceptó pero fue reemplazado por Coppola a dos semanas de iniciado el rodaje. Coppola le pidió a Al Pacino que aceptara el papel, pero éste le respondió: "Sé cómo va a ser. Vas a estar allí en un helicóptero diciéndome qué hacer, y yo estaré en un pantano por cinco meses”. (La filmación duró 16 meses.) También le ofrecieron el papel a Jack Nicholson, quien también lo rechazó. Jeff Bridges audicionó para el papel, y Nick Nolte dijo que nunca había querido un papel tanto en su vida, pero eventualmente terminó en manos de Martin Sheen.
  • Francis Ford Coppola perdió 45 kilos, invirtió muchos millones de dólares de su propio bolsillo (la película sobrepasó el presupuesto varias veces) y amenazó con suicidarse varias veces.
  • Coppola quedó horrorizado cuando Marlon Brando llegó (tarde) al plató en las Filipinas borracho, con varios kilos de sobrepeso (Kurtz es descrito en el libro como un tipo de un 1,80 pero sumamente delgado) y sin haber leído ni el guión ni Hearts of Darkness. Para resolver (y salvar a Coppola del suicidio), se filmó a Brando la mayor parte del tiempo con la cámara muy alejada de su lipa, para hacer ver al actor de 1,75 como un fornido hombre alto. Coppola pasó días leyéndole la novela a Brando en voz alta, pero llegó un momento en que éste enfureció al director tanto que sus escenas fueron filmadas por el director asistente, Jery Ziesmer.
  • Brando tuvo un sueldo adelantado de un millón de dólares por hacer esta película, e inicialmente amenazó renunciar y quedarse con el sueldo. Cuando finalmente leyó el guión, no le gustó y se rehusó a hacerlo. Luego de días de discusiones sobre líneas únicas de diálogo, se acordó filmar de una manera improvisada, y con la estipulación adicional de Brando que lo filmaran en tinieblas.
  • Un último ejemplo de la ladilla que era Marlon Brando: cuando Coppola le describió el personaje al principio, a Brando le pareció que un coronel estadounidense no tendría un nombre como Kurtz, sino uno inglés como “Leighley”, ya que no agarraba la referencia por no haber leído la novela. Cuando lo hizo (ya después de la filmación), como le gustó el libro, exigió que su personaje fuera renombrado Kurtz. El único que lo nombra en cámara es Harrison Ford, así que él dobló su nuevo parlamento para acomodar a su Majestad.
  • La escena más impactante para mí es el sacrificio de un búfalo de agua (carabo en filipino) cerca del final. Es un sacrificio verdadero.
  • Laurence Fishburne mintió sobre su edad cuando filmó esta película (dijo que tenía 17 años cuando en realidad tenía 14).

El trailer más absurdo e irresistible que he visto: Mega Shark vs. Giant Octopus

lunes, mayo 11, 2009 | Comments

¿Se acuerdan esa época en que a cada rato aparecían nuevas películas de monstruos, sobre todo en esas mañanas de domingo o sábado en Venevisión o RCTV? Esta vaina parece salida de ahí. El director Jack Perez, cuyo, ejem, salto a la fama fue dirigir Criaturas Salvajes 2, ha resucitado a Lorenzo Lamas (El Renegado, Falcon Crest) y nada menos que a la ex cantante pop Debbie --perdón-- Deborah Gibson y los juntó en esta historia de un tiburón gigante y un pulpo gigante que son descongelados (pana, qué suerte tienen estos que no mucha gente ve el Discovery Channel) luego de miles de años y destruyen San Francisco mientras tratan de destruirse el uno al otro. ¿Y el título de este futurop clásico de culto? Mega Shark vs. Giant Octopus. ¡Esto huele a Godzilla vs. King Kong o algo así! Yo lo lamento si ustedes cancelan su suscripción a mi RSS o algo así, pero esto se ve demasiado ridículo como para ignorar, y sale en DVD directo el 26 de mayo. Vean el trailer cortesía de Film School Rejects.

Tu madre es una santa en comparación

domingo, mayo 10, 2009 | Comments

Todos los años, hay que hacerle alguna especie de homenaje a las madres en su día. (Claro, porque la tienes ignorada el resto del año, ¿verdad? Pena te debería dar...) Y el cine da amplias oportunidades para eso, considerando cómo. Pero eso de las “mejores madres del cine” es tan del año pasado...

Cierto, hay muchas madres que pueden ser un poquito sobrecogedoras en aquello del instinto maternal. ¿Saben, aquello de “madre sólo hay una, y me tocó a mí”? Pues para aquellos que en vez de quejarse así de vez en cuando han hecho de esto un leif motif, considero apropiado (y más original, porque a nadie se le ocurrió antes, ¿verdad?) presentarles para este año las cinco peores madres del cine (al menos que yo haya visto). Créanme, una vez que hayan terminado con esta lista, su madre parecerá la Madre Teresa.

piper_laurie-carrie_white-murder-suicide118  5.- Margaret White, Carrie (1976)

Margaret White (Piper Laurie) es la madre fundamentalista al extremo. No hay nada que ella no considere un pecado. ¿Llegaste a la adolescencia? Pecaste. ¿Te llegó la regla? Pecaste. ¿Concebiste un hijo? Pecaste, coño. ¿Existes, Carrie? El mayor pecado de todos. Piper Laurie creó uno de los personajes más odiados tanto de literatura como del cine, en esta adaptación de la primera novela de Stephen King. Nada de lo que su pobre hija Carrie (Sissy Spacek) hacía la salvaba de su ira, y entre sus castigos estaba encerrarla en el closet con un altar. Ah sí, y la golpeaba. Es tan aterrorizante que uno nunca se imaginaría que Laurie vio a Carrie como una comedia, y su risa involuntaria arruinó varias tomas. Brian dePalma debe haberla odiado. ¿Que no sabe que uno no trata así a una telequinética?

4.- Elaine Robinson, El Graduado (1973) 039_9631~Anne-Bancroft-Posters

Es una cosa coquetear con gente menor que tú. Es otra cosa negarle la felicidad a tu hija por eso. Ben (Dustin Hoffman) es todo nervio y angustia juvenil cuando la francamente hermosa Elaine Robinson (Anne Bancroft) empieza a hacerle ojitos, lo que inspira una de las preguntas más famosas del cine: “Señora Robinson, ¿está tratando de seducirme?” ¿Tú qué crees, tarado? Y no sólo eso: cuando su hija (Katharine Ross) empieza a enamorarse de Ben, su madre –que aún está casada, valga acotar—hace lo imposible, no sólo para que no funcione, sino para que el carajo no se quede con nadie. Buena esa.

3.- La mamá de Stifler, American Pie (1999)

coolidge Heredera indiscutible de la señora Robinson, hay pocas madres seductoras –en el sentido literal de la palabra— como la mamá de Stifler (Jennifer Coolidge). Pana ¡te acostaste con uno de sus amigos! ¡Un carajo veinte años menor! ¡En la mesa de billar! ¡Inspiraste una canción! Al menos la mamá de Stifler no estaba casada, pero sabes, escoger tirarte a un chamo (Eddie Kaye Thomas) durante la fiesta de tu hijo (Sean William Scott) es como demasiado. Y cuando el pobre muchacho –bueno, “pobre”; rolo’e sátrapa que es— entra, tú como si nada. Faltó que le pidiera que lo filmara.

 9-1 2.- Sra. Bates, Psicosis (1960)

Hay madres que no te dejan en paz, ni siquiera después de muertas. El pobre Norman Bates (Anthony Perkins) sólo quisiera escuchar Beethoven y dedicarse a la taxidermia. Pero nooo, su madre lo que hace es constantemente reclamarle que mantenga limpio su hotel de mala muerte. ¡No hay forma de complacerla! Bueno, parece que aprendió, pues esa ducha en el cuarto No. 1 está impecablemente limpia. SPOILER (resalta texto): La mayoría de las madres al menos salen del cerebro de sus hijos luego de muertas, y no te exigen que mates a cualquiera que se acerque... Mala madre Bates, mala.

serial_mother_serial_mom_1993_imagesfilm 1.- Beverly Sutphin, Serial Mom (1994)

El amor de una madre no conoce límites. Y menos en el caso de Beverly Sutphin (Kathleen Turner). ¿Cómo osas humillar a mi hijo? El profesor de matemáticas terminó del lado equivocado de una camioneta. ¿Te atreves a partirle el corazón a mi hija? Muerto quedaste. En esta muy oscura comedia, Beverly destruye toda cordura cuando está decidida a hacer de su hogar uno armonioso –o matar al mundo si no. Cierto, hay quienes se lo merecen –¿cuántas veces no hemos querido matar a una vecina ladilla con una pata de cordero?—pero sabes, hay un límite (¿o maneras?) para demostrar el amor de una madre.

MENCIONES ESPECIALES

  • Eleanor Iselin (Angela Langsbury) en The Manchurian Candidate (1962). Hay muchas formas de ganar las elecciones. Lavarle el cerebro a tu hijo para que asesine a tus rivales no es una.
  • Beth Jarrett (Mary Tyler Moore) en Ordinary People (1980). Está bien, tu hijo mayor murió. Pero eso no es excusa para que lleves a tu hijo menor (Timothy Hutton) a intentar suicidarse.
  • Joan Crawford (Fay Dunaway) en Mommie Dearest. Si hemos de creerle a su hija adoptiva, la legendaria actriz era la peor madre de todas (la película está basada en la autobiografía de Christina Crawford). Yo nunca más usaría un gancho de ropa de alambre luego de ver esto.

Mientras tanto, en Internet...

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